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LA PINTURA GOTICA FRANCOGÓTICO O LINEAL sig. XII- 1330 ITALOGÓTICO 1300-1400 INTERNACIONAL 1380-1450 FLAMENCO sig. XV.

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1 LA PINTURA GOTICA FRANCOGÓTICO O LINEAL sig. XII ITALOGÓTICO INTERNACIONAL FLAMENCO sig. XV

2 La PINTURA se analiza desde el punto de vista formal o plástico, de su contenido y significado. Para ello ha de conocerse el soporte (tabla, tela, muro...), la técnica (fresco, óleo, acuarela...) y la estructura de la obra (composición, perspectiva, tipo de luz y color). A ello se une el contenido y significado de la pintura (mágico, religioso, civil, paisaje…). Para la comprensión de un tema es esencial el conocimiento de la iconografía y comprender el significado de los signos. La pintura posee una finalidad (decorativa, conmemorativa, totémica, religiosa, didáctica…), que se tiene que relacionar con una época histórica.

3 INTRODUCCIÓN: CONTEXTO HISTORICO -Durante el Gótico se va a producir una evolución del pensamiento, el hombre deja de obsesionarse sólo por Dios y descubre al hombre y a la naturaleza que le rodea, el arte vuelve a la naturaleza, se hace naturalista. -En la Baja Edad Media se redescubre al hombre, se produce el despertar del humanismo, en pintura esto va a afectar a las figuras, que ahora se parecen y se comportan como verdaderos seres humanos, se inclinan y giran, sonríen, se lamentan, conversan, se comunican entre ellas. -Importante en el triunfo del humanismo y el naturalismo fue la vuelta a la filosofía aristotélica, gracias a la obra de Santo Tomás de Aquino. -Otro importante factor fue el desarrollo de las ciudades, que se convierten en foco de atracción de la población rural y dan lugar a una nueva estructura social gracias a la expansión de los artesanos y comerciantes, que permitieron el triunfo de la burguesía, cuyas nuevas formas y estilo de vida repercutieron en un arte más rico y decorado. - Cronológicamente el Gótico, nacido en Francia, desde donde se extiende al resto de Europa, se desarrolla desde finales del siglo XII hasta, según zonas, el siglo XV:

4 CRONOLOGIA : APARICION DE LA PINTURA GÓTICA El estilo de pintura GOTICO no apareció hasta el 1200, casi 50 años más tarde que la arquitectura y la escultura. La transición del románico al gótico ocurrió en el sig. XIII en Inglaterra,Francia y Alemania y en el sig. XIV en Italia: Las caracteristicas de la nueva pintura són: Son naturalistas y realistas, aproximándose a la imitación de la naturaleza que sera mas tarde el ideal del renacimiento. La representacion del paisaje es poco usual En las representaciones religiosas (Santos Angeles,la Virgen o Cristo) se busca el plano más humano que divino, y expresan emociones (placer, dolor, ternura etc.) alejándose del hieratismo y el formalismo del Románico. Hay tambien lentos avances en la perspectiva Cambian los soportes y las técnicas. Se utilizan 4 técnicas principales: FRESCOS se continua la tradición románica de narrar historia sagrada sobre muros VIDRIERAS en el N de Europa són la forma artística mas importante en el XV Pintura sobre tabla COMIENZA EN Italia en el sig. XIII extendiendose por toda Europa Las MINIATURA E ILUMINACIONES de manuscritos

5 PINTURA GOTICA: CARACTERISTICAS GENERALES 1.1. Precedentes - Los precedentes de la pintura gótica hay que buscarlos en la pintura románica occidental, frescos, frontales de altar e iluminación de libros sobre todo, y principalmente en la pintura y mosaicos bizantinos, muy especialmente sus iconos Soportes y técnicas - La pintura gótica implica grandes cambios respecto a la pintura románica debido a la sustitución de los muros por vidrieras, lo que supone la búsqueda de otros soportes y técnicas. -Al principio el protagonismo será casi exclusivamente de las vidrieras y de la iluminación de libros con miniaturas, desarrollándose en una fase más avanzada del Gótico la pintura sobre la tabla. - Las técnicas empleadas en pintura son variadas, según los soportes: en pintura sobre tabla el temple, con aglutinante de huevo o colas, permite su aplicación con finos pinceles, lográndose un gran detallismo y colores más intensos y brillantes, y, a partir del siglo XV, también el óleo, con aceites como aglutinante del color, lo que permite el repinte; y el fresco en las pinturas murales allí donde siguen siendo importantes.

6 1.3. Elementos plásticos - El dibujo tiene una gran importancia: delimita formas, marca modelados, crea ritmos compositivos. - Importancia del volumen, pasando con el tiempo desde los tonos planos al juego de contraluces. - La luz contribuye a destacar el volumen, pero en general no es una luz real y puede tener contenido simbólico. - El color es un elemento clave, pero con frecuencia es un colorido irreal lleno de contenido simbólico. - El interés por la perspectiva también evoluciona, apareciendo la preocupación por el espacio pictórico a partir del siglo XIV, con los pintores italianos y el gótico internacional, pero serán sus primeros grandes maestros, en el XV, los pintores del primer Renacimiento italiano y los primitivos flamencos, dentro de este tema dedicado al Gótico pero siguen siendo muy abundantes los típicos fondos neutros dorados a base de pan de oro. - La composición se basa en el eje de simetría, con los elementos orientados hacia el centro teórico del cuadro. - Las formas de expresión reflejan un nuevo ideal estético hacia un naturalismo idealizado individual y expresivo, individualizándose los rostros, incluso en los grupos, al igual que en la escultura.

7 1.4. Temática e iconografía - La temática es fundamentalmente religiosa. Los temas se inspiran en la vida de Jesús, de la Virgen y de los Santos destacando entre estos los apóstoles y los santos titulares. - En menor escala también encontramos ejemplos de pintura profana, desarrollándose ahora el retrato. - Por último decir que la pintura gótica tiene un carácter narrativo y una finalidad didáctica y devocional. Van der Weyden son: Descendimiento. ( ) El beso de Judas – Giotto /gotica italiana Florencia Pintura gotica Flamenca

8 A)La vidriera se constituye la principal forma de pintura monumental, transforma la arquitectura del momento y se convierte en el vehículo idóneo para expresar los conceptos de la mística y el simbolismo del Cristianismo de los siglos finales de la Edad Media. -La técnica de las vidrieras comienza en Francia en el siglo XII: se montan los vidrios, coloreados con tonos azules, rojos, amarillos y verdes en la pasta vítrea fundida o posteriormente, sobre un bastidor emplomado, logrando el efecto de un mosaico transparente. -Su momento culminante fue el siglo XIII, con los grandes ciclos de Chartres, Reims o León. Posteriormente evoluciona en paralelo a la pintura, mayor gama cromática, sustitución de los personajes aislados por representaciones de carácter narrativo, etc. -El edificio más importante en la evolución de la arquitectura gótica del siglo XIII, dentro del proceso de sustitución del muro por paramentos translúcidos fue, sin duda, la Sainte Chapelle de París. -_ La dependencia de la pintura en la creacion de vidrieras fue enorme sobre todo en Italia, donde ya desde el siglo XIV, fueron pintores tan reconocidos como Simone Martini, Ghirlandaio, Ghiberti, Uccello, Andrea del Castagno, Donatello, etc., quienes comenzaron a proporcionar cartones a los vidrieros. Esta dependencia de la pintura hizo que el arte de los vidrieros italianos no tan fuera apreciado y valorado por sus compatriotas pintores como lo fue en el Norte de Europa.

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10 B) El retablo Hizo su aparición en el siglo XIV. Al principio formaban trípticos con tablas o con imágenes y tablas. Las imágenes se colocaban sobre peanas y todo el retablo estaba adornado con doseletes y cresterías doseletescresterías -El retablo será el soporte gótico por excelencia, evolucionando al pasar de una tabla a dos "díptico", tres "tríptico" o a muchas, "políptico". A veces las tablas laterales eran abatibles con el fin de cerrar el conjunto, en este caso su cara exterior se pinta con tonos grises, "grisallas", que semejan esculturas. -El retablo hasta mediados del siglo XIV consistía simplemente en una serie de tablas pintadas con sentido ilustrativo y descriptivo de la vida del santo titular, ocupando el centro la efigie del mismo y a su alrededor, en pequeños recuadros, escenas de su vida. - Pero en la segunda mitad del s. XIV el retablo pictórico ya está formado, es rígido, con múltiples tablas, con una ordenación de base arquitectónica y con una distribución iconográfica uniforme. Su organización es del modo siguiente:

11 + En la predela o banco, parte inferior de menor altura, pintan bustos de santos. + En el cuerpo central está representado el tema principal de la obra. + En las calles o zonas verticales se recogen las escenas secundarias o complementarias del tema central, organizadas en cuerpos o divisiones horizontales que forman recuadros que se decoran con un marco gótico trobolado y remate de tracería, generalmente flamígero. + En las entrecalles, pequeñas tablas pintadas con santos en unos retablos, y en otros finas columnas o pilares. En ambos casos rematadas con pináculos con cardinas, decoración vegetal a base de hojas. + Las cumbreras o espigas son los remates superiores de las calles. En la central se pinta, casi sin excepción, el Calvario, en las restantes los temas no están fijados.

12 Atico- Calvario Calle central Predela Calle

13 Tripticos

14 Triptico Gotico, Temple / Simone Martini, escuela de Siena

15 Políptico/Juan Van Eych El Retablo del Cordero Mistico

16 TRIPTICO- El Bosco / El Jardín de las Delicias

17 PINTURA GOTICA EL trecento italiano, donde se muestra un mayor interés por la belleza naturalista y el juego de volúmenes.. En los primeros años del siglo XIV, aparecen dos escuelas de pintura en la Toscana y ambas constituyen el antecedente directo del Renacimiento Italiano: la Escuela Florentina y la Escuela Sienesa. De las dos, la más innovadora es la florentina y tiene a Giotto como su máximo representante. Giotto rompe con los convencionalismos de la tradición bizantina que imperaba hasta entonces en Italia y su espíritu de observación de la realidad le distancia de los maestros sieneses coetáneos. Las expresiones dramáticas de los rostros, las figuras en movimiento y la gradación de sus colores suponen un avance sustancial, aunque sus montañas sean convencionales, sus fondos aún dorados y su paisaje muy esquemático. Él es la transición de la pintura gótica feudal y la renacentista en Italia. Ejemplo: La Deposición del cuerpo de Cristo en la Capilla Scrovegni.

18 ESTILO FRANCOGÓTICO O LINEAL ESTILO ITALOGÓTICO-ESCUELAS FLORENCIA Y SIENA ESTILO INTERNACIONAL O CORTESANO ESCUELA FLAMENCA

19 ESTILO FRANCOGÓTICO O LINEAL SIG. XII-XIII Es un estilo cortesano, que nace en las cortes de Paris y Borgoña, con clara influencia de las vidrieras y las miniaturas. CARACTERISTICAS: Predomina la linea sobre el color.Los gruesos trazos negros que delimitan los contornos recuerdan a los cristales emplomados de las vidrieras. Son figuras sin volumen aunque menos hieráticas que las del románico

20 ESTILO ITALOGÓTICO O TRECENTISTA Iniciado e Italia en el siglo XIV. CARACTERISTICAS: *Mantiene la influencia bizantina- (Monumentalidad, Simeria, y Hieratismo) pero empieza a tener un cierto naturalismo La utilizacion de colores claros con formas de dibujo curvo y sinuoso la hacen mas dulce y elegante. Se hacen los primeros intentos de conseguir el volumen y la perspectiva, se combinan los fondos dorados con decoraciones paisajísticas y arquitectónicas. El desarrollo de la pintura en Italia es tal que llegan a distinguirse dos escuelas: la de Florencia y la de Siena Siena: Destacan figuras como DUCCIO (LA MAESTÁ)SIMONE MARTINI Y LOS HERMANOS LORENZETTI. EN ESPAÑA DESTACA FERRER BASSA Y LOS HERMANOS SERRA FLORENCIA- Giotto di Bondone -PRECURSOR DEL RENACIMIENTO

21 Capilla de la Arena Padua Es la obra maestra de Giotto.

22 ESCUELA DE FLORENCIA - GIOTTO GIOTTO DI BONDONE se considera el precursor de la pintura renacentista EL ENTIERRO DE CRISTO Capilla de la Arena Padua AUTOR: Giotto TITULO: El Entierro de Cristo EPOCA: TRECENTO (1304-6) ESTILO: Italo Gotico UBICACIÓN: Capilla de la Arena Padua FORMATO: Pintura mural al fresco ( sobre el estuco húmedo) TEMA: Es una pintura religiosa Su tema es el entierro de Jesús. La novedad de Giotto di Bondone es el tratamiento del tema. Giotto redescubrió el arte de crear ilusión de la profundidad sobre una superficie plana. Lo que le permitió cambiar el concepto de la pintura. La pintura libro de la EM deja paso a la ilusión de que el tema religioso ocurre allí mismo frente al espectador.

23 TEMA: En este cuadro se ve a Jesucristo, descendido de la cruz, rodeado por las mujeres y los apóstoles. Están juntos los rostro de Cristo muerto y de su madre María, quebrada por el dolor, que mira intensamente el cadáver de su hijo. Las demás figuras expresan su dolor, cada una a su manera: unas se muestran dobladas sobre sí mismas del dolor, otras hacen gestos. Así, san Juan aparece con los brazos abiertos, mientras que María Magdalena, sentada en el suelo, coge con afecto los pies del muerto. Incluso los diez ángeles que aparecen en el cielo, en escorzo, se unen a estas diversas manifestaciones de la desesperación: lloran, se mesan los cabellos o se cubren el rostro.JesucristoMaríaMaría Magdalenaángelesescorzo COMPOSICION: La composición del cuadro está al servicio del drama humano que allí está ocurriendo en el centro el cuerpo desnudo de Jesús, cuya horizontal dispone al resto de personajes. El suceso tiene lugar en un paisaje abierto a donde acuden incluso unos ángeles que se unen al dolor del momento. El grupo doliente del extremo izquierdo, de pie, compensa la elevación de la otra parte, el macizo rocoso de la derecha. Las actitudes de las santas mujeres, de Nicodemo, de San José de Arimatea o del Evangelista, son un trasunto del dolor más extremo de María, que levanta con los brazos a su hijo muerto. Las mujeres que se presentan de espaldas al espectador ayudan a dar la sensación de espacialidad, junto con los colores, que se distribuyen en varios planos. Pero todo ello está figurado para ilustrar más claramente el verdadero motivo del cuadro: las expresiones de dolor, tragedia y drama se ponen al servicio de la composición, para mostrar el sufrimiento humano ante la muerte. Nunca en la pintura anterior se había presentado una expresión más viva como en el arte de Giotto. Los personajes cubiertos por amplias túnicas, construyen la escena en un espacio volumétrico y espacial.

24 La resurreccion de Lázaro- Giotto TECNICA: PINTURA AL FRESCO LOCALIZACION : CAPILLA DE LA ARENA, PADUA TEMA: Religioso La Resurreccion de Lazaro DESCRIPCION La escena se basa en el relato del antiguo testamento según el cual,Jesús resucitó a Lazaro q ue salió de su tumba cubierto por el sudario. La importancia y la novedad esta en el tratamiento que Giotto hace de este tema Cristo situado a la izquierda levanta su mano bendiciendo a Lázaro que envuelto en un sudario y muy palido está rodeado por sus familiares, que lo observan admirados. Frente a Jesus y en el centro de la escena, Maria y Marta, las hermanas de Lazaro se arrodillan ante Jesus como muestra de agradecimiento. Giotto consigue humanizar la escena y hacerla verosímil y próxima al espectador a la escena religiosa.

25 La figura de Cristo es del mismo tamaño que el resto. Jesus es un personaje más de la escena, una escena en la que los personajes muestran su parte humana, sorpresa, agradecimiento, incredulidad etc. El fondo ya no es el dorado neutro, sino un paisaje, que aunque muy escueto muestra el lugar la puerta de la cueva donde había sido enterrado Lázaro, el dorado solo lo utiliza en las aureolas de los personajes. Las figuras están en movimiento expresando con sus gestos su reacción ante la escena, son rostros individualizados.Los ropajesy las túnicas, muy clásicas están matizadas y los pliegues tienen volumen. Hay un intento de perspectiva geométrica, los personajes ocupan planos distintos y se tapan unos a otros, y en primer plano hay un personaje inclinado sujetando la losa que es un intento de escorzo La composición es triangular. los personajes forman un triangulo invertido, manteniendo la simetría entre el grupo de Jesús y el de Lázaro, que se cierra en las figuras del primer plano Utiliza colores muy suaves que crean una luz que ayuda a la precepción de perspectiva. Giotto es el gran renovador de la pintura, aunque se le considera un pintor del gótico el introduce todas las novedades que se consideran renacentistas:la humanización de los temas religiosos, el naturalismo, la prespectiva, el paisaje.

26 Giotto di Bondone

27 ESCUELA DE SIENA Simone Martini: La Aunciación Siena fue ciudad rival política de Florencia durante gran parte de la Edad Media. También tuvo una actividad artística más relevante que Florencia (aunque sólo hasta el XV). La Anunciación entre los santos Ansano y Margarita, pues ellos dos son los personajes que aparecen en los espacios laterales.

28 CARACTERISTICAS DE LA PINTURA GOTICA DE SIENA Las principales características de la pintura gótica de la Escuela de Siena son: Riqueza del color. Aristocratismo. Lujo Belleza de las vestimentas. Cuidado del dibujo, de la línea. * Es una pintura mas suave que la pintura de Giotto y la Escuela de Florencia, que es más fuerte de expresión. * Tendencia a los iconos. * Cierta influencia de los libros iluminados. * Las formas estan dibujadas con una línea de caligrafía, ligera... * Importancia del color azul que se hace con polvo de lapislázuli. Los pintores más importantes de la Escuela de Siena fueron: Duccio y Simone Martini.

29 En el centro de la obra se representa el motivo principal de la escena, con el ángel San Gabriel notificándole a María la buena nueva, en este caso, no sólo a través de la expresión y las actitudes de ambos personajes, que ya son de por sí explícitas, sino también a través del texto que surgido de los labios del ángel se reproduce sobre el fondo dorado: "Ave María, gratia plena, Dominus tecum". Sobre ellos el Espíritu Santo revolotea rodeado de querubines. Por tanto el motivo iconográfico insiste en el tema de la Anunciación, tan frecuente por tanto en este periodo, y que está en relación con el mayor protagonismo adquirido por el tema mariano en el estilo gótico. La obra la realiza en colaboración con su cuñado Lippo Memmi, que ya hemos comentado que es otro de los nombres propios de la Escuela Sienesa, aunque no se sabe a ciencia cierta qué es lo que hizo cada uno de ellos sobre esta obra. De todas formas en el panel central del tríptico se advierten todas las características que en otras obras definen el estilo delicado de Simone Martín, por lo que habría que considerarle como autor principal.

30 La obra, es una tabla con todo el carácter sutil y aristocrático propio de la pintura sienesa y de su autor. El tratamiento de la línea. Una línea fina, sinuosa en su ritmo y delicadísima en su aplicación, que marca el tono sensual de la obra y en cuyo espacio las dos figuras parecen gravitar. El color, el de los tonos rosados y azules de las figuras, pero especialmente el de los ricos dorados que al fondo envuelven en un halo de divinidad toda la escena, y aportan además el carácter rico y ampuloso de esta pintura aristocrática. Compositivamente la escena se equilibra en una estructura simétrica, en la que los dos personajes se abren en sendas curvas divergentes para ampliar el espacio de la composición. Detalles como los dedos filiformes de los protagonistas enriquecen el tono distinguido de la obra. Como también ocurre en el búcaro con los lirios, símbolo mariano de pureza y virginidad, que marca el eje de simetría en el centro de la composición. La expresión es igualmente característica, esa expresión arrebolada en la Virgen y sonriente en el ángel, que es repetitiva en la plástica del periodo Gótico y muy especialmente en este tipo de iconografías.

31 ESTILO INTERNACIONAL O CORTESANO Desarrollado en todas las Cortes Europes, unifica la estilización propia del gótico Francés y el naturalismo del gótico italiano. Es elegante, refinado, detallista hasta el extremo, colorista y anecdótico. Mezcla los fondos dorados con paisajes ideales. Los autores mas cono cidos són los hermanos Limburg, y en España: Lluis Rabassa, Bernat Martorell y Nicolás Francés

32 Hermanos Limbourg

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34 ESCUELA FLAMENCA

35 ESTILO O PINTURA FLAMENCA Sig. XV /Paises Bajos (Flandes Bruselas Gante, Brujas) Deriva técnicamente del Gótico internacional El perfeccionamiento de la técnica del óleo, permitió alcanzar un detallismo y una luminosidad imposible de conseguir con otras técnicas. Los principales representantes són Jan van Eyck, Roger van der Weyden.Jan van EyckRoger van der Weyden CARACTERISTICAS: Mantienen muchas características del Gotico Internacional pero introducen características propias: * Naturalismo, rasgo que comparte con los maestros italiano * Cierta vena caricaturesca y fantástica * Una mayor sensibilidad a la realidad del pueblo llano y sus costumbres. * Los temas están menos idealizados que las pinturas italianas, con una marcada tendencia por el detallismo casi microscópico que aplican a las representaciones (influencia de los maestros tardogóticos y la Miniatura)Miniatura * Tendencia hacia lo decorativo, sin demasiado interés por disquisiciones teóricas. * A mediados del siglo XVI el Clasicismo italiano entra con fuerza en la pintura flamenca, manifestándose en la llamada «Escuela de Amberes» * A la difusión de los nuevos modelos contribuyó mucho el grabado, que puso al alcance de prácticamene cualquier artista las obras producidas en otras escuelas y lugares, poniendo muy de moda en toda Europa el estilo italianizante.grabado

36 LOS PRINCIPALES REPRESENTANTES DE LA ESCUELA FLAMENCA SON : Juan y Humberto Van Eych, el políptico del Cordero Mistico. y el Matrimoni Arnolfini Roger Van der Veynder el descendimiento de la Cruz El Bosco es uno de los pintores más originales de la historia, apegado formalmente a la tradición de la vieja escuela flamenca; pero a la vez innovador, creador de un universo fantástico, casi onírico que lo sitúan como uno de los precedentes del Surrealismo (El Jardin de las Delicias)Surrealismo En España la tradicion Flamenca esta representada por: Lluis Dalmau, Bartolomé bermejo, Fernando Gallego y Jaume Huguet

37 JUAN VAN EYCK

38 Poliptico del Cordero místico 1432 Gante pintura al oleo- detallismo, colorido, elegancia simbolismo

39 Detalle central de la adoracion del Cordero Mistico

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41 Juan Van EYCK La virgen del canciller Rolin.

42 Juan Van Eyck, Matrimonio Arnolfini 1434 Pintor de la Corte del duque de Borgoña, establecido en Brujas. Esta obra se considera su obra maestra, se considera que inspiró a Velazquez su cuadro de las Meninas

43 ROGER VAN DER WEYDEN

44 Descendimiento de la cruz (Roger van der Weyden)Descendimiento de la cruz (Roger van der Weyden), h

45 Análisis del cuadro pintura al óleo sobre madera.pinturaóleo Oleo sobre madera. Es la tabla central de un tríptico, cuyas alas laterales han desaparecido. TEMA típico de la pintura gótica: Cristo bajado de la cruz. Los Evangeliospintura góticaCristoEvangelios El tema es religios : José de Arimatea pidió a Poncio Pilato que le dejara llevarse el cuerpo de Jesucristo para enterrarlo.Tema representado una y otra vez.religios José de ArimateaPoncio Pilato Roger van der Weyden encaja a las figuras en un espacio apaisado, en forma de urna. El fondo es liso, de oro, elemento típicamente gótico; de este modo, las figuras parecen esculturas policromadas. Tradicionalmente, los retablos escultóricos eran más costosos y cotizados que los pintados; se puede decir que el artista recreó con trucos ópticos un grupo escultórico que hubiese resultado mucho más caro. El fondo de oro tiene además un sentido simbólico, simboliza la eternidad y es propio de lo divino.oro En el primer término, abajo, hay un pequeño fragmento de paisaje, con pequeñas plantas, un hueso alargado y una calavera junto a la mano de María desmayada. Presentar un pequeño matorral vivo junto a la calavera podría aludir a la vida después de la muerte, tal como sostienen las creencias cristianas.paisajecalaveravida después de la muertecreencias cristianas José de Arimatea y Nicodemo sostienen el cuerpo exánime de Cristo con la expresión de consternación a que obliga el fenómeno de la muerte.

46 Detalle de las lágrimas de la figura de la izquierda del cuadro, que destaca por la expresión del dolor. Hay dos parejas de figuras que se representan paralelamente: María Magdalena y Juan en los extremos englobando el grupo en una especie de paréntesis, y la Virgen María y su hijo Jesucristo en el centro.María Magdalenaparéntesis Al lado derecho, María Magdalena se dobla, consternada por la muerte de Cristo. la Virgen María es representada sufriendo un desfallecimiento y doblándose. Jesucristo aparece en la misma posición que su madre, lo que significa que los dos sufren el mismo dolor, ilustrando así en la Compassio Mariae, esto es, en el paralelismo entre las vidas de Cristo y la Virgen..

47 Las figuras recrean un grupo escultórico y resaltan sobre el fondo liso. Su composición axial vertical y horizontal, rigurosamente estructurada y equilibrada, se inscribe en un óvalo. Las posiciones del brazo de Jesucristo y de la Virgen expresan las direcciones básicas de la tabla.óvalo. Puede trazarse una diagonal de la cabeza del joven que ha liberado a Cristo hasta la Virgen y el pie derecho de San Juan. Los rostros están alineados horizontalmente, alineación que viene suavizada por la línea ondulada de las expresiones corporales de los personajes. Van der Weyden ha representado a María Magdalena con un cinturón que simboliza la virginidad y la pureza. Este cinturón se encuentra alineado con los pies de Cristo y la cabeza de la Virgen, y en él aparece una inscripción que hace referencia a ambos: IHESVS MARIA. La vestimenta de los personajes sirve como símbolo de su clase social. Ninguna de ellas permitía representar las calidades de los objetos y de las telas como la pintura al óleo. De esa manera, Van der Weyden en esta pintura se explaya, en la concreción de las calidades y dependiendo de la clase social del personaje selecciona visón, seda, brocados, raso de azul, lapislázuli para la Virgen...

48 Otra muestra del preciosismo de la pintura flamenca, gracias a los avances de la técnica del óleo, se muestra en las calidades de los objetos. Hasta este momento la técnicas utilizadas en la pintura eran el temple y el fesco o pintura mural. Los ropajes y el claroscuro proporcionan los efectos lumínicos. Los colores fríos caracterizan a los personajes más patéticos: las mujeres y el joven subido a la escalera; los demás personajes visten colores cálidos.claroscuro Es un cuadro cargado de simbolismo religioso. El pintor desplegó en esta escena toda una gama de exquisitos matices y de doloridas expresiones, con una profunda emoción religiosa, provocando la emoción del espectador ante las expresiones de los personajes.religiosa

49 JERONIMO BOSCH EL BOSCO El Jardin de las Delicias A ESTE AUTOR LE DEDICAREMOS UN ESPACIO APARTE


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