LOS 40 PRINCIPALES REALIZADO POR: ISABEL Mª CONTRERAS PÉREZ

LOS 40 PRINCIPALES REALIZADO POR: ISABEL Mª CONTRERAS PÉREZ
1º DE EDUCACIÓN PRIMARIA TURNO 5

ÍNDICE 20 PiNTORES 10 ESCULTORES 5 FOTÓGRAFOS
5 ARTISTAS DE LIBRE ELECCIÓN

20 PINTORES

TIZIANO VECELLIO O VECELLI
Conocido tradicionalmente como Tiziano o Ticiano (Pieve di Cadore, Belluno, Venecia, 27 de agosto de 1576), fue un pintor italiano del Renacimiento, uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana. Reconocido por sus contemporáneos como "el sol entre las estrellas” ,Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes (dos de los temas que le lanzaron a la fama), escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. Si hubiese fallecido a los cuarenta años, seguiría considerándosele el artista más influyente de su época. Sin embargo, tuvo una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en las que su estilo cambió tan drásticamente que algunos críticos tienen problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de las posteriores hayan salido de la misma mano. En cualquier caso, el conjunto de su obra se caracteriza por el uso del color, vívido y luminoso, con una pincelada suelta y una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del Arte occidental. ESTILO: Su estilo era Renacimiento- Cinquecento (Venecia)

TIZIANO

OBRA RELIGIOSA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XVI (1559).
La técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 137 × 175 cm. Se encuentra actualmente en el Museo Del Prado (Madrid). Esta obra nos transmite tristeza y preocupación por la muerte de Cristo ya que se encuentra muerto sobre el sepulcro. La esquina derecha del sepulcro nos introduce violentamente en la escena, agitada por el cuerpo ladeado de Cristo y por los movimientos trágicos de los protagonistas. En esta obra el elemento principal a destacar es el cuerpo desnudo de Cristo. Podemos observar como ha desaparecido el paisaje y los colores se han vuelto más agrios. SANTO ENTIERRO

OBRA MITOLÓGICA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XVI(1553).
La técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 186 × 207 cm. Se encuentra actualmente en el Museo del Prado, Madrid Lo mas sugestivo de esta obra es la poca vestimenta de Adonis y la desnudez de Venus. El color del cielo, ese azul tan brilloso y la opacidad de las nubes nos dan un vuelco al corazón. La textura de los árboles se ve tan verdadera, pareciera que al tocar la pintura se podría sujetar el follaje en nuestras manos. Los perros me cautivan por verse tan obedientes, no pierden la postura aunque su amo les caiga encima. Una de las cualidades formales más importantes es la variedad, hay muchos elementos en un mismo plano. A mi parecer en primer plano se ve todo un poco amontonado y en la parte posterior queda espacio libre. Adonis esta a punto de marcharse, los perros esperan su señal para seguir adelante y Venus esta un poco extasiada porque su amado se marcha. Adonis se ve intranquilo, parece estar haciendo fuerza pero no la suficiente para soltarse de su amada. Al ver las armas sabemos que Adonis iba a cazar. Esta obra nos expresa tristeza, melancolía y abandono. VENUS Y ADONIS

RETRATO Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XVI (1551).
La técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 193 × 111 cm. Se encuentra actualmente en el Museo del Prado (Madrid). En esta obra destaca la figura del retratado en posición de tres cuartos, con una mano apoyada y la otra en actitud solemne portadora de algún instrumento alusivo a su poder, en este caso, una espada. Abundan en el cuadro símbolos de la majestad real, como la columna, la mesa cubierta de un manto de terciopelo rojo, y sobre todo la soberbia armadura de parada. La luz procedente de la izquierda ilumina el rostro del joven príncipe y resbala por la armadura, provocando excelentes reflejos metálicos. El fondo neutro sobre el que se recorta la figura hace que adquiera mayor fuerza. FELIPE II

PAOLO CALIARI Paolo Caliari o Paolo Cagliari, conocido como el Veronés, fue un pintor italiano, figura central del manierismo veneciano. Hijo de un picapedrero, nació en Verona, donde se formó como pintor y ciudad de la que toma su apelativo. En 1556 se estableció definitivamente en Venecia, donde desarrolló su arte, siendo una de las figuras destacadas de la escuela veneciana. Desde 1541 fue discípulo y ayudante del veronés Antonio Badile, con cuya hija Elena contrajo matrimonio. En 1555 o 1556 recibe en Venecia su primer encargo representativo: la decoración de la sacristía y los techos de la iglesia de San Sebastián. En 1560 viaja a Roma para estudiar los techos de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel, cuya influencia se deja notar en las obras posteriores, como los frescos de la Villa Barbaro, en Máser. Esta colaboración entre Veronés y Palladio influyó en las arquitecturas que se representan en sus cuadros posteriores. A principios de los años 1570, la familia Cuccina le encargó una serie de cuadros de gran formato sobre tema bíblico: La Virgen y la familia Cuccina, Adoración de los Reyes, Las bodas de Caná y Camino del Calvario, en los que Veronés representa un estilo renovado, profundizando en el color e incrementándose el claroscuro. En 1573 fue llevado ante el tribunal de la Inquisición, al entenderse que pintaba los temas religiosos con una excesiva libertad que rozaba la irreverencia. Veronés argumentó que añadía personajes, animales y otros elementos por exigencias creativas. ESTILO: Su estilo se caracterizaba por el lujo, la arquitectura clásica que enmarca sus escenas y el rico aunque suave colorido.

PAOLO CALIARI “EL VERONÉS”

PRIMERA OBRA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XVI (1562).
La técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 660 × 990 cm. Se encuentra actualmente en el Museo de Louvre (París). El cuadro tiene dos partes: la inferior, en la que se amontonan hasta 130 figuras, y la superior, dominada por la arquitectura en la que personajes populares se representan en arriesgados escorzos. En el centro del cuadro está Jesucristo, sentado, con un halo alrededor de la cabeza; a su derecha, la Virgen María con un halo más débil; y junto a ambos, alguno de los Apóstoles. En el centro del patio se sientan un grupo de músicos tocando instrumentos. Hay que destacar que aunque muchos personajes en la pintura sostienen vasos de vino, ninguno parece estar ebrio. Este eje vertical es sumamente simbólico, por que detrás de Cristo está el cordero sacrificado, debajo de él, los músicos y justo en frente de los músicos hay un reloj de arena. El centro de la pintura está dominado por un cielo azul, abierto, en el que se ve una airosa torre. LAS BODAS DE CANÁ

SEGUNDA OBRA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XVI (1583).
Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 122 x 105 cm. Se encuentra actualmente en el Museo del Prado. La santa aparece en primer plano, elevando su mirada hacia Dios, en un maravilloso gesto de ternura y arrepentimiento por su anterior vida de lujo y prostitución. Viste un elegante traje carmesí, cubriéndose el amplio escote con sus manos y sus largos cabellos, postura muy del gusto de la época. A su alrededor encontramos una calavera, un libro y un crucifijo, elementos que aluden a su vida de contemplación en el desierto, como una eremita más. La luz divina ilumina su bello rostro, provocando un ligero claroscuro. La pincelada empleada por el maestro es bastante suelta, apreciándose la rapidez de la factura en algunas zonas del vestido o del cabello. MAGDALENA PENITENTE

TERCERA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XVI (1548).
La técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 236 × 430 cm. Se encuentra actualmente en el Museo del Prado (Madrid). Esta obra presenta un importante número de personajes, ataviados de manera lujosa, en el interior de un templo de estructura típicamente palladiana. Cristo joven protagoniza la escena, reforzando su oratoria con el gesto de las manos, mientras los doctores , en diferentes posturas, escuchan con atención o charlan entre ellos. La luz está perfectamente estudiada, creando espacios en contraste y obteniendo un efecto atmosférico muy característico. El color es muy variado, debido al gran interés del maestro por mostrarnos los trajes de la alta sociedad veneciana. CRISTO ENTRE LOS DOCTORES

LEONARDO DA VINCI ESTILO: Renacimiento italiano, Cinquecento
Artista, pensador e investigador italiano que, por su insaciable curiosidad y su genio polifacético, representa el modelo más acabado del hombre del Renacimiento (Vinci, Toscana, Amboise, Turena, 1519). Leonardo da Vinci era hijo ilegítimo de un abogado florentino, quien no le permitió conocer a su madre, una modesta campesina. Leonardo se formó como artista en Florencia, en el taller de Andrea Verrochio; pero gran parte de su carrera se desarrolló en otras ciudades italianas como Milán (en donde permaneció entre 1489 y 1499 bajo el mecenazgo del duque Ludovico Sforza, el Moro) o Roma (en donde trabajó para Julio de Médicis). Aunque practicó las tres artes plásticas, no se ha conservado ninguna escultura suya y parece que ninguno de los edificios que diseñó llegó a construirse, por lo que de su obra como escultor y arquitecto sólo quedan indicios en sus notas y bocetos personales. Es, por tanto, la obra pictórica de Leonardo da Vinci la que le ha hecho destacar como un personaje cumbre en la historia del arte, debido a una veintena de cuadros conservados, entre los cuales destacan La Gioconda o Mona Lisa, La Anunciación, La Virgen de las Rocas, La Santa Cena, La Virgen y Santa Ana, La Adoración de los Magos, el Retrato de Ginebra Benzi… Son composiciones muy estudiadas, basadas en la perfección del dibujo y con un cierto halo de misterio, en las que la gradación del color contribuye a completar el efecto de la perspectiva; en ellas introdujo la técnica del sfumato, que consistía en prescindir de los contornos nítidos de la pintura del Quattrocento y difuminar los perfiles envolviendo las figuras en una especie de neblina característica. El propio Leonardo teorizó su concepción del arte pictórico como «imitación de la naturaleza» en un Tratado de pintura que sólo sería publicado en el siglo XVII. ESTILO: Renacimiento italiano, Cinquecento

LEONARDO DA VINCI

PRIMERA OBRA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XV( ). Su técnica utilizada es óleo sobre tabla. Sus dimensiones son 198 × 123 cm. Se encuentra actualmente en el Museo del Louvre, París. Las figuras están en escena e interrelacionadas hacia el centro, expresadas en coordenadas geométricas piramidales. El cuadro parece más una visión poética que una realidad, ya que expresa las figuras emergiendo de la penumbra de una gruta, solitaria y rocosa, en una atmósfera de humedad, generada por un estanque, que vela delicadamente sus formas (sfumato) con una especie de neblina. Contrasta el uso de colores fríos (azul, verde) y cálidos (naranja, marrones) que dan vitalidad a las personas y acercan los objetos. Utiliza la técnica del claroscuro en la que la luz es creadora de sombras. LA VIRGEN DE LA ROCA

SEGUNDA OBRA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XV( ). Su técnica utilizada es Témpera sobre yeso. Sus dimensiones son 460 x 880 cm. Se encuentra actualmente en la Iglesia de Santa María de las Gracias, Milán. Recoge el momento en que Jesús comunica a sus discípulos que alguno de ellos le va a entregar o traicionar. Hay en los apóstoles vibración y tensión psicológica. Hay un gran predominio de líneas horizontales y verticales, como por ejemplo las ventanas, las puertas, el techo o la mesa. La túnica de Cristo es roja y el manto azul . La ropa de los apóstoles son de colores cálidos y fríos. Los colores van aumentando hacia los extremos desde los tonos limpios en la vestidura de Cristo hasta las sutiles mezclas que en las dos zonas opuestas alcanzan su saturación. LA ÚLTIMA CENA

TERCERA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XVI(1503).
Su técnica utilizada es Óleo sobre tabla. Sus dimensiones son 77 x 53 cm. Se encuentra actualmente en el Museo del Louvre, París. La obra consigue un difuminado de los contornos de la figura , jugando con luces y sombras que dotan al personaje de relieve y de misterio. La figura de la modelo adquiere una humana vitalidad, con una inefable expresión en el rostro, que parece observarnos y meditar. Las manos parecen dotadas de movimiento. El paisaje se pierde en la lejanía, diluyéndose en la nada, como sucede en la observación de la realidad. Sus colores están sumidos en un claroscuro ambiental. LA GIOCONDA

RAFAEL SANZIO ESTILO: Renacimiento Italiano: Cinquecento.
Rafael Sanzio , fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Realizó importantes aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos. Hijo de un pintor y criado entre artistas, a los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La escuela de Atenas, considerado una de sus obras cumbres. Es célebre por la perfección y gracia de sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico. Junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período. Nació en Viernes Santo y falleció en esta misma festividad el día que cumplió 37 años. Fue un artista muy productivo, dirigió un taller conformado por numerosos colaboradores, y a pesar de su muerte prematura, gran parte de su obra aún se conserva. La mayor parte de su trabajo está alojado en los Museos Vaticanos, donde decoró con frescos las habitaciones conocidas como las Estancias de Rafael, el principal encargo de su carrera, quedando sin terminar a causa de su muerte. Su carrera se dividió de manera natural en tres fases y tres estilos, descritos así por Giorgio Vasari: sus primeros años en Umbría, el periodo posterior de cuatro años en Florencia ( ), donde absorbió las tradiciones artísticas de la ciudad, y finalmente su último y triunfal período de doce años en Roma, trabajando para los papas y su corte. ESTILO: Renacimiento Italiano: Cinquecento.

RAFAEL SANZIO

PRIMERA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XVI(1509).
Su técnica utilizada es el Fresco. Sus dimensiones son 7.70 x 5 m. Se encuentra actualmente en Stanza della Segnatura, Vaticano. Toda la composición del fresco converge en el centro por donde pasean Platón y Aristóteles discutiendo acerca de filosofía. Rafael llenó el cuadro de los famosos filósofos griegos (y algunos no griegos) de todas las épocas. Unos gruesos muros reciben la enorme bóveda que enmarca las figuras de filósofos y sabios de la Grecia clásica. La composición es simétrica, con un gran eje axial que, pasando entre Platón y Aristóteles, divide en dos partes el cuadro. En cuanto al color, se intenta compensar los fríos con los cálidos en un nuevo intento de crear armonía. LA ESCUELA DE ATENAS

SEGUNDA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XVI ( ). Su técnica utilizada es el fresco. Su base es de 660 cm. Se encuentra actualmente en el Museo Vaticano, Roma. En el centro de la composición encontramos la cárcel donde estaba preso san Pedro, destacando el enrejado que permite ver al santo y a los soldados dormidos junto al fulgurante ángel que liberará al apóstol. En la zona de la derecha se presenta la continuación de la historia al mostrarnos a san Pedro junto al ángel descendiendo por las escaleras de la prisión mientras que en la zona contraría observamos a los soldados despertándose sobresaltados ante la fuga. La iluminación se convierte en la protagonista absoluta de este trabajo, creando reflejos en las armaduras de gran belleza. El ángel aparece rodeado de un aura luminosa en las dos escenas que está presente mientras que los soldados de la zona izquierda cuentan con tres focos de luz: la luna plateada, el sol que empieza a despuntar y una antorcha. LIBERACIÓN DE SAN PEDRO

TERCERA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XVI (1505).
Su técnica utilizada es óleo sobre tabla. Sus dimensiones son 30 x 25 cm. Se encuentra actualmente en el Museo Pinacoteca Tosio Martinengo de Brescia. Cristo nos presenta sus heridas, mostrando en su rostro la dignidad y serenidad del Hijo de Dios. La figura se ubica en primer plano, alzando su mano derecha para bendecir, creando un juego de escorzos en los que destacan las líneas sinuosas que se refuerzan con el paisaje. Un potente foco de luz ilumina su anatomía amplia y escultórica jugando con el claroscuro leonardesco y creando una magnífica sensación atmosférica. Cristo nos inspira ternura, bondad, humanismo. CRISTO BENDICIENDO

REMBRANDT ESTILO: Barroco Centroeuropeo.
Nació el 15 de julio de 1606 en Leiden, Holanda. Fue el noveno hijo del matrimonio de Harmen Gerritszoon van Rijn y Neeltgen Willemsdochter van Zuytbrouck. De familia acomodada, su padre era molinero y su madre la hija de un banquero. En 1627, Rembrandt empezó a impartir clases de pintura, y entre sus numerosos alumnos destacó Gerrit Dou. En 1629 Rembrandt fue descubierto por el estadista Constantijn Huygens ,padre del célebre matemático y físico Christiaan Huygens, quien le facilitaría importantes encargos de la corte de La Haya. A finales de 1631, Rembrandt se mudó a Ámsterdam. En 1634 contrajo matrimonio con su prima Saskia. Durante la enfermedad de Saskia contrataron a Geertje Dircx como niñera de Titus, y probablemente pasó a ser también la amante de Rembrandt. El nacimiento en 1654 de su hija Cornelia motivó el envío de una carta acusatoria de parte de su iglesia reformada. En 1661, la agencia artística recibió el encargo de realizar una pintura para el recién construido ayuntamiento, pero sólo después de que Govert Flinck, el artista que había recibido inicialmente el encargo falleciese sin haber dado una sola pincelada. Su hijo Titus, murió el 7 de septiembre de 1668, dejándole una nieta. Rembrandt murió un año más tarde que su hijo, el 4 de octubre de 1669. ESTILO: Barroco Centroeuropeo.

REMBRANDT

PRIMERA OBRA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XVII ( ). Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 2.65 x 2,04 m. Se encuentra actualmente en el Museo del Ermitage, San Petersburgo. Rembrandt muestra al hijo, arrodillado, descalzo de un pie, rapado de cabeza, vestido andrajoso. A su encuentro sale el padre, una figura amorosa, que se inclina colocando las manos sobre las espaldas del hijo como abarcándolo todo, en un claro gesto de acogimiento y perdón; esa inclinación de la cabeza del anciano padre resulta cargada de significado. Son dos figuras que sobresalen en todos los niveles: ante el estatismo de los dos rostros, uno sedente y el otro de pie, que observan la acción casi saliendo de la oscuridad, y, sobre todo, destacan por el color. El fondo oscuro, de tonalidades marrones, se impone tanto el manto rojo del padre como los vestidos harapientos de tonos ocres y canelos del hijo. EL REGRESO DEL HIJO PRÓDIGO

LA LECCIÓN DE ANATOMÍA DEL DOCTOR TULP
SEGUNDA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XVII (1632). Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 1.69 x 2,17 m. Se encuentra actualmente en el Museo Mauritshuis. Vemos al doctor Tulp con su sombrero, reflejo de su cargo, con unas pinzas en la mano derecha, mostrando a sus alumnos la disección de un brazo, los tendones y los músculos. El cuerpo del muerto en el que se realizan las prácticas es el de un conocido criminal ajusticiado; detrás de él se sitúan siete alumnos del doctor que escuchan atentamente la lección, destacando el realismo de las figuras a través de sus expresiones: sorpresa, entusiasmo, atención... Las miradas de cada una de las figuras hablan por sí solas y hacen que el espectador se sienta protagonista también de la escena y se integre en la lección. Hay que destacar la austeridad cromática de los trajes de aquella época, animada por los cuellos y puños blancos. LA LECCIÓN DE ANATOMÍA DEL DOCTOR TULP

TERCERA OBRA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XVII (1654 ).
Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 142 x 142 cm. Se encuentra actualmente en el Museo del Louvre, París. La expresión del bello rostro indica preocupación como también se transmite en la efigie de la criada que seca los pies de su señora. La luz resbala por el cuerpo desnudo de Bethsabé, destacando su protagonismo en la composición al quedar el resto del escenario en penumbra. Sólo se nos indica la zona más cercana a la mujer por lo que sí observamos la colcha dorada que se encuentra tras ella así como la sábana de la derecha, ejecutada con una pincelada larga que contrasta con la empleada en el cuerpo de la dama. La criada aparece en semipenumbra, demostrando el maestro su facilidad para representar personas de edad avanzada. BETHSABÉ CON LA CARTA DEL REY DAVID

SANDRO BOTTICELLI ESTILO : Renacimiento Italiano . Quattrocento
Nació en Florencia hacia en el seno de una familia humilde de artesanos. Es una de las grandes figuras de Renacimiento por su delicado dibujo y original colorido. Se inicia en el arte de la orfebrería. A los 17 años entro en el taller de Fra Fillipo Lippi de quien fue su discípulo, esa instrucción en Prato duro unos 5 años. En los 1º años de la década de 1470 realizará escenas de gran belleza como El regreso de Judith a Betulia, una segunda Epifanía o la Virgen de la Eucaristía. Posteriormente se iniciará una estrecha relación entre la familia de los Médici y Botticelli. En Julio de 1481 es llamado por el papa Sixto VI para trabajar en la decoración de la Capilla Sixtina . En la década de 1480 realizará sus obras más significativas: La serie de Nostagio degli Onesti, La Madonna del Magnificat o de la Granada y sus escenas mitológicas -El Nacimiento de Venus y la Primavera- creciendo así su prestigio, en estos años aumentaran los encargos de las familias más notorias de Florencia. En la década de 1490, la influencia del monje benedictino Girolamo Savoranola en la religiosidad de los florentinos, afecta al propio Botticelli y sus obras sufrirán un cambio hacia el ascetismo -La piedad, La Coronación de la Virgen o la famosa tabla de La Calumnia de Apeles. Botticelli falleció en Florencia el 17 de mayo de Él había desarrollado un estilo personalísimo, caracterizado por la elegancia de su trazo, su carácter melancólico y la fuerza expresiva de sus líneas. Los críticos del arte hallaron en Botticelli mayor sensibilidad conmoviéndose ante el aspecto desmañado pero profundo, que muestran las imágenes de sus vírgenes melancólicas. Dedicó casi toda su vida a trabajar para las grandes familias florentinas especialmente los Médici, para los que pintó retratos -Retrato de Giuliano de Médici y La adoración de los magos. Integró el círculo intelectual de la corte de Lorenzo de Médici, y recibió la influencia del neoplatonismo cristiano de ese círculo, que pretendía acomodar las ideas cristianas con las clásicas expresándose en; La Primavera y el Nacimiento de Venus. ESTILO : Renacimiento Italiano . Quattrocento

SANDRO BOTTICELLI

PRIMERA OBRA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XV ( ). Su técnica utilizada es témpera sobre lienzo. Sus dimensiones son 1,75 x 2,79 m. Se encuentra actualmente en la Galería de los Uffizi, Florencia. Venus aparece en el centro de la composición sobre una enorme concha; sus largos cabellos rubios cubren sus partes íntimas mientras que con su brazo derecho trata de taparse el pecho. La figura blanquecina se acompaña de Céfiro, el dios del viento, junto a Aura, la diosa de la brisa, enlazados ambos personajes en un estrecho abrazo. En la zona terrestre encontramos a una de las Horas, las diosas de las estaciones, en concreto de la primavera, ya que lleva su manto decorado con motivos florales. Los ropajes se pegan a los cuerpos, destacando todos y cada uno de los pliegues y los detalles. Los colores parecen algo frío. EL NACIMIENTO DE VENUS

SEGUNDA OBRA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XV (1478).
Su técnica utilizada es Témpera sobre tabla. Sus dimensiones son 2,03 x 3,14 m. Se encuentra actualmente en la Galería de los Uffizi, Florencia. En el centro aparece Venus, la diosa del amor; a la derecha, Céfiro, el viento que persigue a la ninfa de la Tierra, Cloris, que al ser tocada por él se trasforma en Flora, diosa de la vegetación y de las flores; encima de Venus está Cupido, que dirige sus flechas a las tres Gracias, en concreto a la del centro, Castitas, que mira al dios Mercurio. Se aprecia un ambiente melancólico, no se usa la perspectiva, las líneas marcan ritmos suaves, de manera que las figuras parecen flotar, y se observa un gran detallismo; la composición es equilibrada, con una luz homogénea y un color delicado. LA PRIMAVERA

TERCERA OBRA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XV ( ). Su técnica utilizada es Témpera sobre madera. Sus dimensiones son 150 x 156 cm. Se encuentra actualmente en la Galería de los Uffizi. Las dos figuras se insertan en un espacio cerrado, destacando el contraste entre paredes grises y baldosas rojizas. Tras ese suelo embaldosado contemplamos una puerta abierta a una balconada que permite observar un paisaje. Tanto el ángel como la Virgen se sitúan en posturas algo forzadas. Sus manos son el elemento fundamental de la composición, acercándose pero manteniéndose quietas a la vez, colocándolas en el centro de la tabla. Los colores son de gran viveza, destacando la minuciosidad de los detalles y los pliegues de las telas. La llegada del ángel que porta el lirio blanco simboliza la pureza y virginidad de María. LA ANUNCIACIÓN

MASACCIO ESTILO: Renacimiento Italiano.
Nació en Castel San Giovanni, hoy San Giovanni Valdarno, el 21 de diciembre de 1401, hijo del notario Giovanni di Mone Cassai y de su esposa Jacopa di Martinozzo. El apellido Cassai procede del nombre de la actividad a que se dedicaba la familia paterna de Masaccio: eran ebanistas. En 1406, coincidiendo con el nacimiento del segundo hijo del matrimonio . La madre volvió a contraer matrimonio con el mercader de especias Tedesco di Mastro Feo, también viudo, y con dos hijas, que murió el 7 de agosto de 1417. Masaccio se trasladó a Florencia tal vez a causa de la muerte de su padrastro. Existen documentos que demuestran que la madre de Masaccio alquiló una casa en esta ciudad, en el barrio de San Niccolò Oltrarno, seguramente como vivienda para su hijo, ya que ella continuó viviendo en casa de su difunto marido. Es posible que el joven artista comenzara su andadura en Florencia en el taller de Bicci di Lorenzo o en el de algún otro. El 7 de enero de 1422 se inscribió en el Arte de médicos y especieros, lo cual indica que ejercía ya como pintor autónomo en la ciudad del Arno. Su primera obra segura es el tríptico para San Juvenal de Casia. Es posible, según da a entender Vasari, que en 1423 Masaccio realizase un viaje a Roma, con motivo del jubileo. En 1424 se inscribió en la Compañía de San Lucas de Florencia. Posiblemente este año o en 1425 comenzó a colaborar con Masolino en los frescos de la capilla Brancacci de la iglesia de Santa María del Carmine de dicha ciudad. En febrero de 1426 empezó el Políptico de Pisa, trabajo que le ocuparía durante casi todo el año. En 1428 se trasladó a Roma, invitado por el cardenal Brando da Castiglione para decorar la capilla de San Clemente en la iglesia homónima. En Roma trabajó en el Políptico de Santa María Mayor, del cual se conservan los Santos Jerónimo y Juan Bautista. Murió en Roma en otoño de 1428, cuando tenía sólo 27 años de edad. ESTILO: Renacimiento Italiano.

MASACCIO

PRIMERA OBRA Esta obra pertenece al Siglo XV (1425-1428).
La técnica utilizada es fresco. Sus dimensiones son 667 × 317 cm . Se encuentra actualmente en Santa María Novella, Florencia. Las figuras se inscriben en un triángulo equilátero que crea una movilidad pero sin generar angustia o tensiones, subrayando el eje central en el que se encuentra la Trinidad. En la parte inferior aparece una tumba con su esqueleto, que simboliza la muerte. La obra está pintada con tal verosimilitud que parece un espacio abierto en la pared. Su punto de vista ideal se localiza en la parte superior del altar, de tal modo que permite mirar el esqueleto desde arriba. La policromía aparece en las terracotas y en los rosas y azules de los casetones de la bóveda; al unir estos colores con el rosa, el rojo y el azul oscuro de los vestidos, Masaccio establece un equilibrio, abstracto en su orden pero enraizado con las cosas materiales -la ropa, la piedra y la terracota. LA TRINIDAD

SEGUNDA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XV ( ). Su técnica utilizada es témpera sobre madera. Sus dimensiones son 24 x 18 cm. Se encuentra actualmente en el Museo de la Galería de los Uffizi. María sostiene al Niño en brazos, haciéndole cosquillas en la barbilla con su mano derecha a lo que el pequeño responde con una sonrisa. Viste la Virgen un manto de color azul intenso y una túnica roja, bordados ambos con una tira dorada decorada con letras cúbicas. El Niño está rodeado en sus piernas de una faja llevando una camisa transparente y un collar con un coral, amuleto habitual en los recién nacidos para evitar enfermedades y obtener suerte. Ambas figuras se recortan sobre un fondo dorado, destacando su monumentalidad y el naturalismo de sus rostros, especialmente el gesto de preocupación de María por el destino de su hijo. VIRGEN CON NIÑO

TERCERA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XV ( ). Su técnica utilizada es el Fresco. Sus dimensiones son 255 x 598 cm. Se encuentra actualmente en la Iglesia del Carmine de Florencia. En el centro contemplamos al recaudador solicitando el tributo a Cristo y éste indicando a Pedro que en el agua encontrará el dinero; en el fondo, a la izquierda, observamos a san Pedro sacando una moneda de la boca de un pez; y en la derecha el pago del tributo ante una construcción. Las figuras del grupo principal se sitúan en un paisaje, formando casi un círculo y vestidas a la manera griega. la expresividad de los rostros aportan una tremenda sensación de realismo. La luz inunda la composición, resaltando los colores empleados y el efecto volumétrico de los personajes. EL TRIBUTO

TINTORETTO ESTILO: Renacimiento Italiano.
Tintoretto, de nombre verdadero Jacopo Comin , nació en Venecia el 29 de septiembre de 1518 y falleció en Venecia el 31 de mayo de 1594. Fue uno de los grandes pintores de la escuela veneciana y probablemente el último gran pintor del Renacimiento italiano. En su juventud también recibió el apodo de Jacopo Robusti, pues su padre defendió las puertas de Padua frente a las tropas imperiales de una manera bastante robusta. Su verdadero apellido, 'Comin' ha sido descubierto recientemente por Miguel Falomir, jefe del departamento de Pintura Italiana del Museo del Prado, Madrid, y se ha hecho público a raíz de la retrospectiva de Tintoretto en el Prado (2007). Por su fenomenal energía y ahínco a la hora de pintar fue apodado Il Furioso, y su dramático uso de la perspectiva y los especiales efectos de luz hacen de él un precursor del arte barroco. Sus trabajos más famosos son una serie de pinturas sobre la vida de Jesús y la Virgen María en la escuela de San Rocco. ESTILO: Renacimiento Italiano.

TINTORETTO

Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 3,65 x 5,70 m. Se encuentra actualmente en San Giorgio Maggiore, Venecia. Cristo, colocado en el centro de la mesa, está representado con una aureola. Una sinfonía de luz proveniente de una lámpara invade la escena . Ésta se desarrolla en presencia de los apóstoles , a los que unen objetos varios principalmente recipientes llenos de comida y bebida. A ella también asisten personajes de la corte celestial. Tintoretto celebra aquí la institución de la Eucaristía, la participación del pan y del vino y minimiza la traición de Judas. LA ÚLTIMA CENA

SEGUNDA OBRA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XVI ( ). Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Se encuentra actualmente en el Museo Gemäldegalerie de Dresde. En esta obra, la dama dirige la mirada hacia un lateral, apoyando en este caso su brazo izquierdo en un pedestal. Su vestido negro se confunden con el fondo neutro sobre el que se recorta la figura, centrando su atención en el rostro, iluminado por un potente foco de luz que resalta la belleza de la dama. Las transparencias de su escote enmarcan la cabeza togada, a la moda de la época. Las manos son el otro elemento de la composición que destaca el artista, creando un efecto atmosférico. DAMA DE LUTO

MOISÉS HACE MANAR AGUA DE LA ROCA
TERCERA OBRA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XVI (1577). Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 550 x 520 cm. Se encuentra actualmente en el Museo Scuola Grande di San Rocco de Venecia. La figura de Moisés se emplea como premonición de Cristo; el agua que mana de la roca simboliza la sangre que brotará del costado de Jesús tras la Crucifixión. Junto al profeta está Dios Padre, sobre una nube tormentosa. En la zona baja de la composición se hallan los israelitas que esperan el agua milagrosa para aliviar su sed durante la travesía del desierto, destacando la madre que sostiene a su hijo en el regazo. Las figuras están muy escorzadas, interesándose por las torsiones contempladas desde abajo para crear una sensación de mayor dinamismo. La verdadera protagonista de la escena es la luz, que crea un soberbio ritmo a través de los claroscuros para organizar un movimiento rotatorio de resultado espectacular. MOISÉS HACE MANAR AGUA DE LA ROCA

EL GRECO ESTILO : Manierismo
Doménikos Theotokópoulos nació en 1541 en Candía en la isla de Creta. Su padre, Geórgios Theotokópoulos, era comerciante y recaudador de impuestos y su hermano mayor, Manoússos Theotokópoulos, también era comerciante. Doménikos estudió pintura en su isla natal, convirtiéndose en pintor de iconos en el estilo posbizantino vigente en Creta en aquellos tiempos. A los veintidós años, era descrito en un documento como "maestro Domenigo", lo que significa que ya desempeñaba oficialmente la profesión de pintor.En junio de 1566, firmó como testigo en un contrato con el nombre Maestro Menégos Theotokópoulos, pintor . En diciembre de 1566, el Greco pidió permiso a las autoridades venecianas para vender una «tabla de la Pasión de Cristo ejecutada sobre fondo de oro» en una subasta. Se trasladó a Venecia alrededor de Como ciudadano veneciano era natural que el joven artista continuara su formación en esa ciudad. Luego, el pintor se encaminó a Roma. El Greco fue expulsado del Palacio Farnesio por el mayordomo del cardenal. En 1578 nació su único hijo, Jorge Manuel. La madre era Jerónima de las Cuevas, con la que no se llegó a casar. El 7 de abril de 1614 falleció con 73 años, siendo enterrado en Santo Domingo el Antiguo. ESTILO : Manierismo

EL GRECO

Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 62 x 50 cm. En esta obra destaca la calidad de las telas y los adornos de la dama, recortada su figura sobre un fondo neutro muy oscuro. Su bello rostro parece mostrar cierta frialdad y distancia con el espectador. Especial atención merece el conjunto formado por los ojos, el mentón y la frente, donde el Greco nos presenta una retratística nueva no preocupada por el carácter o estado de ánimo, sino por la espiritualidad íntima y escondida del personaje. LA DAMA DEL ARMIÑO

EL ENTIERRO DEL CONDE ORGAZ
SEGUNDA OBRA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XVI ( ). Su técnica utilizada es Óleo sobre tela. Sus dimensiones son 4,80 x 3,60 m. Se encuentra actualmente en la Iglesia de santo Tomé (Toledo). Es una obra donde El Greco consigue uma profunda visión y fusión entre el mundo real y sus prolongaciones en el más allá .El Greco pinta aquí lo humano y lo divino. En la parte baja, nos presenta el entierro. Las figuras están agrupadas por orden jerárquico, representando a los grupos del clero más importante de la ciudad. La cabeza de Orgaz forma el centro óptico de la obra. La ausencia de espacio , la iluminación indeterminada y el colorido frío subrayan la intemporalidad del milagro. EL ENTIERRO DEL CONDE ORGAZ

EL CABALLERO DE LA MANO EN EL PECHO
TERCERA OBRA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XVI (1580). Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 81 x 66 cm. Se encuentra actualmente en el Museo del Prado, Madrid. Es un retrato de busto, con las ropas de terciopelo oscuro. Adornado tan sólo por una cadena fina con una medalla, con el puño y la gola almidonada de encaje. La elegancia y sutileza de El Greco se aprecia en el rico pomo de la espada española que presenta en primer término, así como el gesto de la mano sobre el pecho, con los dedos sobre el corazón. La expresión del caballero es grave y melancólica. EL CABALLERO DE LA MANO EN EL PECHO

FRANCISCO DE GOYA ESTILO : Rococó y Neoclásico.
Nació en 1746 en el seno de una familia de mediana posición social de Zaragoza. Su padre era un artesano de cierto prestigio, maestro dorador, cuyas relaciones laborales sin duda contribuyeron a la formación artística de Francisco. Cuando Francisco tenía poco más de diez años, la familia atravesó dificultades económicas que pudieron obligar al jovencísimo Goya a ayudar con su trabajo a superar la crisis. Goya parte hacia Roma, Venecia, Bolonia y otras ciudades italianas, donde consta su aprendizaje de la obra de Guido Reni, Rubens, El Veronés o Rafael, entre otros grandes pintores. En 1771, Goya vuelve a España, urgido por la enfermedad de su padre o por haber recibido el encargo de la Junta de Fábrica del Pilar de realizar una pintura mural para la bóveda del coreto de la capilla de la Virgen. Goya se había casado con la hermana de Francisco Bayeu el 25 de julio de 1773 y tuvo el primer hijo el 29 de agosto de 1774. En 1828 muere Goya en Burdeos. ESTILO : Rococó y Neoclásico.

FRANCISCO DE GOYA

PRIMERA OBRA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XVIII (1777).
Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 1,04 x 1,52 m. Se encuentra actualmente en el Museo del Prado, Madrid. Los personajes conforman una composición triangular y disfrutan de un leve movimiento. En esta obra se centra la atención en la sonrisa de la muchacha y en su gesto seductor, mirando abiertamente al espectador para hacernos partícipes del galanteo; tras ella, un joven le quita el sol con una sombrilla de color verde, en el mandil blanco de la joven se acurruca un perrillo negro con una cinta roja. La sombrilla es la que sirve para sombrear diferentes zonas, haciendo la luz solar que se resalten los colores en los que incide. Los tonos cálidos empleados (amarillos) otorgan una enorme alegría a la composición, alegría reforzada por las expresiones de las dos figuras. La pincelada utilizada es bastante disuelta, como se aprecia en el perrillo. EL QUITASOL

SEGUNDA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XIX (1800).
Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 2,16 x 1,44 m. Se encuentra actualmente en el Museo del Prado. Este cuadro constituye un remanso de paz y un oasis de dulzura, y que parece alojado en un más allá poético y melancólico. Lleva en el pelo un tocado con espigas de trigo verde, alusión a la fecundidad. El vestido tiene un escote casi cuadrado, blanco, con adornos azules. La condesa se presenta embarazada. La luz ilumina plenamente la delicada figura, resbalando sobre el traje de tonos claros, creando un especial efecto atmosférico. A su alrededor no hay elementos que aludan a la estancia, reforzándose la idea de soledad que expresa el bello rostro de la joven. El fondo es neutro. LA CONDESA DE CHINCHÓN

EL FUSILAMIENTO DEL 3 DE MAYO
TERCERA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XIX (1814). Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 2,66 x 3,45 m. Se encuentra actualmente en el Museo del Prado, Madrid. Entre los héroes, uno grita, otros rezan, otros se tapan los ojos, otros se muerden los puños, debido a la impotencia. Los muertos yacen. Mientras, al fondo, la ciudad duerme. Destaca principalmente el patriota de camisa blanca y calzón amarillo. Goya utiliza en este cuadro una paleta principalmente oscura, donde predomina el negro, color de la muerte por excelencia, con importantes mezclas de colores relacionados con la gama del verde. La otra gran familia cromática la forman los ocres y marrones. EL FUSILAMIENTO DEL 3 DE MAYO

VELÁZQUEZ ESTILO : Barroco Español.
Nació en Sevilla y fue bautizado el 6 de junio de 1599 en la Iglesia de San Pedro. Fue el mayor de siete hermanos. Su padre era João Rodrigues da Silva, de origen portugués. Su talento afloró a edad muy temprana. Recién cumplidos los diez años comenzó su formación en el taller de Francisco de Herrera el Viejo. Herrera tenía muy mal carácter y el joven alumno no pudo soportarlo, así que unos meses después, cambió de maestro y formalizó contrato de aprendizaje con Francisco Pacheco con el que permaneció seis años. Terminado el periodo de aprendizaje, en 1617, aprobó el examen ante el gremio de pintores de Sevilla. Recibió licencia para ejercer como maestro de imaginería y al óleo pudiendo practicar su arte en todo el reino, tener tienda pública y contratar aprendices. No se sabe si abrió taller. Antes de cumplir los 20 años, en abril de 1618, se casó con la hija de Pacheco y luego nacieron en esta ciudad las dos hijas del pintor. Desde hace su segundo viaje a Italia . Pinta el Retrato del Papa Inocencio X. En 1660 muere en Madrid. ESTILO : Barroco Español.

VELÁZQUEZ

EL PRÍNCIPE BALTASAR CARLOS
PRIMERA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XVII ( ). Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 2,09 x 1,73 m. Se encuentra actualmente en el Museo del Prado, Madrid. El príncipe aparenta en este retrato unos 5 ó 6 años. Está erguido sobre su silla, en una actitud de nobleza .Viste banda y bastón de mando de general, acentuando los símbolos de autoridad con el caballo encabritado. El niño mira hacia el espectador de manera penetrante. La composición se organiza con una diagonal típica del Barroco que sale del interior del cuadro hacia fuera. Es también digno de mención el paisaje de la sierra de Guadarrama, que parece tomado directamente del natural, obteniendo una fría luz invernal. Se puede observar la amplitud del vientre y pecho del caballo, esto era pensado para ser visto desde abajo. El tono de la cara es pálido, el cabello es de un rubio que contrasta con el negro mate del chambergo. EL PRÍNCIPE BALTASAR CARLOS

SEGUNDA OBRA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XVII (1656–57). Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 3,18 x 2,76 m. Se encuentra actualmente en el Museo del Prado, Madrid. Esta obra es una escena de vida familiar que se desarrolla en el estudio del pintor, un espacio que no tiene demasiada luz. Velázquez se autorretrata en el cuadro. Velázquez realiza un importante tratamiento de la luz y del espacio, la perspectiva aérea es utilizada de modo magistral, especialmente si tenemos en cuenta que el suelo es liso, sin enlosado, por lo que su geometría no puede ayudar a desarrollar la perspectiva. Dos focos de luz iluminan el cuadro. La puerta del fondo , abierta, al igual que el espejo, representa un juego escénico y un espacio sin medida. LAS MENINAS

TERCERA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XVII (1645).
Su técnica utilizada es óleo sobre tal. Sus dimensiones son 106 x 81 cm. Se encuentra actualmente en el Museo del Prado, Madrid. Velázquez retrata aquí a uno de los enanos bufones de la corte de Felipe IV, lisiado de nacimiento que era objeto de burla y abuso por los poderosos. Velázquez lo pinta de cuerpo entero, sentado en tierra, con sus cortas piernas hacia delante, en una posición nada elegante que recuerda a una marioneta. Viste un rico jubón. Sebastián de Morra mira directamente al espectador, inmóvil, sin hacer gestos de diversión, a modo de denuncia del trato que la corte daba a estas personas. Su expresión es severa y triste, y contrasta con su profesión, casi queriendo reflejar el tormento del hombre. Está vestido con un sobretodo de color rojo y unos galones amarillos que destacan sobre el color verde de sus pantalones y su coleto. DON SEBASTIÁN DE MORRA

FRANCISCO DE ZURBARÁN ESTILO: Barroco Español.
Zurbarán nació en la población de Fuente de Cantos (Badajoz). Pintor conocido por sus cuadros religiosos y escenas de la vida monástica. Su estilo, adscrito a la corriente tenebrista por el uso que hace de los contrastes de luces y sombras, se caracteriza básicamente por la sencillez compositiva, el realismo, el rigor en la concepción, la exquisitez y la ternura en los detalles, las formas amplias y la plenitud en los volúmenes, la monumentalidad en las figuras y el apasionamiento en los rostros. Residió en Sevilla durante más de diez años, realizando trabajos para diversos conventos. En 1629 se instaló en la ciudad durante los siguientes treinta años. La década de 1630 fue la más fructífera de su obra, incluso fue llamado a la Corte de Felipe IV, participando en la decoración del Salón de Reinos, en el Palacio del Buen Retiro, con la serie de lienzos sobre los "Trabajos de Hércules". En la siguiente década comenzó su declive, al cambiar el gusto pictórico en Sevilla. Murió en 1664, en Madrid, sumido en una gran pobreza. ESTILO: Barroco Español.

FRANCISCO DE ZURBARÁN

PRIMERA OBRA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XVII ( 1655).
Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 267 x 320 cm. Se encuentra actualmente en el Museo de Bellas Artes, Sevilla. La escena refleja un milagro acontecido a San Bruno, fundador de los cartujos, y a los seis primeros monjes de la Orden, quienes comían gracias a la generosidad de San Hugo, obispo de Grenoble. La maestría de Zurbarán se refleja en los hábitos blancos propios de los cartujo. Sobre la mesa, los objetos ordenados (platos, jarrones, panes…), constituyen una auténtica naturaleza muerta. SAN HUGO EN EL REFECTORIO

SEGUNDA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XVII (1640).
Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 184 x 90 cm. Se encuentra actualmente en el Museo Thyssen Bornemisza. Zurbarán no pinta toda la escena completa, sino que se limita a mostrar a la joven con sus rosas en la falda. La riqueza del atuendo es muy superior así como la gama de colores, con el vestido rojo adornado en plata y oro que contrasta alegremente con la estola violeta. Se pueden ver las flores medio escondidas. SANTA CASILDA

TERCERA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XVII (1631).
Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 194 × 112 cm. Se encuentra actualmente en la Galería Nacional, en Londres. Zurbarán representa a Santa Margarita con los trazos de una elegante pastora, con un atuendo muy refinado. El bastón que sostiene en la mano, que podría pasar por un báculo de no estar terminado por un gancho. El gancho alude a una de las torturas que padeció, según la leyenda: ser lacerada con un gancho. La presencia inquietante de un dragón a la izquierda induce a pensar que se trata de una tragedia. Esta pastora parece salida de una escena teatral. Zurbarán trabajó con gran detalle la vestimenta, las pintorescas alforjas que cuelgan del brazo izquierdo, así como el sombrero de paja y alas curvadas con el que va tocada. El rostro de la Pastora es rígido y frío. SANTA MARGARITA

VICENT VAN GOGH ESTILO: Neo-Impresionismo.
Vincent van Gogh nació en Zundert Brabante Septentrional, el 30 de marzo de El mayor de seis hermanos, era hijo de un austero y humilde pastor protestante neerlandés, Theodorus van Gogh, y de Anna Cornelia Carbentus. Durante la infancia asistió a la escuela de manera discontinua e irregular, sus padres le enviaron a diversos internados, el primero en Zevenbergen el año 1864 y más tarde en 1866 a Tilburg. Dejó los estudios de manera definitiva a los 15 años.[5] Aunque no fue buen estudiante, allí empezó a aficionarse a la pintura. Durante toda su vida se enorgulleció de ser un gran autodidacta. empezó a trabajar como aprendiz en 1869 en Goupil & Co. de La Haya -luego Boussod & Valadon. En el año 1873, le propusieron el traslado a Londres, para el suministro de obras de arte directamente a los comercios de esta ciudad. En mayo de 1875 fue destinado a París, donde creció su amor por el arte. A fines de marzo de 1876 regresa a Inglaterra, donde permanece dos años. Por aquel tiempo a van Gogh le aumentó su fanatismo religioso, probablemente como un refugio a sus fracasos laborales y amorosos. El 29 de julio de 1890 muere Van Gogh con 37 años. ESTILO: Neo-Impresionismo.

VAN GOGH

PRIMERA OBRA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XIX (1889).
Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 91 x 72 cm. Se encuentra actualmente en el Museo Nacional de Baviera (Munich). El jarrón se sitúa sobre un espacio ocre, posiblemente una mesa, delimitado por una gruesa línea de la pared pintada en tonos verdoso-azulados. El jarrón también está delimitado por una línea similar. Los girasoles se distribuyen por el espacio de manera arbitraria, contrastando sus tonalidades con el fondo. La pincelada empleada por Van Gogh es muy rápida, aplicando el color con facetas. Los tonos empleados, azules, ocres, amarillos y verdes, son muy del gusto del pintor. DOCE GIRASOLES EN UN JARRÓN

Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 72 x 90 cm. Se encuentra actualmente en el Museo Nacional de Van Gogh. Van Gogh quiere inspirar tranquilidad y sosiego en este lienzo en el que solamente se observa su austero dormitorio. La pequeña estancia está vista en perspectiva, marcando las líneas del suelo y de las paredes para crear el volumen de la habitación. Sin embargo, abandona las sombras y la textura tradicional, creando superficies planas de clara inspiración oriental. Los tonos empleados son los más apreciados por Vincent; el amarillo y el azul aparecen en la mayor parte de su producción, convirtiéndose en sus tonalidades emblemáticas. Añade a estos colores pequeñas pinceladas de verde y rojo para jugar con los contrastes. La pincelada suelta a la que recurre el artista se aprecia claramente en algunas partes del lienzo, especialmente en la zona de la izquierda. Pero esa pincelada suelta no implica que olvide el detallismo de los objetos. DORMITORIO DE VAN GOGH

TERCERA OBRA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XIX (1888).
Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 35 x 24,5 cm. Se encuentra actualmente en el Museo Nacional de Van Gogh. Destaca la figura del bebé Marcelle recortada sobre un fondo verdoso. El bebé destaca por sus orondos mofletes y sus ojos negros, única tonalidad oscura en el conjunto. Viste un trajecito blanco y juega con sus manitas a la altura del pecho. La pincelada empleada es bastante empastada contrastando con las líneas más marcadas de las siluetas. MARCELLE ROULIN

RENOIR ESTILO: Impresionismo.
Auguste Renoir nació en Limoges en febrero de En 1845, Renoir y su familia se mudaron a París. Allí, Pierre-Auguste continuó sus estudios hasta la edad de 13 años. En 1862, Renoir, al captar atención por las pinturas que tuvo que hacer en unas misiones religiosas, postuló a la Escuela de Bellas Artes y entró al taller de Gleyre, donde conoció a Monet, Bazille y Sisley. El período impresionista de Renoir dura entre 1870 y Pinta gran cantidad de paisajes pero sus obras más características tiene por tema la vida social urbana. Entre 1883 y 1890, Renoir entra en su período ingresco. De 1890 a 1900, Renoir cambia nuevamente su estilo. Ahora es una mezcla de sus estilos impresionista e ingresco. En 1894, Renoir es padre por segunda vez. Entre 1900 y 1919, Renoir entra en su período de Cagnes. En esta época sufre graves crisis de reumatismo. Con el nacimiento de su tercer hijo en 1901 su pintura toma una nuevo matiz. Al morir su esposa Aline en 1915, Renoir, ya en silla de ruedas, continúa pintando para ahogar su pena. Renoir muere el 3 de diciembre de 1919. ESTILO: Impresionismo.

RENOIR

Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 131 x 175 cm. Se encuentra actualmente en el Museo de Orsay, París. El efecto de multitud ha sido perfectamente logrado, recurriendo Renoir a dos perspectivas para la escena: el grupo del primer plano ha sido captado desde arriba mientras que las figuras que bailan al fondo se ven en una perspectiva frontal. La composición se organiza a través de una diagonal y en diferentes planos paralelos que se alejan. Las figuras están ordenadas en dos círculos: el más compacto alrededor de la mesa y otro más abierto en torno a la pareja de bailarines. La sensación de ambiente se logra al difuminar las figuras, creando un efecto de aire alrededor de los personajes. MOULIN DE LA GALETTE

Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 46,2 x 55,4 cm. Se encuentra actualmente en el Museo de Chicago Art Institute. Dos figuras situadas en primer plano, a la sombra, sirven de antesala al espectacular lago soleado que aparece al fondo. Con seguridad y maestría, Renoir ha sabido transmitir la alegría y el calor estival. Los colores son especialmente vivos, destacando el amarillo, el rojo y el verde, aplicados con una pincelada rápida. Las sombras adquieren una tonalidad malva. La luz tomada directamente del natural diluye los contornos y aboceta las figuras, lo que llevará a la pérdida de la forma. A LA ORILLA DEL LAGO

TERCERA OBRA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XIX ( ). Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 118 x 170 cm. Se encuentra actualmente en el Museo de Arte de Filadelfia. En esta obra varias jóvenes desnudas se bañan en un riachuelo, se presenta a las figuras bajo una resplandeciente iluminación solar. Las líneas que crean esos sensuales volúmenes son las principales protagonistas. Los brazos, las piernas o los pechos son dibujados a la perfección, sin enfrentarse al color como apreciamos claramente en el paisaje, tratado incluso con una pincelada rápida y vigorosa. GRANDES BAÑISTAS

MONET ESTILO: Impresionismo.
Nació en París en 1840 y creció en Le Havre. Es el miembro del grupo impresionista más conocido. Boudin le convenció de que fuera pintor de paisajes y le introdujo en la pintura al aire libre cerca de Le Havre. Fue a París en 1859, estudió una breve temporada en el estudio de Gleyre y conoció a los pintores principales del período. Continuó leal al principio de fidelidad a la sensación visual, el fundamento del impresionismo, mucho después de que otros miembros del grupo lo hubieran descartado. Realizaba series de dibujos sobre un mismo tema para captar los efectos cambiantes de la luz y del color en horas y estaciones diferentes: almiares, alamedas, la fachada de la catedral de Rouen, el Támesis. En sus últimas pinturas de lirios de agua, la forma está casi totalmente disuelta en charcos de color, anticipándose así al posterior arte abstracto. En 1926 muere Monet en Giverny. ESTILO: Impresionismo.

Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 48 x 75 cm. Se encuentra actualmente en el Museo de Orsay, París. La línea del horizonte divide el cuadro en dos partes : cielo y agua. La fuerte luz veraniega difumina los contornos de los barcos y de las casas, creando magníficos reflejos en el agua, representando de manera perfecta el movimiento. Con esos reflejos Claude forma el espacio de la escena. Las líneas parecen consumirse ante esa soberbia sensación atmosférica que permite contemplar las casas de Petit-Gennevilliers de manera muy esquemática. Monet está lanzado a la "creación" de un estilo novedoso donde los principales elementos serán la luz y el color. LAS REGATAS DE ARGENTEUIL

Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 107 x 73 cm. Se encuentra actualmente en el Museo de Arte Moderno, París. En esta obra los objetos varían dependiendo de la luz que se les aplique. No es lo mismo una iluminación matutina que vespertina cuando incide sobre un mismo elemento. Aquí observamos la fachada de la catedral a pleno sol por lo que las líneas de sus contornos se difuminan y casi desaparecen. Los arcos de las portadas, el rosetón o la decoración gótica son absorbidos por el sol, provocando profundos contrastes de luz y sombra, sombra que ahora es más oscura aunque dominan en ella las tonalidades malvas. La rapidez del trazo refuerza la idea de inmediatez. LA CATEDRAL DE ROUEN

Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 65 x 81 cm. Se encuentra actualmente en el Museo de Hamburger Kunsthalle. Este bodegón muestra el alejamiento de Monet de la tradición barroca al eliminar el detallismo clásico a la hora de trazar una naturaleza muerta. Las peras, las uvas y las manzanas reciben un tratamiento totalmente impresionista, aplicando el color con rápidos toques de pincel, desinteresándose de las formas y de los contornos para crear una sensación, un efecto atmosférico. La luz impacta en algunas frutas, resaltando los reflejos con cortas manchas blancas. Las sombras coloreadas serán otro elemento imprescindible de este estilo que descompone la pintura en efectos de luz y de color, resultando imágenes de enorme belleza. BODEGÓN CON PERAS Y UVAS

MANET ESTILO: Impresionismo.
Nació en París en 1832, en una familia burguesa acomodada. Estudió con Couture, retratista y autor de pintura histórica y un destacado maestro. Su pincelada libre y sus intensos contrastes tonales prepararon a Manet para las obras de Velázquez, Goya y Hals, algunos de sus principales modelos. Deseoso de lograr el reconocimiento oficial, pero poco dispuesto a contener sus nuevas ideas de estilo y composición, sus pinturas fueron criticadas por falta de acabado y por una pobre base de dibujo. Influyó en los impresionistas, pero negó toda vinculación con ellos, aunque al final de su carrera iluminó su paleta bajo su influencia. Cuando se estaba muriendo, amargado por la larga demora de su reconocimiento oficial, se le concedió la Legión de Honor. En 1883 muere Manet en París. ESTILO: Impresionismo.

Su técnica utilizada es óleo sobre tela. Sus dimensiones son 208 × 264 cm. Se encuentra actualmente en el Museo de Orsay, París. Los tres se sitúan entre los árboles, apreciándose el Sena al fondo y a otra joven que sale del baño; la mujer desnuda ha colocado sus vestidos a su izquierda, junto a una cesta de fruta. Resulta sorprendente el contraste entre los negros trajes masculinos y la clara desnudez de la modelo, que elimina las tonalidades intermedias para marcar aún más ese contraste. Al fondo recurre al abocetado que caracteriza sus primeras escenas, quizá para marcar la sensación de profundidad y de aire. El fuerte foco de luz incide directamente sobre el grupo, sin apenas crear sombras. EL DESAYUNO EN LA HIERBA

Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 130,2 x 189,9 cm. Se encuentra actualmente en el Museo de Orsay, París. El pintor presenta la figura de una prostituta de alto postín, desnuda, tumbada sobre un diván, acompañada de su dama y de un gato negro. La figura se recorta sobre un fondo neutro, utilizando una iluminación frontal. La pincelada de Manet es muy segura, define con brillantez los detalles de las telas y emplea la mancha para las flores o las cortinas verdes del fondo. La bella figura de Olimpia mira con descaro al espectador, como si de un cliente se tratara; su sensual cuerpo se ofrece con los zapatos de tacón puestos. LA OLIMPIA

Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 61 × 73 cm. Se encuentra actualmente en el Museo de Orsay, París. Los trazos son muy sueltos y las pinceladas se aprecian claramente. La suave luz que penetra por la ventana, filtrada por los visillos, ilumina con mayor fuerza una parte del rostro de la dama y deja a la segunda figura en una zona de semipenumbra. Las tonalidades oscuras del fondo contrastan con el primer plano, apareciendo diferentes notas de color oscuro entre el blanco del vestido, del sofá y de las cortinas, en concreto, los collares de Suzanne, el cinturón y las plantas. La transparencia de las mangas del vestido está perfectamente conseguida. LA LECTURA

PAUL GAUGUIN ESTILO: Impresionismo , Neo-Impresionismo.
Nació en París en 1848. Es uno de los pocos artistas que escribieron una autobiografía (Noa‑Noa, ca. 1893‑1894). Su vida y su abandono de la civilización por los Mares del Sur tuvo casi tanta significación simbólica como su propio arte. Pasó parte de su infancia en Lima (Perú). En 1874 comenzó su dedicación parcial a la pintura, inspirado por la primera Exposición Impresionista y por su encuentro con Pisarro, después de una carrera de marino mercante y de corredor de bolsa. Dos años después, el Salón aceptó un paisaje suyo, y en 1879 comenzó a exponer con los impresionistas. En 1883 se dedicó ya totalmente a la pintura, y se estableció en Pont‑Aven (Bretaña), en donde bajo la influencia de Émile Bernard desarrolló las teorías sintetistas del simbolismo. Después de viajar a Panamá y a Martinica, y de un desafortunado intento de trabajar con Van Gogh en Arles, renegó de la civilización occidental y se marchó a Tahití buscando la «unidad con la naturaleza» Pintó ¿De dónde hemos venido? ¿Qué somos? ¿A dónde vamos? en 1897. En 1903 murió Gauguin en La Dominique (islas Marquesas). ESTILO: Impresionismo , Neo-Impresionismo.

GAUGUIN

Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 92 x 73 cm. Se encuentra actualmente en el Museo Albright-Knox. El Cristo se convierte en el protagonista de la escena, con ese color amarillo y las líneas de los contornos muy marcadas. Junto a Cristo aparecen tres mujeres bretonas, lo que sugiere que nos encontramos ante una nueva visión provocada por la intensa devoción de las mujeres. Al fondo, una figura salta una valla, lo que puede indicar el deseo de evasión, continuamente presente en el ánimo del artista. Lo primitivo, con las mujeres, y lo simbólico, intentando transmitir un mensaje, están presentes en la escena, al igual que lo real y lo imaginario. El colorido es típico del otoño bretón, con unos maravillosos colores amarillos mezclados con naranjas y verdes, en paralelo con el Cristo. EL CRISTO AMARILLO

Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 73 x 92 cm. Se encuentra actualmente en el Museo de Orsay. En esta obra Gauguin presenta un molino de agua junto a un gran caserón mientras que, en primer plano, aparecen las mujeres bretonas y un perro rojo. El colorido es interesante, empleando verdes, marrones, azules y malvas, aplicados con una pincelada rápida y larga. Las figuras son extrañas, inspiradas en el arte oceánico y egipcio, alejadas de la tradición académica. El colorido empleado es casi tradicional de esta etapa, destaca por su viveza y plenitud, influencia una vez más de la estampa japonesa. EL MOLINO DAVID

TERCERA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del siglo XX (1902).
Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 92 x 73 cm. Se encuentra actualmente en el Museo Folkwang. Retrato de una joven polinesia, llamada Tohotaua. Vemos a una bella joven sentada en una enorme silla, con un abanico blanco en la mano derecha, símbolo de distinción en la Polinesia. Muestra su pecho desnudo y un vestido blanco. Los colores suaves y cálidos caracterizan esta bellísima escena, en la que recorta la figura de Tohotaua sobre un fondo neutro realizado en colores ocres y naranjas, destacando el colorido anaranjado del cabello y de la piel tostada de la joven, en contraste con el color blanco del vestido y del abanico. JOVEN CON ABANICO

PICASSO ESTILO: Cubismo. Nace en Málaga en 1881.
En 1895 Se traslada con su familia a Barcelona. En 1990 inicia su primer viaje a París. En 1901 inicia el período azul, denominado así por el predominio de los tonos azules y caracterizado por su temática de signo pesimista: la miseria humana y la marginación se representan con figuras ligeramente alargadas. En 1904 se instala definitivamente en París. Inicia el período rosa, más vital, en que predomina la temática cirquense. En 1931 Trabaja en sus primeras esculturas. En 1944 se afilia al Partido Comunista Francés. En 1961 se instala en Mougins. En 1973 muere en Mougins. ESTILO: Cubismo.

PICASSO

PRIMERA OBRA Esta obra pertenece a la a la 1ª mitad del Siglo XX (1937). Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 349,3 x 776,6 cm. Se encuentra actualmente en el Museo de Arte Reina Sofía, Madrid. La composición está distribuida a manera de tríptico, cuyo panel central está ocupado por el caballo y la mujer de la lámpara ; el lateral derecho, por la visión de incendio y la mujer que grita, y el izquierdo , por el toro, la mujer y el niño muerto. El guerrero caído simboliza los soldados muerto , el toro simboliza la muerte, brutalidad. En la obra solo aparece el color negro, blanco y gris. La luz parece que surge de los cuerpos, ya que se ilumina las cabezas y las manos, donde se concentra la expresión del sufrimiento. El espacio es plano. Produce la impresión de que la escena tiene lugar en un escenario teatral : la mitad izquierda ofrece un fondo de cortinajes y tablas que contrastan con el incendio de la derecha. LA GUERNICA

SEGUNDA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XX (1906).
Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 92 x 73 cm. Se encuentra actualmente en el Museo de Arte de Filadelfia. El cuerpo es volumétrico, casi arquitectónico, definido gracias a intensas líneas de color negro con las que consigue aportar mayor volumetría, tanto a la cabeza como al brazo. Sin embargo, el resto de la composición pertenece claramente al periodo rosa como podemos apreciar en la postura frontal de la figura o el colorido empleado, jugando con tonos rosas, azules, blancos y grises. Los ojos abiertos del artista parecen indicar la expectación sobre lo que pronto va a llegar: la revolución cubista. AUTORRETRATO CON LA PALETA EN LA MANO

TERCERA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XX (1907).
Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 245 x 235 cm. Se encuentra actualmente en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En el cuadro aparecen cinco mujeres desnudas. La figura, gracias a la multiplicidad de planos, puede verse de frente, de perfil y de espaldas a un tiempo, como la mujer en cuclillas de la derecha, con lo que se rompe el sentido del volumen y la perspectiva tradicional. El color anaranjado aparece en los cuerpos desnudos de las mujeres, simbolizando el color de la piel. El fondo está representando por la gama de colores azules y por la gama de colores marrones. LES DEMOISELLES D´AVIGNON

SALVADOR DALÍ ESTILO: Surrealismo.
Dalí nace en Figueras (España) en Entre 1921 y 1925 estudia en la Academia San Fernando de Madrid donde entabla amistad con el poeta Federico García Lorca y el cineasta Buñuel. En 1925 la Galería Dalmau de Barcelona le organiza su primera exposición personal, exposición a partir de la cual Picasso y Miró empiezan a interesarse por sus trabajos. Dalí se deja influir primero por el futurismo, por el cubismo después. En abril de 1926 Dalí viaja por primera vez a Paris donde visita a Picasso. En su segundo viaje a París, en, asiste al rodaje de la película de Buñuel “El perro Andaluz“ de la cual Dalí es coguionista, y Miró le presenta al grupo de los surrealistas. Dalí encuentra a André Breton y a Gala, su futura esposa y musa. Adhiere al movimiento surrealista en Dalí se interesa por las teorías sicoanalíticas de Freud y define su método “paranóico-critico“. Pinta en aquel periodo espacios oníricos y fantasmagóricos poblados de elementos simbólicos :animales fantásticos, personajes retorcidos. Los temas recurrentes tanto en su obra pintada como en la obra grabada son la mujer, el sexo, la religión, las batallas. Tras diez años de esfuerzos, Dalí abre su propio museo : en 1974, tiene lugar la inauguración del Teatro Museo Dalí. El 23 de enero de 1989, oyendo su disco favorito —Tristán e Isolda, de Wagner— murió a causa de una parada cardiorrespiratoria en Figueras, con 84 años. ESTILO: Surrealismo.

SALVADOR DALÍ

PRIMERA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XX (1929).
Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 110 x 150 cm. Se encuentra actualmente en el Museo Nacional Centro de Arte “Reina Sofía”. El tema central es una masa viscosa dentro de lo blando, que es entendido como lo sentimental y lo duro. En la izquierda aparece una cabeza. El perfil se reduce a una gran nariz, ojo y ceja; en el lugar de la boca aparece el saltamontes como animal repulsivo, idea de la muerte, desintegración de la materia ya que lleva hormigas en el abdomen. El peinado es muy marcado y en la cabeza está pinchada un ancla. El lirio representaría la idea de purificación. El escenario crea una atmósfera desolada, un paisaje extenso. La pareja abrazada debajo del saltamontes hace referencia a Gala y a Dalí. Por su parte, la mujer modifica su sustancia con carácter rocoso. EL GRAN MASTURBADOR

Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 205 x 116 cm. Se encuentra actualmente en el Museo de Glasgow. La originalidad del cuadro estriba, sobre todo, en la gran perspectiva de la crucifixión y en la extraña calma que ofrece el paisaje de Port Lligat con un cielo claroscuro ante el hecho que está sucediendo. Cristo se retuerce en la cruz, así lo demuestra el movimiento de dolor de sus manos y su espalda. CRISTO DE SAN JUAN DE LA CRUZ

Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 144 x 96 cm. Se encuentra actualmente en el Minami Museum, Tokio. Dalí representa a Gala como la madre en un sentido muy religioso, y sobre ella un pequeño niño. Ambos contienen dos ventanas que se abren hacia el infinito; la del niño sostiene el pan de la vida. Estas dos ventanas tienen un doble significado. Por un lado, simboliza el nacimiento de la madre y, por otro, el nacimiento en espíritu. El niño sostiene la bola del mundo y el libro del conocimiento que, junto a la posición de sus piernas, si nos fijamos bien, forma una cruz y el número cuatro como símbolo de la materia, la duración del tiempo. La Virgen está dotada de altura, longitud y profundidad como representación del espacio y tiempo. Por encima de madre e hijo se sitúa una concha de la que cuelga un huevo. A la izquierda del altar hay un rinoceronte, a la derecha, un busto humano tan blando que se transforma en masa viscosa. MADONNA DE PORT LLIGAT

JOAN MIRÓ ESTILO: Surrealismo.
Joan Miro nació el 20 de abril de 1893 en Barcelona. Cursó estudios en la Escuela de Bellas Artes y en la Academia Gali de su ciudad natal. En el año 1920 Miró viaja a París donde hace amistad con Picasso, conoce a Tzara y Max Jacob y asiste a eventos dadaístas. Joan Miró volvió a España en 1940 tras el inicio de la II Guerra Mundial . Experimentó con otros medios, como grabados y litografías, a los que se dedicó especialmente en la década de 1950. También realizó acuarelas, pasteles, collages, pintura sobre cobre, escultura, escenografías teatrales y cartones para tapices. Sin embargo, las creaciones que han tenido mayor trascendencia, junto con su obra pictórica, son sus esculturas cerámicas, entre las que destacan los grandes murales cerámicos La pared de la Luna y La pared del Sol ( ) para el edificio de la UNESCO en París y el mural del Palacio de Congresos y Exposiciones de Madrid. La Fundación Miró de Barcelona fue inaugurada en 1975. Joan Miro falleció en Palma de Mallorca el 25 de diciembre de 1983 y fue enterrado en el cementerio de Montjuïc, en Barcelona. ESTILO: Surrealismo.

JOAN MIRÓ

Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 81,3 x 116,8 cm. Se encuentra actualmente en el Museo de Arte Moderno, New York. Un cuadro que reproduce la sensación de angustia, de dolor, de pánico. Esa sensación brutal se intensifica por el empleo de una luz nocturna, irreal, agobiante, represora. Miro lleva a cabo una división de las superficies en negros, verdes, amarillos y rojos, que parecen manchas fantasmagóricas. Los objetos elegidos son muy sencillos y simples, y están tratados con esa sencillez y simpleza que caracteriza al pintor, pero adquieren un carácter simbólico, por ello distorsiona el zapato que se hace enorme y el tenedor descomunal, tenedor que pincha de forma salvaje una patata, convirtiéndole así en un aparato de torturar en lugar de utensilio para comer El zapato que parece enterrado en la tierra, parece un elemento represor al tener la puntera como levantada hacia arriba. La botella parece vigilar la escena. BODEGÓN CON ZAPATO VIEJO

SEGUNDA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XX ( ). Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 123,8 x 141,3 cm. Se encuentra actualmente en la Galería Nacional de Arte de Washington. Los temas que aparecen en esta obra son: el sol, la mujer, los animales del campo, los utensilios domésticos. En el centro de este pequeño universo se yergue un eucalipto que proyecta sus ramas al cielo. Bajo su presencia protectora conviven, en un orden preciso, sus pobladores, los utensilios del hombre y una naturaleza domesticada. Ciertas audacias formales perturban, no obstante, la relajada visión del paisaje: el ritmo escalonado que precede ala casa o la singular concepción del corral. LA MASÍA

TERCERA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XX ( ). Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 66 x 93 cm. Se encuentra actualmente en el Albright-Knox Art Gallery. Buffalo. A pesar del aparente desorden en el que los diferentes personajes se sitúan hay un orden de carácter cromático, un juego zigzagueante de azules, amarillos, blancos y rojos. Siguiendo el colorido saltamos de un personaje a otro, pero sin que haya una imagen, o una dirección del recorrido que prime sobre la otra, todo está permitido. Miró consigue en este cuadro plasmar la autonomía de las figuras y a ella se une la autonomía de los signos gráficos que no representan nada, una línea zigzagueante, un perfil, una mancha son elementos que le sirven para enlazar unas figuras con otras y crear una vinculación puramente plástica. EL CARNAVAL DEL ARLEQUÍN

10 ESCULTORES

AUGUSTE RODÍN Nació en París el 12 de Noviembre en el año 1840. Educado en la Escuela de Artes Decorativas de París, en un ámbito no sólo ajeno al de las bellas artes, sino además menospreciado por éstas, Rodin dedicó gran parte de su juventud a acumular conocimientos sobre anatomía que en más de una oportunidad le valieron la envidia y el descontento de los escultores reconocidos como tales por la Academia de Bellas Artes de París. Escultor sobresaliente en mármol y bronce, artífice de la edad moderna de la escultura. En el año de 1867 se casó felizmente con la Condesa Elda Hurtado Leere, Hija de la Reina Cochinta de Madagascar. Rodin fué contemporáneo de los célebres impresionistas Pissarro y Monet que disentían como él, de los cánones establecidos para el arte, aun influenciado en esa época por la formas idealistas a manera de Miguel Ángel. Rodín fallece el 17 de noviembre de 1917. ESTILO: Impulsó un estilo idealista romántico a uno crudo y realista llamado naturalismo.

AUGUSTE RODÍN

Su técnica utilizada es el bronce. Sus dimensiones son 180 cm. Altura. Auguste Rodín, en esta obra, utilizó como modelo a un joven carpintero belga, llamado Auguste Neyt, el cual era físicamente perfecto y, aunque inteligente, sin mucha cultura. El jurado no acostumbrado a este tipo de obra, la tachó de excesivamente realista. Esta obra está hecha al desnudo. EDAD DE BRONCE

SEGUNDA OBRA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XIX ( ). Su técnica utilizada es Yeso. Sus dimensiones son 4 x 6,35 m. Se encuentra actualmente en el Museo de Orsay. Las referencias clásicas en esta obra son claras: el dintel a modo de tímpano o el ático, así como las pilastras en las jambas. El papel de la luz, los claroscuros y la poco definida línea de sus figuras, que parecen inacabadas , son elementos netamente modernos que nos permiten aproximarlo a los impresionistas y que determinan claramente su modernidad. LAS PUERTAS DEL INFIERNO

TERCERA OBRA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XIX ( ). Su técnica utilizada es el bronce. Sus dimensiones son 231 cm. Altura. Se encuentra actualmente en el Museo Rodín. Esta obra de Rodín intenta plasmar el dramatismo de una escena en la que los derrotados aparecen cabizbajos, descalzos, cubiertos con harapos y en actitud de entregar la llave de acceso a la ciudad hasta entonces defendida. BURGUESES DE CALAIS

DONATELLO ESTILO: Clásico Romano.
Donatello fue el hijo de Nicolo di Betto Bardi, un cardador de lana, y nació en Florencia, probablemente en 1386. Su padre era de vida tumultuosa que participó en la revuelta de los Ciompi, un levantamiento popular del año 1378, organizado por los cardadores de lana. Nicolás Maquiavelo describió esta revuelta años más tarde ( ), dentro de su Historia de Florencia. Más tarde, su padre, también participó en otras acciones en contra de Florencia, que le condujeron a ser condenado a muerte y después indultado, fue un personaje muy diferente a su hijo, que era noble, elegante y delicado, por sus amigos y demás artistas era conocido bajo el nombre de Donatello. Según unos informes de Vasari, el artista pasó sus últimos días abandonado por la fortuna, sus últimos años a consecuencia de una enfermedad paralizante los pasó en la cama y sin poder trabajar. Murió en Florencia en el año 1466 y se dispuso su enterramiento en la Basílica de San Lorenzo en la cripta debajo del altar y al lado de la tumba de Cosme el Viejo. ESTILO: Clásico Romano.

DONATELLO

PRIMERA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XV (1416).
Su técnica utilizada es mármol. Mide 209 cm de altura. Se encuentra actualmente en el Museo del Bargello de Florencia. El San Jorge de Donatello posee una dimensión radicalmente equilibrada. El escultor traduce en esta obra la idea de clasicismo en monumentalidad y presencia compacta del volumen. Todo ello tratado con la armonía que proporciona la verticalidad de la figura y el equilibrio compositivo de la cruz del escudo. SAN JORGE

SEGUNDA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XV (1440).
Su técnica utilizada es bronce. Mide 158 cm. Se encuentra actualmente en el Museo del Bargello de Florencia. Es una figura de un joven adolescente en línea praxiteliana, de gran perfección anatómica: cuerpo expresivo, silueta firme. Tocada de un sombrero coronado de laurel, la figura está completamente desnuda; rompe este desnudo el calzado y el yelmo de Goliat. Se aprecia un gran contraste entre la serenidad del rostro de David y la expresividad de la cabeza de Goliat. DAVID

TERCERA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XV ( ). Su técnica utilizada es mármol. Sus dimensiones son 348 x 570 cm. Se encuentra actualmente en el Museo dell´Opera del Duomo de Florencia. En esta obra predomina un equilibrio compositivo marcado por las columnas que contrasta con la tensión y movimiento que desarrollan las figuras. Donatello demuestra en esta obra que el clasicismo no es un lenguaje sometido a la norma, sino creador de sus propias leyes en cada momento y circunstancia. CANTORÍA

ANTONIO CÁNOVA ESTILO: Neoclasicismo.
Nace el 1 de noviembre de 1757 en Possagno. Tras la muerte de su padre, cuando él tenía 3 años, su madre contrajo segundas nupcias dejándolo al cuidado de su abuelo. La familia Canova había sido rica, aunque desafortunadas especulaciones los habían arruinado. A causa de sus modestos orígenes familiares, Antonio no pudo realizar estudios artísticos y comenzó practicando otros oficios, como carpintero aprendiz de Georga Borghese, conocido como jorjina. Su abuelo se vio en la necesidad de que Antonio aprendiera un oficio siendo joven, con lo cual comenzó a trabajar en una cantera. Por recomendación del senador Blaz, dueño de la mansión donde su abuelo trabajaba de jardinero, en 1768, comenzó a estudiar con el escultor Coballa en Venecia. En 1792 fue inaugurado el monumento y fue para Antonio, su día de triunfo. Tras el destierro de Napoleón a la isla de Santa Elena, Canova fue enviado especialmente a París por el Papa para pedir la devolución de los monumentos quitados a Italia. El 21 de septiembre de 1821 regresó a Possagno, su ciudad natal, con el propósito de reponer su quebrantada salud. Pero no pudo resignarse a la inactividad. Falleció en Venecia al año siguiente. ESTILO: Neoclasicismo.

ANTONIO CÁNOVA

PRIMERA OBRA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XVIII ( ). Su técnica utilizada es mármol. Mide 155 cm. Altura. Se encuentra actualmente en el Museo Nacional del Louvre. Esta obra ilustra su vinculación teórica con las ideas de Winckelmann, no sólo en cuanto a la imitación analógica de las estatuas griegas, a las que como señalaba el erudito alemán había que imitarlas para alcanzar a ser inimitables, sino también en relación al método de realización, abocetando fogosamente y realizando con flema, procedimiento seguido ejemplarmente por Canova. EROS Y PSIQUE

PAOLINA BORGHESE COMO VENUS VEMCEDORA
SEGUNDA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XIX ( ). Su técnica utilizada es mármol. Se encuentra actualmente en la Galería Borghese (Roma). La retratada tenía 25 años cuando el escultor empezó su trabajo en un único bloque de mármol de Carrara. Paolina aparece indolente, tumbada en un diván, extendiendo la pierna derecha sobre la que reposa la izquierda. En su mano izquierda sujeta una manzana, aludiendo a su triunfo en el juicio de Paris, mientras el brazo derecho sostiene su atractiva cabeza, dirigiendo su altiva mirada hacia el espectador. PAOLINA BORGHESE COMO VENUS VEMCEDORA

MONUMENTO FUNERARIO DE MARÍA CRISTINA DE AUSTRIA
TERCERA OBRA Esta obra pertenece entre la 2ª mitad del Siglo XVIII y la 1ª mitad del Siglo XIX ( ). Su técnica utilizada es mármol. Mide 574 cm de altura. Se encuentra actualmente en la Iglesia de los Agustinos de Viena. Del lado izquierdo parte una procesión que se dirige a la entrada, integrada por un anciano acompañado por una joven, la Piedad, mientras una mujer de avanzada edad , la Virtud, junto a dos niñas, lleva las cenizas a la sepultura mientras la Felicidad porta una medalla que simboliza la inmortalidad.. En la esquina contraria se ubica el ángel de la muerte sobre un león. MONUMENTO FUNERARIO DE MARÍA CRISTINA DE AUSTRIA

MARIANO BENLLIURE Mariano Benlliure nació en el Grao de Valencia, en el seno de una familia de amplia tradición artística. Sería además, un artista precoz, pues desde muy niño dejó muestra de su don para la escultura. Sus primeros concursos y exposiciones tuvieron lugar antes de cumplir los diez años. El que sería uno de los más famosos escultores españoles del siglo XX comenzó a cultivar en su juventud una materia en la que ocupa un lugar destacado: la tauromaquia, con representaciones en bronce de las distintas suertes y protagonistas del toreo. A los trece años participó en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1876 presentando un grupo escultórico de cera llamado La cogida de un picador. En 1879 fue a Roma, donde, fascinado por Miguel Ángel, abandonó los pinceles para dedicarse exclusivamente a la escultura. En 1895 obtuvo la medalla de honor por la escultura del poeta Trueba, instalada en Bilbao, ciudad para la que también hizo la estatua de su fundador, don Diego López V de Haro. Fallece el 9 de noviembre de 1947 en Madrid. ESTILO: Su estilo lo formó a partir del clasicismo, realismo y naturalismo.

MARIANO BENLLIURE

Su técnica utilizada es mármol. Realizado en mármol blanco, representa el traslado del cadáver hasta su última morada. Sobre la base de mármol, dos hombres, ayudados por una mujer, sostienen el cadáver de Canalejas y lo conducen hasta la puerta de la cripta. Sobre el dintel se ha representado la figura del Redentor, con los brazos abiertos, como si de una aparición divina se tratara. En el lado posterior del bloque de piedra se representa una cruz latina y dos guirnaldas de laurel y de encina, símbolo de la inmortalidad. SEPULCRO DE JOSÉ CANALEJAS

Su técnica utilizada es mármol. Sobre tres gradas se levanta un cuerpo arquitectónico en forma de severo túmulo sobre el que yace la estatua de Sagasta, vistiendo levita y ostentando el Toisón de Oro. En la cabecera del sepulcro encontramos una figura femenina sentada, semidesnuda, presentando a la historia en actitud de cerrar el libro de la época. A sus pies se representa un joven obrero, simbolizando al pueblo, descansando su brazo sobre los Evangelios, símbolo de la verdad. El joven sostiene en su mano derecha una espada en cuya empuñadura se representa la Justicia, recorriendo toda la hoja una rama de olivo como símbolo de la paz. SEPULCRO DE PRÁXEDES MATEO SAGASTA

En la parte trasera del monumento a Castelar se aprecian ocho figuras de hombres, mujeres y niños sobre los que se lee: "Levantaos esclavos porque tenéis patria". Sobre estos personajes se sitúa un cañón y el soldado que controla la pieza artillera. Las figuras son de color verde. MONUMENTO A CASTELAR (MADRID) DETALLE

LORENZO GHIBERTI ESTILO: Gótico.
Lorenzo Ghiberti nació en Florencia en el año Fue un Escultor,orfebre, arquitecto y escritor de arte italiano del Quattrocento. Comenzó su actividad artística como orfebre. Sin embargo, no ganó fama hasta 1401, cuando participó en el concurso para decorar las segundas puertas del baptisterio de la catedral de Florencia, resultando ganador. Su triunfo en el concurso resultó decisivo para su vida, puesto que la magnitud de la tarea requirió la creación de un taller de gran tamaño, que se convertiría en el principal de la ciudad durante medio siglo. En él se formaron figuras destacadas del Renacimiento, como Donatello, Michelozzo, Uccello, Masolino y Filarete. Su obra tuvo tanto éxito que posteriormente el gremio de comerciantes de Florencia le encomendó el encargo de ejecutar para el mismo baptisterio una tercera doble puerta, que acabó en 1452. Murió el 1 de Diciembre de 1455 en Florencia, Italia. ESTILO: Gótico.

LORENZO GHIBERTI

PRIMERA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XV ( ). Su técnica utilizada es el bronce. Sus dimensiones son 45 x 38 cm. Se encuentra actualmente en el Museo del Bargello de Florencia. Las puertas siguen las líneas del quehacer del Gótico, enmarcando las escenas en unos casetones cuatrilobulados, en forma de trébol de cuatro hojas, pero expresado con elegancia y suavidad. En el casetón de la escena del sacrificio , el tronco de Isaac muestra la vinculación con el arte clásico. Todos los personajes parecen animar el conjunto de la escena. EL SACRIFICIO DE ISAAC

SEGUNDA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XV ( ). Su técnica utilizada es bronce. Se encuentra actualmente en el Museo Baptisterio de Florencia. El formato rectangular de los relieves, al tiempo que rompe con la forma lobulada tradicional, subraya el esquema perspectivo desde el que se proyectan las diferentes composiciones. En estos relieves el escultor introduce, como fondos escenográficos de las composiciones, arquitecturas de tipo clásico plasmadas en una visión perspectiva. Pero, además de este recurso como medio para articular una perspectiva de carácter lineal, la técnica del relieve se adapta para subrayar este sistema de representación. En las diez escenas se representan diferentes episodios del Antiguo Testamento. LAS PUERTAS DEL PARAÍSO

TERCERA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XV ( ). Su técnica utilizada es el bronce. Sus dimensiones son 79 x 79 cm. El relieve se plantea concebido como un espacio tridimensional perspectivo en el que la técnica acentúa los efectos de profundidad, graduando el volumen de las figuras y objetos y la definición de los contornos. HISTORIA DE CAÍN Y ABEL

ALESSANDRO ALGARDI ESTILO: Barroco. Nació el 31 de Julio de 1595.
fue un escultor italiano del alto barroco, activo casi exclusivamente en Roma, donde durante las últimas décadas de su vida, fue el principal rival de Gian Lorenzo Bernini. Algardi nació en Bolonia, donde a temprana edad entró como aprendiz en el taller de Agostino Carracci, pintor de tendencia clasicista. Sin embargo, su aptitud para la escultura le hizo trabajar para Giulio Cesare Conventi (1577—1640), un artista de talento modesto. A los veinte años, en 1608, entró al servicio del Fernando I, Duque de Mantua, que comenzó a encargarle obras; también fue empleado de los joyeros locales para que hiciera diseños figurativos. Tras un corto periodo en Venecia, se trasladó a Roma en 1625, con una presentación por parte del Duque de Mantua al sobrino del último papa, Ludovico Cardinal Ludovisi, quien le empleó durante un tiempo en la restauración de estatuas antiguas. Falleció el 10 de Junio de 1654 en Roma. ESTILO: Barroco.

ALESSANDRO ALGARDI

PRIMERA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XVII (1646).
Su técnica utilizada es mármol. Se encuentra actualmente en la Galleria Doria (Roma). Busto de la potente cuñada de Inocencio X, retratada en edad avanzada. Su arrogancia fue admirablemente traducida al mármol por Algardi, el retratista oficial de la familia Pamphili a través del firme modelado de sus facciones y de la finísima elaboración de la materia. El inflado velo que enmarca su rostro, ayuda a potenciar su expresión de distante y autoritaria nobleza. DOÑA OLIMPIA MAIDALCHINI

ATILA EXPULSADO POR EL PAPA LEÓN I EL MAGNO
SEGUNDA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XVII (1646). Se encuentra actualmente en la Basílica de San Pedro del Vaticano. En esta obra, mediante la progresiva disminución del relieve, consigue dar la sensación de profundidad e implicar emotivamente al espectador en la escena, sobre todo por ese primer plano con las figuras tratadas como verdaderas esculturas exentas que se salen del relieve. Al alejarse de Bernini y de la plástica barroca con su negativa a fundir las distintas artes, afirmaba la especificidad de la escultura, frente a la pintura sobre todo, y el valor de la materia por sí misma. ATILA EXPULSADO POR EL PAPA LEÓN I EL MAGNO

TERCERA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XXI (2005).
Su técnica utilizada es mármol. Las caras de los personajes transmiten tristeza, angustia... En la parte superior izquierda hay un angelito. LA TUMBA DE LEÓN XI

ANTONIO LEÓN ORTEGA nace en la ciudad de Ayamonte de la provincia de Huelva el 7 de diciembre de 1907. Desde adolescente, muestra una fuerte inquietud y facultades innatas por y para la escultura, realizando sus primeras obras de forma autodidacta, años más tarde cuando se las enseña a Mariano Benlliure las elogia como propias de un escultor formado. Se forma en Madrid entre los años 1927 y Cursa los estudios de Escultura y de Profesorado de Dibujo en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Trabaja en Huelva desde el año 1938 en su primer taller en la calle San Cristóbal, que comparte con el pintor Pedro Gómez. En el año 1964 se traslada a un nuevo taller en la calle Medico Luís Buendía hasta el año 1985 en el que una enfermedad le aparta de toda actividad. En 50 años de duro trabajo realiza más de cuatrocientas obras, entre pequeño y gran formato, en madera, barro, piedra, bronce y otros materiales. León Ortega representa una de las esculturas más serias, rigurosas y personales del siglo XX español, creando un estilo propio fácilmente distinguible. Una mañana del 9 de enero del año 1991 fallece en su casa de Huelva siendo velado en la Escuela de Arte León Ortega. ESTILO: Sus primeras obras religiosas tienen un sabor barroco, pero luego conforma un estilo personalísimo.

ANTONIO LEÓN ORTEGA

Su técnica utilizada es bronce. Se encuentra actualmente en Moguer, Huelva. Esta obra realizada por Antonio León Ortega, es una obra realizada en representación a la obra de Juan Ramón Jiménez, Platero y Yo. PLATERO

SEGUNDA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XXI (2010).
Se encuentra actualmente en la Capilla de Aljaraque, Huelva. Esta obra representa a la Virgen de los Remedios con su hijo en brazo. Ambos llevan en la cabeza una corona. La ropa que lleva es de color blanco, en algunas partes tirando a beige. NUESTRA SEÑORA DE LOS REMEDIOS

Se encuentra actualmente en la Capilla de Huelva. Esta obra representa a Cristo crucificado en la cruz. Podemos contemplar las heridas que tiene en el pecho, piernas, brazos... En la imagen podemos observar que en la cintura tiene una sábana envuelta como si fuera un taparrabo. CRISTO PERDÓN

GIAN LORENZO BERNINI ESTILO: Barroco.
Nació en Nápoles, Italia. Escultor, arquitecto y diseñador, artista célebre creador de la escultura estilo Barroco en el siglo 17. Hijo de un escultor florentino, Bernini consiguió acceso privilegiado al mundo de las artes y tuvo como patrocinadores a los papas Pablo V , Urbano VIII y a otros 4 prelados más. Emigró a Roma junto a su padre. Estudios iniciales de la escultura grecorromana ya existente en el Vaticano y las obras de Miguel Ángel fueron su fuente de inspiración. Los trabajos que realizó durante su vida son cuantiosos. Entre ellos se incluyen fuentes públicas, decoración de iglesias y obras arquitectónicas. Bernini fue famoso en vida y todas las cortes europeas deseaban sus servicios. Entre ellos estuvo el rey de Francia Luis XVI que lo llevó a trabajar a París cuando el artista ya contaba con 69 años de edad. La técnica de Bernini, cuando trabaja en mármol, es de un realismo exuberante, sobre todo cuando se trata de expresiones del rostro. Y en lo relativo a la textura de la piel y las sombras fue un innovador en su época, apartándose de la manera de Miguel Ángel e influenciando para siempre lo que conocemos como estilo clásico de escultura. ESTILO: Barroco.

LORENZO BERNINI

PRIMERA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XVII ( ). Su técnica utilizada es mármol. Mide 220 cm de altura. Actualmente se encuentra en la Galería Borghese, situada en la villa del mismo nombre al norte de Roma. El grupo escultórico representa a Eneas huyendo de la ciudad de Troya llevando a su anciano padre, Anquises sobre sus hombros, y a su hijo Ascanio llevando el sagrado fuego del hogar, mientras Anquises sostiene a los dioses del hogar familiar (penates). ENEAS, ANQUISES Y ASCANIO

SEGUNDA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XVII ( ). Su técnica utilizada es mármol. Mide 72 cm de altura. Se encuentra actualmente en el Museo del Bargello de Florencia. Esta obra es captada en la intimidad, como por sorpresa, su espontaneidad de gesto y de aspecto prueban la fresca capacidad de síntesis plástica de Bernini. CONSTANZA BUONARELLI

TERCERA OBRA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XVII ( ). Su técnica utilizada es mármol. Mide 188 cm. Se encuentra actualmente en la Iglesia de San Francesco a Ripa en Roma. Esta obra representa el erotismo. La Muerte de la Beata se muestra a la vista directamente. Si la retórica escénica de Bernini se ha matizado algo, su concepción escultórica sigue siendo pictoricista, ya sea por los iridiscentes golpes de luz, ya por la mórbida factura del mármol, ya por la cromática labor con el alabastro. BEATA LUDOVICA

MIGUEL ÁNGEL ESTILO : Renacimiento Italiano – Cinquecento.
Nació en 1475, en Caprese, una villa de la Toscana cerca de Arezzo. Fue el 2º de cinco hijos varones de Ludovico di Leonardo Buonarroti di Simone y de Francesca di Neri del Miniato di Siena.Su madre murió en 1481, cuando Miguel Ángel tenía seis años. La familia Buonarroti Simone vivía en Florencia desde hacía más de trescientos años y habían pertenecido al partido de los güelfos; muchos de ellos habían ocupado cargos públicos. La decadencia económica empezó con el abuelo del artista, y su padre, que había fracasado en el intento de mantener la posición social de la familia, vivía de trabajos gubernamentales ocasionales , como el de corregidor de Caprese en la época que nació Miguel Ángel. Regresaron a Florencia, donde vivían de unas pequeñas rentas procedentes de una cantera de mármol y una pequeña finca que tenían en Settignano , pueblo donde Miguel Ángel había vivido durante la larga enfermedad y muerte de su madre; allí quedó al cuidado de la familia de un picapedrero. El padre le hizo estudiar gramática en Florencia con el maestro Francesco da Urbino. Miguel Ángel quería ser artista, y cuando comunicó a su padre que deseaba seguir el camino del arte, tuvieron muchas discusiones, ya que en aquella época era un oficio poco reconocido. Ludovico di Leonardo consideraba que aquel trabajo no era digno del prestigio de su linaje. Gracias a su firme decisión, y a pesar de su juventud, consiguió convencerlo para que le dejara seguir su gran inclinación artística, que, según Miguel Ángel, le venía ya de la nodriza que había tenido, la mujer de un picapedrero. Mantuvo buenas relaciones familiares a lo largo de toda su vida. Cuando su hermano mayor Leonardo se hizo monje dominicano en Pisa, asumió la responsabilidad en la dirección de la familia. Tuvo a su cargo el cuidado del patrimonio de los Buonarroti y lo amplió con la compra de casas y terrenos, así como también concertó el matrimonio de sus sobrinos Francesca y Leonardo con buenas familias de Florencia. ESTILO : Renacimiento Italiano – Cinquecento.

MIGUEL ÁNGEL

PRIMERA OBRA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XV ( ). Sus dimensiones son 195 x 174 cm. Se encuentra actualmente en la Basílica de San Pedro del Vaticano. Es una obra realizada según los parámetros del Quattrocento, como expresa el equilibrio de las figuras, repletas de lirismo e idealismo, plenas de contrastes de luz y de sombra, de llenos y vacíos, de perfectos acabados, especialmente exteriorizados en el pulido de mármol. El conjunto está concebido como una estructura piramidal que se cierra con la caída oblicua del brazo de Jesús. El cadáver de Cristo está en brazos de María , descansa sobre sus rodillas dobladas transmitiendo una sensación de pesadez, como si estuviera dormido. María es una figura llena de juventud, que contrasta con la mayor edad de su hijo, lo que quizá pueda ser interpretado como un recurso formal para hablarnos de la niñez de Cristo , o quizá, queriendo indicar la pureza inmaculada. Formalmente, Miguel Ángel agranda el volumen y amplitud de las piernas para poder acoger la figura de Jesús. LA PIEDAD

SEGUNDA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XVI ( ). Sus dimensiones son 4.34 m de altura. Su forma es escultura en bulto redondo. Se encuentra actualmente en la Galería de la Academia. Florencia (Italia). Su método es obra realizada sobre mármol, mediante cincel. El David de Miguel Ángel se representa desnudo y como un atleta, lleva en su mano izquierda una honda apoyada sobre su hombre y en la derecha una piedra. Son claramente apreciables los rasgos del rostro, el cabello rizado, la musculatura, la diartrosis y el contrapposto de la figura. El artista eligió, como motivo para la obra, el momento previo al enfrentamiento de David con el gigante Goliat. Miguel Ángel emplea el contrapposto y aumenta los volúmenes de ciertas partes del cuerpo, que vienen a simbolizar la fortaleza de David. La figura de David es un símbolo de la libertad y representan a la perfección los ideales renacentistas de belleza masculina. DAVID

TERCERA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XVI ( ). Sus dimensiones son 2.35 m de altura. Se encuentra actualmente en la Iglesia de San Pedro in Vincoli de Roma. La figura presenta una pierna ligeramente adelantada respecto de la otra, tiene una cabeza prominente y girada, y su expresión facial es también fuerte y dura, con una poblada barba. Este conjunto de rasgos le sirven a Miguel Ángel para representar el carácter del profeta. Sentado sobre una roca, Moisés mantiene las Tablas de la ley con el brazo y la mano derecha mientras apoya el otro brazo sobre el vientre. EL MOISÉS

BRUNELLESCHI ESTILO: Gótico.
Filippo di Ser Brunellesco Lapi, Filippo Brunelleschi nació en 1377. Fue un arquitecto, escultor y orfebre renacentista italiano. Es conocido, sobre todo, por su trabajo en la cúpula de la catedral de Florencia IL Duomo. Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino en la arquitectura, además de llevarle al descubrimiento de la perspectiva cónica. Fue contemporáneo de Leon Battista Alberti, Ghiberti, Donatello y Masaccio. Su biografía viene descrita en el libro de Giorgio Vasari: Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos. Brunelleschi murió el 15 de Abril de 1446. ESTILO: Gótico.

BRUNELLESCHI

PRIMERA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XV ( ). Su técnica utilizada es el bronce. Sus dimensiones son 45 x 38 cm. Se encuentra actualmente en el Museo del Bargello de Florencia. Se aprecia, numerosos elementos procedentes del lenguaje preexistente, el intento de plantear una nueva forma de representación. En Ghiberti la disposición del paisaje y de las figuras crea una sugerencia espacial nueva que, en el caso de Brunelleschi, se convierte, como se ha notado, en una construcción espacial de nuevo signo. SACRIFICIO DE ISAAC

SEGUNDA OBRA Los elementos todavía presentan algunas influencias góticas (como el perfil de ojiva y la arista) , pero la cúpula está construida con la nueva mentalidad, especialmente el hecho de haberla levantado sin cimbras , la utilización de maquinaria para la elevación de materiales, lo que demuestra una gran superioridad técnica , así como la ruptura con los hábitos anteriores que supone trabajar sobre proyecto, de tal forma que la ejecución empieza cuando se acaba éste. CÚPULA DE SANTA MARÍA DE LAS FLORES

TERCERA OBRA Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XV (1419).
Fue un hospital realizado para recoger niños abandonados y Brunelleschi dirigió las obras desde 1419 hasta 1427, cuando se hizo cargo de ellas F. della Luna, a quien se ha atribuido el segundo piso de la fachada. En el pórtico a base de arcos se refleja el sistema de proporciones en que se basa la arquitectura brunelleschiana, pues el ancho del vano y del pórtico es igual al alto de las columnas, con lo cual lo que encontramos es un cubo que se repite nueve veces. El predominio de las horizontales y el racionalismo que está en la base de su diseño, han llevado a Antal a afirmar que este hospital es la más moderna realización burguesa de la arquitectura florentina. HOSPITAL DE LOS INOCENTES

5 FOTÓGRAFOS

CHEMA MADOZ ESTILO: Crea un estilo propio y una depurada técnica.
José María Rodríguez Madoz nace en Madrid , en 1958. Entre los años 1980 y 1983 cursa Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid que simultanea con los estudios de fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen. La Real Sociedad Fotográfica de Madrid expone la primera muestra individual del autor en el año 1985. En 1991 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía muestra la exposición "Cuatro direcciones: fotografía contemporánea española" que itinerará por varios países. Algunas fotografías de Madoz forman parte de esta exposición. Ese mismo año recibe el Premio Kodak. En 1999 el Centro Galego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela muestra la exposición individual de trabajos realizados entre 1996 y 1997. En el 2000 el fotógrafo madrileño recibe el Premio Nacional de Fotografía de España. Ese mismo año la Bienal de Houston Fotofest le reconoce como "Autor Destacado". Su obra sobrepasa nuestras fronteras llegando no sólo a la ciudad norteamericana sino también hasta el Chateau d´Eau de Toulouse (Francia). Ese año recibió el premio Higashikawa en Japón. ESTILO: Crea un estilo propio y una depurada técnica.

CHEMA MADOZ

PRIMERA OBRA Chema Madoz en esta foto representa unos cordones blanco uniendo dos zapatos a la vez. Los zapatos son negros y parecen de fiesta. La foto es simétrica, ya que hay lo mismo en ambos lados, es decir, en la parte derecha hay lo mismo que en la parte izquierda.

SEGUNDA OBRA Esta foto representa una manzana partía por la mitad.
Dentro de la manzana hay una hoja, y el cabo de la manzana es el mismo que el de la hoja. Esta foto está hecha en blanco y negro. Esta imagen es simétrica.

TERCERA OBRA En esta obra hay un círculo en blanco.
Dentro del círculo hay una pipa y un puro y la pipa simboliza el humo saliendo del puro. Toda esta composición simboliza la señal de prohibido fumar.

MAN RAY ESTILO: Surrealismo y Dadaísmo.
Nació el 27 de Agosto de Man Ray empieza a cantar a la edad de cinco años y dos años después se traslada a Brooklyn con su familia, donde va a la escuela. En 1908 se casa con Adon Lacroix, una poeta belga. Su primera exposición individual tiene lugar en la Daniel Gallery de Nueva York en 1915. En 1918 trabaja con aerógrafos sobre papel fotográfico. Sus primeras obras experimentales son los Rayographs de 1921, imágenes fotográficas sacadas sin cámara. Hacia finales de los años veinte comienza a realizar películas de vanguardia, como la Estrella de mar. En 1936 su obra está presente en la exposición Arte Fantástico, Dadá y Surrealismo del Museo de Arte Moderno de Nueva York. En 1963 publica su Autobiografía; antes de morir, el Metropolitan Museum de Nueva York le dedica una retrospectiva a su obra fotográfica. Muere el 18 de noviembre de 1976, en París. ESTILO: Surrealismo y Dadaísmo.

MAN RAY

PRIMERA OBRA Esta foto representa la cara de una mujer.
En la foto solo podemos ver la mitad de la cara : las cejas, los ojos y la mitad de la nariz. Podemos observar que la mujer tiene los ojos pintados. La mujer de la foto está llorando, ya que vemos como se le caen las lágrimas. La mirada de esta joven nos transmite tristeza.

SEGUNDA OBRA Esta obra representa una plancha antigua que no tiene agujeros de vapor, ya que tiene como unos clavos en línea recta en el centro de la base de la plancha. La plancha es toda de hierro menos el mango que es de madera. La foto es en blanco y negro.

TERCERA OBRA Esta obra representa a una mujer joven de espalda.
La mujer está desnuda y mirando hacia el lado izquierdo. En la cabeza tiene puesto un gorro y tiene las piernas tapadas con una sábana. En la parte inferior de la espalda tiene dos símbolos, uno a cada lado, representando con la forma de la espalda un violín. La foto está hecha en blanco y negro.

CECIL BEATON ESTILO: Su estilo era “strike a pose”.
Nació el 14 de Enero de 1904, en Londres. Fue un diseñador de vestuario y fotógrafo británico. Tuvo su primera cámara fotográfica a la edad de 11 años, haciendo sus pininos al sacar retratos de sus hermanas. En los años 1920 se convirtió en el fotógrafo oficial de las revistas Vanity Fair y Vogue. Es recordado por sus fotografías de la Segunda Guerra Mundial tomadas en Gran Bretaña y que fueron publicadas en 1942 al otro lado del Atlántico. Después de la guerra diseñó trajes y bastidores para películas como Gigi de 1958 y My Fair Lady de 1964. ESTILO: Su estilo era “strike a pose”.

CECIL BEATON

PRIMERA OBRA Esta obra representa a una niña de unos 3 años.
La niña está sentada en una cuna. En brazos tiene un muñeco. En la cabeza tiene un pañuelo con un lacito. La niña tiene cara de asustada, impresionada.

SEGUNDA OBRA Esta foto representa a una mujer subida sobre un pedestal. La mujer está rígida como si fuera una estatua. La joven tiene el pelo rubio, lleva un vestido naranja muy llamativo a conjunto con los zapatos. La pared está pintada de un color burdeos y a cada lado de la pared hay una puerta blanca y los marcos de las puertas es del mismo color que la pared. La puerta de la izquierda es mas grande que la de la derecha.

TERCERA OBRA En esta foto hay una mujer joven de perfil que parece estar mirando hacia abajo. La mujer lleva el pelo recogido con un moño , y sobre la cabeza lleva un sombrero de pelo que está adornado en la parte izquierda con una rosa. Lleva puesto unos pendientes de perla y una camisa negra.

ANSEL ADAMS Ansel Easton Adams nació el 20 de febrero de 1902 en San Francisco, California. Fue considerado fotógrafo y ecologista. Cuando Adams tan solo tenía 4 años, estuvo presente en el terremoto de San Francisco de 1906, donde sufrió una rotura de tabique nasal. En 1927 apareció Albert M. Bender en su vida, quien le ayudó dándole energía y seguridad. En 1927 Ansel Adams conoció a Edward Weston, con quien entabló una gran amistad. Juntos, Adams, Strand, Cunningham y Weston formaron un grupo llamado "f/64" en Éste grupo promovió y evolucionó “straight photography”. El 6 de agosto de 1953, Adams le escribió una carta a Stieglitz, para hablarle de su precaria situación económica. En 1936 colaboró organizando la primera sección de fotografía en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). Ahí conoció a Beaumont y a Nancy Newhall. Más tarde colaboraría con Dorothea Lange para un trabajo de la revista Life. Murió el 22 de abril de 1984, debido a un fallo en el corazón, posiblemente agravado por un cáncer pancreático. ESTILO: Su estilo era “straight photography”, donde la claridad de la lente es lo más importante, y donde la fotografía ha de sufrir el menor número de ajustes y retoques posible.

ANSEL ADAMS

PRIMERA OBRA Esta foto es de una iglesia antigua que está casi arrumbada y abandonada. La foto está hecha desde la parte de atrás de la iglesia, a través de una ventana. En el frente se ve una puerta, donde se entra al interior. Hay dos cruces en las partes de arriba. La foto está hecha en blanco y negro.

SEGUNDA OBRA Esta foto es de un paisaje natural que tiene unos pinos muy altos y enfrente se ve un acantilado en el cual pasa un rio que cae por él en forma de catarata. El acantilado tiene una altura de unos 50 metros y el agua de la catarata parece que cae con fuerza porque en la parte inferior se ve la nube de agua como sube hacia arriba.

TERCERA OBRA Esta foto es de un paisaje natural que está cubierto de nieve, éste paisaje parece muy rocoso y hay un lago. La hierba tiene un color verde muy reluciente y a lo lejos se ve unas montañas grandes rocosas que están cubiertas de nieve. Por la parte de atrás de las montañas están apareciendo unas nubes muy blancas que parecen cubrir las montañas.

SERGIO BELINCHÓN ESTILO: Conceptual.
Belinchón es uno de los jóvenes fotógrafos mas importantes del panorama artístico español. Su trabajo se ha venido desarrollando en sucesivas series como Metrópolis, sobre Paris; Roma, Ciudades efímeras o Desierto de Atacama. Su fotografía retrata todos los territorios que del hombre se han desarraigado. Ciudades fantasmas, desiertos; lugares sobrepasados, ajenos y vencidos por una especulación urbanística que toma continuamente nueva forma, una acumulación de las cosas, que conducen en ultima instancia a una precariedad visual y existencial. ESTILO: Conceptual.

SERGIO BELINCHÓN

PRIMERA OBRA Esta foto es de una casa antigua, ya que las paredes están todas descascarilladas porque está toda la pintura tirada en el suelo. En frente hay una ventana grande que está muy iluminada. El suelo parece de madera de un color marrón claro y la pintura de las paredes es de color verde claro.

SEGUNDA OBRA Esta foto está hecha desde la playa hacia los bloques de apartamentos que están enfrente. Los bloques de apartamentos son altos y de color blanco. En la parte de abajo de los apartamentos hay un parque con árboles. El cielo está nublado con un color gris claro.

TERCERA OBRA Esta foto es de un monumento de la antigua Grecia.
Las paredes están apartadas por columnas y en cada hueco hay una estatua de hombres desnudos posando. El monumento tiene forma de media luna y en el centro hay un pedestal con varios peldaños como si fuese de las olimpiadas. El cielo es azul claro con algunas nubes.

5 ARTISTAS DE LIBRE ELECCIÓN

ALEJANDRO AMENÁBAR ESTILO: Thriller, drama y terror.
Alejandro Fernando Amenábar Cantos (Santiago, Chile, 31 de marzo de 1972), conocido como Alejandro Amenábar, es un compositor, guionista y director de cine español. Es hijo de la madrileña Josefina Cantos y el chileno, Hugo Ricardo Amenábar. En la actualidad mantiene la doble nacionalidad, española y chilena. Su padre trabajaba como técnico en la General Electric, mientras que su madre, Josefina, se dedicaba al hogar y al cuidado de sus hijos. Alejandro es el pequeño de dos hermanos varones; el mayor, Ricardo, nació el 4 de diciembre de 1969. Su madre fue invitada por su hermana mayor, que había trasladado su residencia a la capital chilena, y ahí fue dónde conoció a su marido con el que un tiempo después contrajo matrimonio. En agosto de 1973, dos semanas antes del golpe de estado de Augusto Pinochet, con solamente un año de vida, la familia de Alejandro Amenábar decidió emigrar a España e instalarse en Madrid.A su llegada a la capital se instalaron en una caravana de camping, pero cuando Alejandro tuvo seis años cambiaron su residencia a una urbanización a las afueras de la localidad de Paracuellos del Jarama (Madrid). La totalidad de su carrera cinematográfica se ha desarrollado en España. Ha ganado once Premios Goya y un Óscar. Ha escrito el guión de sus 5 películas y ha compuesto casi todas sus bandas sonoras. ESTILO: Thriller, drama y terror.

ALEJANDRO AMENÁBAR

PRIMERA OBRA Esta película se realizó en el año 2001.
Grace vive con sus hijos, quienes sufren una extraña enfermedad que les impide mantener contacto con la luz. Como respuesta a un anuncio de Grace solicitando los servicios de limpieza de la casa y cuidado de los niños, un día llegan los nuevos sirvientes. Su presencia coincide con la aparición de extraños fenómenos en la mansión. Mientras va enseñando a los nuevos huéspedes la mansión, Grace advierte de las estrictas normas que han de seguir, especialmente de una: todas las habitaciones deben permanecer en penumbra. Grace se siente temerosa de que cualquier sobresalto pueda afectar a sus hijos. Será entonces, y tras percibir extraños ruidos, cuando Grace intente averiguar lo que ocurre en la misteriosa mansión.

SEGUNDA OBRA Este película se realizó en el año 2004.
La película se basa en la historia real de Ramón Sampedro, marinero, que tras un accidente en su juventud queda tetrapléjico y permanece postrado en una cama durante cerca de 30 años y que desea morir dignamente. Su mundo es su habitación y a ella llegan Julia, su abogada, y Rosa, una vecina que intenta convencerlo de lo interesante que puede ser la vida. La gran personalidad de Ramón cambia por completo los principios de las dos. La historia de Ramón Sampedro tuvo una importante repercusión en España, y renovó el controvertido debate sobre la eutanasia. El juicio por la legalización de la eutanasia se celebró en 1993 y fue de gran interés mediático. Ramón se quitó la vida en 1998 con la ayuda de su amiga Ramona Maneiro.

TERCERA OBRA Esta película se realizó en el 2009.
El Imperio Romano ha adoptado el cristianismo y sus seguidores llegan a Alejandría para extender su fe a cualquier precio. Pronto surgen los enfrentamientos entre radicales cristianos y miembros de otros cultos locales y la revuelta es cada vez mayor, amenazando incluso la legendaria biblioteca de la ciudad. Entre sus muros, rodeada de miles de años de conocimiento y de sus alumnos, la sabia Hipatia, ajena a las revueltas, intenta desentrañar los misterios del universo. A su lado está Davo, un esclavo perdidamente enamorado de su ama, que empieza a acercarse a la nueva e imparable religión.

GAUDÍ ESTILO: Personal y Genuino.
Antoni Gaudí nació en 1852, hijo del industrial calderero Francesc Gaudí i Serra y de Antònia Cornet i Bertran. Entre 1875 y 1878 realizó el servicio militar en el Arma de Infantería en Barcelona, siendo destinado a Administración Militar. En 1876 tuvo lugar el triste suceso de la muerte de su madre, a los 57 años, así como la de su hermano Francesc a los 25, médico recién titulado que no llegó a ejercer. En 1883 aceptó hacerse cargo de continuar las recién iniciadas obras del Templo Expiatorio de la Sagrada Familia. La fama de Gaudí iba en aumento, provocando por ejemplo que en 1902 el pintor Joan Llimona escogiese la fisonomía de Gaudí para representar a San Felipe Neri en las pinturas del crucero de la iglesia de San Felipe Neri de Barcelona. Murió el día 10 de junio de 1926, a los 74 años de edad, en la plenitud de su carrera. Fue enterrado el 12 de junio, con presencia de grandes multitudes que quisieron darle el último adiós, en la capilla de Nuestra Señora del Carmen de la cripta de la Sagrada Familia. ESTILO: Personal y Genuino.

GAUDÍ

PRIMERA OBRA Esta obra empezó a realizarse en 1882.
Esta obra es del modernismo arquitectónico. Se encuentra en Barcelona. Está considerado Patrimonio de la Humanidad. Está constituía de altas torres y la torre mayor tiene una cruz de color rojizo. Ha sido visitada y bendecida por el Papa Juan Pablo II. Está rodeada de un gran parque. LA SAGRADA FAMILIA

SEGUNDA OBRA Esta obra empezó a realizarse en el año 1298 y se terminó en el 1420. Su estilo arquitectónico es gótico y neogótico. La Catedral de Barcelona está rodeada por parques y es visitada por numerosos grupos de personas. CATEDRAL DE BARCELONA

TERCERA OBRA Esta obra empezó a construirse en el año 1883 y se terminó en el año 1885. Se encuentra en Cantabria. El Capricho tiene planta alargada, con una superficie de 15 x 36 metros; contiene sótano, planta y desván, con una torre cilíndrica en forma de alminar persa, revestida completamente de cerámica. El acceso presenta cuatro columnas y arcos adintelados, con capiteles decorados con pájaros y hojas de palmito, como en la Casa Vicens.El salón principal destaca por un amplio ventanal con ventanas de guillotina, y dispone de un fumadero cubierto por falsas bóvedas de estuco de estilo árabe. EL CAPRICHO

CARAVAGGIO ESTILO: Barroco Italiano.
Nació el 29 de Septiembre de Caravaggio pintor italiano es uno de los exponentes más destacados de la escuela naturalista que surgió en Italia como oposición a la corriente manierista triunfante durante el siglo XVI. Caravaggio influyó en el desarrollo del primer barroco, creando toda una corriente de pintores caravaggistas conocidos como "bambochantes“. Por su excéntrica personalidad Caravaggio fue considerado enigmático, fascinante, rebelde y peligroso. Caravaggio retaba a duelo a pintores que intentaban hacerle competencia; le pegó una paliza a un pintor que criticó su arte, y fue expulsado de Roma en 1606 por matar a un hombre durante una pelea. En pintura Caravaggio hizo gran uso del claroscuro y sus pinturas trataban generalmente el tema religioso. Caravaggio fallece el 18 de Julio de 1610. ESTILO: Barroco Italiano.

CARAVAGGIO

Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 1,39 x 1,95 m. Se encuentra actualmente en la Galería Nacional, Londres. Caravaggio elige aquí el momento final del relato. Uno de los discípulos se está levantando al tiempo que retira la silla, el otro abre repentinamente los brazos. El realismo domina la escena . La luz proyecta las figuras sobre la pared del fondo para concentrar la atención en la sorpresa del reconocimiento. LA CENA DE EMAÚS

SEGUNDA OBRA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XVI (1598).
Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 3,38 x 3,48 m. Se encuentra actualmente en el Museo San Luis de los Franceses, Roma. El cuadro representa objetos cotidianos: una mesa con monedas desparramadas, un tintero, un libro de contabilidad, un saco con dinero. Se distinguen dos zonas: una parte inferior con personajes divididos en dos grupos , una parte alta. El tratamiento de la luz permite destacar a todos los personajes del cuadro. La luz entra en diagonal desde nuestra derecha, por el ángulo superior, acentuando las expresiones faciales de los personajes e iluminando sólo los elementos esenciales: rostro, manos y parte de la mesa. LA VOCACIÓN DE MATEO

TERCERA OBRA Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XVI ( ). Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Sus dimensiones son 46 x 64,5 cm. Se encuentra actualmente en el Museo Pinacoteca Ambrosiana. En el cesto aparecen manzanas, peras, higos, membrillos y uvas, todas ellas son frutas del final del verano, antes de que se detenga la vida con la llegada del invierno; son un símbolo de las fiestas de recolección y la dulzura obtenida tras el largo año de trabajo. El lienzo posee un fondo amarillo brillante, muy claro. FLORES Y FRUTOS

GEORGE LUCAS ESTILO: Ciencia ficción y aventura.
George Lucas fue criado en un rancho de Modesto, California, lugar de cultivo de nueces. Su padre era dueño de una tienda de venta de escritorios y tenía tres hermanos. Durante su adolescencia estudió en la Downey High School y era un fanático de las carreras de automóviles, incluso tenía planeado convertirse en un piloto de carreras profesional. También en 1967 Warner Brothers le concedió una beca que le permitió observar el rodaje de Rainbow de Finian dirigida por Francis Ford Coppola. Con el tiempo Lucas y Coppola se transformaron en buenos amigos y juntos crearon en 1969 una compañía llamada American Zoetrope. Durante los años 1973 y 1974 se dedicó exclusivamente a escribir el guión de su siguiente película, una fantasía espacial llamada The Star Wars. Desde 1980 hasta 1985 Lucas gastó su tiempo en la construcción del Skywalker Ranch, para reunir allí los recursos creativos, técnicos y administrativos de la ya importante Lucasfilm. ESTILO: Ciencia ficción y aventura.

GEORGE LUCAS

PRIMERA OBRA Los acontecimientos relatados se enfocan en la formación del joven Anakin Skywalker, quien es descubierto por el caballero Jedi en el planeta Tatooine. Este último piensa que Anakin es el Elegido quien, de acuerdo a la profecía Jedi, habría de traer el equilibrio a la Fuerza. No obstante, el Consejo Jedi, encabezado por Yoda, presiente que el futuro de ese joven se halla nublado por el miedo, por lo que descartan que se trate del Elegido. A pesar de ello, tras la muerte de Qui-Jon a manos del Sith Darth Maul, permite que el aprendiz, entrene a Anakin. En realidad, el Sith Darth Sidious ha planeado de forma discreta dicho ataque, con tal de hacer que su álter ego, el senador Palpatine, pueda derrocar al Canciller Supremo de la República.

SEGUNDA OBRA En 1936, Indiana Jones es contratado por el gobierno estadounidense para localizar el Arca de la Alianza, objeto sagrado buscado por los nazis para volverse invencibles según el Antiguo Testamento. Los nazis cuentan con la ayuda del rival de Jones, el arqueólogo René Belloq. Con la ayuda de sus amigos Marion Ravenwood y Sallah, Indiana logra encontrar el Arca en Egipto. Sin embargo, los nazis consiguen robarla y capturar a Indiana y Marion. Belloq y los nazis realizan una ceremonia religiosa para abrir el Arca, pero al hacerlo desatan la Ira de Dios. Entonces, todos los hombres del destacamento de Belloq mueren absorbidos por la fuerza sobrenatural contenida en el interior de esa reliquia. Indiana y Marion sobreviven al cerrar sus ojos y no ver los destellos del místico poder. Al final, el Arca es llevada a EE.UU., donde se guarda en un almacén secreto.

TERCERA OBRA Un magnate multimillonario construye una reserva biológica y parque de atracciones en una isla cerca de Costa Rica. La misma cuenta con verdaderos dinosaurios, creados a través de la ingeniería genética. Para avalar la fiabilidad del Parque Jurásico y tranquilizar a sus inversores, se invita a un grupo de personas entre los que se encuentran un paleontólogo, una paleobotánica y un matemático experto en la Teoría del caos a visitar la isla. Durante el transcurso de la visita el azar y las circunstancias se mezclan para desencadenar la pérdida de control del parque, quedando los visitantes a merced de esta naturaleza anacrónica y los dinosaurios que lo habitan. Juntos, todos ellos descubrirán, básicamente, que no se puede controlar a la vida.

MIGUEL DE CERVANTES ESTILO: Novela, Comedia y Drama.
Miguel de Cervantes Saavedra fue un soldado, novelista, poeta y dramaturgo español. Se supone que nació el 29 de septiembre de 1547 en Alcalá de Henares y murió el 22 de abril de 1616 en Madrid, pero fue enterrado el 23 de abril y popularmente se conoce en forma errónea esta fecha como la de su muerte. Es considerado la máxima figura de la literatura española. Es universalmente conocido sobre todo por haber escrito El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha, que muchos críticos han descrito como la primera novela moderna y una de las mejores obras de la literatura universal. Se le ha dado el sobrenombre de Príncipe de los Ingenios ESTILO: Novela, Comedia y Drama.

MIGUEL DE CERVANTES

PRIMERA OBRA La Galatea fue la primera novela de Cervantes, en Forma parte del subgénero pastoril (una «égloga en prosa» como define el autor), triunfante en el Renacimiento. Su primera publicación apareció cuando tenía 38 años con el título de Primera parte de La Galatea. Como en otras novelas del género (similar al de La Diana de Jorge de Montemayor), los personajes son pastores idealizados que relatan sus cuitas y expresan sus sentimientos en una naturaleza idílica (locus amoenus). La Galatea se divide en seis libros en los cuales se desarrollan una historia principal y cuatro secundarias que comienzan en el amanecer y finalizan al anochecer, como en las églogas tradicionales, pero de la misma manera que en los poemas bucólicos de Virgilio cada pastor es en realidad una máscara que representa a un personaje verdadero.

SEGUNDA OBRA Es la novela cumbre de la literatura en lengua española. Su primera parte apareció en 1605 y obtuvo una gran acogida pública. Pronto se tradujo a las principales lenguas europeas y es una de las obras con más traducciones del mundo. En un principio, la pretensión de Cervantes fue combatir el auge que habían alcanzado los libros de caballerías, satirizándolos con la historia de un hidalgo manchego que perdió la cordura por leerlos, creyéndose caballero andante. Para Cervantes, el estilo de las novelas de caballerías era pésimo, y las historias que contaba eran disparatadas. A pesar de ello, a medida que iba avanzando el propósito inicial fue superado, y llegó a construir una obra que reflejaba la sociedad de su tiempo y el comportamiento humano.

TERCERA OBRA Entre 1590 y 1612 Cervantes escribió una serie de novelas cortas que después acabaría reuniendo en 1613 en la colección de las Novelas ejemplares, dada la gran acogida que obtuvo con la primera parte del Don Quijote. En un principio recibieron el nombre de Novelas ejemplares de honestísimo entretenimiento. La versión más primitiva se encuentra en el llamado manuscrito de Porras de la Cámara, una colección miscelánea de diversas obras literarias entre las cuales se encuentra una novela habitualmente atribuida también a Cervantes, La tía fingida. Por otra parte, algunas novelas cortas se hallan también insertas en el Don Quijote, como El curioso impertinente o una Historia del cautivo que cuenta con elementos autobiográficos. Además, se alude a otra novela ya compuesta, Rinconete y Cortadillo.

Este trabajo me ha sido muy útil, ya que no sabía mucho de arte y ahora puedo decir que se un poquito más, puesto que conozco mejor a los artistas y las obras de cada uno de ellos con las que he trabajado.

LOS 40 PRINCIPALES REALIZADO POR: ISABEL Mª CONTRERAS PÉREZ

Presentaciones similares

Presentación del tema: "LOS 40 PRINCIPALES REALIZADO POR: ISABEL Mª CONTRERAS PÉREZ"— Transcripción de la presentación:

Presentaciones similares

Sobre el proyecto

Feedback

Iniciar la sesión

Autorizarse a través de una red social:

LOS 40 PRINCIPALES REALIZADO POR: ISABEL Mª CONTRERAS PÉREZ

Presentaciones similares

Presentación del tema: "LOS 40 PRINCIPALES REALIZADO POR: ISABEL Mª CONTRERAS PÉREZ"— Transcripción de la presentación:

Presentaciones similares

Sobre el proyecto

Feedback