La música en el Romanticismo

Presentación del tema: "La música en el Romanticismo"— Transcripción de la presentación:

1 La música en el Romanticismo

2 Índice Cronología Contexto histórico
Características musicales del romanticismo Música instrumental sinfónica Música instrumental para piano Música vocal Principales autores

3 Cronología

4 Contexto histórico (I)
Cronología: se desarrolla a lo largo del siglo XIX Dos acontecimientos ocurridos en el siglo XVIII marcan el devenir de este periodo: la revolución industrial y la revolución francesa. Como consecuencia de la revolución industrial se produce una profunda transformación de la economía: la riqueza ya no estará en la tierra, sino en la industria y el comercio, y la gente del campo emigrará hacia las ciudades, que crecerán espectacularmente. Además, se producirá un gran avance en las comunicaciones, el transporte (de personas y mercancías) y el comercio. La demanda de materias primas provocará el colonialismo. Como consecuencia de la revolución francesa, la sociedad estamental desaparecerá, aunque continuará habiendo una gran desigualdad social entre las clases altas (empresarios, ricos burgueses) y las bajas (trabajadores).

5 Contexto histórico (II)
Artísticamente, el Romanticismo supondrá un cambio radical en el ideal estético frente al Clasicismo: CLASICISMO ROMANTICISMO Predominio de la razón Predominio de los sentimientos Hay un ideal estético que será imitado por todos los artistas El ideal estético es el de la originalidad, hacer cosas diferentes a los demás Es un movimiento objetivo Es un movimiento subjetivo Se busca plasmar la realidad Se pretende huir de la realidad Se resaltan elementos universales Se resaltan elementos individuales y diferenciadores: nacionalismos Fuentes de inspiración: modelos de la antigua Grecia y Roma Fuentes de inspiración: la naturaleza, el exotismo, mitos y leyendas, lugares lejanos en el tiempo o en el espacio

6 Características musicales
La música se considera la más importante de las artes El piano se convierte en el rey de los instrumentos Aparición de la música programática Libertad formal: la forma siempre estará sometida al sentimiento del autor, que podrá alterar la misma si lo cree conveniente La plantilla orquestal aumenta significativamente, apareciendo instrumentos nuevos (flautín, corno inglés, clarinete bajo) Hay una dualidad: las grandes formas (sinfonías, conciertos, óperas) se hacen más largas y complejas, pero al mismo tiempo crece el gusto por las formas reducidas (pequeñas formas para piano, lied) Armónicamente se producirá un progresivo abandono de la tonalidad, con el uso creciente de modulaciones cada vez más complejas y de cromatismos Rítmicamente, destaca la aparición de combinaciones rítmicas complejas (2 contra 3, 3 contra 4, compases de amalgama) y el uso del rubato (variación transitoria del tempo para potenciar la expresividad) Como consecuencia de los nacionalismos se incorporan melodías, escalas, ritmos, ... provenientes de la música folklórica

7 Música instrumental sinfónica
Al Romanticismo, la música instrumental es considerada como la manifestación artística más importante de todas, a causa de su gran poder para expresar sentimientos. La orquesta aumenta de forma espectacular, tanto en número (se pasa de una plantilla de músicos al final del clasicismo hasta los del postromanticismo) como en variedad (se incorporan nuevos instrumentos como el flautín, el corno inglés, el requinto, el clarinete bajo, el contrafagot o la mayoría de instrumentos de la percusión). La sinfonía se convierte en la obra orquestal por excelencia. Respecto al clasicismo, aumenta espectacularmente en longitud, y las reglas formales se interpretan con mucha libertad. El modelo a seguir es el de Beethoven, que muestra dos variantes ampliamente seguidas: el de las sinfonías no programáticas (1,2,4,7 y 8), camino seguido por Schubert, Schumann y Brahms, entre otros, y el de las sinfonías programáticas (3,5,6 y 9), que derivará en el poema sinfónico (Liszt) o la sinfonía programática (Berlioz). Respecto a los conciertos, se escribirán menos, pero de más dificultad y duración. El piano será el instrumento destinatario de la mayoría de conciertos, lo que es normal si tenemos en cuenta la evolución de este instrumento al Romanticismo. También es remarcable el hecho de que la obertura, que hasta este momento siempre se había asociado al inicio de una ópera, se convierte a veces en un género autónomo.

8 Música instrumental para piano
Por lo que se refiere a la música de cámara, la extensión en la duración y la libertad con la que se interpretan las formas será una característica común con la música sinfónica en su evolución respecto al clasicismo. No obstante, el hecho más destacable será la gran importancia que adquiere el piano como instrumento de referencia. La explicación a este fenómeno es bastante sencilla: en todas las casas de la burguesía hay un piano, y por tanto el número de posibles destinatarios de esta música es enorme. Este hecho marcará una dualidad en el repertorio pianístico del Romanticismo: por un lado, habrá una gran cantidad de piezas sencillas, destinadas a los aficionados a la música que demanden obras de un nivel asequible a sus conocimientos pianísticos. Por otra, encontramos piezas de extrema dificultad, reservadas a los grandes virtuosos de la época, que llenan teatros de un público expectante frente a su virtuosismo. Las formas pianísticas preferidas serán las pequeñas formas para piano (nocturnos, fantasías, estudios, impromptus, valses, polonesas, mazurkas, ...)

9 Música vocal (I) Aunque la música instrumental es la preferida del romanticismo, la música vocal también tendrá su importancia, fundamentalmente en el campo operístico, ya que la ópera continuará centrando la producción vocal de la época. En el ámbito religioso, el hecho más destacable es la moda de componer misas de réquiem. Este hecho es consecuencia del interés que despierta en el Romanticismo todo lo relacionado con la muerte, junto al gran impacto que producirá en los compositores el réquiem de Mozart. De esta producción destacan las misas de réquiem de Fauré, Brahms y Verdi En el ámbito camerístico surge una nueva forma vocal: el lied. Este género, como su nombre indica (lied es una palabra alemana que significa canción), consiste en poner música a textos de los grandes poetas de la época (Goethe o Heine). Es un género dirigido a los burgueses cultos que tienen en este género la oportunidad de disfrutar de sus dos artes preferidas: la literatura y la música. El género tiene una gran aceptación en Alemania, y los principales compositores de lied son Schubert y Schumann.

10 Música vocal (II): la ópera
Si en el Clasicismo la ópera sufrió una gran transformación, será en el Romanticismo cuando el género vivirá su máximo esplendor. Uno de los hechos más destacables es la aparición de escuelas operísticas nacionales, con características diferenciadas de la ópera italiana. Las más importantes (aparte de la italiana) serán la ópera alemana y la francesa. Ópera italiana En una primera etapa continua con las características de la ópera clásica, destacando compositores como Rossini, Donizetti o Bellini. No obstante, la figura central de la ópera italiana en el romanticismo será la de Giuseppe Verdi. Este compositor es fundamental, tanto por su longevidad ( ) como por la cantidad (28) y calidad de sus óperas. Su obra destaca por la intensidad emocional, sus melodías armónicas y las caracterizaciones dramáticas, que darán lugar a una entidad musical y dramática unificada. Finalmente, a finales de siglo se impondrá una nueva corriente, denominada verismo, que intenta reflejar con el mayor realismo posible las tragedias de la sociedad. Los autores más destacados serán Mascagni, Leoncavallo y sobre todo Giaccomo Puccini, aunque éste último sea de una generación posterior.

11 Música vocal (II): la ópera
Ópera alemana Mozart es el precursor de la ópera romántica alemana, tanto por su reforma práctica como por el hecho de usar el alemán como lengua de alguna de sus óperas. Carl Maria von Weber será el primer autor plenamente romántico, con muchas características que después perfeccionará Wagner: uso del folklore para obtener elementos melódicos y dramáticos, ambientaciones fantásticas donde la naturaleza tiene un papel relevante, importancia de la orquesta como elemento narrativo, ... Sin duda, el gran transformador de la ópera será Richard Wagner. Entre otros, destacan los siguientes cambios: Concepción de la ópera como obra de arte total, síntesis de todas las artes Uso de leitmotivs: pequeños motivos musicales asociados a un personaje, una idea, un sentimiento, ... que acompaña a éstos siempre que aparecen. Papel fundamental de la orquesta, como elemento descriptivo que desempeña las funciones de “narrador” de la ópera. Gran continuidad dramática, gracias a la “melodia infinita” Ópera francesa La ópera romántica francesa tendrá muchas variantes, entre las que destacan la ópera histórica, la grand ópera, la ópera cómica, o incluso la opereta. Como elementos comunes de todas ellas podemos citar el gusto por las sonoridades refinadas, la presencia casi obligada del ballet o los grandes montajes de escenografía. El compositor referente de este periodo en Francia será Georges Bizet.

12 Principales autores de música sinfónica
Ludwig van Beethoven (9 sinfonías, 5 conciertos para piano, 1 para violín, 10 oberturas) Franz Schubert (9 sinfonías, 3 oberturas) Robert Schumann (4 sinfonías, 1 concierto para piano, 1 para violín y 1 para cello) Johannes Brahms (4 sinfonías, 2 conciertos para piano, 1 para violín, un doble concierto para violín y cello, 21 danzas húngaras, 2 oberturas) Felix Mendelssohn (5 sinfonías, 4 oberturas, 1 concierto para violín, música incidental para El sueño de una noche de verano) Franz Liszt (13 poemas simfónicos, 2 conciertos para piano) Héctor Berlioz (sinfonía fantástica, sinfonía fúnebre, 1 concierto para viola, 5 oberturas) Piotr Ilich Tchaikovsky (6 sinfonías, 1 concierto para piano, 1 para violín, música para ballet –Cascanueces, El lago de los cisnes, La bella durmiente–) Antonin Dvorak (9 sinfonías, 1 concierto para violín, 1 para cello, danzas eslavas)

13 Principales autores de música para piano
Ludwig van Beethoven Frederic Chopin Franz Liszt Franz Schubert Robert Schumann Johannes Brahms Principales autores de lied Franz Schubert (más de 600, destacan los ciclos La bella molinera y Viaje de invierno) Robert Schumann (destacan ciclos como Myrthen, Liederkreiss, Amor y vida de una mujer, amor de poeta)

14 Principales autores de ópera (I)
Italia Gioacchino Rossini (El barbero de Sevilla, Guillermo Tell, La italiana en Argel) Gaetano Donizetti (La favorita, La hija del regimiento) Giuseppe Verdi (La traviata, La forza del destino, Aida, Il trovatore, Rigoletto, Falstaff) Vincenzo Bellini (Norma, I puritani, La sonnambula) Pietro Mascagni (Cavalleria rusticana) Ruggiero Leoncavallo (I pagliacci) Giaccomo Puccini (La Boheme, Tosca, Madame Butterfly, Turandot)

15 Principales autores de ópera (II)
Alemanya Carl Maria von Weber (Euryanthe y El cazador furtivo) Richard Wagner (Rienzi, El holandés errante, Tristán e Isolda, Parsifal, Lohengrin, Tannhäuser, Los maestros cantores de Nuremberg y la tetralogía El anillo del Nibelungo) França Giacomo Meyerbeer (La Africana y Los Hugonotes) Héctor Berlioz (Las Troyanas) Charles Gounod (Fausto) Georges Bizet (Carmen, Los pescadores de perlas)