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Desnudo Volver Jean August Dominique Ingres, La bañista de Valpinçon, Francia, 1808. Óleo sobre tela. 146 x 97.5 cm. Museo de Louvre, Paris

El tema del desnudo en la pintura surgió en la Grecia clásica como una manifestación de la idea de unión del cuerpo con el alma. Para los griegos la representación del cuerpo desnudo constituía una manifestación de la belleza y comunión de los dos componentes del ser humano. Posteriormente, el mundo cristiano trajo consigo una visión del cuerpo que se oponía a la del alma. Así, la desnudez se relacionó con la idea de pecado, adquiriendo una connotación vergonzosa. Con el humanismo renacentista resurgió el interés por el desnudo, mismo que se ha mantenido con mayor o menor intensidad hasta el presente. Pintura mural Fuerte Sigiriya, s. V. Fresco. Sri Lanka Friso de los misterios dionisíacos (detalle), s. I a.C. Fresco. Pompeya, Italia. La representación del cuerpo humano desnudo aparece en casi todas las culturas, algunas le dan relevancia y otras prefieren evitarlo.

La mujer desnuda se pintaba para ser mirada por hombres. Tiziano Vecellio, Venus de Urbino, 1538. Óleo sobre tela, 119 x165 cm. Galeria Uffizi, Florencia En el Renacimiento el desnudo femenino tenía un sentido principalmente alegórico, ya que su representación pictórica se situaba en el marco de escenas mitológicas, especialmente en las que aparecía Venus diosa del amor. No fue hasta el siglo XVIII que los pintores comenzaron a representar desnudos al margen de cualquier asociación con la mitología. No obstante que en la Antigüedad predominaban las representaciones del desnudo masculino, una nueva conciencia hizo que la imagen de la mujer desnuda adquiriera mayor importancia. Gran parte de las imágenes con este tema fueron creadas para una clientela conformada por hombres, adquiriendo una fuerte connotación erótica. Así, la mujer desnuda suele aparecer en un estado pasivo, ya sea dormida o despierta, pero siempre dispuesta a la contemplación. De igual modo, la mirada esquiva, sensual o desafiante es un factor clave para entender su sentido. Tal vez por ello el desnudo recostado ha sido preferido ampliamente por autores y público. Las venus realizadas por el artistas italiano Tiziano Vecellio forjaron un estereotipo de la mujer sensual. Aunque algunos críticos han interpretado la colocación de la mano sobre el sexo de la Venus de Urbino como un acto de timidez, parece que en su época era visto como un gesto provocador. A su vez, los artistas contemporáneos han generado sus propias interpretaciones del desnudo. En esta obra, Francesco Clemente retoma algunos elementos de la tradición, pero les da un tratamiento distinto. Para el artista, las diferencias entre los seres humanos y los animales no son tan claras como podría pensarse. Al representar a una mujer en cuatro patas con la piel moteada de leopardo y a otra mujer recostada con la piel de animal a rayas, parece cuestionar la relación entre cuerpo e identidad, y subraya la importancia de la piel como símbolo y marca. Los desnudos de Modigliani son herederos de la tradición del desnudo recostado iniciada en el Renacimiento, pero también de las transformaciones introducidas por Manet. Sus desnudos parecen presentar un ocultamiento intencional de la identidad de la modelo, convirtiéndose así en símbolos universales de fecundidad y seducción. Édouard Manet, Olympia, 1863. Óleo sobre tela, 103.5 x 190 cm. Museo d’Orsay, París La mujer desnuda se pintaba para ser mirada por hombres. Amedeo Modigliani, Desnudo reclinado, 1919. Óleo sobre tela. 72.4 x 116.5 cm. Museo de Arte Moderno, Nueva York La mayor parte de los desnudos femeninos mostraban cierta idealización de la modelo, pero en el siglo XIX Eduard Manet revolucionó el género al colocar una mujer de rostro plenamente individualizado y mirada desafiante, situándola en un escenario de la vida real. En los inicios del siglo XX Henri Matisse inventó nuevas formas de representar el desnudo femenino. La libertad en el uso del color así como de las líneas que caracterizan sus figuras, rompieron con la tradición académica naturalista que se seguía hasta entonces y le dieron un carácter mas bien abstracto y decorativo. Henri Matisse, Desnudo rosa, 1935. Óleo sobre tela. 66 x 92.7 cm. Museo de Arte de Baltimore Francesco Clemente, Piel, 1996. Óleo sobre tela. 121.9 x 152.4 cm. Colección particular

A principios del siglo XX, Pablo Picasso revolucionó la representación del cuerpo femenino con su obra, Las Señoritas de Avignon. El tratamiento violento de las figuras, que muestran ya los planteamientos del cubismo, puso en entredicho la creencia generalizada de que el desnudo debía proporcionar placer al espectador. En época más reciente Lucian Freud ha destacado por su manera extremadamente táctil de plasmar la carne. A sus desnudos les llama “retratos desnudos” pues se ocupan tanto de la carne como de la psicología del modelo. Lucian Freud, Muchacha embarazada, 1960-61. Óleo sobre tela. 91,5 x 71 cm. Col. Jacqueline and Gilbert de Botton, Suiza Pablo Picasso, Las señoritas de Avignon, 1907. Óleo sobre tela.243.9 x 223.7 cm. Museo de Arte Moderno, Nueva York

Al hombre desnudo tradicionalmente se le representó como a un héroe. El desnudo masculino se realizó con frecuencia a partir de la copia del natural, aunque no por ello los artistas dejaban de perfeccionar sus modelos en función del ideal de belleza vigente. A diferencia de la imagen femenina, el desnudo masculino no implicaba una connotación sexual. Por lo general se le representaba realizando una acción y asociado a figuras enérgicas, más bien heroicas, como son las realizadas por Miguel Ángel. A fines del siglo XIX Cézanne empieza a cuestionar este prototipo, mostrándonos en su obras a hombres lánguidos que están muy lejos de mostrar fuerza o valentía. Sin embargo, sólo hasta pleno siglo XX algunos autores se atrevieron a representar imágenes de hombres indefensos. Miguel Ángel Buonarroti, Desnudo,1509.Fresco Capilla Sixtina, Vaticano Al hombre desnudo tradicionalmente se le representó como a un héroe. Paul Cézanne, El bañista, ca. 1885. Óleo sobre tela. 127 x 96.8. Museo de Arte Moderno, Nueva York

Edward Weston, Desnudo, 1936. Plata sobre gelatina. Las infinitas posibilidades de representación del cuerpo humano como materia expresiva también han sido exploradas por los fotógrafos, casi desde la invención de este medio. Manuel Álvarez Bravo, La buena fama durmiendo, 1939. Plata sobre gelatina

El cuerpo como motivo Volver

El amor, ya sea filial, amistoso o de pareja ha sido un motivo, importante en la representación de distintas culturas y épocas. Marc Chagall, El Cumpleaños, 1915, Óleo sobre cartón. 80.6 x 99.7 cm. Museo de Arte Moderno, Nueva York Amor En estas tres imágenes el amor se muestra a través de los gestos. El japonés Suzuki Harunobu estampó una pareja paseando tranquilamente bajo una sombrilla. En la obra no representó figuras individuales sino una imagen idílica. El retrato de Rubens con su primera esposa celebra la felicidad doméstica, como lo muestra el cariñoso gesto de las manos. Su vestimenta hace ostentación de las pretensiones del artista, cuya carrera comenzaba a ser exitosa. Marc Chagall pintó con frecuencia la imagen de su esposa y la cariñosa relación entre ambos, el beso de la pareja y el ramo de flores van relacionados con el tema de la obra, un cumpleaños. Suzuki Harunobu, Dos amantes caminando juntos bajo una sombrilla en una tormenta de nieve, Japón, ca. 1769 Grabado en madera impreso sobre papel. 28.6 x 20.6 cm. Museo Metropolitano, Nueva York Peter Paul Rubens, El artista y su primera esposa, Isabela Brandt, 1609-1610, Óleo sobre tela. 178 x 136.5 cm Antigua Pinacoteca, Münich

La representación de la sexualidad en la pintura fue poco frecuente en el arte occidental hasta antes del siglo XVIII. Por el contrario, el arte persa e hindú clásicos otorgaron un papel importante a la sexualidad, pues ésta era parte de la religión. Las escenas sexuales como las de Krishna y su amada Rhada eran comunes, aunque no tienen el propósito de provocar al espectador, sino de evocar un acto de amor divino. Esta imagen de dos amantes persas reproduce una escena cortesana. Fue hecha por un artista cuya línea caligráfica sintetiza magistralmente el vínculo entre las figuras. El abrazo de Egon Schiele reproducido aquí, explora como muchas de sus obras, la polaridad entre el amor y la soledad. Krishna y Radha en una enramada, India ca. 1775-1780. Acuarela y oro sobre papel. 17.5 x 27.2 cm. Museo de Arte de la Universidad de Harvard, Cambridge Egon Schiele, El Abrazo, 1917 . Óleo sobre tela. 100 x 170.2 cm. Galería Austriaca, Viena Safavid Riza Abbasi, Dos Amantes, Iran, 1630. Temple y pintura dorada sobre papel. 18.1 x 11.9 cm. Museo Metropolitano, Nueva York Erotismo

Otro de los temas que se relacionan con la imagen del cuerpo humano es la identidad, explorada ya sea a través del autorretrato, de la recreación de escenas biográficas o del cuestionamiento de los paradigmas sociales entorno al sentido de pertenencia. Estas y otras estrategias que han utilizado los artistas visuales adquieren no sólo una dimensión estética sino también política, pues examinan las ideas que se han construido en torno a los conceptos de individuo y comunidad. Frida Kahlo desarrolló ampliamente la exploración de la autobiografía, tomando como eje la experiencia del dolor. Cindy Sherman recurre al disfraz y a la fabricación de situaciones artificiales mediante las cuales realiza una investigación en torno a los estereotipos, motor principal de sus fotografías. Nan Goldin ha desarrollado su obra en el ámbito de la fotografía documental. Su preocupación se centra en grupos que utilizan el disfraz como medio de búsqueda de la identidad. Mónica Castillo tiene en el autorretrato su tema principal . Ella explora la identidad física a través del uso de pinturas y fotografías, cuestionando, a su vez, el estatus de la imagen verista. Yasumasa Morimura deconstruye el concepto de personalidad al retratarse en el contexto de las grandes obras del arte y usurpar la identidad de iconos de la cultura pop. Con una intención lúdica, construye escenografías engañosas, al interior de las cuales se fotografía a sí mismo disfrazado. Identidad Frida Kahlo, Las Dos Fridas, 1939. Óleo sobre tela. 173.5 x 173 cm. Museo de Arte Moderno, Ciudad México Cindy Sherman, Sin título #92,1981. Fotografía Nan Goldin, Nan un mes después ser golpeada, 1984. Fotografía sobre papel, 69.5 x 101.5 cm. Galería Tate, Londres Mónica Castillo, Autorretrato y Foto, 1995. Fotografía y Óleo sobre tela. 15 x 30 cm. Col. particular Yasumasa Morimura, Retrato (Futago), 1988-1990. Cibacrome, 266 x 366 cm. Galería Luhring Augustine, Nueva York

Identidad Las fotografías y videos de la holandesa Rineke Dijskra cuestionan y exponen los gestos de identidad en seres en circunstancias de transformación. En gran parte de su obra retrata a personas que se hallan en proceso de cambio, como los adolescentes, y a quienes se encuentran sujetos a distintas convenciones sociales. Aquí se presenta la serie Olivier que muestra la metamorfosis progresiva de un joven, desde el momento en que se alista al ejército. En su retrato más antiguo tiene 17 años, en el más reciente 20. En éste ya ostenta los gestos externos de la profesión elegida. El personaje ha adoptado voluntariamente una identidad colectiva que le proporciona una autoridad que va apareciendo poco a poco en su rostro. Rineke Dijkstra muestra en este caso la tensión entre los valores individuales y los de la comunidad, entre la identidad y la uniformidad.

Edad l Kitagawa Utamaro, Madre con niño durmiendo, Japón ca 1790, Grabado en madera impreso. 36.5 x 24.4 cm. Museo Metropolitano, Nueva York Édouard Manet, Las burbujas de jabón, 1867. Óleo sobre tela. 100.5 x 81.4 cm. Museo Calouste Gulbenkian, Lisboa. Domenico Ghirlandaio, Un hombre viejo y su nieto, c.1490, Temple sobre tabla. 62 x 46 cm. Museo del Louvre, París David Hockney, Mi Madre, Bolton Abbey, Yorkshire nov. 82#4, 1982. Collage fotográfico. 120.7 x 69.9 cm. Col. David Hockney En la historia de las imágenes del cuerpo las edades del hombre han sido un aspecto fundamental desarrollado en todos los tiempos y culturas. Estas imágenes frecuentemente se relacionan con la preocupación por la fugacidad de la vida, pero también sirven de pretexto para mostrar acciones cotidianas, como el arrullo de la madre o el juego de las burbujas de jabón. Pero la burbuja de jabón simboliza también lo efímero de la existencia. El retrato fotográfico de la madre de David Hockney, tomado en un cementerio ruinoso, parece insinuar lo mismo. Por su parte la obra de Ghirlandaio presenta los extremos de la vida. Edad

Martha Pacheco, Sin título, 1996. Óleo sobre tela. 70 x 100 cm Martha Pacheco, Sin título, 1996. Óleo sobre tela. 70 x 100 cm. Col particular Zoran Music, No so,os los últimos, 1970. Óleo sobre tela 65 x 81 cm, Tate Gallery, Londres. Muerte El fin de la existencia corporal es un tema inquietante que no ha pasado desapercibido entre las elaboraciones de imágenes del cuerpo. A veces ha sido tratado de manera directa, como en la pintura de Martha Pacheco de una mujer en la morgue, y otras se ha hecho de manera simbólica. A partir de las guerras mundiales el tema ha sido abordado con una intensidad inusitada. Algunos artistas como Zoran Music reflejan en sus pinturas la experiencia devastadora de los campos de concentración.

El Body Art es una forma de arte en la que el cuerpo es el elemento principal. Yves Klein, ANT 82 (Antropometría de la época azul), Pigmento y resina sintética sobre papel y tela. 156.5 x282.5 cm. Museo de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou, París Yves Klein, ANT 63 (Antropometría), 1961. Pigmento y resina sintética sobre papel sobre tela. 153 x 209 cm. Col. Privada En el Body Art no se trata simplemente de la representar el cuerpo, sino de convertirlo en una herramienta de producción artística. Uno de sus precursores fue Yves Klein, quien en los años 60 del siglo XX realizaba performance con modelos pintadas que dejaban las huellas de su cuerpo sobre superficies que posteriormente se convertían en obras plásticas.

“El cuerpo humano en las artes visuales”. Secretaría de Educación Pública Programa de Artes Visuales para secundaria. Material didáctico para el profesor. Segundo grado, bloque 4: “El cuerpo humano en las artes visuales”. Coordinación del proyecto: José Antonio Espinosa. Realización: Davayane Amaro Ortega.