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TEMA 1. ARTE CLÁSICO ARTE GRIEGO. El arte griego abarca un ámbito geográfico muy extenso: la península Balcánica y el mar Egeo, que constituyen el núcleo.

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1 TEMA 1. ARTE CLÁSICO ARTE GRIEGO

2 El arte griego abarca un ámbito geográfico muy extenso: la península Balcánica y el mar Egeo, que constituyen el núcleo originario, los territorios colonizados por los griegos en el Mediterráneo y los territorios incorporados tras las conquistas de Alejandro Magno.

3 ETAPAS Las realizaciones más importantes del arte griego se producen entre los siglos VII y I a.C., periodo en el que se distinguen tres etapas: Época arcaica que abarca los siglos VII y VI a.C. Época clásica que abarca los siglos V y IV a.C. Época helenística, entre los siglos IV y I a.C.

4 Influencias Las primeras manifestaciones artísticas del arte griego reciben la influencia: _ De las culturas prehelénicas: minoica o cretense y micénica. _ Del arte egipcio. _ Del arte de los pueblos de Próximo Oriente (Mesopotamia, fenicios, etc.) Los contactos comerciales con estas zonas facilitan en intercambio cultural.

5 ARQUITECTURA La arquitectura griega supone un profundo cambio respecto a lo realizado hasta esos momentos. Es una arquitectura que se aleja del colosalismo de la arquitectura egipcia y toma como referencia la medida humana. Busca la perfección, la armonía y el equilibrio en las proporciones. El principal objetivo es alcanzar la belleza, ideal de los griegos en todas sus manifestaciones artísticas. La influencia posterior de la arquitectura griega será enorme, principalmente por su aportación en la creación de los órdenes arquitectónicos que formarán durante siglos parte fundamental del vocabulario de toda la arquitectura occidental.

6 LOS ORDENES GRIEGOS La combinación de los diferentes elementos constructivos recibe el nombre de orden, distinguiéndose tres órdenes en la arquitectura griega: el orden dórico, el jónico y el corintio, que tendrán una enorme importancia en la arquitectura posterior.

7 CUBIERTA O TECHUMBRE ENTABLAMENTO COLUMNA PLATAFORMA (KREPIS)

8 EL ORDEN DÓRICO Es el más antiguo de los órdenes griegos. Ya aparece documentado en Grecia y las colonias griegas (en Sicilia y la Magna Grecia particularmente) a partir del siglo VII.

9 La columna carece de basa y arranca directamente del estilóbato. El fuste, estriado en arista viva, disminuye progresivamente su diámetro, sobre todo a partir del segundo tercio, lo que provoca un engrosamiento llamado éntasis. Un collarino (moldura formada por varios anillos) limita la parte superior del fuste. El capitel es geométrico y está formado por el equino (moldura circular convexa bajo el ábaco) y el ábaco (pieza en forma de tablilla sobre el equino).

10 Éntasis

11 Sobre las columnas descansa el entablamento formado por el arquitrabe, el friso y la cornisa. El arquitrabe es un elemento transversal liso. En el friso se alternan las metopas, espacio generalmente cuadrado con decoración escultórica, y los triglifos, con dos acanaladuras verticales. La parte que sobresale del entablamento es la cornisa.

12 Sobre el Entablamento descansa una techumbre a dos aguas. El espacio comprendido entre la línea horizontal de la cornisa y el ángulo del tejado recibe el nombre de frontón y en él suele haber decoración escultórica (en el tímpano o fondo del frontón). En los vértices del frontón se colocan las acróteras, elementos ornamentales con forma vegetal, animal o humana.

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14 EL ORDEN JÓNICO La creación del orden jónico fue el resultado de una larga serie de experiencias que se llevaron a cabo durante el siglo VII en las costas de Asia Menor. De las regiones de origen el jónico pasó a la Grecia continental y a las colonias occidentales. En ocasiones se utilizó en el interior de los templos dóricos.

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16 La columna del orden jónico descansa sobre una basa formada por varias molduras (toros, dos molduras convexas y escocia, entre las anteriores), basa que se apoya en un plinto. El fuste de la columna, que se estrecha gradualmente hacia arriba y no presenta éntasis, está recorrido por 24 acanaladuras (de borde romo). Es más esbelto que en el orden dórico. El capitel consta de un equino, decorado con un haz de volutas y un ábaco, estrecha tablilla cuadrada. El collarino en este caso recibe el nombre de astrágalo (decorado con cuentas que imitan huesecillos).

17 El entablamento está constituido por el arquitrabe, formado por tres platabandas (bandas) en saledizo cada una sobre la inferior. El friso es continuo y suele presentar decoración escultórica. Al igual que en el orden dórico, la parte que sobresale del entablamento es la cornisa. Sobre el entablamento descansa una cubierta a dos aguas.

18 El frontón y la techumbre cumplen las mismas características que el orden dórico.

19 EL ORDEN CORINTIO Cuenta Vitruvio que el creador de este capitel fue Calímaco, un escultor y orfebre de fines del siglo V, que, tras contemplar un canastillo envuelto por hojas de acanto depositado sobre la tumba de una muchacha, quiso imitarlo en piedra. Considerado como una variante del orden jónico, durante mucho tiempo se empleó exclusivamente en el interior de los edificios.

20 La principal diferencia con el orden jónico está en el capitel, que consta de un núcleo central en torno al que se envuelven dos coronas con ocho hojas de acanto cada una. Entre las hojas de la corona superior se asoman parejas de tallos que se pliegan en forma de volutas. En el eje central se alza un tallo del que sale una flor.

21 TEMPLO

22 Origen Los primeros templos se encontraban en parajes naturales al aire libre o en estancias destinadas al culto, dentro de las viviendas. La necesidad de dotar a los dioses de una morada digna dio lugar a la creación de un edificio independiente, el templo.

23 La principal influencia en su construcción fue la del megarón, un tipo de edificio característico de la cultura micénica. Formado por una sala rectangular, en cuyo centro se hallaba el hogar y un vestíbulo de acceso. Su planta es, pues, un claro precedente de la planta del templo griego.

24 Los templos se levantaban en zonas aisladas, de carácter sagrado: témenos. No eran lugares de reunión de los fieles. Las ceremonias de culto se celebraban alrededor de un altar para los sacrificios, situado justo enfrente del templo, cuyas puertas permanecían abiertas para que la divinidad los pudiera contemplar. Ello explica la despreocupación de la arquitectura griega por el espacio interior.

25 MATERIALES Los primeros templos griegos se construyeron en adobe o ladrillo y madera, materiales humildes y poco duraderos, por lo que apenas se conservan ejemplos de esta época. A fines del siglo VII estos materiales serán sustituidos por la piedra, preferentemente la caliza, que se recubría de estuco para obtener una superficie más fina. También se utilizó el mármol, procedente de las numerosas canteras del Mediterráneo oriental. Las columnas se realizaban a base de tambores (bloques cilíndricos) superpuestos y los muros con sillares perfectamente trabajados, unidos, sin argamasa, por grapas metálicas.

26 La planta más utilizada será la rectangular. En ella, a pesar de la existencia de numerosas variantes, podemos encontrar habitualmente los siguientes elementos: Un breve ámbito de acceso o pronaos (1). La sala que aloja la estatua de la divinidad o naos (2). Un pórtico posterior, el opistódomo (3), en el que se guardaban los tesoros y las ofrendas hechas a la deidad.

27 El templo se levanta sobre un basamento escalonado, el crepidoma. Los dos primeros escalones constituyen el estereóbato y el último escalón recibe el nombre de estilóbato. Este basamento permite aislar al templo, lo que tiene una finalidad práctica al protegerlo de Posibles humedades, pero también un valor simbólico al marcar la separación entre el ámbito terrenal y el ámbito sagrado.

28 Todo el conjunto puede estar rodeado por una columnata exterior.

29 Si la columnata rodea el edificio, el templo es períptero.

30 y si es doble, díptero. Cuando las columnas están adosadas al muro se denomina pseudodíptero.

31 Cuando solo hay columnas en la fachada principal estamos ante un templo próstilo.

32 y anfipróstilo si también las hay en la fachada posterior

33 Se habla de templo in antis cuando las columnas laterales de la fachada se Sustituyen por antas, pilastras que refuerzan y a la vez decoran los muros laterales que se prolongan hasta el nivel de las columnas.

34 Por el número de columnas en su frente hablamos de templo: dístilo (2) tetrástilo (4) hexástilo (6) octástilo (8) eneástilo (9) decástilos (10).

35 Tholos Es el templo de planta circular con columnas alrededor

36 La arquitectura griega, al igual que la egipcia, es adintelada: un elemento horizontal (el elemento sustentado) descansa sobre un soporte vertical, (el elemento sustentante). El elemento sustentante es la columna, sustituida a veces por figuras humanas, llamadas cariátides si son femeninas o atlantes si son masculinas. El elemento sustentado es el entablamento.

37 Correcciones ópticas Se trata de contrarrestar las deformaciones que provoca la curvatura del ojo humano cuando se observan líneas rectas de largas dimensiones, con deformaciones reales contrarias que las anulan.

38 Estas exigen un cálculo matemático muy complejo. El Partenón es un ejemplo magnífico de ello. Se curva hacia arriba en dirección al centro. Se curva tanto en la base como en el entablamento.

39 Las columnas se inclinan ligeramente hacia atrás (hacia el interior) para evitar la impresión de que el edificio se cae hacia delante. Las columnas de las esquinas al recibir la luz solar con mayor intensidad parecen más recortadas y delgadas que las demás, por lo que se hacen algo más gruesas. La distancia entre las columnas (intercolumnios) aumenta cuanto más nos alejamos del centro, para corregir la impresión óptica por la que parece que disminuyen del centro a los extremos.

40 El Partenon EL PARTENON: construido después de las Guerras Médicas, en la Acrópolis de Atenas, se inició en 447 y se terminó hacia el 437 a. C. Sus arquitectos fueron Ictinos y Calícrates. Fidias hizo los relieves. Está dedicado a la diosa Atenea Parthenos.

41 Análisis formal: Material: realizado en mármol policromado. Planta: es un templo de grandes dimensiones, octástilo, con diecisiete columnas a lo largo, anfipróstilo y períptero. El interior del edificio está dividido en pronaos, naos y opistodomos, accesible desde un pórtico. Para lograr más altura en el interior, la naos y el opistodomos tiene dos columnatas dóricas superpuestas, que en el caso de la naos rodeaban la imagen de Atenea. Pertenece al estilo dórico (aunque el friso de la naos es jónico)

42 ExteriorExterior: La fachada respeta el canon del orden dórico. Sobre el estilóbato se elevan las columnas, estilizadas pero con un ligero éntasis. Los capiteles tienen equinos casi planos y ábacos ligeros. Sobre el arquitrabe liso, corre un friso decorado con triglifos, que caen sobre cada columna, y metopas a la altura de los intercolumnios. La doble vertiente del tejado deja un espacio triangular, el frontón, completamente decorado con esculturas de bulto redondo. Posee las correcciones ópticas reflejadas en las diapositivas anteriores.

43 La decoración está realizada con relieves o incluso estatuas de bulto redondo. - En el friso: la procesión de las Panateas y las guerras entre atenienses y lapitas, centauros y troyanos. - En los tímpanos: el nacimiento de Atenea (E) y la victoria de Atenea sobre Poseidón (W). La decoración estuvo supervisada por Fidias. mVZ0&feature=related

44 LA ACRÓPOLIS: Es el lugar donde el griego, en general, construye los edificios más importantes. Literalmente significa la ciudad alta, al principio estuvo amurallada al ser residencia de los reyes, con el paso del tiempo las acrópolis se convirtieron en la parte más noble de la ciudad, como residencia de los dioses, construyéndose principalmente templos. Progresivamente fueron perdiendo peso durante la época de la democracia. En ella se situaban aparte de los templos casi todos los edificios civiles importantes como los teatros, los odeones, los gimnasios, stoa (recinto abierto por uno de sus lados y de planta rectangular que se utiliza para diversos usos: sala de exposiciones, tribunal de justicia, vía comercial...), el ágora (ámbito propio para la administración y también para recreo del pueblo como lugar de reunión de la ciudadanía, era el centro neurálgico de la ciudad).

45 ACRÓPOLIS DE ATENAS. s.V a.C. Se sitúa entre el mar y la montaña, en medio de una fértil llanura. La actual acrópolis es de la época de Pericles quien ordenó su construcción después de que fuese destruida por los persas. En el 449 a. C. comenzó la construcción del Partenón. Más tarde se iniciaron los Propíleos o puertas delanteras que constan de dos fachadas y entre ellas un vestíbulo (de orden jónico). Otros edificios dentro de esta acrópolis son el templo jónico de Atenea Niké, el Erecteión, una pinacoteca… La Acrópolis nos da un ejemplo de aprovechamiento de la topografía difícil y de la disposición visual de los edificios subordinada a un itinerario religioso. Esta planificación es obra de Mnesicles.

46 EL TEATRO GRIEGO El origen del teatro griego está íntimamente ligado al culto que los griegos rendían a Dioniso, dios del vino, y alcanza su plenitud durante el siglo V a.C. En las fiestas dionisíacas se celebraban representaciones en honor al dios que dieron lugar a la tragedia y comedia griegas. Desde estos inicios, en los que el coro tenía un protagonismo absoluto, el teatro evolucionó y poco a poco personajes concretos se independizaron del culto a Dioniso. El teatro desempeñó un importante papel en la vida de los griegos: la tragedia era un medio de purificación o catarsis y a través de la comedia se realizaba una dura crítica de las costumbres y personajes del momento.

47 Partes del Teatro. Los teatros eran espacios abiertos y las representaciones teatrales se realizaban al aire libre. Tenían una acústica perfecta.

48 En ellos se distinguen tres partes: El koilon (5) (lo que los romanos llamaron cavea). Es la zona de las gradas en las que se sitúa el público y tiene planta ultrasemicircular. Estas gradas están adosadas a una pendiente natural o excavadas en la roca. Se divide en pisos mediante pasillos o diazomata y en secciones o kerkide (2) mediante escaleras radiales.

49 La orchestra (1) es un espacio circular (en el teatro romano será semicircular) reservado a las evoluciones del coro, en cuyo centro se encontraba el altar de Dioniso. La skené (3) es una construcción rectangular que servía al mismo tiempo como depósito de vestidos y máscaras y como fondo escenográfico. El proskenion (4), espacio anterior a la skené, era donde actuaban los actores. El teatro griego mejor conservado es el de Epidauro, construido a fines del siglo IV a.C.

50 EL TEATRO DE EPIDAURO Fue realizado, con toda probabilidad por Polícleto el Joven, en torno al año 330 a. C. Aprovecha una colina, tiene 120 m. de diámetro y 24 m. de desnivel y una capacidad para espectadores. Organizado alrededor de la orchestra, que al principio tenía un altar en el centro. Cavea o graderío: rodea en semicírculo a la orchestra, es el espacio para los espectadores, con escaleras que ascienden radialmente y la dividen en sectores. Tiene asientos de dos tipos: unos para el pueblo que terminan en un reborde en ángulo y otros para las autoridades con respaldo y brazos. Escena en posición tangente a la orchestra, edificio que en su origen tenía la función de vestuario o almacén, con el tiempo la representación de la obra se trasladó a la escena y apareció una plataforma elevada llamada proscenio, situada entre la escena y la orchestra, donde actuaban los actores y a la que se accedía por dos rampas laterales. La entrada del público se hacía por dos accesos laterales llamados parodos.

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52 ESCULTURA La escultura griega es una de las creaciones más destacadas de toda la historia del arte. A pesar de que de algunos de los grandes maestros sólo conservemos copias romanas.

53 Pueden distinguirse claramente los tres períodos del arte griego dentro de la escultura: -Arcaica (S.VIII-S.V a.C). -Clásica (S. V- S.IV a.C). -Helenística (S.IV-S. I a.C).

54 Caracteres generales a)La escultura evoluciona hacia la representación de la belleza física y el equilibrio espiritual. Una belleza concebida dentro de la proporción entre las partes, la anatomía armoniosa, la idealización del cuerpo humano.

55 b) Exterioriza los sentimientos, no es sólo la expresión estética del físico. c) Se consigue plasmar el movimiento, tanto de la figura humana individual como en su relación con otros miembros del grupo escultórico. La flexibilidad de los cuerpos, la tensión muscular…

56 d) Preocupación por el volumen: aportan diferentes puntos de vista para contemplar una imagen, rompen con la frontalidad egipcia.

57 ESCULTURA ARCAICA Es el periodo comprendido desde mediados del siglo VIII hasta el V a.C., es una etapa de aprendizaje, de lucha por la conquista de la técnica y de emancipación progresiva de las influencias exteriores. La culminación del arte de Próximo Oriente y Egipto es el punto de partida para los griegos.

58 INFLUENCIAS Clara influencia egipcia en sus primeras representaciones: -Brazos pegados al cuerpo. -Frontalidad. -Rigidez o hieratismo. -Un pie adelantado. -Fines votivos o funerarios.

59 Rasgos propios Representación anatómica más detallada. Sonrisa arcaica (no representa una actitud o sentimiento es más una manera de representar el rostro). Ojos almendrados. Desnudo masculino.

60 Kóuros Anavissos

61 Se representan figuras de hombres y mujeres jóvenes, de tamaño natural, llamados Kóuroi y Korai. Kóuroi (atletas desnudos) y Kórai (mujeres vestidas, con frecuencia sacerdotisas). Todas estas esculturas tienen unos rasgos comunes:

62 Son figuras hieráticas con brazos pegados al cuerpo. Tiene un cuello muy grueso, pelo con trazado geométrico, sonrisa estereotipada y ojos almendrados. Muestran una anatomía esquematizada en su tratamiento (aunque más detallada que la egipcia). Visten tejidos geométricos, esculpidos con poco detalle. A pesar de estos arcaísmos es patente la evolución de estas esculturas habiendo diferencias entre las más antiguas y las más modernas.

63 Los Kóuroi Los Kóuroi son atletas jóvenes y de pié, sujetos al frontalismo (sólo un punto de vista: de frente), estáticos, avanzando sólo la pierna izquierda. El cuerpo es de anatomía rudimentaria, brazos caídos y puños cerrados. La cabeza con pelo largo y rizado, con simetría en los tirabuzones y ondas; ojos saltones y almendrados, sonrisa arcaica, labios gruesos y hieratismo. Las esculturas evolucionan hacia un mayor realismo y humanización que se refleja en la expresión de la cara. Pueden ser de tipo votivo o funerario.

64 Kouros de Anavyssos

65 Cliobis y Bitón.

66 Las Korai Las Korai son jóvenes vestidas. Los rasgos de la cara siguen el convencionalismo de los Kóuroi. Poseen una actitud grave y avanzan hacia el espectador portando algo en las manos, un vaso o un fruto, se suelen realizar en mármol. Es difícil precisar su significado: para unos son servidoras del templo, para otros son exvotos (ofrendas)..

67 Dama de Auxerre

68 En la representación del vestido vemos avances entre la Dama de Auxerre, donde el peplo está solamente sugerido y los pliegues de la túnica y el manto incisos de Hera de Samos (Museo del Louvre).

69 FRONTONES Esculturas de los frontones: se realizan relieves en los frontones de los templos que para adaptarse a las esquinas buscan tres soluciones: - hacer que las figuras disminuyan de tamaño adaptándose a los ángulos agudos como en el Templo de Corfú. –colocar serpientes con formas monstruosas como en el Templo del Hecatómpedo. –representar luchas mitológicas con personajes tumbados en los ángulos como en el Templo de Egina.

70 ¿Egina Corfú Hecatómpedo?

71 Transición al clasicismo Alrededor del año 500 a.C. en los frontones de Egina y Olimpia se producen cambios que anuncian el clasicismo. Vemos una mayor expresión de sentimientos y un mayor dinamismo de las figuras.

72 En escultura exenta tenemos el Auriga de Delfos y en relieves El Trono Ludovisi, ambos marcarán el paso de una etapa a otra.

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74 Pese a que encontramos pervivencias de arcaismos: -frontalidad, simetría en el cabello… Tenemos un mayor naturalismo en la caída de la túnica, pese a que los pliegues son demasiado rectos. Ya no es hierática ni rígida sino que podría ponerse a andar o a mover las riendas del carro. El rostro expresa serenidad.

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76 El nacimiento de Afrodita del Trono Ludovisi expresa movimiento en cuerpos que se doblan y formas anatómicas que marcan una ondulación flexible (se supera la rigidez anterior). Esta misma ondulación y flexibilidad que marcan los tejidos sobre los cuerpos o tapándolos.

77 Los avances en el domino de la técnica se dan al final del periodo arcaico y se les denomina esculturas de transición, se rompe con el arcaísmo y se domina mejor el movimiento, pero siguen algunos rasgos arcaicos como la geometrización del pelo.

78 LA ESCULTURA CLÁSICA En el siglo V a.C. la escultura alcanza su máxima perfección y serenidad. El ideal de equilibrio griego encuentra en la escultura su máxima expresión.

79 Será en el siglo IV cuando se preste mayor atención a la expresión de los sentimientos en los rostros. Lo que provocará un cambio hacia el Helenismo.

80 Las figuras más importantes son: -S. V.a.C.: MIRÓN, FIDIAS Y POLÍCLETO. -S.IV a.C.: SCOPAS, PRAXÍTELES Y LISIPO.

81 El siglo V (época de Pericles) representa para el arte griego su momento clásico, la escultura alcanza la máxima perfección. Este momento está representado por Mirón, Policleto y Fidias, con esculturas que reflejan una gran serenidad interior, buscan la belleza propia del ser humano y de la naturaleza, la belleza ideal que se alcanza a través de la simetría y la proporción.

82 MIRÓN El broncista Mirón consiguió con su Discóbolo la captación del movimiento en el momento en que el atleta se dispone a iniciar el giro para soltar el disco. El cuerpo está contraído y apoyado sobre el pie derecho. Es una postura de enorme audacia.

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84 La obra original era en bronce y estaría fechada entre los años 460 y 450 a.C. Análisis formal: Se trata de una escultura de bulto redondo y tamaño natural. Representa a un atleta justo en el momento que va a lanzar el disco. Es una representación del hombre como ideal simbólico en si mismo y no como representación de exvotos o divinidades. La disposición de la figura no es forzada sino armoniosa: dos curvas se combinan, una que une las dos manos (en cuyo centro está la cabeza) y otra que va desde la cabeza hasta la rodilla. Con gran avance en la representación de la anatomía y logrando transmitir una sensación de instantaneidad, que acentúa el dinamismo de la obra. Pero el rostro todavía es inexpresivo, curiosamente en el momento de mayor esfuerzo físico, y el pelo conserva una geometrización arcaica.

85 POLICLETO Es un teórico de la anatomía humana, broncista de la escuela de Argos, en el Peloponeso, a su enorme importancia artística hay que añadir sus aportaciones teóricas recogidas en su libro Canon donde define su idea del canon de belleza: como la regla de las proporciones humanas, conforme al tipo ideal. Esa idea de belleza se encuentra precisamente en la armonía y en las proporciones del cuerpo humano, afirmando que es conveniente que la cabeza sea la séptima parte de la altura total de la figura. También crea el contraposto, es decir, la oposición armónica de las diversas partes del cuerpo humano, especialmente cuando alguna de ellas se halla en movimiento o tensión, estando sus simétricas en reposo.

86 Esta escultura se convertirá durante muchos años en el modelo de belleza varonil, la medida por antonomasia del cuerpo humano perfecto.

87 El Doríforo (Atleta con lanza) Utiliza el canon 1/7 y logra el equilibrio con el ritmo cruzado o contraposto: - con la lanza en la mano izquierda pero el peso cargado sobre la pierna derecha. - cada pierna tiene diferente función: mientras una sostiene el peso la otra descansa. Esta obra fue realizada en bronce, pero hoy la conocemos por copias romanas en mármol. Las proporciones están matemáticamente estudiadas, con una vigorosa musculatura que expresa el volumen.

88 Otra obra suya es el Diadumenos, que también tiene canon y contraposto.

89 FIDIAS Es considerado el paradigma del clasicismo. Su obra tiene las mismas características: -Belleza serena de los rostros. Busca el equilibrio y la belleza idealizada. -Flexibilidad y transparencia de las vestimentas. -Combinación de equilibrio y vitalidad. -Es el gran retratista de las divinidades griegas (Atenea, Zeus…)

90 Los relieves del Partenón son el gran legado de este autor.

91 El Partenón La decoración escultórica del Partenón se hace bajo la dirección de Fidias, tanto en el friso interior de los muros de la naos (procesión de las panateneas), como en las metopas y frontones.

92 En las luchas entre lapitas y centauros el movimiento adquiere unos efectos dramáticos y una variedad de expresiones que hacen de estas metopas una obra paradigmática en la historia del relieve.

93 Análisis de la obra: Posee las siguientes características: la grave serenidad de los rostros, los ampulosos, elegantes y naturales ropajes, la sinuosa composición, y que se inserta en un esquema triangular muy riguroso. En el frontón este representa el nacimiento de Atenea de la cabeza de Zeus, ante la presencia de diversos dioses; el acontecimiento tiene lugar al alba.

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96 En el oeste la lucha de Atenea y Poseidón, se trata de su disputa por la posesión de la Acrópolis: Poseidón ofreció un caballo y Atenea hizo brotar un olivo. El pueblo de Atenas escogió el olivo, proclamando a Atenea su diosa protectora. Utiliza la técnica de los paños mojados con el modelado de los ropajes para las figuras femeninas, estos paños pegados al cuerpo, traslucen su anatomía, acentuando aún más su naturalidad. Cuerpos estáticos y cabezas inclinadas.

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98 En las metopas representa luchas mitológicas de centauros y lapitas, Guerra de Troya, amazonas y gigantes, representando el movimiento, más o menos violento.

99 En el friso el desfile de las Panateneas o Procesión de las Panateneas, un friso de 160m de longitud y una banda esculpida de 1,05m, con relieves que no sobresalen más de cinco centímetros. Representa la procesión de las Panateneas que tenía lugar cada cuatro años en Atenas, dedicada a la diosa Atenea. Composición: las escenas están en un solo plano, rodean la parte exterior de la cella, tenían accesorios de metal (hoy desaparecidos), usaba el color para definir los objetos no esculpidos.

100 El punto de arranque es una cabalgata que ocupa el 70% encabezada por los carros, luego el cortejo a pie de ancianos portadores de ramas, músicos con citaras y flautas, portadores de hidrias (vasijas de agua), conductores de ganado y animales que se van a sacrificar (ovejas, carneros...), en las esquinas aparecen doncellas atenienses con peplos y héroes (las 10 tribus de Atenas). Sin ser observados por los humanos están las principales divinidades olímpicas que lo contemplan sentadas: Zeus en el trono, Poseidon, Apolo, Artemisa, que conversan entre ellos. Los dioses están realizados a escala superior que el resto del friso. Hay también escenas anecdóticas como un joven atándose una sandalia o como caballos encabritados.

101 En resumen: el pueblo camina a ofrecer el peplo a su diosa; según la tradición, el cortejo, de hombres, carros, caballos y otros animales, se ponían en marcha al alba y se mezclan el hombre, el animal y los dioses. En total esculpió 360 personajes, 220 animales y 10 carros con increíble plasticidad. Los rostros son captados con diferentes expresiones, pero siempre serenas, a modo de dioses, los vestidos dan sensación de naturalidad absoluta y dejan ver la anatomía atlética masculina, estética propia del mundo heleno clásico. El material que uso era de gran calidad, las mejores placas de mármol del Pentélico. La técnica escultórica se basaba en la combinación de los distintos tipos de relieve rehundido, bajo, medio y alto relieve, así como la técnica de los paños mojados. Los fragmentos originales de las esculturas del Partenón se hallan diseminadas por numerosos museos: Británico, Louvre, Acrópolis…

102 El siglo IV a.C. Después de terminar la guerra del Peloponeso, es la época de disgregación y crisis de las polis, se le conoce también con el término de posclasicismo, la escultura busca representar sentimientos y estados de ánimo, dejando la serenidad y el equilibrio del estilo anterior, aunque sigue buscando la belleza ideal, el arte se vuelve más humano, los dioses se humanizan, los rostros tienen el pathos, la expresión emocional y estado anímico, prefieren el mármol al bronce, se esculpen dioses más cercanos al hombre y también figuras de poetas y oradores que sustituyen a los atletas. Los escultores son Praxiteles, Scopas y Lisipo.

103 PRAXÍTELES Expresa en sus obras sentimientos de melancolía y es considerado el escultor de la belleza sensual, de suaves formas redondeadas, que se acentúan al apoyar el cuerpo sobre una pierna, creando una de sus características más importantes: la curva praxiteliana. La curva da sensación de languidez al cuerpo, forma una S donde el cuerpo se arquea ligeramente al apoyarse en algo exterior al él, debiendo doblar una pierna para apoyarse fuertemente en la otra, lo que determina el saliente de la cadera, las figuras siempre miran a algo o a alguien y además alarga el canon de Policleto para lograr más esbeltez.

104 Obras suyas son el Apolo Sauróctono, apoyado en un tronco de árbol; Hermes de Olimpia con el niño dios Dionisios;

105 Venus o Afrodita de Cnido Obra realizada en mármol de 1,90 m. Análisis de la obra: Representa a la diosa del amor y de la belleza que según la leyenda nace de la castración de Urano, de sus genitales se desprendieron unas gotas de semen que cayeron al mar y de la espuma blanca surgió Afrodita que navegará en una concha hacia la tierra.

106 Formalmente es el ideal de belleza femenina clásica y el primer desnudo femenino griego, la realizó para ser vista desde cualquier punto ya que estaba colocada en un altar. Es de formas suaves y con la curva praxiteliana para darle mayor sensualidad. Tiene un brazo apoyado sobre un soporte, que en este caso sostiene un paño o una toalla que esta sobre la jarra del agua, lo que hace que el otro hombro quede ligeramente desplazado, para contrarrestar el resto del peso del cuerpo (contraposto praxiteliano).

107 Respecto a los miembros inferiores, tiene una pierna en posición de movimiento, únicamente apoyada con la punta del pie y otra pierna completamente apoyada soporta el peso del cuerpo.

108 Por último, la cabeza queda suavemente ladeada, en actitud nostálgica. Posee la típica composición de curva praxiteliana, característica común a todas las esculturas de este autor.

109 SCOPAS Escultor, decorador y arquitecto que expresa estados violentos del alma, temas trágicos, el pathos. Sus figuras están retorcidas y llenas de movimiento acompañadas con bestias o naturalezas vegetales.Entre sus obras más destacadas está la Ménade.

110 LISIPO Escultor preferido de Alejandro Magno. Realizó más de 1500 esculturas, trabaja sobre todo en bronce. Busca el naturalismo y la variedad de actitudes que permiten ver la escultura desde distintos puntos de vista, desapareciendo totalmente la frontalidad. Se inspira en la calle, de ahí su naturalismo. Sus retratos son personales y virtuosos cuidando el detalle sobretodo en los cabellos. Obras suyas son Apoxiomenos, atleta quitándose el polvo y la grasa con el estrígilo (utensilio curvado), sin actitud triunfalista ni heroica, crea una nueva dimensión espacial al hacer avanzar los brazos de la escultura.

111 Otro canon La crisis de los ideales anatómicos de Policleto se anuncia en el siglo IV en las esculturas de Lisipo, en su Apoxiomeno. Es más esbelto y su posición más inestable, la cabeza más pequeña y sus músculos menos vigorosos.

112 HELENISMO El helenismo significa la crisis de la polis bajo el dominio macedonio. Bajo el liderazgo de Alejandro Magno los valores cambian y la armonía clásica da paso a otros nuevos modos de expresar el arte.

113 Se inicia un nuevo realismo un tanto amargo: se prefiere el desequilibrio de los cuerpos retorcidos a las serenas posturas anteriores. Se sustituyen los rostros tranquilos por el dramatismo. Se busca expresar la fealdad de seres amenazadores antes que la belleza ideal.

114 A pesar de que Atenas mantiene su estatus cultural, surgen otras escuelas en Pérgamo, Rodas o Alejandría. Por lo que surgen variedades de estilos dependiendo de cada escuela.

115 En algunos casos el recuerdo de épocas anteriores lleva a representaciones como la Venus de Milo.

116 En el grupo del Laocoonte los cuerpos se retuercen, los músculos se hinchan, los rostros expresan dolor.

117 El movimiento intenso y la tensión caracterizan la Victoria de Samotracia cuyos pliegues arremolinados y la postura elástica la diferencian claramente de las esculturas, por ejemplo, de Fidias.

118 ESCUELA DE PÉRGAMO En Asia Menor, busca el patetismo y el estudio anatómico con actitudes forzadas, escenas de lucha. Su obra más importante es los relieves del Altar de Zeus en Pérgamo y el Galo moribundo.

119 ESCUELA DE ALEJANDRÍA En Egipto, tiene predilección por los temas vulgares y grotescos, por las alegorías y por las figurillas llenas de delicadeza. Destaca la Alegoría del río Nilo.

120 ESCUELA DE RODAS Isla cercana de las costas de Asia Menor, caracterizada por composiciones grandilocuentes y complejas, en las cuales lo mas característico es el estudio de la anatomía, de los paños mojados y transparentes. Como obras destacan la Victoria de Samotracia y Laocoonte y sus hijos.

121 Laocoonte y sus hijos. Se trata de un grupo escultórico donde se esculpe la historia de Laocoonte, sacerdote que desaconsejó la entrada del caballo de Troya y fue castigado a morir por Atenea, con sus hijos. El sacerdote de Apolo muere estrangulado por serpientes marinas enviadas por Poseidón para que no desvelara el secreto del caballo de Troya. La obra tiene dos características el patetismo y el dramatismo. El material de la copia es mármol y fue descubierta en el siglo XVI, es posible que el original fuese de bronce.

122 Es una escultura exenta de bulto redondo, su composición es plana para ser vista de frente, se enmarca perfectamente en una composición piramidal y en una diagonal que atraviesa toda la escultura. Por un lado, la pirámide la forman las tres figuras, con la cabeza del Laooconte en el vértice superior, y, por otro lado, la diagonal resultante de unir con una línea el brazo derecho y la pierna izquierda de esté. Tiene contraste de tamaños: sobresale el sacerdote en el centro, los hijos son de menor tamaño y se retuercen helicoidalmente mirando al eje central; geométricamente tiene un esquema triangular (cuerpos) y helicoidal (serpientes). Emplea las técnicas de: paños mojados (influencia de Fidias), desnudos atléticos (influencia de Praxiteles), trépanos en cabellos y barbas, ojos hundidos (influencia de Scopas). La obra se atribuye a los artistas Hagesandro, Atenodoro y Polidoro. Siglo II a C., aunque los historiadores no se ponen de acuerdo con su cronología. Descubierta en 1506 ejercerá una influencia extraordinaria en Miguel Ángel y en los artistas que preludian el Barroco. Actualmente se encuentra en los Museos Vaticanos.

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