Catálogo de obras representativas del desnudo y canon de belleza

Presentación del tema: "Catálogo de obras representativas del desnudo y canon de belleza"— Transcripción de la presentación:

1 Catálogo de obras representativas del desnudo y canon de belleza

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3 Venus (Cranach el Viejo) – 1532 (Renacimiento)
Desnudo femenino que representa a una Venus que porta una gargantilla y se cubre sólo con una gasa transparente que lleva en una mano. Rechazado por la compañía que administra el Metro de Londres, porque podría herir y ofender la sensibilidad de los usuarios del Metro, especialmente los de cultura no europea, poco acostumbrados a representaciones de desnudo. La pintura iba a servir para anunciar la próxima exposición dedicada al pintor renacentista alemán en la Royal Academy. La exposición se celebró del 8 de marzo al 8 de junio de 2008.

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5 La bañista de Valpinçon (Ingres) - 1808
La composición está dominada por la figura de la mujer desnuda, siendo mínima la escenificación: una cama cubierta por una sábana blanca y un cortinón verde oscuro a la izquierda. El torso femenino está realizado con un gran refinamiento de contornos y de colores. La mujer está iluminada por los reflejos difusos de la toalla y del turbante que limita con líneas arabescas. La luz se concentra en la espalda de la mujer. El atractivo radica sobre todo en la monumentalidad de la figura individual. Presenta el ideal de belleza femenina de Ingres, a pesar de apreciarse algunas incorrecciones anatómicas, como la planta del pie hinchada, la excesiva delgadez de las piernas y la ausencia de caderas.

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7 El Pensador (Rodin) La pieza, denominada originalmente El poeta, formaba parte de una comisión del Museo de Artes Decorativas de París para crear un monumental portal basado en La Divina Comedia de Dante. Cada una de las estatuas representaba a uno de los personajes principales del poema alegórico. El pensador, en su origen, buscaba representar a Dante frente a Las Puertas del Infierno (como llamó, en efecto, al portal del que formaría parte), ponderando su gran poema. La escultura es un desnudo, ya que Rodin deseaba una figura heroica al estilo de Miguel Ángel para representar tanto el pensar como la poesía.

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9 Adán y Eva (Cranah el viejo) – 1538 (Renacimiento)
Desnudo de hombre y mujer que representa la historia de Adán y Eva, en la que se observa a ambas figuras tapadas por una simple hoja de árbol para tapar su desnudez y en la cual Eva porta una manzana que ofrece a Adán. Esa tentación de Adán, que data de 1526, cuando el pintor alemán, contemporáneo de Alberto Durero, estaba en plena posesión de su arte, muestra sus extraordinarias dotes de paisajista y pintor de animales y del desnudo femenino, al que, dado el motivo bíblico, no podían objetar los teólogos protestantes o católicos de su época.

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11 Libertad guiando al pueblo (E. Delacroix) – 1830 (Romanticismo)
La composición nos muestra a una multitud en actitud de combate que se dirige hacia el espectador, con lo que refuerza la idea impactante y propagandística, el espectador no queda inmune a lo que el cuadro trasmite . La pintura está realizada por Eugene Delacroix, pintor de estilo romántico, de bastante éxito en toda Europa, en especial Francia. Artista crítico con la Francia de la época de la restauración ya había dejado otros testimonios pictóricos de su compromiso artístico y político: La Balsa de la Medusa (crítica al régimen francés de la restauración) o La agonía de Grecia y La matanza de Quios (describiendo la lucha por la independencia del pueblo griego contra los turcos). El cuadro fue pintado en 1831, después de que la revolución de 1830 acabase con el régimen de la Restauración y se proclamase la Monarquía parlamentaria en la persona de Luis Felipe de Orleáns. El Tema elegido por el autor para representar el triunfo revolucionario, es el de la Libertad con la bandera tricolor, lidera en la lucha de las barricadas al pueblo francés, con una clara finalidad propagandística y agitadora.

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13 APOLO Y DAFNE (BERNINI) 1621-1623 (BARROCO)
La obra es profundamente barroca. Las dos figuras forman una línea diagonal muy clara que forman los brazos del dios y de la ninfa. Está realizada en mármol blanco y es de tamaño real. Hay una clara contraposición entre Apolo, con su cara de asombro y perpejidad ante lo que está viendo, y la cara de Dafne, en la que la incredulidad y el horror ante lo que la está sucediendo. El dios Apolo ha sido tocado por una flecha de Eros que inunda de amor al dios por la ninfa Dafne. Pero este amor no es correspondido, por lo que Apolo la persigue. La ninfa, viéndose acosada invoca al dios Peneo, su padre, para que le libere de esa situación, y este la convierte en laurel ante los atónitos ojos de Apolo. Por eso el laurel es la planta dedicada a Apolo, y con una corona de estas hojas se coronaba a los vencedores en los juegos griegos.

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15 La Bacanal(Tiziano, 1523-1526, cinquecento y manierismo)
Representa una escena mitológica, lo que ya era frecuente para muchos pintores desde la segunda mitad del siglo XV. La mitología era uno de los temas preferidos por la aristocracia para decorar sus palacios, en concreto éste lo encargó Alfonso D´Este para su estudio o lugar de lectura y recreo. La Bacanal es la fiesta en honor al dios Dionisos/Baco, que contemporalizada en el siglo XVI constituye un canto a los placeres de la vida. Tal obra escandalizaría a la Iglesia Católica, pero no a una clase aristocrática ilustrada, amante de las fiestas y encantada derecuperar los temas de la Antigüedad Clásica. Además de los temas festivo y mitológico hay un deseo explícito de mostrar labelleza del desnudo femenino en actitud erótica. La escena  está inspirada en el texto de Filóstrato de cuadros famosos de la Antigüedad (Imagines I, 25), un escritor griego del siglo III d. C.  Representa a Ariadna en el momento en el que aldespertar descubre que ha sido abandonada en la isla de Naxos por Teseo, que se aleja en un velero. La ninfa no tendrá tiempode reaccionar puesto que se ve sorprendida  por la llegada de los habitantes de Andros, que forman el cortejo de Dionisio, que beben y bailan junto a ella.

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17 DISCOBOLO (MIRÓN) 455 a.c (época clásica)
Representa a un atleta justo en el instante anterior a lanzar un disco. Aparece con el torso girado y la cabeza ladeada. Los pies se encuentran en diferente nivel. Se interpreta una fuerte serenidad en el rostro, el hieratismo aún no ha desaparecido. El término griego Discóbolo significa lanzador de disco, uno de los deportes más tradicionales de la antigua Grecia, siendo la obra la representación de un momento del movimiento de un atleta en esa disciplina.

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19 Paulina Borghese Bonaparte(Canova,1805-1807,Clasicismo)
La escultura de Antonio Canova ejerció una autoridad ilimitada sobre toda una generación de artistas. Su fama atrajo la curiosidad de Napoleón -o más bien la de sus publicistas-, y este escultor de los papas se convirtió en representante artístico del Imperio. El distante rigor clasicista de su estatuaria fue un exponente bien acomodado en la parafernalia neorromana de la corte napoleónica. Realizó retratos del propio emperador, la emperatriz María Luisa y de la hermana de Napoleón Paulina Borghese -esta vez con la figuración propia de una Venus triunfante- y de otros miembros de la corte francesa. La escultura napoleónica, como la arquitectura, se nutrió de artistas maduros fuertemente enraizados en el clasicismo, aunque Canova representó su versión más severa. El italiano fue objeto de culto entre los nuevos artistas galos. Con todo, aunque no fue en Francia donde Canova encontró los ecos más sonoros, sí pudo escuchar allí los más sugestivos. La retratada tenía 25 años cuando el escultor empezó su trabajo en un único bloque de mármol de Carrara. Paolina aparece indolente, tumbada en un diván, extendiendo la pierna derecha sobre la que reposa la izquierda. En su mano izquierda sujeta una manzana -aludiendo a su triunfo en el juicio de Paris- mientras el brazo derecho sostiene su atractiva cabeza, dirigiendo su altiva mirada hacia el espectador.

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21 La ninfa de Salmacis y Hermafrodita (François- Joseph) -1828 (Clacisismo)
La escultura representa a Hermafrodita, hijo de Hermes y Afrodita. En la obra predomina la parte masculina, excepto en la zona posterior, donde la escultura adquiere mayores matices femeninos. La figura se muestra de pie, con una notable torsión en espiral, que remite a esculturas griegas de época helenística. El rostro y el torso están girados hacia la derecha, mientras que la pierna izquierda se presenta retrasada. La postura es típica de los hermafroditas danzantes de ambientes dionisíacos, ya que la torsión y el movimiento reflejados en la pieza se deben al baile. El cabello está adornado con una cinta y corona de pámpanos, elementos típicos de las representaciones relacionadas con el culto a Baco. Esta composición, con ritmo y movimiento, es una libre interpretación realizada en el siglo I de un modelo de gran éxito en el período tardohelenístico (siglos II-I a.C.). Su lugar de fabricación es objeto de discusión entre los especialistas, ya que unos la catalogan como obra importada, debido a su gran perfección técnica, mientras que otros consideran que la cantidad y calidad de los bronces aparecidos en la antigua Bética romana es indicio de la existencia de excelentes talleres locales, en uno de los cuales pudo producirse esta escultura.

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23 SALMACIS (François-Joseph Bosio) 1828 (CLASICISMO)
Mujer muy femenina, parece que esta posando, tocandose los dedos de los pies, y totalmente desnuda excepto la parte inferior que esta cubierta por un manto. Salmacis era una de las ninfas de Frigia que habían criado a Hermafrodito. Salmacis, quien vivía en un lago se enamoró de él; sin embargo, él la rechazó. Un día Hermafrodito se desvistió y se lanzó a nadar al lago donde vivía Salmacis, que se abrazó a él forcejeando mientras rogaba que nunca se separaran. Los dioses le concedieron su deseo y ambos cuerpos se fusionaron en uno solo.

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25 El Doríforo(Polícleto,440-430 a.C,Helenística)
Esta obra escultórica es una de las más representativas del período Clásico del arte griego (siglos V-IVa.C.), período que se caracterizó por las tensiones socio-políticas entre las formas de gobierno democráticas y las aristocráticas. Artísticamente, esta tensión se observó en una evolución progresiva hacia el naturalismo. El “Doríforo” supone la plasmación práctica de los principios teóricos formulados por Policleto en un libro desgraciadamente perdido, llamado precisamente "Kanon". Se suele repetir con razón que el Doríforo da forma a la máxima aspiración de los escultores griegos, que era la perfecta proporción dentro de un ideal naturalista. Esta obra supuso un nueva forma de representar el cuerpo humano, tanto en las representaciones de dioses como en las de seres humanos, que se convirtió así en el motivo fundamental del arte desarrollado por los griegos en el periodo clásico –desde la época de las Guerras Médicas hasta el final del reinado de Alejandro Magno (475 a.C. – 323 a. C.)–, una de las etapas históricas más influyentes para el mundo del arte, en particular, y la cultura, en general.

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27 La maja desnuda(Goya,1803-1806,Realismo)
Se trata de una mujer con el rostro delicado y sutil, con ojos grandes y almendrados, sin ningún tipo aparente de maquillaje y con una mirada profunda. Los cabellos son castaños y rizados. Seguramente, éste es un retrato al desnudo de Pepi Tudó, amante del ministro Godoy, recostada en la misma postura que “la maja vestida”. Al comparar ambas obras, existe una duplicidad de sentido. Es el retrato de una mujer desnuda al detalle y tendida sobre unas sábanas y un gran cojín en tonos blancos y verdes. Posa sin ningún pudor e incluso de manera descarada, acostada sobre una cama deshecha. Los jueces del tribunal de la Inquisición detuvieron al pintor para que reconociera si las dos obras eran suyas cuando despojaron a Godoy de sus pertenencias.

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29 Tumbas de Giuliano y Lorenzo de Medicis (Miguel Ángel) 1519-1534 (anticipación de estilo Barroco)
En esta obra observamos un mausoleo que representa la feminidad dentro de la familia Medicis. La figura aparece desnuda y retorciendose formando un gran dinamismo. Se representa la obra un materialismo que describe una anécdota del mismo Miguel Angel, expresando la diferencia entre el día y la noche, causó mucho impacto por la viveza y realidad que se obtenía en la obra.

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31 La dama (Botero)- 1948 Botero se trasladó a Bogotá para la inauguración de la Exposición de artistas Antioqueños en donde presentó dos de sus acuarelas. De regreso a Medellín, realizó ilustraciones para uno de los periódicos locales (El Colombiano), lo que le acarreó la expulsión del plantel en el que estudiaba ya que sus dibujos eran considerados como obscenos. Inició su exploración volumétrica sincretizando las búsquedas propias del quatroccento italiano con ciertos elementos característicos del arte de las culturas mesoamericanas (que conocería en México). Dos mundos contrapuestos no sólo en la temática y en el tratamiento de los personajes, sino también en la paleta en la que los colores alegres y vivos del circo se contraponen a los tonos ocres y los colores oscuros de la prisión.