LA LUZ EN LA PINTURA

Desde las primeras civilizaciones, el estímulo del brillo de la luz del sol, del fuego, del rayo, o de cualquier fuente luminosa, siempre ha afectado al ser humano, a causa del efecto psicofísico que ejerce sobre nuestros sentidos. Los artistas, a través del tiempo han tratado de captar el elemento inestable de la luz desde diferentes enfoques, y la han usado arbitrariamente y hasta la han ignorado con intención.

Las civilizaciones antiguas ignoraron la luz porque no sabían representarla. Grecia Egipto Solo mostraban el color local y recurrían al juego de valores para indicar profundidad y distancia.

Siglo XIII LA LUZ COMO SÍMBOLO Como la Biblia identifica la luz con Dios, Cristo, la Verdad y la Virtud, en la pintura religiosa se empieza a utilizar el dorado para representar la luz divina.

Los FONDOS DORADOS constituían una fuente de luz, funcionando como un reflector dirigido hacia el espectador. Los dorados, los halos y las velas comenzaron a ser aplicados para simbolizar la luz divina. Estos detalles simbólicos se siguen respetando en la actualidad. Crucifixión Giotto (1276-1337)

La luz era tratada arbitrariamente Giotto daba color local uniforme y luego aplicaba una distribución arbitraria de la luz: las figuras de la izquierda, parecen estar iluminadas por la derecha y las de la derecha, por la izquierda. La Virgen en el trono - (Giotto)

Siglo XIV EL SOMBREADO La técnica del sombreado surge de la necesidad de representar el volumen de las figuras

En el siglo XIV se sigue usando el dorado como símbolo de la divinidad, pero se empieza a crear efecto de volumen por medio del sombreado.

“San Pedro el mártir” - Fra Angélico (1387-1455)

Siglo XV EL RENACIMIENTO se reafirma el sombreado nace la perspectiva geométrica, se abandona el fondo dorado se incorpora el paisaje

La imagen resulta atemporal: El SOMBREADO se siguió aplicando para crear corporeidad a la figura humana, pero como un atributo individual del objeto.. Se aplicaba una distribución arbitraria de luz y sombra con el fin de definir la 3ra dimensión. La imagen resulta atemporal: parece petrificada en un ambiente sin lugar y sin tiempo Madonna Rafael 1483-1520)

se reemplazó el dorado del fondo por paisajes. A principios del Renacimiento, surgió un cambio significativo en los cuadros religiosos: se reemplazó el dorado del fondo por paisajes. A pesar de que se perdió el dorado que simbolizaba la luz divina, el cambio significó una gran ventaja, porque al reemplazar el dorado del fondo por paisajes, redujo mucho los costos, ya que el oro era carísimo. Además aceleró la producción, porque la aplicación de las capas de oro era muy laboriosa y llevaba muchísimo tiempo. BAUTISMO DE CRISTO - P. della Francesca - 1450)

Era tan secundaria la importancia que se le daba al paisaje en ésa época en que solo se representaban temas religiosos, que muchos artistas, como Fra Angélico, pintaban los personajes y luego dejaban que sus ayudantes pintaran el paisaje del fondo

La perspectiva de los paisajes de fondo ubicó las imágenes en un lugar en el espacio, otorgándoles un carácter más temporal. Matrimonio de la Virgen - Rafael

EL ESFUMATO Es la técnica creada por Leonardo da Vinci en la que definía los contornos por medio de una graduación sutil de la luz a la sombra.

(1510) “La Virgen, Santa Ana y el niño Jesús” Leonardo da Vinci (1452- 1513) (1510)

En el cuadro “La virgen de las rocas”, Leonardo da Vinci, crea una iluminación arbitraria y dual: la gruta parece emitir dos fuentes de luz, una que parece venir de arriba y que ilumina las figuras en primer plano y otra que surge del fondo y que ilumina las rocas y el agua en la distancia. VIRGEN DE LAS ROCAS (1483) - Leonardo da Vinci (Museo del Louvre)

Siglo XVI EL CLAROSCURO Sistema de juego de luces y sombras que destaca fuertemente el volumen de las formas

La Virgen de los palafreneros Caravaggio (1573-1610) CARAVAGGIO revoluciona la pintura iniciando una nueva manera de tratar la luz

Crea una FUENTE LUMINOSA potente que la hace venir de afuera del cuadro como si fuera un spot apuntando a un escenario.

El claroscuro de Caravaggio es dramático: ilumina las zonas importantes y el resto las deja en penumbras como si usara un proyector con efecto de linterna mágica. La muerte de la virgen - Caravaggio

El Greco utiliza un nimbo rectangular Iluminado por una luz que parece proceder del cielo, otorgándole un aspecto sobrenatural y un efecto de gran lirismo. Cristo sosteniendo la cruz El Greco (1541 – 1614)

Siglo XVII EL ESTILO BARROCO Es característico por plasmar efectos de luz: aplica la iluminación como principio fundamental usando la luz como modeladora de la forma.

El Barroco se distingue por la iluminación en manchas de luz. (1609) “Sansón y Dalila” Rubens (1577-1640)

intensifica el efecto luminoso. El Barroco, con el manejo de la luz y con la perspectiva lineal, logra proporcionar un efecto mucho más “momentáneo” a la imagen. La carencia de textura intensifica el efecto luminoso. Helene Fourment y su niño. Rubens (1634)

REMBRANDT es llamado “ El poeta del claroscuro” En su cuadro “Las bodas de Sansón”, entroniza a Dalila con luz propia. Las bodas de Sanson Rembrandt (1606-69)

Rembrandt incluye aquí el efecto de fuente luminosa dentro mismo del cuadro, localizándolo en Dalila y haciéndola parecer como si ella estuviera emitiendo la luz .

EL TENEBRISMO Es eminentemente teatral Se nota la fuerte influencia del claroscuro de Caravaggio. El contraste de luz y sombra es cada vez + exagerado. Es eminentemente teatral El soplón – El Greco

Lamentación de San Sebastian Los cuadros del Tenebrismo, muestran un potente foco como fuente luminosa y un exagerado contraste de luz y sombra Son de Clave Tonal Baja, porque predominan las áreas de los tonos oscuros (o BAJOS) sobre las áreas de los tonos claros (o altos). Lamentación de San Sebastian Georges de La Tour (1593-1652)

Suprime detalles y recorta en aristas el lado iluminado. Muestra zonas extremadamente iluminadas y extremadamente sombrías. La expresión es exaltada. María Magdalena Georges de La Tour (1593-1652)

Vermeer: el mago de la luz La fuente luminosa es la luz directa natural que llega de la ventana. Vermeer plasma un espacio creado por el manejo de la luz y la profundidad de los planos. “El pintor en su estudio” Vermeer (1632-75)

LAS IMÁGENES ADQUIEREN CARÁCTER MOMENTÁNEO porque a causa de la luz, que viene de la ventana, la perspectiva ubica la imagen en un “LUGAR” determinado en el espacio, y la Iluminación le otorga la sensación de “TIEMPO” La lechera - Vermeer (1658)

Vermeer usaba una técnica especial que consistía en destacar los objetos con puntitos de luz con el fin de crear efectos de textura.

entre el estilo Renacentista y el Barroco DIFERENCIAS EN EL MANEJO DE LA LUZ entre el estilo Renacentista y el Barroco RENACENTISTA: Siglo XVI BARROCO: Siglo XVII Madonna y el niño Rafael (1505) La sagrada familia Rubens (1630)

En el estilo Renacentista, cada figura está sombreada Individualmente por igual, de manera que el sombreado aparece como el atributo de cada una. Madonna y el niño Rafael (1505)

En el estilo Barroco, en cambio, parece que hubiera una PODEROSA FUENTE LUMINOSA que ilumina todas las figuras de forma diferente, según su posición, dando al grupo mucho más naturalidad Madonna y el niño Rafael (1505)

El RENACENTISTA es SOMBREADO y el BARROCO es ILUMINADO DIFERENCIAS ENTRE LOS ESTILOS El RENACENTISTA es SOMBREADO y el BARROCO es ILUMINADO Siglo XVI Siglo XVII

Siglo XVIII Llamado “EL SIGLO DE LAS LUCES” por los decorados Barrocos y Rococó profusos en dorados y por la pintura fuertemente Iluminada del Rococó. (Época de Luis XV y XVI ).

ESTILO ROCOCO La fuente luminosa es potente: muestra superficies nacaradas sobre las que se refleja la luz. El columpio Fragonard (1748- 1806)

El estilo es delicado y frívolo, típico de la corte de María Antonieta. Boucher ( 1703-1779)

Wateau , el pintor de la vida alegre y de la corte Madame Pompadour

Principios del siglo XIX David revive el estilo Renacentista Nace la modernidad con la luz de Goya

ESTILO NEOCLASICO Mme. Recamier David Muestra una fuerte reacción contra los excesos barrocos. Se revive el estilo griego. Moda de lo clásico. La Iluminación es uniforme creando efecto de tersura. Mme. Recamier David

ANTES de la revolución francesa Estilo Rococó Potente fuente luminosa DESPUÉS de la revolución francesa Estilo Neoclásico Iluminación uniforme

SE REVIVE EL ESTILO RENACENTISTA Vuelve el sombreado, que no tiene relación con ninguna fuente luminosa. Napoleon – David (1748-1825)

Goya es un revolucionario que se adelanta a su época. Plasma la luz, logra transparencias y vibración luminosa extraordinarias. Pinta toques finales de luz para crear profundidad. El 3 de mayo - Goya (1746 -1828)

DAVID Y GOYA Dos contemporáneos con maneras totalmente diferentes de manejar la luz 1810 1814

Mediados del Siglo XIX Turner en Inglaterra influye fuertemente en los futuros Impresionistas franceses “Lluvia ,niebla y velocidad” - Turner (1775-1851)

Diferencias entre dos juegos de luces aplicados para crear profundidad Siglo XVII: Rembrandt crea un primer plano medio en sombra iluminando el fondo. Siglo XIX: Ingres logra profundidad a la inversa: con primer plano iluminado y el fondo en penumbra.

Fines del Siglo XIX EL IMPRESIONISMO Los Impresionistas tratan de captar el carácter momentáneo de la luz

Los cuadros se caracterizan por la disolución de las formas cada vez más abiertas y con menos textura.. (1875) Mujer leyendo - Renoir (1841-1919)

El advenimiento de la fotografía influye fuertemente en el ámbito artístico. Renoir

Por primera vez los pintores pintan al aire libre. Los Impresionistas estudian los cambios de luz en el transcurso del día para tratar de captar el instante fugaz. Monet (1840-1926)

Con pinceladas fragmentadas Renoir disuelve los contornos y logra captar la vibración de la luz de los reflejos en el agua. Regatas en Argenteuil Renoir (1841–1919)

Estudios científicos de la luz Regatas en Argenteuil –(1872) Monet (1840-1926)

Con pinceladas cortas, los Impresionistas crean un espacio totalmente nuevo y una cualidad luminosa nunca lograda antes.

EL PUNTILLISMO Se apoya científicamente en la mezcla óptica de los colores en la retina. Cada pincelada es un puntito que parece generar una fuente luminosa. El cuadro parece un panel de lamparitas. Paul Signac (1863-1935)

LOS INTIMISTAS Bonnard y Vuillard son llamados los “Impresionistas de interiores” por el tratamiento que hacen de la luz en el interior de las habitaciones. Mujeres cosiendo Vuillard (1868-1940)

LAS ESTAMPAS JAPONESAS Monet (1840 -1926) aparecen en Europa a fines del siglo XIX e influyen fuertemente en la pintura del siglo XX. Emile Zola Monet (1840 -1926)

EL NOTAN Es una técnica de las estampas y xilografías japonesas del siglo XIX Consiste en un tratamiento de luz basada en un juego de valores sin fuente luminosa, que elimina las sombras y crea el efecto de “achatar” la imagen

Diferencias en el tratamiento de la luz Notan japonés Claroscuro Juego de valores sin fuente luminosa Efecto 3D con poderosa fuente luminosa

El EFECTO DECORATIVO a causa de la influencia de las estampas japonesas se observa en toda la pintura de fin del siglo XIX. Sin sombras Sin detalles Sin volumen Sin fuente luminosa Beardsley (1872-1898)

EL SINTETISMO También influido por las estampas japonesas, es un estilo que elimina detalles con el fin de acentuar la forma esencial. Gauguin desarrolló el “Cloisonnisme”, que consistía en marcar los contornos con trazos oscuros. Cloison es “tabique”en francés y Cloisonnisme significa ”dividir en compartimentos”, Autorretrato - Gauguin (1989) Gauguin (1848-1909)

El Cloisonnisme de Gauguin muestra los contornos marcados y las formas precisas y cerradas, con una técnica opuesta a la técnica del esfumato Renacentista de formas borrosas y abiertas logradas por una graduación sutil de la luz a la sombra y de la disolución de las formas impresionistas.

La técnica de las estampas japonesas influyó en los carteles de Toulouse Lautrec Paralelamente hubo una fuerte Influencia del “japonismo” que se puso de moda en ésa época El diván japonés Toulouse Lautrec(1864-1901) (1893)

No aplica ninguna fuente de luz ni tampoco modelado sino un juego arbitrario de valores. La Goulue del Moulin Rouge Toulouse Lautrec

ENTRE JUEGO DE VALORES Y JUEGO DE LUZ Y SOMBRA DIFERENCIA ENTRE JUEGO DE VALORES Y JUEGO DE LUZ Y SOMBRA Juego de valores sin fuente luminosa: Técnica decorativa Énfasis en efecto bidimensional Juego de luz y sombras con fuente luminosa: Técnica naturalista y expresiva Énfasis en efecto tridimensional

ORIGEN DEL POSTER PUBLICITARIO El estilo bidimensional sin detalles y sin iluminación de los afiches de Toulouse Lautrec fue el origen del estilo publicitario y de los cartoons actuales. Sin detalles Sin volumen SIN FUENTE LUMINOSA

Coffee break

Principios del siglo XX Al surgir la luz eléctrica surge la representación pictórica de una nueva fuente luminosa. Continúa la Influencia de las estampas japonesas los colores planos y el Sintetismo Se trata la luz arbitrariamente

Aparece la luz eléctrica A fines del siglo XIX se instala la luz eléctrica en Europa y los artistas tratan de captar éste nuevo efecto de la luz. Van Gogh fue un POST IMPRESIONISTA que trató los efectos lumínicos de los faroles nocturnos.

Aparece la luz eléctrica LOS FUTURISTAS Así como los Impresionistas trataron de representar la luz solar reflejada en ambientes de exteriores, los Futuristas. tratan de representar la luz eléctrica. Rechazan el arte del pasado expresando la vitalidad, la energía y el movimiento de la vida de siglo XX Lámpara en arco – Balla (1909)

Continúa la Influencia de las estampas japonesas En Inglaterra, a principios del siglo XX, en plena época de Art Nouveau, los afiches muestran la influencia de las tintas planas de las estampas japonesas y del Sintetismo. Imágenes luminosas pero sin fuente luminosa.

Valloton (1865 –1925) En París se observa la Influencia del Sintetismo En el café (1906) Valloton (1865 –1925)

Klimt se siente influenciado por las estampas japonesas. Su estilo decorativo extrae de los grabados japoneses la ausencia de iluminación y de sombras y el efecto bidimensional El beso El abrazo- Klimt (1862-1918) (1905)

Modigliani continúa la tendencia: Falta de detalles Falta de profundidad. Falta de fuente luminosa Y apenas sombreado. Modigliani (1884 –1920) Retrato de Jeanne Hebuterne

Continúa la tendencia: Falta de detalles Falta de profundidad. Falta de fuente luminosa Y apenas sombreado. Café turco – Macke . 1914

LES FAUVES (“Las fieras”) Usan colores violentos y utilizan la luz del color, pero sin aplicar el sistema de iluminación. Matisse ignora la iluminación y el modelado del claroscuro. Matisse (1869-1954)

Se resaltan los colores planos Matisse representa los cuerpos en su color local, con tintas planas y sin textura y coloca las formas y colores con enfoque totalmente decorativo en un equilibrio plástico. La danza Matisse

Reacción contra la luz del Impresionismo Cezanne (1839 –1906) reacciona contra la iluminación del Impresionismo. Vuelve a la solidez del objeto y lo estable de la realidad, porque considera que la luz es engañosa por ser una realidad transitoria y que “todo se reduce a cubos, esferas y cilindros”. La casa Cezanne

LOS CUBISTAS Se trata la luz arbitrariamente Controlan la luz y la sombra arbitrariamente. Crean nuevas experiencias espaciales sin sugerir la 3ra dimensión. Las 3 cartas Juan Gris (1887-1927))

también utilizan la luz arbitrariamente LOS SURREALISTAS también utilizan la luz arbitrariamente En su Cristo, Dalí crea dos fuentes de luz: una en la base, representando un amanecer, y otra en la parte superior, iluminando a Cristo con una luz que parece eléctrica y que proyecta sombras perfiladas nítidamente dando a la imagen un resplandor irreal. Cristo de San Juan de la Cruz Dalí (1904-89)

Perspectivas de iluminación dual totalmente arbitrarias

Con la abstracción se transforma la luz en un recurso plástico nuevo Mediados del Siglo XX Con la abstracción se transforma la luz en un recurso plástico nuevo

Con la ausencia de la perspectiva lineal surge la falta total de perspectiva de iluminación. SIN perspectiva lineal y SIN perspectiva de iluminación CON perspectiva lineal y CON perspectiva de iluminación

LLEGA LA ABSTRACCIÓN El efecto luminoso surge como un recurso plástico, y se logra por medio de un juego de contraste de valores. El tratamiento difuso del valor alto enfatiza el efecto luminoso.

Con la Abstracción, se inaugura una nueva etapa en el campo de la plástica. Se trata la luz como un recurso plástico nuevo. Círculo castaño - Kandinsky

El juego de “luz” (valores altos) y “no-luz” ( valores bajos), dinamiza la superficie de los cuadros abstractos. Blanco y negro Georgia O’Keeffe (1887- 1986) (1930)

ARTE OPTICO En las imágenes abstractas, la luz se convierte en energía Supernovae Vasarely (1906-1997)

Pollock (1912- 56) “salpica” luminosidad en sus telas, creando imágenes que nos recuerda el cosmos Lucero de la mañana Lucifer

Los efectos luminosos se integran como elemento plástico dinamizador “Luminosidad “- MacIntire lI

Mac Intire, (1929 – 1914) tituló éste cuadro “Luz en el espacio”. Parece un conjunto de haces de luz emitidos por focos luminosos que atraviesan un cielo de noche sin estrellas. “Luz en el espacio” (2000)

y como recurso plástico La luz como iluminación En el Impresionismo, la luz es movimiento en un lugar y en un tiempo determinados. y como recurso plástico En Abstracción, la luz es energía sin lugar y sin tiempo

Fines del Siglo XX Reacción contra la Abstracción Nueva Figuración trata la luz con realismo . Coexistencia de estilos opuestos. Posmodernismo

La iluminación realista El HIPERREALISMO Nuevo enfoque de la luz Iluminación realista El Hiperrealismo representa la realidad con visión fotográfica y exactitud de formas y colores especialmente la representación de la luz . Susan Chuck Close (1940- ) (1970)

Efecto lumínico donde la luminosidad se transfigura en un resplandor. (1999) Pintura vásica – Albacete (1950- )

Coexistencia de estilos opuestos. Paralelamente se sigue aplicando el estilo de tintas planas, sin detalles, sin volumen y sin fuente luminosa Gardenia- Gail Bruce (1984)

Estilo abstracto y decorativo con efectos luminosos en capas superpuestas Constelación Elephanta Phillip Taafe (1955- ) (1994)

(1997) Maxi – E. Peyton (1965 - ) Retratista, Peyton combina el retrato clásico con aspectos de cultura popular en superficies de colores transparentes sin fuente luminosa.

Repaso Diferentes maneras de representar la luz en el tema “ Cristo en la cruz”

Principios del Siglo XXI Ningún movimiento artístico con nuevos tratamientos de la luz. Variaciones sobre lo ya experimentado antes. Continúa la coexistencia de estilos opuestos.

Siguen los efectos luminosos Se logran aplicando valores altos en contraste con valores más bajos, apagados, opacos y mates . En la distancia A. Secunda (2000)

En el cuadro “De estación a estación” – Jeremy Blake (1971 – 2007) no solamente representa la luz de las estaciones subterráneas, sino que al combinar el cuadríptico, la lectura crea efecto de velocidad. (2001)

El cuadro de Erik Zener muestra una potente fuente luminosa que enfoca desde arriba. A la deriva . Erik Zener

Polémico, millonario y muy controvertido, Danmien Hirst, (1965- ) abandonó las obras que presentaba con animales en formol para dedicarse ahora a la pintura. Sus obras son como destellos vibrantes y luminosos.

Cuatro quesos Demian Hirst

La transparencia lumínica Symptomania Nro3

El manejo de la luz en la transparencia lumínica actual es prácticamente el mismo que implantó Goya hace 200 años.

Los colores eléctricos encierran mucha luminosidad y se prestan para carteles publicitarios

Taller del tema “La luz en la pintura” 1) “Claroscuro” Diseño lumínico 2) “Al estilo Rembrandt ” : Diseño lumínico 3) “Impresionismo floral”: Diseño lumínico 4) “Transparencia lumínica”: Diseño lumínico