HISTORIA DEL ARTE 2º BACH CURSO 2011-12 INTRODUCCION: Modelo de comentario de obras de arte Tipo y baremacion del examen de selectividad EL ARTE GRIEGO.

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1 HISTORIA DEL ARTE 2º BACH CURSO INTRODUCCION: Modelo de comentario de obras de arte Tipo y baremacion del examen de selectividad EL ARTE GRIEGO Inma Navarro

2 MODELO DE COMENTARIO DE OBRAS DE ARTE Libro de texto: HISTORIA DEL ARTE edit. Vicens Vives CURSO

3 Características de la PAU
Todos los exámenes serán de una hora y media y tendrán dos opciones, de las que el estudiante escogerá una y la contestará de manera completa. 2. Los exámenes se puntuarán de 0 a 10 Características del examen El examen constará de dos opciones: A y B. Cada una de las opciones será coherente; es decir tanto las imágenes como los textos y las preguntas se referirán al tema elegido, y, en su caso, se podrán hacer referencias complementarias a aspectos concretos de temas apuradamente relacionados. (Ejemplo: influencia del arte clásico sobre el Renacimiento). La opción A constará de: 1. Tres imágenes, identificadas en denominación y autoría, con indicación de datos cronológicos. Las imágenes serán siempre seleccionadas por ser altamente representativas del estilo o autor propuesto. La primera de las imágenes será la de comentario obligatorio. La segunda y tercera imágenes se proponen como ayuda al alumno, no hace falta que las comente, sino que obtenga de estos datos estilísticos que le faciliten la exposición del tema de que se trate.

4 2. Un texto que cumplirá las características siguientes:
Se extraerá de una fuente significativa y de prestigio científico reconocido. Se pondrá una atención especial en que la redacción y el grado de dificultad sean adecuados para el nivel educativo de los alumnos que aspiran a entrar en la universidad. b. Hará referencia a aspectos fundamentales del tema al que se refieren las preguntas. c. Estará concebido como una ayuda al alumno en el enfoque del tema, no se trata de hacer un comentario de texto sino de utilizar la información aportada por el texto para incorporarla a las respuestas a las cuestiones propuestas.

5 3. Tres preguntas. a. Primera pregunta. Se formulará siempre según el modelo Analiza y comenta la imagen núm. 1. El alumno deberá comentar la imagen propuesta y no otra de las que figuran en el enunciado del examen, con eso se pretende garantizar una uniformidad mínima que permita comparar los conocimientos entre los alumnos que eligen la misma opción. El comentario de la imagen deberá comprender como mínimo: aspectos formales, análisis icónico básico y características asociadas al autor o estilo. b. Segunda pregunta. Se centrará en la evaluación de los conocimientos generales del alumno sobre el estilo o autor propuesto: constantes estilísticas y temáticas, evolución, citación y descripción de obras significativas y trascendencia histórica. c. Tercera pregunta. Se referirá al marco historico -social en el que se inscribe el estilo o autor sobre el que versa el tema.

6 Criterios generales de corrección
Los criterios que se expresan a continuación son de índole general. En cada uno de los exámenes se especificará, si eso es conveniente, una valoración más detallada. El comentario de imagen deberá referir una visión detallada de lo representado, con indicación del estilo, iconografía, características generales de la obra y contextualización. Se valorará con un máximo de 4 puntos. 2) La segunda pregunta se valorará en función de la contextualización artística de lo que se ha preguntado, las características generales del período o del estilo, o autor. Se valorará con un máximo de 4 puntos. 3) La tercera pregunta se valorará en función de que la contestación sea una visión general del período histórico, la función social del arte en ese momento, la importancia del artista… Se valorará con un máximo de 2 puntos.

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8 EL ARTE es la actividad credora humana individual o colectiva, es una expresion del espiritu humano.
A lo largo de la historia el artista ha buscado la belleza y la perfeccion, pero desde el romanticismo busca el rechazo y la provocacion Para enfrentarse con una obra de arte hay que evitar los prejuicios estéticos o ideológicos La obra de arte está vinculada en un espacio y un tiempo una forma de vida y la personalidad, creencias educacion y circunstancias del artista. El análisis de una obra de arte debe tener dos puntos de vista: el formal ( tema, técnica, composicion etc.) y el plastico ( estética, color etc) La HISTORIA DEL ARTE estudia los valores eséticos y técnicos que han predominado en cada epoca . Se utilizan varios METODOS. Los metodos formalistas analizan sobre todo los aspectos prácticos de la obra Las metodologias iconograficas , estudian más el tema. Hay metodologias que estudian cuestiones sociológicas , técnicas y de género La mayoria de analisis las utilizan toddas como complementarias- Existeb dos tipos de obras artisticas: LAS ARTES MAYORES : Arquitectura, Escultura y Pintura La arquitectura es el arte de proyectar y construir edificios, hay dos tipos : Civil y Religiosa LAS ARTES MENORES: orfebreria, ceramica, vidrio, grabado etc EL URBANISMO es el espacio estructurado en el que se enmarca la arquitectura

9 Como analizar una obra de arte
ARQUITECTURA - Clasificación Tipo de construcción de la que se trata. - Material: Materiales constructivos y su función estética. - Título: Título de la obra. - Características formales: • Tipo de edificio, indicando su función original y su función actual si se hubiese modificado. • Análisis de la planta y de sus diversas partes. • Descripción de los materiales y de la técnica constructiva: - Tipos de cubiertas (bóveda, cúpula, etc.) - Columnas, pilares, soportes,... - Puertas, portadas, vanos y su función. - Elementos decorativos. • Concepción espacial, funciones y simbolismo. - Contexto: Encuadrar la obra de arte en su momento histórico. - Estilo: Estilo artístico al que pertenece, indicando (si procede) el país de origen, escuela o período de la obra. - Cronología: Cronología aproximada de la obra. Autor: Nombrar el autor/es (si lo tiene) e indicar algo sobre su vida, obra, influencias,...

10 ESCULTURA - Clasificación: Tipo de escultura (bulto redondo, relieve, busto, sedente, ecuestre, etc.) y tema. - Material: Material (piedra, bronce, etc.) y técnica. - Título: Título de la obra. - Características formales: • Grado de realismo. • Estudio anatómico (proporciones) y paños. • Estudio del contrapposto (diagonales, simetrías, movimiento...). • En los relieves: escorzos, espacio, perspectiva,... • Análisis psicológico: expresión del rostro, actitud y análisis de la escena (relaciones), si procede. • Iconografía y función. - Contexto: Encuadrar la obra de arte en su momento histórico. - Estilo: Estilo artístico al que pertenece, indicando (si procede) el país de origen, escuela o período de la obra. - Cronología: Cronología aproximada de la obra. - Autor: Nombrar el autor/es (si lo tiene) e indicar algo sobre su vida, obra, influencias,...

11 - Clasificación: Tipo de pintura.
- Título: Título de la obra. - Características formales: • Tipo de representación (religiosa, mitológica, etc.), de pintura (retrato, paisaje,...) y tema. • Técnica o procedimiento pictórico empleado (fresco, óleo, etc.) • Elementos pictóricos empleados: - Línea y color (planos, degradación). - Luz (natural, artificial, claroscuro). - Perspectiva. - Volumen. - Composición. • Análisis formales: - Grado de realismo. - Estudio anatómico y de paños. - Estudio del contrapposto. • Análisis psicológico: expresión del rostro, actitud y análisis de la escena (relaciones). • Iconografía y función (señalar la función de la imagen en el mundo que la creó). - Contexto: Encuadrar la obra de arte en su momento histórico. - Estilo: Estilo artístico al que pertenece, indicando (si procede) el país de origen, escuela o período de la obra. - Cronología: Cronología aproximada de la obra. - Autor: Nombrar el autor/es (si lo tiene) e indicar algo sobre su vida, obra, influencias,...

12 CONTENIDO DEL TEMARIO DE Hª DEL ARTE DE 2º de Bach
1. Contenidos comunes. 1.1. El arte como expresión humana en el tiempo y en el espacio: Significado de la obra artística. 1.2. La obra artística en su contexto histórico. Función social del arte en las diferentes épocas: Artistas, mecenas y clientes. La mujer en la creación artística. 1.3. La peculiaridad del lenguaje plástico y visual: Materiales, técnicas y elementos formales. Importancia del lenguaje iconográfico. 1.4. Aplicación de un método de análisis e interpretación de obras de arte significativas en relación con los estilos y con artistas relevantes. Grecia, creadora del lenguaje clásico. 3.1. Los precedentes de la cultura griega: Arte cretomicénico. 3.2. El sentido urbano de la arquitectura griega. 3.3. Los órdenes. Tipologías: El templo y el teatro. La Acrópolis de Atenas. 3.4. La evolución de la escultura griega. 3.5. Presencia del arte griego en la Península Ibérica. 4. La visión del clasicismo en Roma. 4.1. Los precedentes. 4.2. La arquitectura: Características generales. La ciudad romana. Principales tipologías constructivas. 4.3. La escultura: El retrato. El relieve histórico.

13 El arte prerrománico. 6.1. El contexto europeo. Época visigoda. Arte asturiano. Arte mozárabe o de repoblación. 7. Arte islámico. 7.1. Orígenes y características del arte islámico. La ciudad islámica. 7.2. La mezquita y el palacio en el arte hispano-musulmán. 8. Nacimiento de la tradición artística occidental: El arte medieval. 8.1. El arte románico como primera definición de Occidente. 8.2. La arquitectura como integradora de las artes románicas: El sistema constructivo. El monasterio y la iglesia de peregrinación. Las artes figurativas. La portada románica. La pintura mural. 8.3. El románico en el Camino de Santiago. 9. La aportación del gótico, expresión de una cultura urbana. 9.1. El sistema constructivo. La catedral. Lonjas y ayuntamientos. . El gótico atlántico. El gótico mediterráneo. 10. El arte del Renacimiento. 10.1. El proceso de renovación de las artes. 10.2. La formulación del nuevo lenguaje: Arte italiano del Quattrocento. 10.3. El marco urbano y las tipologías arquitectónicas. 10.4. La arquitectura: Brunelleschi y Alberti. 10.5. La renovación de la escultura: Donatello. 10.6. El nuevo sistema de representación en la pintura. Masaccio y Fra Angelico. Piero della Francesca y Botticelli.

14 El arte italiano del Cinquecento.
11.1. Clasicismo y Manierismo en el arte italiano del Cinquecento. 11.2. De Bramante a Palladio: El templo, el palacio y la villa. 11.3. La escultura: Miguel Ángel 11.4. El debate pictórico: Escuela romana y escuela veneciana. Tiziano, Tintoretto y Veronés. 12. El Renacimiento en España. 12.1. La recepción de la estética renacentista en la Península Ibérica. 12.2. Arquitectura: Los inicios. Clasicismo y manierismo. 12.3. Escultura: El mármol y el bronce. La madera policromada. 12.4. Pintura. El Greco. 13. Unidad y diversidad del Barroco. 13.1. El Barroco como arte de la persuasión. El lenguaje artístico al servicio del poder civil y eclesiástico. 13.2. Urbanismo y arquitectura: El simbolismo de la Roma barroca. Bernini y Borromini. 13.3. El palacio barroco como escenario del poder. El modelo de Versalles. 13.4. El Barroco hispánico. De la plaza mayor al palacio borbónico. 13.5. La escultura barroca. Italia. Bernini. 13.6. La imaginería española. 14. La pintura barroca en Europa. 14.1. El lenguaje de la pintura barroca. 14.2. La pintura italiana. Caravaggio y el naturalismo. Clasicismo y Barroco decorativo. 14.3. La pintura flamenca y holandesa. Rubens y Rembrandt. 14.4. La pintura francesa: Poussin y Claudio de Lorena. 14.5. La aportación de la pintura española. La corriente naturalista: Ribera y Zurbarán. El pleno Barroco: Murillo. 14.6. Velázquez.

15 Arquitectura, escultura y pintura del siglo XVIII.
15.1. La pervivencia del Barroco. 15.2. El Neoclasicismo. 15.3. Urbanismo y arquitectura. 15.4. Escultura. Canova. 15.5. Pintura. David. 16. El siglo XIX: El arte de un mundo en transformación. 16.1. La figura de Goya. 16.2. El Romanticismo. 16.3. La pintura romántica: Delacroix. 16.4. La arquitectura historicista. 17. La revolución industrial y el impacto de los nuevos materiales en la arquitectura. 17.1. El nacimiento del urbanismo moderno. Las grandes transformaciones urbanas. La reforma de París y el Ensanche de Barcelona. 17.2. La arquitectura de los nuevos materiales.

16 ARQUTECTURA: EL TEMPLO ESCULTURA URBANISMO
ARTE GRIEGO ARQUTECTURA: EL TEMPLO ESCULTURA URBANISMO

17 Lee detenidamente el texto y responde a las cuestiones indicadas más abajo :
" Una vez que yo haya afirmado que considero que Fidias es un gran artista, proseguirá : ¿Crees tú que Fidias ignoraba la especie de belleza de que hablas tú?. ¿Por qué preguntas esto?. Porque él no ha hecho de oro los ojos de su Atenea ni el resto de su cara, como tampoco sus pies ni sus manos, como debería haberlo hecho para darles más belleza, sino que los hizo de marfil ; evidentemente, él pecó por ignorancia al desconocer que el oro embellece todos los objetos a los que se aplica" (Platón, Obras completas , Madrid 1966). Resume las ideas fundamentales del texto y sitúalo en relación con el estilo a que se refiere. b) Comenta las características fundamentales de la escultura griega y su relación con la arquitectura. c) Menciona algunos escultores del período clásico griego, comentando sus obras de modo breve. Se trata de un diálogo en que dos personas discuten acerca de la naturaleza de la belleza en la Grecia clásica (siglo V a.C). Mientras uno de ellos sostiene que el escultor Fidias es un gran artista y sus obras son bellas y perfectas, el otro lo duda, ya que su estatua de Atenea no es enteramente de oro. Podemos deducir que éste último piensa que lo bello es el oro. Uno de los personajes es el filósofo griego Sócrates ( a. C) que buscaba el saber y la virtud dialogando con cualquiera en las plazas de Atenas. No escribió nada, pero un discípulo suyo, Platón ( a.C) en sus "Diálogos" nos ha transmitido estas conversaciones socráticas. Uno de ellos, titulado "Hipias Mayor" trata sobre la belleza. Así pues el otro personaje podría ser el sofista Hipias. Hipias sostiene que lo bello es el oro, es decir, que se fija en la apariencia de las cosas. Pero Sócrates (y Platón a través de él) no lo acepta; que algo parezca hermoso no quiere decir que lo sea. Sostiene que lo bello es lo que hace que haya cosas bellas: lo bello es una Idea, análoga a la Verdad y la Bondad. Este es el concepto de belleza que existía en la Grecia clásica. Los griegos concebían el mundo como un cosmos ordenado y, por eso, bello. Existía armonía entre el orden humano y el divino

18  El arte griego aporto un legado extraordinario a la Cultura Occidental
El arte griego se desarrollo en la Peninsula griega (El Peloponeso y el Atica), en las costas de asia menor y las islas del Mar Egeo y en la Magna Grecia Era un mundo de POLIS ciudades estado independientes que compartian lengua cultura y arte pero rivalizaron entre si por motivos politicos Las características que definen el arte griego són : El antropocentrismo, el racionalismo y la búsqueda de la belleza formal abstracta  El arte griego es un arte ANTROPOCENTRICO porque, para los griegos el Hombre con su capacidad de pensar , y crear es el centro de toda su cultura y su arte. A diferencia de los Egipcios , cuyo arte servia a los Dioses y al Poder, el arte griego se hace a medida del hombre y para el hombre “el hombre es la medida de todas las cosas “ , afirmó Protágoras , y el arte griego es un arte para todos los hombres , no sólo unos pocos privilegiados. El arte griego busca la BELLEZA basada en la armonia de todos los elementos. Es un arte Racional ya que cuantificaron de forma racional esta armonia en la PROPORCION AUREA o número de oro, basado en proporciones matemáticas, que se aplicó a la arquitectura, la escultura y la cerámica. La busqueda de la perfección , dio lugar a la aparición del CANON o modelo perfecto de proporciones ideales Se divide en tres periodos: * ARCAICO sig VII-V Ac ( el arte se extiende por el Mediterráneo)  CLASICO: Sig V IV , MAXIMO EXPLENDOR ARTE CLASICO ATENAS- HELENISTICO: sig IV-I ac influencias orientales

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20 ARQUITECTURA: Las caracteristicas de la arquitectura griega son:  Se basa en el orden y la Razón y está adaptada a la escala del hombre Busca la belleza a traves de la perfección y el equilibrio de las formas y los elementos Utiliza como sistema constructivo el arquitrabado o adintelado donde predominan las lineas horizontales y verticales estructuradas a partir de cuatro elementos:  Basa ,Columna, Entablamento : Arquitrabe , Friso , Cornisa, Fronton Las proporciones entre los elementos buscan la simetria y la armonia visual El elemento más característico de la arquitectura griega es la fijación del ORDEN ARQUITECTÓNICO que exige que entre la columna y la cubierta se mantenga siempre la misma relación Los Ordenes Griegos són: _ Orden Dorico S. VII ac _ Orden Jonico S. VI ac _ Orde Corintio S. IV ac El TEMPLO ES LA GRAN CREACION DE LA ARQUITECTURA GRIEGA

21 ARQUITECTURA GRIEGA Hubo edificios públicos como templos, dedicados al culto, que fueron levantados en lugares amplios, rodeados por un espacio sagrado, que denominamos TÉMENOS, en los cuales no había un solo templo, a veces había varios, y contenía este espacio sagrado,  no sólo sus respectivos altares sino otros edificios administrativos, como los tesoros, pórticos,  monumentos votivos y propileos de entrada. Crepidoma

22 existieron espacios dedicados al deporte y a los espectáculos, como estadios, salas de conciertos y teatros. La vida cotidiana de los griegos se centraba en el mercado, plaza pública (el ágora), donde se adosaron baños, patios y columnatas. Fueron importantes las construcciones funerarias, los cementerios públicos y privados. Y no olvidemos que la sociedad griega no se caracterizó por su pacifismo, evidentemente, aparecieron las fortificaciones, cuyo desarrollo dio paso a una ciencia la poliorcética.

23 MATERIALES Y MÉTODOS DE CONSTRUCCIÓN.
Los griegos utilizaron gran variedad de materiales de construcción para realizar sus edificios, usaron adobe, madera. terracota y piedra. En los primeros momentos se utilizó el adobe y la madera, posteriores elementos en piedra recuerdan ese precedente de madera, como los triglifos, que se corresponden con los extremos de las vigas, las metopas, los espacios entre ellas y las gotas que serían los  listones utilizados para realizar el montaje. El material mas usado fue la piedra, desde calizas duras, conglomerados  y el mármol. Este material abundaba en el Mediterráneo, en Asia Menor y en la propia Atenas siendo de excelente calidad en canteras como las de Paros, Nasos y Tasos. Las cornisas y tejas de los edificios se realizaron en terracota, pero  con el paso del tiempo se usó el mármol.

24 Realizar un edificio de piedra era costoso y dilatado en el tiempo
Realizar un edificio de piedra era costoso y  dilatado en el tiempo. Se comenzaba por conseguir los sillares que lo componían. Primero se tallaban de forma tosca en la cantera, una vez separado de la roca se deslizaba montaña abajo y se solía transportar en vagones para llevarlos a pie de obra.Para colocar cada piedra en su lugar  se usaba una alzaprima con muescas superficiales o agujeros profundos en el sillar por donde se pasaba una barra o cuerda. Se prestaba mucha atención a los puntos de unión de los tambores de las columnas. Se hacia de  una forma especial. Se tallaba en cada tambor un agujero  y se encajaba un listón de madera.

25 ÓRDENES GRIEGOS  Los órdenes clásicos están  íntimamente relacionados con el origen del templo griego. En tiempos de Homero se conocía  el templo griego plenamente desarrollado, en varios lugares como Samos, Eleusis o Esparta se han encontrado los basamentos de templos que responden a  las  plantas más comunes. A finales del siglo VII a.C.  se había establecido el canon del  templo griego. hacia  el año 625 a.C. los etolios renovaron un antiguo santuario que tenían en Thermos, Alargaron su cella y establecieron la  planimetría del templo griego posterior Santuario de Apolo en Thermos Sobre una base de piedra que estaba compuesta por sillares irregulares de forma más o menos cuadrangular que se denomina ESTEREOBATO, se colocaba un elemento nivelador (eunciterio) seguido por una plataforma escalonada (crepidomos). En este momento comienzan las diferencias en función, esencialmente, de las columnas. Diferenciamos tres órdenes de columnas: EL DÓRICO EL JÓNICO EL CORINTIO

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27 ORDEN DÓRICO El edificio se asentaba escalón  estilóbato, dividido en gradas en todos sus lados, y que lo eleva sobre el terreno circundante. La columna arranca directamente del suelo (no tiene basa). El fuste estriado de arista viva tiene éntasis en su parte central, y disminuye de diámetro hacia arriba. Entre el capitel y el fuste hay una corona de ranuras llamada collarino. El capitel tiene dos partes: 1. equino, moldura convexa.  2.  abaco, paralepípedo cuadrado que recibe directamente la carga. El  entablamento (la techumbre ) estaba dividida en tres partes 1.     arquitrabe, un listón de piedra que descansa sobre el ábaco 2.     friso (separado del arquitrabe por un filete o tenia) se divide en triglifos (formados por tres bandas verticales que rematan por su parte inferior en gotas), y metopas (recuadros entre los triglifos, aptos para ser decorados. cornisa, que descansa sobre el friso. En su parte inferior, y coincidiendo con los triglifos aparecen filetes con seis gotas. Sobre el entablamento descansa el frontón, un plano triangular cuyo fondo se llama tímpano, debido a la cubierta a dos aguas. El frontón está coronado por acróteras, unas figuras animadas o vegetales.

28 ORDEN JÓNICO En este orden las columnas son más altas y delgadas que las dóricas. El fuste reposa en una pieza intermedia llamada basa, que tiene dos molduras convexas toros:  una cóncava escocia basa llamada ática.  A veces se apoya en un pedestal cuadrado llamado plinto. El fuste es cilíndrico, estriado, y a veces, con éntasis. El capitel está formado por una especie de equino decorado con ovas, y con volutas a los lados. El arquitrabe consta de tres listones, coronado el último por una decoración de ovas y perlas. El friso es liso, o con decoración animada en relieve. La cornisa posee menos vuelo que la dórica y está enriquecida con ovas y dentellones  de forma  rectangular, El frontón está coronado por acróteras.

29 ORDEN CORINTIO Es una variación del orden jónico del que se diferencia en el capitel y en un mayor riqueza en la  ornamentación. El capitel está formado por hojas de acanto, y por pequeñas volutas en los ángulos superiores. También se habla de un orden cariático, llamado así por el uso de figuras femeninas (cariátides) que suelen llevar un cesto en la cabeza, y sustituyen a las columnas.

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32 PLANTAS Naos Templo Prostilo Templo Anfipróstilo Templo In antis

33 PERIPTERO DIPTERO

34 EL TEMPLO: Su origen  Existen profundas relaciones entre el culto aqueo y cretense y esas formas de culto fueron la base que generó la religión griega. Existían dos  formas de culto conocidas, el culto a la divinidad y el culto a los muertos. El culto destinado a la divinidad tiene un paso intermedio derivado del culto a los muertos, el culto a los héroes, individuos intermedio, con toda probabilidad estaba  vinculado con el mundo  micénico, incluso el término hero se deriva de ese idioma. El culto a la divinidad es otra forma  de veneración que cobra importancia y fuerza en los momentos que siguieron a la caída del mundo micénico y se enriquecen con nuevas manifestaciones tributadas a los dioses. A los dioses se les rindió culto en muchos lugares, que les fueron consagrados y donde se realizaban ceremonias dedicadas a ellos. Estos lugares fueron de  distinto tipo: parajes naturales, algunos resguardados, como las cuevas, otros al aire libre, a veces señalados con muros. Naturalmente existieron edificios, en el ámbito doméstico, como en el palacio de Tirinto, donde había un altar, o en casas particulares. Hubo edificios separados de los palacios como fue el casa de algunos santuarios, en Asine, Prosymnia o en Eleusis. Es posible, si consideramos las fuentes antiguas, como los cometarios de Eusebio y Pausanias, que existieran santuarios en Olimpia, Efeso y Delfos ya en la etapa micénica.

35 El Origen del templo griego es el Mégaron micénico contruido en madera del que el templo conserva su estructura básica , planta rectangular rodeada por una galeria de columnas y dividida en tres espacios : Pronaos vestíbulo de acceso, Naos o cella espacio el el que se guardaba la imagen del Dios y el Opistodomos camara posterior donde se guardaba el tesoro. Desde el sig. VII se empiezan a construir los templos en piedra, basandose en los principios del orden , la razon y la busqueda de la belleza a partir de la perfeccion y el equilibrio en las formas y los elementos. Son edificios hechos a la escala del hombre Su sistema constructivo es arquitrabado o adintelado , en el que predominan las lineas horizontales y verticales, estan pensados para ser vistos desde fuera

36 LA ARQUITECTURA GRIEGA; LA ACRÓPOLIS DE ATENAS
El año 480 aC , los Persas arrasaron la acrópolis de Atenas . Pericles acometió las obras de reconsrucción en la segunda mitad del sig. VaC Encargó la construccion de los templos dedicados a la Diosa protectora de la ciudad , la Diosa Atenea , a los mejores arquitectos de Grecia : Ictino , Calícrates y Fidias- Los edificios se disponen sobre una meseta calcárea irregular. LOS PROPILEOS eran las puertas monumentales de acceso a la acrópolis

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38 PRINCIPALES EDIFICIOS GRIEGOS
PARTENON. ICTINOS Y CALICRATES 1.-Documentación general Nombre: Partenón Arquitectos: Ictinos y Calicrates, bajo la supervisión de Fidias. Cronología: a.C. Localización: Acrópolis de Atenas (Grecia) Estilo: griego clásico pleno. Materiales utilizados: mármol del Pentélico y madera. Sistema constructivo: arquitrabado. Dimensiones: planta 69, 5 metros de largo por 31 de ancho. Las columnas tienen 10, 5 metros de alto por 1,8 de diámetro en la base. Correcciones ópticas: para conseguir una perfección visual se realiza la curvatura de la base y el entablamento, mientras la separación entre columnas y el éntasis varía. Esta dedicado a la diosa Palas protectora de la ciudad de Atenas. En el siglo VI a.C. fue convertido en iglesia cristiana; en el siglo XVI en mezquita con minarete; el siglo XVII se utlizó por los turcos como polvorín en la guerra contra Venecia y explotó y ahora sufre la agresión medioambiental.

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41 .-Análisis formal. 2.1.Espacio interior y exterior: a) Expacio exterior: Los templos griegos están concebidos para ser vistos desde fuera. Exteriormente es de orden dórico y octástilo. Para entrar en el templo tiene dos pórticos hexástilos, uno en cada fachada, y es períptero porque está completamente rodeado por un pórtico. Orden dórico: 1) base de gradas- la última es el estilobato y forma el suelo, dos estereobatos constituyen la escalinata que da acceso al templo desde cualquiera de sus lados; 2) columnas dóricas de dos partes:  a) fuste estriado- arista viva- y sin base entre cuatro y seís veces el diametro interior y formados por tambores unidos sin cemento y con un collarin en la parte superior   b) capitel compuesto de dos partes-abaco y equino- 3) entablamento: formado por el arquitrabe que descansa sobre las columnas y que es liso; el friso decorativo, dividido en metopas y triglifos; la cornisa que sobresale; el frontón o espacio triángular formado por el techo horizontal y el tejado a dos aguas. Se decora con esculturas. En los vértices del triangulo se colocan las acróteras. Planta y espacio interior: Rectángular: con pronaos, naos y opistodomo. En la naos estaba la estatua crisoelefantina de Palas de 12, 8 metros de altura. La puerta estaba orientada hacia el este para que cuando saliera el sol iluminase a la diosa. El opistodomo guardaba el tesoro de la diosa.

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43 2.2. Estilo: Introduce variables en el canon 6/13 columnas de los templos perípteros arcaicos e introduce el de 8/17.Cuenta con correcciones ópticas para conseguir una visión perfecta del mismo: diferente éntasis y separación de las columnas, curvamiento de base y entablamento, etc...   Es una arquitectura arquitrabada como la egipcia. Era policromado en el frontón, capiteles, metopas y triglifos 3.- Interpretación: 3.1. Contenido y significación:   La ideas de equilibrio y armonía son básicas en la cultura griega y el Partenón es el máximo exponente de las mismas. Lo hizo levantar Pericles para celebrar la victoria sobre los persas de aquellos pequeños estados democráticos que supieron unirse para defenderse de un imperio.   Fue realizado por Ictinos y Calicrates y decorado por Fidias. Está dedicado a Palas Atenea. En un frontón se representa el nacimiento de la diosa y en el otro su disputa con Poseidón por la posesión de Atenas. En las 92 metopas se representaba la lucha de los griegos contra los centauros (Centauromaquia) las amazonas (Amazonomaquia) y contra los gigantes (Giugantomaquia). Es decir la lucha y el triunfo de la civilización contra la barbarie. En el friso se representaba la procesión de las Panateneas.  El templo fue mandado construir por Pericles. 3.2. Función   Mas que un templo de culto era la casa de la diosa, y un monumento levantado para agradecer a Atenea sus favores. El altar estaba en el exterior. Pero sobre todo era la expresión de la grandeza de Atenas.

44 ERECTEIÓN. MNESICLES 1.-Documentación general: Nombre: Erecteión. Cronología: construido entre los años 421 y 405 a.C. Localización: acrópolis de Atenas Estilo: jónico. Griego clásico pleno.Columna jónica que presenta fuste, abaco, volutas y equino. Materiales: mármol policromado y madera. Sistema constructivo: arquitrabado. Ubicado en el lugar donde Atenea y Neptuno lucharon por la posesión del Ática, sus muros además albergan el olivo de la diosa de la inteligencia, la huella del tridente del dios marino y la tumba del legendario rey Cécrope, árbitro de la disputa y fundador de la ciudad de Atenas.

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47 Estructura:  El Erecteion se puede considerar como la unión de dos edificios, cuyos pórticos se extienden a distintos niveles y en direcciones perpendiculares. Al Este está situado el templo próstilo hexástilo dedicado a Atenea, al Oeste un falso pórtico del templo de Erecteo y al Norte se abre al verdadero pórtico, tetrástilo de orden jónico muy estilizado.  Para integrar el lugar de enterramiento de Cécrope en el conjunto se dispuso uno de los elementos más característicos del templo, el pórtico de las Cariátides, que oculta la escalera que conduce a la tumba. En el Erecteion se aprecia la evolución del estilo jónico, con columnas más finas que su vecino Atenea Niké, entablamentos menos masivos y un completo repertorio ornamental. Por otra parte, sus cariátides alcanzan una perfección compositiva por la que han pasado a la historia como modelo de este tipo de elementos arquitectónico-escultóricos de formas femeninas. En suma, se puede considerar una pieza fundamental en la transición del periodo clásico al helenístico, tanto por la complejidad espacial como por su riqueza formal. 2.1. Elementos sustentantes y sustentados: Los muros, columnas y cariátides son los elementos de soporte del templo. Las columnas jónicas tienen un fuste más fino que las dóricas. Hay quién dice que son más femeninas. El entablamento es jónico y es el elemento sustentado o techo. Está descrito en el Atenea Niké.

48 . Espacio interior y exterior:
  Está situado en el corte rocoso de la acrópolis norte. Es de planta irregular por las irregularidades del terreno y la necesidad de respetar los lugares sagrados situados a distinto nivel.   La estancia central orientada a Levante, está dedicada a Atenea. Está precedida por un pórtico hexástilo, con columnas de 6,8 m. de altura. No se comunica con las otras dos cellas dedicadas a Poseidón y a Erecteo y a Cecrops.   En el norte hay un pórtico con 6 colunas-4 frontales y dos laterales- que daba paso a un espacio abierto donde debía estar la olivera hecha nacer por Palas. El nivel es más bajo que el de la cella anterior. Tenía el techo con casetones.   En el lado sur se encuentra el pórtico de las cariátides sobre podio, donde se encuentra la escalera que conducía a la tumba de Cecrops. 2.3. Estilo:   Comparado con la regularidad del Partenón el Erecteión es un templo complejo y de formas más refinadas o sensuales. Se utiliza oro en la decoración.

49 3.-Interpretación 3.1. Contenido y significación:   El Erecteión fue dedicado a dioses (Atenea, Poseidón) y a héroes (Cécrops, primer rey legendario, y Erecteo, primer rey de Atenas). Atenas y Poseidón lucharon por el Ática. Poseidón ofreció agua y Palas una olivera (¿Podía representar la lucha entre los marinos y los agricultores saldada a favor de éstos últimos?). Ganó Palas y Cécrops le dió el premio. Así la ciudad toma el nombre de la diosa. Las cariátides simbolizan a las mujeres de Caria, aliados de los persas esclavizadas obligadas a soportar el templo. 3.2. Cliente: la ciudad de Atenas. 3.3. Función: lugar de culto, edificio conmemorativo y representativo. Así pués tenía diversas funciones.   En la edad media fue convertido en iglesia cristiana. Los turcos lo convirtieron en residencia particular. Fue destruído parcialmente en la revolución griega de 1827, y afectado por el terrremoto de Fue reconstruído por la Escuela Francesa de Atenas.        

50 NIKÉ APTERA O ATENEA NIKÉ (Victoria Sin alas)
1.-Documentación general 1.1. Nombre: Niké Áptera 1.2. Arquitecto: Calicrates. 1.3. Cronología: 421 a.C. 1.4. Localización: Acrópolis de Atenas (Grecia) 1.5. Estilo: griego clásico. 1.6. Material: mármol blanco del Pentélico. 1.7. Sistema constructivo: arquitrabado. 1.8. Dimensiones. 4, 18x 3,78 m. 2.-Análisis formal  2.1. Estructura: a) Elementos sustentantes y sustentados:  Sustentantes: muros y columnas jónicas de 4 metros de altura, con base y volutas entre el ábaco y el equino. Sustentados: arquitrabe de tres franjas que aumentan su tamaño hacia la cornisa; friso con relieve de tema único y no dividido en metopas y triglifos; cornisa; frontón y acroteras.

51

52 b) Espacio interior y exterior: 
Exterior: Planta rectangular, anfipróstilo y tetrástilo. Orientado hacia el este. Es el primer edificio que vemos al entrar en la acrópolis por la vía Sacra. Interior: espacio reducido como consecuencia de la consideración del templo como casa de la diosa. En este hecho también influye el antropocentrismo culturas que hace que toda realización esté hecha a la medida del hombre. 2.2. Estilo: Griego-clásico-pleno. Estilo jónico. El relieve del friso-un altorrelieve- exhibe una variedad de estilos, aunque parece que está realizado por un solo artista. La diosa Victoria recuerda el estilo fidiaco. 3.-Interpretación 3.1. Contenido y significación: Calícrates pudo desarrollar su proyecto con el ascenso del partido conservador a través de Cimó, a la caída de Pericles en el año 421 a.C. Durante la Edad Media el edificio fue desmontado para utilizar sus bloques en la fortificación de la acrópolis. Actualmente se ha reconstruido hasta la cornisa. El friso fue llevado al British Museum de Londres, junto a los mármoles de Lord Elgin del Partenón. Representa escenas de la batalla de Platea entre griegos y persas y a la diosa Victoria abrochándose la sandalia. 3.2.  Cliente: los gobernantes de la ciudad. 3.3. Función: era la casa de la da Victoria y las ceremonias litúrgicas se realizaban en el exterior. Se construyó para conmemorar el tratado de paz entre griegos y persas.

53 TEATRO DE EPIDAURO. PILÍCLETO EL JÓVEN
1.-Documentación general 1.1. Nombre: Teatro de Epidauro 1.2. Arquitecto: Polícleto el Joven 1.3. Cronología: 330 a.C. 1.4. Localización: Epidauro. El Peloponeso (Grecia) 1.5. Estilo: Griego-helenístico. 1.6. Material: piedra 1.7. Sistema constructivo: arquitrabado El recinto del teatro es uno de los grandes inventos de la arquitectura griega. Era abierto y estaba en relación con la Naturaleza. La planta era semicircular. 2.-Análisis formal: 2.1. Elementos de soporte y soportados: Se situaba en la ladera de una colina en la que se localizaban el graderío. Las dimensiones del de Epidauro obligaron a levantar muros de contención.

54 2.2. Espacio interior y exterior:
a) Interior: no tenía techo y contaba con las siguientes partes: Cavea y orquesta: la cavea semicircular- rodeaba dos tercios de la orquesta y en ella se situaba el graderío. Podía acoger a personas y contaba con 13 pasillos radiales y uno concéntrico para acceder a los asientos. La orquesta era circular y en ella se situaba el coro de 20,3 metros de diámetro. También era el lugar en el que se colocaba el altar a Dionisos. Escena: no se tiene clara constancia de cómo era pero se dice que se trataba de un pórtico de orden jónico de 4 metros de alto por 2 de fondo. Proscenio: era un espacio elevado donde actuaban los actores. Se accedía a él a través de dos rampas laterales. Tenía un telón que se izaba desde unas ranuras excavadas en el suelo. Se levantaban para cambiar los decorados. b) Exterior: no tenía fachada. Se accedía al teatro a través de dos pasillos laterales entre la orquesta y la escena.

55 Estilo: Clásico-griego. La construcción de teatros se basaba en una serie  de cálculos matemáticos precisos. Los teatros griegos estaban formados por tres partes bien diferenciadas: la orquesta, los edificios del escenario y la cavea. Introdujeron la escultura en la decoración del mismo. Los romanos aportaron nuevos materiales y el arco, pero se basaron en los griegos. 3.-Interpretación 3.1. Contenido y significación: Las obras de teatro representadas en Grecia lo hacían en honor a Dionisos, el dios del vino y de la fiesta. En principio los teatros tenían una finalidad religiosa y en ellos se hacían las ofrendas al dios de la fiesta. El coro explicaba la acción de las obras dramáticas, y el papel de los actores era secundario. A medida que su papel se incrementa se les sitúa en un lugar más elevado, el proscenio. En el siglo IV el papel de los actores es mayor que el del coro (Con la decadencia de la cultura griega). Contaba con una inmejorable acústica y se veía perfectamente desde todos los asientos. Éstos se dividían entre los dedicados al pueblo y los dedicados a los ediles y prohombres que tenían brazos y respaldo. 3.2. Función: La ciudad de Epidauro tenía el santuario de Asclepios, dios de la medicina, por lo que era visitada por muchos enfermos. En la época helenística creció mucho y por ello se creo el teatro

56 ALTAR DE ZEUS EN PÉRGAMO
1. Documentación general 1.1. Nombre: altar de Zeus en Pérgamo. 1.2. Arquitecto: desconocido. 1.3. Cronología: 188 a.C. 1.4. Localización actual: Pergamonmuseum en Berlín. 1.5. Estilo: griego-helenístico. 1.6. Material: mármol. 1.7. Dimensiones: 36,44x34, 29 m. Está dedicado Zeus y Atenea que luchan contra los gigantes. Rememora el friso del Partenón y ello se debe a la voluntad de los reyes de Pérgamo de convertirse en herederos del espíritu ateniense. 2.-Análisis formal 2.1. Estructura: Elementos de soporte y elementos soportados: Tenía unas proporciones gigantescas. Se levanta sobre un enorme podio rectangular-casi cuadrado- muy alto y tenía una escalera frontal. En la parte superior del podio se levantaba una columnata jónica en forma de U. Existía desproporción entre el tamaño mucho mayor del podio que el de la columnata

57 Espacio interior y exterior:
Exterior: No se conserva el altar completo, solo la fachada por lo que se conoce únicamente por las descripciones. Destaca el magnífico friso con relieves alto relieve- de 100 m. de longitud y de 2,5 m. de altura. Son muy característicos del arte helenístico por su expresividad y dramatismo, el barroco trazado de los pliegues de la ropa y las expresiones faciales violentas y de miedo de los vencidos. Interior: patio cerrado donde se localizaba el altar. 2.2. Estilo: Griego-helenístico: monumentalidad en la arquitectura y teatralidad, patetismo y expresionismo en las esculturas.   En la obra trabajaron 40 escultores que unificaron su estilo creando el que se conoce como "la segunda escuela de Pérgamo". 3.-Interpretación 3.1. Contenido y significación: En la Gigantomaquia, Atenea coge por el pelo al gigante Alcioneu pra conseguir levantar sus pies de la tierra y así vencerlo. La madre del gigante, Gea, pide piedad a la diosa, pero está no cede y es coronada por la Victoria. Zeus, combate contra los gigantes junta a Atenea.   El rey de Pérgamo pretende asimilarse a Zeus y busca la protección de Palas. El friso conmemoraba la victoria de Atalo I contra los celtas-galatas-y la reinstauración de la civilización y la paz. Los reyes de Pérgamo se sentían herederos de los atenienses.   Un friso interior narraba la vida del rey Telefo, fundador de la dinastía atálida (Es un antecedente de la columna trajana). 3.2. Cliente: la monarquía atálida. 3.3. Función: El rey de la dinastía atálida Eumenes II hizo levantar este monumento en Pérgamo, capital de su reino, para conmemorar sus victorias frente a sus enemigos. El altar servía de culto y para agradecer a Zeus su protección.

58 ARCAICA SIG VII-VI AC CLASICA SIG V HELENISTICA SIG IV-III AC
ESCULTURA GRIEGA ARCAICA SIG VII-VI AC CLASICA SIG V HELENISTICA SIG IV-III AC

59 a) CONTEXTO SOCIO-HISTÓRICO.
b) CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA ESCULTURA GRIEGA. c) EVOLUCIÓN DE LA ESCULTURA GRIEGA. d) ESCULTORES Y OBRAS MÁS SIGNIFICATIVAS. a) Contexto socio-histórico. . A partir del siglo VIII a. C. los griegos empezaron a fundar colonias por todo el Mediterráneo, lo que permitió el desarrollo del comercio y facilitó el contacto con otras culturas. Los griegos se organizaban políticamente en ciudades-estado independientes, llamadas polis. Unas polis, como Esparta, vivían de la agricultura, dominadas por la aristocracia guerrera y su régimen político era oligárquico; otras, como Atenas, eran de economía comercial y su régimen era democrático. Atenas, gracias a las reformas políticas de Solón y Clístenes, en el siglo VI, había llegado en el siglo V con Pericles a la democracia, sistema basado en el gobierno del pueblo y en la igualdad entre los ciudadanos. Este rasgo distinguía a Grecia de los imperios teocráticos y absolutos orientales (como Egipto y Mesopotamia). En Grecia el individuo podía desarrollarse libremente; la cultura griega era antropocéntrica ? giraba en torno al hombre-. Los griegos compartían una lengua, una cultura y una religión común. Eran politeístas. Sus dioses eran representados en forma humana y los imaginaban dotados con las mismas virtudes y defectos de los hombres, a los que podían ayudar o castigar. Les rendían culto en templos y santuarios (Delfos, Olimpia), lo que unía a todas las polis griegas. Los Juegos Olímpicos, celebrados cada cuatro años en honor de Zeus, son el mejor ejemplo de este culto panhelénico. Era una religión sin dogmas ni sacerdotes. Fueron los griegos los primeros en intentar dar una respuesta racional, no mágica, a los misterios del hombre y la naturaleza, mediante la filosofía. Concebían el mundo como un cosmos ordenado y bello; lo bello es una idea, análoga a la verdad y la bondad. Existía armonía entre el orden humano y el divino. Para los filósofos pitagóricos y sus discípulos, Platón entre ellos, la música y las matemáticas eran la estructura oculta del cosmos. El arte debía reflejar esa belleza a través de la armonía y el equilibrio. Para Platón La belleza, la bondad y el bien tienen una naturaleza común.

60 ) CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA ESCULTURA.
- El escultor griego realiza sus obras por placer estético, buscando la belleza ideal, al margen de su significado religioso. - La figura humana es considerada la expresión de esa belleza ideal, física y espiritual,), especialmente el cuerpo masculino desnudo. El desnudo es democrático, como la muerte . Según Protágoras ? el hombre es la medida de todas las cosas?. - Naturalismo idealizado en las esculturas, ya que se trata de representar al Hombre perfecto, sin defectos, verdaderos arquetipos . - Búsqueda de la perfección formal a través de la medida y de la proporción. Para ello fijan un canon o sistema de relaciones matemáticas entre todas las partes del cuerpo. - También buscan la armonía, serenidad y equilibrio entre el autodominio ( ethos ) y la expresión de los sentimientos (pathos ), especialmente en los rostros. - Estudio de la anatomía en tensión y del movimiento, pero equilibrado. - Los temas preferidos son los mitológicos ( dioses y héroes), pero también atletas. - Materiales: todos ( madera, piedra, oro , marfil, etc ), pero prefieren el mármol y el bronce. - Esculturas policromadas, aunque se hayan perdido los restos de color por el paso del tiempo.

61 Evolución de la escultura griega.
Se pasa por tres periodos o etapas: Arcaica Clasica y Helenística Etapa arcaica ( desde el siglo VII hasta el 480 a.C.) : Escultura exenta: Las primeras muestras las xoana de madera, que no se han conservado, y exvotos en marfil y barro realizados como ofrendas a los dioses y destinados a los templos. La Hera de Samos y la Dama de Auxerre, en el Louvre, son versiones en piedra de las xoanas de madera. También tenian función votiva los kouroi (atletas jóvenes desnudos, victoriosos en los juegos, heroicos y altivos, imagen simbólica de la aristocracia, la única que en esta época interviene en los Juegos Olímpicos) y las korai (sacerdotisas vestidas, con el chitón o el imation, típicos de Atenas, o a veces con la rígida túnica dórica llamada peplo, que se colocaban alrededor de templos y santuarios, surgidos para cobijar imágenes de la divinidad a la que se dedicaban .Ambos presentan influencia egipcia en su frontalidad, con brazos pegados al cuerpo y pierna izquierda avanzada, rigidez, geometrismo, ojos almendrados, rizada cabellera y ? sonrisa arcaica? estereotipada. Una variante de los kouroi son las representanciones de los devotos que portan como ofrenda un animal, como el Moscóforo, portador de un ternero, obra del escultor Rombos. Son también frecuentes esculturas de animales (ej. leones de Delfos) o seres míticos, como esfinges, tema importado de Egipto.

62 Imágenes votivas: los kouroi (atletas jóvenes desnudos, victoriosos en los juegos, heroicos y altivos, imagen simbólica de la aristocracia, la única que en esta época interviene en los Juegos Olímpicos) y las korai (sacerdotisas vestidas, con elchitón o el himatión Ambos presentan influencia egipcia en su frontalidad, con brazos pegados al cuerpo y pierna izquierda avanzada, rigidez, geometrismo, ojos almendrados, rizada cabellera y sonrisa arcaica, estereotipada.

63 Kouros de Anavyssos El Moscóforo Kore de Peplo

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65 Etapa clásica ( siglos V y IV a. C.):
A la etapa severa, de transición del arcaísmo al clasicismo, pertenecen los relieves del templo de Afaia, en Egina ( 490 a.C), representando las luchas de eginetas y troyanos, y del templo de Zeus, en Olimpia ( 460 a. C), uno de cuyos frontones representa la lucha de lapitas y centauros, con gran perfección anatómica. En bronce quedan unas obras maestras como el Auriga de Delfos, el Efebo atribuido a Kritios, y el famoso Poseidón (o Zeus). Muchas otras se han perdido porque se ha fundido el bronce, pero conservamos copias en mármol, como el grupo Los Tiranicidas, de Kritios. En esta etapa se logra el naturalismo idealizado, la armonía y el equilibrio. Destacan una serie de escultores.

66 El guerrero de Riace sig V aC Fundicion en Bronce Museo Nacional de Reggio-Calabris (Italia)
Tecnicamente estan lejos del hieratismo, contraposto , inclinacion de la cabeza en posicion contraria a la pierna flexionada. perfeccion del cuerpo, musculos , tendones Los guerreros de Riace sig V. Originales griegos. Fundicion a la cera perdida El auriga de Delfos

67 LOS 3 ESCULTORES MAS IMPORTANTES DE LA ESCULTURA CLASICA SIG V
MIRON POLICLETO FIDIAS El Doriforo POLICLETO Atenea FIDIAS El discobolo MIRON

68 Siglo V a. C : PERIODO CLASICO
- Mirón : broncista, autor del famoso ? Discóbolo ?, atleta que lanza un disco, que conocemos por copias romanas en mármol del original en bronce. Representa el instante en que el atleta se dispone a lanzar el disco. Mirón se preocupa por el movimiento en potencia. La composición es equilibrada, gracias a la contraposición de las dos curvas de los brazos. Perfecto estudio anatómico, pero el rostro carece de expresión y el cabello es poco natural. Otra obra suya es Atenea y Marsias. - Policleto de Argos : broncista, preocupado por conseguir unas proporciones ideales del cuerpo humano, basadas en las matemáticas. Autor de un tratado donde establece un canon o relación adecuada entre las partes y el todo (el cuerpo humano debía contener siete veces la cabeza ). Plasma su teoría en el ?Doríforo?, atleta desnudo que porta una lanza, quizá Aquiles La estatua es la expresión del canon de siete cabezas de Policleto, ideal de belleza masculina. La figura avanza, apoyando el peso en - una pierna mientras la otra retrocede, en un perfecto contrapposto. Composición equilibrada, armoniosa y proporcionada. . Estudio anatómico, con fuertes contrastes de luz y sombra. Otras obras suyas son el?Diadumenos? y la ?Amazona herida?.. Ambas las conocemos por copias romanas.

69 Fidias: (m. hacia el 432 a.C.), el más famoso de los escultores clásicos. Sus estatuas están llenas de equilibrio, perfección y naturalidad en los cuerpos, cubiertos por ropas que se pegan y dejan ver la anatomía, según la técnica de paños mojados Las esculturas que más fama le dieron son las crisoelefantina (madera recubierta con placas de marfil y de oro) que sólo conocemos por copias y descripciones literarias. La más famosa era la Atenea Pártenos, virgen, que realizó para ser colocada en la naos del Partenón, templo dedicado a ella por los atenienses. Se trataba de una escultura de 11 metros de altura, que portaba en la mano derecha una Victoria y en la izquierda un escudo con un relieve de la amazonomaquia. Llevaba un casco con una esfinge y dos Pegasos. Durante las obras desapareció parte del oro, culpando a Fidias los enemigos de su amigo Pericles. Según algunos murió en la cárcel pero otros piensan que fue desterrado a Olimpia, donde realizó otra estatua crisoelefantina, su famoso Zeus, imagen sedente de 10 metros, Zeus en su trono, barbado, con corona y cetro. También realizó otras dos Ateneas, la Prómacos, en bronce y la Lemnia, que sólo conocemos por copias mediocres. Supervisó la realizacion en su taller de los Relieves del Partenón ( a.C) , por encargo de su amigo Pericles: - en las 92 metopas relata en altorrelieve luchas mitológicas (Centauromaquia, Gigantomaquia, Amazonomaquia y la Guerra de Troya), simbolizando el triunfo del orden sobre la barbarie y el de Atenas sobre los persas en las guerras médicas. - en el friso (160 metros de largo), representa en bajorrelieve la procesión de las Panateneas, doncellas que llevan a la diosa atenea un peplo como ofrenda, acompañadas por varios jinetes. en los frontones se representa el nacimiento de atenea, la diosa protectora de la ciudad ( frontón oriental) y las luchas entre atenea y Poseidón por el dominio de Atenas (frontón occidental)

70 Fidias: Atenea Frisos del Partenon Atenea Lemnia Relieves : los espacios arquitectónicos de frontones, metopas y frisos sirvieron como marco para desarrollar conjuntos de narraciones mitológicas y épicas. Tuvieron que resolver el problema de adaptación de las figuras al marco arquitectónico a base de tanteos. Centauromaquia

71 FIDIAS

72 CONCEPTOS BASICOS: CRISOELEFANTINA: de oro y marfil. El oro es considerado tradicionalmente el metal más precioso y perfecto por su simbolismo ya que evoca al Sol , que da luz, riqueza y fecundidad y el marfil es símbolo de pureza por su blancura, muy apropiado para atenea. ATENEA: diosa griega de la sabiduría, de las artes y también de la guerra. Según la leyenda surge de la cabeza de su padre, Zeus, dando un grito, armada de lanza y casco. A la vez una lluvia de " nieve de oro" se esparce sobre su ciudad natal, simbolizando la pureza de la diosa - Pártenos es doncella, virgen- y la riqueza que trae consigo. Sus símbolos son la lechuza ( imagen de clarividencia y reflexión que domina las tinieblas ) y la serpiente, ya que ayudó a su medio hermano Perseo a matar a la Medusa, cuyos cabellos eran serpientes NAOS: también llamada cella. Era la parte principal del templo griego. ESFINGE: animal fabuloso con cabeza y pecho de mujer y cuerpo y extremidades de león. PEGASO: caballo alado que surgió de la sangre de la Medusa, cuando Perseo la mató. PERICLES: ( a. C), el gobernante más famoso de Atenas,protector de las artes, creador de la Liga de Delos y del imperialismo ateniense. Su época de paz y prosperidad para Atenas se conoce como " Siglo de Pericles". Terminó con la Guerra del Peloponeso. METOPA: espacio cuadrado entre dos triglifos en un friso clásico de orden dórico. El triglifo es una decoración consistente en tres bandas verticales. FRISO: parte central del entablamento clásico, entre el arquitrabe y la cornisa. FRONTÓN: remate triangular de una fachada.

73 ESCULTURA CLASICA SigloIV a. C:
- Scopas : se interesa por la expresividad y el dramatismo, sus esculturas manifiestan su patetismo en la torsión de sus cuerpos y en sus rostros, de profundas miradas . Obras:? Ménade ?, retorciéndose en plena danza dionisíaca,?Meleagro?; participó en la decoración del Mausoleo de Halicarnaso -Praxíteles : ( hacia a.C) , preocupado por la belleza, sus figuras son graciosas, delicadas, llenas de exquisitez y sensualidad, con rostros levemente melancólicos. Sus cuerpos se arquean levantando una pierna para apoyarse sobre la otra (curva praxitélica). Sus obras más conocidas son ?Hermes con el niño Dionysos?, un grupo en mármol pulido. Con ternura el dios Hermes ofrece un racimo de uvas a su hermano, futuro dios del vino. La obra, posiblemente original, se encuentra en el Museo de Olimpia (Grecia). El ?Apolo Sauróctono?, joven que está a punto de aplastar un lagarto , Eros y Afrodita de Cnido, el primer desnudo femenino, que representa a la diosa entrando en el baño. Su amante Friné sirvió de modelo. - Lisipo : gran broncista, es el autor del ?Apoxiomenos?, atleta que se limpia el sudor con la estrígile. Es un desnudo más esbelto que el de Policleto, porque establece un nuevo canon de 9 cabezas. La escultura, captada en movimiento, avanza los brazos e incorpora el espacio con varios puntos de vista.. Lisipo fué también retratista oficial de Alejandro Magno.

74 HERMES CON EL NIÑO DIONISO
PRAXITELES SCOPAS

75 Lisipo: EL APOXIOMENO atleta que se quita el polvo con el strigilis NUEVO CANON la cabeza debia ser 1/8 del cuerpo no 1/7 como POLICLETO

76 Etapa helenística (siglos III- II y I a. C):
Tras las conquistas de Alejandro Magno, la cultura griega se difunde y fusiona con la oriental, surgiendo una cultura de gran lujo y refinamiento estético. Es la fase barroca del helenismo, de enorme variedad del gusto: conviven la idealidad y el realismo, la belleza y la deformidad, los temas dramáticos y los cotidianos, representándose todos los estadios del ser humano ( de niños a ancianos). Los clientes eran la minoría rica y poderosa de la época . Las características del arte helenístico son : complicación compositiva, grandiosidad y ruptura de la proporción clásica, realismo, ilusionismo escenográfico, ruptura del equilibrio, gusto por el movimiento, la tensión dramática, sensualidad y belleza, habilidad técnica Las principales escuelas fueron: la Escuela de Rodas (el Coloso, una de las siete maravillas de la Antigüedad, Laocoonte y sus hijos, La Victoria de Samotracia ). La Escuela de Alejandría (El Nilo y sus hijos, Vieja borracha) .La Escuela de Pérgamo (relieves del Altar de Pérgamo, El Galo moribundo). La Escuela de Atenas (El niño de la espina, Tanagras

77                           La escultura tiende ahora hacia la orientalización y el sincretismo (Venus de Milo); se acentúan también los movimientos y temas fantásticos (Sátiro Barberini); también se introducen escenas de la vida cotidiana (Espinario, Niño de la Oca) o retratos mucho más realistas representando la vejez y la fealdad (Platon,Demóstenes, Diógenes, etc...).

78 El Espinario Copia romana, 200 aC, bronce Atenas. La obra más representativa es El Espinario, que representa a un niño en una actitud despreocupada y cotidiana. El tema, es simplemente, que un niño intenta quitarse una espina que se ha clavado en el pie 

79  Escuela de  Pérgamo: Epigonos: galos invasores (Galo moribundo y Galo suicidándose). Altar de Zeus.  . El monarca  Atalo I ordenó realizar una serie de vencidos para conmemorar su triunfo militar en el año 225 a.C. Hoy solo podemos contemplar, como en el caso de tantas otras esculturas griegas, una copia romana realizada en mármol.

80 ANALISIS DEL GALO MORIBUNDO ESCULTURA HELENISTICA
naturalismo en la representación, ya que se aprecia una meticulosa observación de la musculatura Llama también la atención la clara composición triangular, que fue abundantemente utilizada en la escultura del helenismo y queda subrayada en esta ocasión por el significativo vértice del triángulo que marca la cabeza. La postura evidencia la derrota y la humillación en el último instante de su vida. La figura se completa con las armas que aparecen tendidas en el suelo, sirviendo al mismo tiempo de elemento de identificación como guerrero y como galo, y también como símbolo del final que se aproxima, de la última batalla que ya ha acabado para el guerrero. Es evidente el carácter teatral expresado en la resistencia imposible del protagonista, que se mantiene sorprendentemente erguido en su agonía. Por esto también la obra se recrea en una multiplicidad de puntos de vista que le dan una mayor riqueza, elevándola a un momento de barroquismo grandioso de la escultura griega. El movimiento parece haberse detenido en este instante de muerte. Los contrastes de luz y sombra producidos por la figura y los vacíos que enmarcan los brazos del galo añaden un patetismo a la escena, buscado en todos sus detalles. Así, tenemos al protagonista como una figura hercúlea que, en un gesto forzado, junta la fuerza física con la fuerza moral de morir con honor por sus convicciones. El galo queda plasmado como un desnudo, recogiendo así la tradición del carácter heroico de este tipo de representaciones. En cuanto a la esencia interna, posturas, formas, texturas, nos llevan a la evidencia del pathos aquí representado. Se pretende, además, transmitir un mensaje político, ya que la obra hay que entenderla en el contexto de la victoria sobre los galos, y no podemos desvincularla de otras como el Galo Ludovisi, también conocido como Galo suicidándose.

81 escuela de Rodas es junto con la Victoria de Samotracia (siglo II) y Toro farnesio (siglo I), una de las esculturas más importantes de ésta escuela y define por sí mismo todo un período de la historia del arte. Al dolor físico causado por las enormes serpientes enviadas por Apolo al sacerdote troyano Laocoonte, se une el dolor interno, mayor si cabe, por tener que presenciar la muerte de sus propios hijos. De composición triangular capta perfectamente la tensión en el cuerpo, los músculos, venas, se marcan de manera exagerada. La obra convertida en todo un símbolo, fue muy admirada durante el Renacimiento por artistas de la talla de Miguel Ángel o Tiziano. Durante el helenismo, se conjugan los elementos griegos con los orientales, de los pueblos conquistados por Alejandro Magno, especialmente Persia y Egipto.En escultura se da la perdida del punto de vista frontal y el aumento del dinamismo de las esculturas, puesto de manifiesto en el empleo de la línea serpentinata, en obras magistrales como el grupo de "Laooconte y sus hijos.una caracteristica es la aparicion de grupos escultóricos complejos, frente a las esculturas aisladas que predominaban en el clasicismo.

82 ARTE ROMANO ARQUITECTURA

83 La Ciudad Romana: Plano El Objetivo era convertir la ciudad en centro de la vida romana. El romano es un hombre de ciudad. El plano de la ciudad se inspira en los campamentos militares. De planta rectangular, amurallada, con cuatro puertas de acceso. Planta rectangular, amurallada, con cuatro Puertas de Acceso.. La "prima puerta" es la principal, la de la Vía Augusta. En el centro se encuentra el foro romano.. La calle de norte a sur se llama el kardo, y la que la divide de oeste a este se llama decumano.. El aumento de la población exigió en casos como el de la capital del imperio, ampliar la ciudad con varios foros longitudinales

84 El foro romano Era el lugar público de las ciudades, donde una serie de construcciones reflejan la grandeza de Roma. Era el Lugar público de las ciudades, Donde una serie de construcciones reflejan la grandeza de Roma. El romano tiene sentido de la historia y quiere dejar su huella, la arquitectura, se convierten en un instrumento de propaganda al servicio del Estado y del político que ha financiado la obra. La arquitectura romana exige nuevas técnicas y nuevos materiales, y se elabora a partir de influencias anteriores. El romano tiene la habilidad de elaborar un lenguaje propio a partir de otros lenguajes y añade al arte un nuevo valor: la utilidad.