TEORÍAS DE LA INTERPRETACIÓN

EJES DE DEBATE Muchas teorías tratan de dar respuesta a estas preguntas: ¿Sentir o pensar? El actor debe interpretar “desde el corazón” El actor debe utilizar la racionalidad y la observación, interpretando “desde el cerebro”.

EJES DE DEBATE ¿Vivir el personaje o mostrarlo? El actor debe experimentar plenamente las circunstancias, sentimientos y pensamiento del personajes. El actor debe mostrar el personaje: no tiene que ser esa persona sino reflejarla.

EJES DE DEBATE ¿Identificarse con el personaje o distanciarse de él? El actor debe fusionarse con el personaje para entender su comportamiento y su psicología. El actor debe mantenerse alejado del personaje, para que no establezca relaciones de apego emocional y pueda comprenderlo y mostrarlo mejor.

EJES DE DEBATE ¿Cómo debe ser el trabajo del actor: de dentro a afuera o de fuera a adentro? El actor debe ir desde lo interno (la emoción, lo psicológico) hasta lo externo (la acción física, la conducta). El actor debe iniciar el proceso creativo desde lo externo, para llegar a lo interno.

EJES DE DEBATE ¿Autobiografía o imaginación? En la construcción del personaje el actor debe utilizar sus vivencias y recuerdos personajes. En la construcción del personaje el actor solo debe recurrir a su imaginación.

PRIMEROS TEÓRICOS Shakespeare o Lope de Vega fueron los primeros en introducir en sus obras recomendaciones a los actores. Primeros estudios específicos sobre interpretación: s.XVIII Rémond de Saint-Albine con su obra Comédien. Interpretar metiéndose en el personaje. Diderot: el verdadero actor debe utilizar su cerebro para emocionarse. Diderot

EL INICIO DEL PSICOLOGISMO S.XIX: se incorpora el psicologismo en el trabajo actoral y en las teorías interpretativas. Corriente realista: Los actores deben representar fielmente el entorno social y los comportamiento pero de una forma estilizada. Importancia de los ensayos, del trabajo de mesa, igualdad trabajadores-actores. Directores representativos: Charles Kean y Heinrich Laube. Corriente naturalista: Un paso más allá: los actores deben reproducir totalmente la realidad, sin estilización alguna. Directores representativos: Meinninger y André Antoine.

EL SISTEMA STANISLAVSKI Konstantin Stanislavki (1863-1938) Hijo de un industrial y una actriz. Subió por primera vez a un escenario cuando era niño. Funda con otros jóvenes la Sociedad de Arte y Literatura. Todos ellos estaban interesados por un teatro más moderno, menos encorsetado. En 1897 junto con Danchenko funda el teatro de Arte de Moscú. Ambos buscan la creación de un teatro más cercano, más “verdadero”. Inicia sus trabajo en 1898 en un pequeño teatro de Moscú. El éxito les acompaño desde el principio. Hicieron giras por todo el mundo y su propuesta interpretativa fue asumidad por numerosas escuelas.

EL SISTEMA STANISLAVSKI Una idea dirige toda la tarea de Stanislavski: hacer un teatro que llegue al público y que lo perciba como algo cercano, realista, posible. El actor debe identificarse al máximo con su personaje, y comprender profundamente el contenido de la obra: “el subtexto” oculto tras sus palabras Obras: Un actor se prepara (1936) La construcción del personaje (1948) Mi vida en el Arte

PRINCIPIOS TEÓRICOS El método son una serie de herramientas que el director da al actor para conseguir una interpretación lo más cercana a la realidad. Pasos a seguir: Relajación Concentración Las circunstancias previas El objetivo/superobjetivo El “si” Memoria emocional y afectiva

STANISLAVSKI

ETAPAS DENTRO DE SU TRAYECTORIA Se pueden distinguir tres etapas: 1ª Etapa (hasta 1892): Idealismo y planteamientos psicológicos. Importancia de la voluntad, de la observación de la vida y capacidad de sentir. 2ªEtapa (hasta 1930): Revisiones de su sistema. Busca llegar a la verdad a través de la vivencia, la imaginación y largo trabajo de mesa. El trabajo del actor debe ir de lo interno a lo externo. 3ª Etapa (hasta el final de su vida): Cambio de rumbo. Elaboración del “Sistema de las Acciones Física Fundamentales”)

ETAPAS DENTRO DE SU TRAYECTORIA “Método de las acciones físicas”. Es una acción concreta la que lleva al actor a una disposición anímica para interpretar al personaje. Si el actor se centra en la memoria emocional obliga al actor a encerrarse en sí mismo y esto dificulta la relación con el resto de personajes.

EL LEGADO DE STANISLAVKI Unión Soviética: Fue tomado como referencia escénica oficial y se exportó a otros países. Estados Unidos: Es aquí donde ejerció una mayor influencia. 1931: un grupo de actores (Stella Adler, Harold Clurman, Cheryl Crawford…) forman The Group Theatre, basándose en el primer Stanislavski y centrándose en la emoción. El grupo se disuelve en 1934.

EL LEGADO DE STANISLAVSKI

EL LEGADO DE STANISLAVSKI 1947 El Actor’s Studio: Fundado por Crawfford, Bob Lewis y Elia Kazan. Aquí se creó el Método del Actor’s Studio. Máximo éxito con Lee Strasberg como director. Este método se basa en principios del primer Stanislavski, en la memoria emocional y en el trabajo autobiográfico del actor. Algunos de los alumnos fueron: Marlon Brando, Paul Newman, Marilyn Monroe o James Dean. También nacen de esta escuela actores como Al Pacino y Robert de Niro.

Lee Strasberg The Actor’s Studio

James Dean Marlon Brando Marilyn Monroe Paul Newman

EL LEGADO DE STANISLAVSKI España: llegó épocas después. Destaca el trabajo de Ángel Gutiérrez que volvió de Moscú en 1974 con un amplio conocimiento. También destaca William Layton (americano afincado en España). Defendía la concentración del actor en el “otro” y en las circunstancias imaginarias.