TEORÍA -2 PREGUNTAS, a elegir entre las cuatro que vienen a continuación: Características generales del arte barroco Características de la arquitectura.

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1 TEORÍA -2 PREGUNTAS, a elegir entre las cuatro que vienen a continuación: Características generales del arte barroco Características de la arquitectura barroca Características generales de la escultura barroca Características generales de la pintura española durante el Barroco IMÁGENES -10, en total- Para su estudio, podéis utilizar los apuntes que se os han entregado en los últimos días a ordenador. Una de arquitectura; a elegir entre: el Baldaquino o la Columnata de San Pedro 1 El Éxtasis de Santa Teresa 2 Otra de escultura ; a elegir entre : la de David o la de Apolo y Dafne 3 Otra de la etapa sevillana, siempre añadiendo los datos biográficos que vienen en apuntes; a elegir entre: El aguador o La vieja friendo huevos. 4 Otra de la primera etapa de corte: Felipe IV, joven o los Borrachos añadiendo las características de ese momento, tal como viene en los apuntes- 5 Otra de su primer viaje a Italia: La fragua de Vulcano- 6 Otras dos de su segunda etapa de Corte; a elegir entre Baltasar Carlos, el Conde Duque y Las Lanzas . No olvidéis, al decir en qué momento pintó esas obras, las tres características fundamentales del período- 7 y 8 Otra de su segundo viaje a Italia; a elegir entre Venus del espejo, Inocencio X 9 Otra de su última etapa; a elegir entre “Las hilanderas” Y “Las Meninas” - 10

2 ¿CUÁLES SON LAS CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ARTE BARROCO?
A. ES UN ARTE DIRIGIDO POR EL PODER COMO INSTRUMENTO DE PROPAGANDA DE SUS VALORES IDEOLÓGICOS. Se trataba de: 1. exaltar los DOGMAS Y LA AUTORIDAD DE LA IGLESIA. 2. exaltar de la grandeza de los monarcas)Palacio de Versalles B. Es un arte destinado a las masas con el fin de captarlas: Es un arte RETÓRICO EN LAS FORMAS Y SENCILLO EN EL MENSAJE, a base de: formas aparatosas para atraer la atención y sensibilizar mensaje sencillo para facilitar su comprensión popular + Gregorio Fernández. Cristo Yacente

3 CARACTERISTICAS GENERALES DE LA ESCULTURA
1. Se concibe en función del marco arquitectónico o urbano al que va destinada 2. plasma escenas en movimiento detenidas en el momento de máxima acción 4. se tratan las superficies con acusados entrantes y salientes que producen fuertes contrastes de luces y sombras, con lo que se acentúa el efecto teatral Los gestos y actitudes son teatrales y de gran expresividad su objetivo es conmover emocionalmente al espectador con el fin de captarle ideológicamente. EL ESCULTOR MÁS SIGNIFICATIVO ES BERNINI ¿Cuáles son sus obras más emblemáticas?

4 LA PINTURA ESPAÑOLA ¿CUÁLES SON LAS CATRACTERÍSTICAS GENERALES? El siglo XVII es considerado el Siglo de Oro de la pintura española y en ella, es la CORRIENTE “NATURALISTA” de la pintura barroca la que predomina de forma casi absoluta. La temática es casi EXCLUSIVAMENTE RELIGIOSA, ya que los principales clientes del arte español son ECLESIÁSTICOS, al igual que ocurría con la escultura. Los temas mitológicos o históricos son muy escasos. Y de los demás géneros sólo tienen importancia EL BODEGÓN, con una tipología específicamente española, y EL RETRATO. Estilo ARTÍSTICO, capaz de reproducir la realidad con una objetividad perfecta y documental en todos sus aspectos, tanto en los más sublimes como los más vulgares

5 LA OBRA DE BERNINI: A. ARQUITECTURA 2.1 BALDAQUINO DE SAN PEDRO (1623)
-FUE LEVANTADO SOBRE LA TUMBA DE S. PEDRO Y BAJO LA CÚPULA DE LA BASÍLICA -Es una gran construcción a base de columnas salomónicas en bronce dorado (bronce procedente del PANTEÓN) que en lo sucesivo serán muy utilizadas en el Barroco por su carácter dinámico. Se realizó por encargo de URBANO VIII, verdadero mecenas de Bernini Se trata de una auténtica “escultura arquitectónica”, cuya transparencia no rompe la perspectiva de la iglesia y cuya grandiosidad refuerza el valor simbólico del crucero y la cúpula, creando una escenografía típicamente barroca.

6 Fustes apeadas sobre cuatro podios.
tallos de volutas ENTABLAMENTOS CLÁSICOS FRAGMENTADOS capiteles lambrequines Se trata de un gran palio (de 29 m. de alto) permanente, sustentado por cuatro columnas salomónicas (en bronce dorado), que en lo sucesivo serán muy utilizadas en el Barroco por su carácter dinámico. El dinamismo de los fustes se ve potenciado por entablamentos clásicos fragmentados que, en número de cuatro, se asientan como tacos sobre los capiteles y se unen por lambrequines que recuerdan las arquitecturas provisionales construidas para determinados acontecimientos. Grandes tallos de volutas rematan la construcción, proporcionándole una ascendente forma apuntada. Sus columnas poseen fustes con decoración vegetal y capiteles corintios, apeadas sobre cuatro podios.

7 3 LA COLUMNATA DE SAN PEDRO (1657-67)
1. ¿CÓMO ES? 2. ¿QUÉ SIMBOLIZA? MIGUEL ÁNGEL Mide 25 metros de alto y 327 toneladas), un bloque pétreo sin inscripciones traído desde Egipto que estaba en el centro de un circo romano XVI FACHADA. MADERNO XVII BERNINI trapezoide obelisco -Está compuesta de cuatro filas de columnas monumentales que definen una plaza elíptica de eje transversal. Están rematadas en una balaustrada sobre la que se asientan las figuras de ciento cuarenta santos de diversas épocas y lugares. -su carácter abierto invita al ingreso a la plaza desde cualquier punto -la plaza elíptica junto con el trapezoide, que une aquélla con la fachada de la Basílica, configuran uno de los mejores ejemplos de urbanismo barroco: . el visitante accede a la plaza elíptica a través de cualquier punto de la columnata; . una vez dentro, se dirige su atención hacia el obelisco central, que le sitúa frente a la fachada de la Basílica. BERNINI XVII

8 COLUMNATA DE SAN PEDRO (1657-67)
LA ARQUITECTURA ROMANA 2. ¿QUÉ SIMBOLIZA? -La forma de la columnata simboliza, según el propio Bernini, los brazos abiertos de la Iglesia para acoger a toda la humanidad, actuando como prolongación urbana de la Basílica, cuya cúpula simbolizaría la cabeza -Así, la basílica, que fue concebida como monumento independiente por los arquitectos renacentistas, acaba convertida en edificio barroco integrado en un amplio escenario urbano. MIGUEL ÁNGEL XVI FACHADA. MADERNO XVII BERNINI trapezoide obelisco 1. ¿CÓMO ES? COLUMNATA DE SAN PEDRO ( ) BERNINI XVII

9 Extasis de Santa Teresa (Capilla Cornaro, Sta
Extasis de Santa Teresa (Capilla Cornaro, Sta. María de la Victoria, Roma, h. 1650) Quizás sea ésta la obra más representativa y emblemática de Bernini y es posible que la razón esté en que la hizo para mostrar que, sin lugar a ninguna duda, él era el mejor. Tras el ascenso al papado de Inocencio X había sido relegado y tenía que dejar constancia de que aquello era una injusticia. La ocasión se le presentó cuando el cardenal Cornaro, veneciano establecido en Roma, le encargó remodelar el brazo izquierdo del crucero de la iglesia carmelita de Santa María della Vittoria a fin de convertirlo en su capilla funeraria. AQUÍ PREPARÓ UN AUTÉNTICO TEATRO PARA ENSEÑAR AL MUNDO LA IRREFUTABLE MUESTRA DE LA SANTIDAD DE TERESA (CANONIZADA EN EL AÑO 1622) Y AL TIEMPO PARA LUCIMIENTO DE SU ARTE, QUE HABÍA SIDO TAN INJUSTAMENTE TRATADO. Por ello preparó los palcos en los que, en relieve, colocó a los miembros de la familia Cornaro (ya muertos y aún vivos) que asisten al milagro (¿artístico?) y lo comentan admirados, propiciando la misma reacción en los fieles y contempladores futuros que acuden al lugar. Al frente, en camerín abierto de dramática iluminación cenital que se materializa en rayos de bronce dorado, la santa está viviendo las más opuestas sensaciones de placer y dolor que se reflejan en su rostro y en las tortuosas líneas de plegados abstractos en que se revuelve su hábito; por el contrario, el ángel define claramente una sonrisa de triunfo mientras cubre el pecho del que acaba de extraer el dardo. Asistimos a un verdadero milagro: la realidad material que busca la santa con su frágil y simbólico pie desnudo para apoyarse en ella, se ha esfumado, sustituida por la vaporosidad de la nube en que ambos flotan.

10 EXTASIS DE SANTA TERESA (CAPILLA
CORNARO, STA. MARÍA DE LA VICTORIA, ROMA, H. 1650) ES SU OBRA MAESTRA La escena sigue al pie de la letra la descripción de la propia santa: “Se sentía desfallecer en arrebato místico por el dardo ardiente que el ángel clavaba en su corazón” El conjunto representa el más claro ejemplo DE FUSIÓN DE ESCULTURA Y ARQUITECTURA, característica de la obra de BERNINI: La capilla se convierte en un escenario teatral que enmarca la representación dramática del grupo escultórico, iluminado de forma efectista por una luz que penetra por la vidriera amarilla oculta tras el frontón Destacan la EXPRESIÓN DE LA SANTA y la sensación de ingravidez de su cuerpo, que contrasta con la expresión sonriente y complacida del ángel. El tratamiento de las superficies, con profundos entrantes y salientes, acentúa el dramatismo por los contrastes lumínicos que provoca

11 DIVERSIDAD DE PUNTOS DE VISTA ACENTUADOS EFECTOS LUMÍNICOS
¿CUÁLES SON LAS PRINCIPALES OBRAS DE BERNINI COMO ESCULTOR? APOLO Y DAFNE (Galería Borghese, Roma, 1621) Capta el momento en que Apolo, en plena carrera, alcanza a la ninfa -espíritu femenino de la naturaleza- Dafne, que huye porque no quiere ser seducida por el dios, y a su contacto es transformada en laurel por su padre el rey Peneo Se caracteriza por LOS GESTOS Y ACTITUDES TEATRALES: PRIMA LA INSTANTANEIDAD Fjaos cómo los brazos se curvan, los cabellos ondean al aire, los escasos ropajes se pliegan y se agitan al compás del cuerpo, en el que se obsevan: DIVERSIDAD DE PUNTOS DE VISTA ACENTUADOS EFECTOS LUMÍNICOS

12 Apolo y Dafne, encargada por el cardenal romano Scipione Borghese para los jardines de su villa, es una obra de juventud. Sin embargo, en ella aparecen definidos los rasgos principales de su personalidad artística. El grupo, esculpido en mármol, está realizado con gran virtuosismo. De la superficie pulimentada de las figuras emana una sutil sensualidad. La suave textura del cuerpo de Dafne contrasta con la aspereza del árbol en que está transformando. Bernini capta el momento inicial de la metamorfosis. Dafne huye del acoso del apasionado Apolo y es convertida en laurel por su padre, el rey Peneo. En el instante en que Apolo roza el deseado cuerpo de la ninfa, ésta se transforma en tronco de árbol. Es la acción en potencia, momento culminante donde se concentra la emoción dramática del mito, la tensión. La escultura se expande en tres dimensiones del espacio con tal libertad que puede contemplarse desde diversos puntos de vista. LÍNEAS CURVAS DESCRITAS POR LOS CUERPOS Y RITMOS DIAGONALES DOTAN A LA OBRA DE DINAMISMO, de ímpetu, de movimiento ascendente que se proyecta hacia un espacio ilimitado. Los brazos se extienden, los cabellos ondean al aire, los escasos ropajes se pliegan y se agitan al compás del cuerpo, en una composición abierta. Ritmo y tensión permiten a Bernini escapar del estatismo de la materia y crear de manera ilusoria el movimiento real.

13 DAVID (GALERÍA BORGHESE, ROMA, 1619)
FRENTE AL JOVEN HÉROE MÍTICO, LAUREADO, VENCEDOR SIN ESFUERZO DE GOLIAT, DE DONATELLO; FRENTE AL GIGANTE BÍBLICO DE BUONARROTI, TENSO POR LA MISIÓN QUE LE HA SIDO ORDENADA POR DIOS Y QUE, AÚN CON TEMOR, VA A EJECUTAR, Bernini eligirá a un hombre adulto y vulgar, a un pastor que, en un instante, arrebatado por la ira, esgrime la honda contra su enemigo. En ninguna otra obra se acercó tanto Bernini, por su instantaneidad natural a Caravaggio. Se caracteriza por: El agitado MOVIMIENTO, detenido en el momento de lanzar la honda gran EXPRESIVIDAD: GESTO ENÉRGICO Y VIRIL VIOLENTA CONTORSIÓN DEL CUERPO que ofrece diversos puntos de vista

14 2. SIGNIFICADO DE LA OBRA O ANALISIS ICONOLÓGICO
1. RELATO ICONOGRÁFICO Lo más valioso del cuadro ES EL ROSTRO QUE SE ADIVINA EN LAS TINIEBLAS DEL SEGUNDO PLANO ¿participa en la escena? ¿es un retrato?. ES, DESDE EL PUNTO DE VISTA ESTÉTICO ES UNO DE LOS HALLAZGOS MÁS INQUIETANTES DEL CUADRO. Posiblemente sea la obra maestra de la ETAPA SEVILLANA. Aparecen dos figuras en primer plano, un aguador y un niño, y al fondo un hombre bebiendo en un jarro, por lo que se ha sugerido que podría representar las tres edades del hombre EL AGUADOR (Museo Wellington, Londres, ant. 1623) 2. SIGNIFICADO DE LA OBRA O ANALISIS ICONOLÓGICO La obra podría simbolizar : LAS TRES EDADES DEL HOMBRE Y LA TRANSMISIÓN DEL CONOCIMIENTO, SIMBOLIZADO POR EL AGUA

15 LA VIEJA FRIENDO HUEVOS (National Gallery, Edimburgo-Escocia-, 1618)
1. RELATO ICONOGRÁFICO ES UNA ESCENA DE GÉNERO -tipo de obra ARTÍSTICA, principalmente PICTÓRICA, en la que se representa a personas normales en escenas cotidianas, de la calle o de la vida privada, contemporáneas al autor- los mercados, interiores, fiestas, tabernas y calles.- Velázquez le dedicó a ella gran parte de su obra juvenil , El asunto tratado supone una absoluta novedad, ya que hasta ahora nadie se había atrevido a representar en la pintura española escenas tan aparentemente triviales como ésta.: EN PRIMER PLANO vemos a una anciana cocinando unos huevos en un hornillo de barro cocido, junto a un muchacho que porta un melón de invierno y una frasca de vino. LA VIEJA FRIENDO HUEVOS (National Gallery, Edimburgo-Escocia-, 1618) Presenta las mismas características técnicas y formales que la obra anterior.

16 Podemos observar cómo V
Podemos observar cómo V. ha reunido gran cantidad de objetos en torno a los dos personajes y ha resuelto la distribución de cada uno de forma hábil, aunque todavía está muy lejos de sus magistrales composiciones de madurez. Igual que en la obra anterior, ha conseguido casi a la perfección captar SU CALIDAD MATERIAL Por último, podemos señalar la sabia disposición de las figuras humanas colocadas a ambos lados de una diagonal casi perfecta, extremadamente calculada, compuesta de arriba abajo por la cabeza del muchacho, su mano, los dos brazos de la vieja y el almirez. ESTA CUIDADOSA COMPOSICIÓN GEOMÉTRICA ES MUY CARACTERÍSTICA DEL SEVILLANO. La nerviosa sombra del cuchlillo La dulce textura de la cerámica vidriada La aspereza del barro y el brillo de la clara de huevos El relumbrar y estallido metálico Del cobre

17 2. CARACTERÍSTICAS LA VIEJA FRIENDO HUEVOS
-PERSONAJES VULGARES Y COTIDIANOS CAPTACIÓN DE LAS CALIDADES DE LOS OBJETOS Y DE LA POBREZA DE LOS PAÑOS -Dibujo detallado -Tenebrismo que nos permite distinguir varios planos de profundidad -Colores oscuros y terrosos INMOVILIDAD en la escena con FIGURAS EN ACTITUDES FORZADAS Y POCO RELACIONADAS ENTRE SÍ SABIA DISPOSICIÓN DE LAS FIGURAS HUMANAS colocadas a ambos lados de una diagonal casi perfecta, y extremadamente calculada LA VIEJA FRIENDO HUEVOS (National Gallery, Edimburgo-Escocia-, 1618)

18 LA ESCENA DE GÉNERO es un tipo de obra ARTÍSTICA, principalmente PICTÓRICA, en la que se representa a personas normales en escenas cotidianas, de la calle o de la vida privada, contemporáneas al autor- LOS MERCADOS, INTERIORES, FIESTAS, TABERNAS Y CALLES.-

19 FELIPE IV (PRADO, ENTRE 1623-1628) 1ª ETAPA DE CORTE (1623-29)
Como pintor de Corte, EL RETRATO SERÁ UNO DE LOS GÉNEROS MÁS FRECUENTES DE SU OBRA, y en él sigue el ESTILO SEVERO de la escuela de la Corte española, que se caracteriza por EL DISTANCIAMIENTO Y LA RIGIDEZ, propios del severo ceremonial de la monarquía española -Desde su elaboración, Velázquez, con 24 años, se convierte en: PINTOR de un único cliente, su rey, FUNCIONARIO responsable DE LA IMAGEN DEL SOBERANO Y DE SU FAMILIA, Y ENCARGADO, además, DE LA CONSERVACIÓN Y VALORIZACIÓN DE LOS BIENES ARTÍSTICOS Y ARQUITECTÓNICOS DE LA CORONA. INTRODUCCIÓN

20 RELATO ICONOGRÁFICO CARACTERÍSTICAS
Felipe IV (Prado, entre ) 1ª ETAPA DE CORTE ( ) RELATO ICONOGRÁFICO El monarca con sus pies en compás (en ángulo), aparece vestido con golilla y capa corta, como dando ejemplo de lo que dispuso en la pragmática contra el lujo. CARACTERÍSTICAS Es un típico RETRATO DE APARATO en el que cada elemento tiene una función simbólica: EL PAPEL DOBLADO O MEMORIAL EN SU MANO DERECHA, ALUDE A SUS OBLIGACIONES BUROCRÁTICAS, A LA VEZ QUE SIMBOLIZA SU CAPACIDAD LEGISLATIVA MIENTRAS QUE LA IZQUIERDA SE APOYA EN LA ESPADA TIENE QUE VER CON SU PAPEL DE DEFENSOR DEL PAÍS. LA SILLA O LA MESA SIGNIFICARÍAN EL IMPERIO EN EL QUE SE SUSTENTA LA MONARQUÍA. Además, observad cómo sugiere el espacio, a través de medio mínimos, como la silla o la sombra de los pies; es decir, la ausencia de fondo es suplida por el juego de sombras Felipe IV (Prado, entre ) Es curiosa la revelación que ha supuesto la radiografía de este lienzo: V. pintó una primera figura con postura algo diferente y otros vestidos igualmente distintos. Más tarde repintó todo el cuadro y le dio la apariencia actual (V. tenía la manía de rehacer sus obras hasta que lograba sus propósitos o se cansaba sencillamente del trabajo). En muchas obras, una breve operación de rayos X revela las manipulaciones del pintor sobre el trabajo original. Ello nos da idea del temperamento paciente y laborioso, a la par de incansable calculador

21 INTRODUCCIÓN RELATO ICONOGRÁFICO
Es el primer cuadro de tema mitológico que conocemos de Velázquez. Fue, sin duda, su privilegiada posición en la Corte la que le permitió cultivarlo ya que EL TEMA MITOLÓGICO O PROFANO era poco frecuente en la pintura barroca española - LOS BORRACHOS O EL TRIUNFO DE BACO RELATO ICONOGRÁFICO La escena recoge el momento en que Baco, el Dionisios griego, dios del vino, de la vid y de todos los excesos que estos favorecen, corona a un soldado. EL DIOS aparece semidesnudo , acompañado por un grupo de 8 personajes vestidos a la moda del XVII, que observan y beben. Su piel es blanca y suave, casi nacarada, como corresponde a alguien que no trabaja ni necesita exponerse a las inclemencias del tiempo. Sin embargo, LOS CAMPESINOS, vestidos rústicamente, tienen el rostro curtido por el sol, el viento y la vida al aire libre, además de arrugado por el paso de los años. Sus sonrisas y el brillo de la nariz enrojecida hablan del estado de euforia en que les ha puesto el vino. El de la capa, mayor y quizá no tan pobre, mantiene una actitud más seria, mientras contempla la coronación.

22 RELATO ICONOLÓGICO ¿QUÉ SIGNIFICADO SE LE DA A LA OBRA?
Baco aparece como el dios que ragala el vino a los hombres para que olviden por un tiempo sus dificultades. La obra se pinta en 1628 o 1629, coincidiendo, o poco después, de la estancia de Rubens en la corte de Madrid. Los dos recipientes de barro y cristal que aparecen en el suelo en primer plano conservan todavía la maestría que Velázquez adquirió en Sevilla CARACTERÍSTICAS A PARTIR DE SU LLEGADA A LA CORTE EN SU OBRA SE APRECIA UNA EVOLUCIÓN CLARA: 1. EN LA COMPOSICIÓN : -de las actitudes forzadas y la yuxtaposición de figuras de su etapa sevillana, HACIA ACTITUDES RELAJADAS Y UNA AGRUPACIÓN MÁS NATURAL Y SUELTA DE SUS FIGURAS 2. EN EL DIBUJO Y EN EL COLOR : RECUERDA TODAVÍA SU ETAPA SEVILLANA, sin embargo: - Evoluciona de un dibujo detallado, con colores terrosos y oscuros, de factura lisa, propios de aquella etapa, HACIA OTRO DIBUJO CON ESCASOS ELEMENTOS LINEALES Y COLORES FRÍOS; con pincelada suelta e inconexa vista desde cerca (técnica impresionista). 3. EN EL TRATAMIENTO DE LA LUZ : -Del tenebrismo inicial más violento, progresa HACIA UNA LUZ MÁS MATIZADA Y HACIA EL DOMINIO DE LA “PERSPECTIVA AÉREA” (plasmación de las capas de aire interpuestas entre los objetos). sin duda como consecuencia de su estudio de los pintores venecianos de las Colecciones Reales y del contacto con Rubens (51 años, y él, 29). ,

23 RELATO ICONOGRÁFICO CARACTERÍSTICAS
El cuadro describe el momento en que APOLO dios de la belleza masculina y de la música, informa a VULCANO, dios herrero y aquejado de cojera, de los amores adúlteros de su esposa, VENUS, con el dios de la guerra, MARTE. Todo ello, ante la sorprendida cuando no, divertida mirada de los operarios( los cíclope LA FRAGUA DE VULCANO (PRADO, 1630) CARACTERÍSTICAS El tema sirve de pretexto para plasmar una ESCENA COTIDIANA, ya que lo que aparece en el cuadro es una fragua de la época en la que los cíclopes míticos son vulgares herreros; incluso la armadura es característica del momento, etc.)” A NIVEL PARTICULAR, VEMOS A APOLO, casi adolescente, CUBIERTO POR UNA TÚNICA ANARANJADA que, en unión de LA AUREOLA DE RAYOS SOLARES que rodean su cabeza, enmarcada por LA VENTANA, parece actuar de foco de luz en el taller LA PRESENCIA DE TONALIDADES cálidas: UN TROZO DE METAL ROJO que Vulcano sujeta sobre el yunque y LA LLAMA DE LA CHIMENEA que recorta el cuerpo de los herreros que contemplan sorprendidos al visitante, al igual que su patrón. 3. Y DE HASTA 4, en total PUNTOS DE LUZ-EN LA OBRA

24 CARACTERÍSTICAS colores terrosos, dibujo detallado,
-TÉCNICAMENTE, PRESENTA RASGOS DE SU ETAPA SEVILLANA, aunque empiezan a percibirse los cambios: colores terrosos, dibujo detallado, Interés por las calidades de los objetos contraste de luces y sombras, aunque ya abandona el tenebrismo inicial, -RECORDEMOS QUE HAY 4 PUNTOS DE LUZ-QUE ILUMINAN LA OBRA la composición es una elipse, e incluso una pirámide, como veremos a continuación: Observad el criterio compositivo (una elipse, e incluso una pirámide. Para algunos estudiosos parece obvio que el cuadro escondería alguna intención alegórica, que bien podría ser la de reflejar la superioridad del arte, encarnada en Apolo, sobre la mera artesanía, esforzado producto mecánico.

25 CARACTERÍSTICAS -técnicamente, presenta rasgos de su etapa sevillana, AUNQUE EMPIEZAN A PERCIBIRSE LOS CAMBIOS: APOLO es el único que, JUNTO AL EL CÍCLOPE QUE ESTÁ DE ESPALDAS REFLEJAN LA INFLUENCIA DEL CLASICISMO ITALIANO, ya que aparecen representados, en ambos casos, como dios y como héroe de la estatuaria clásica CON SUS ACTITUDES ESTÁTICAS Y RELAJADAS frente a la vulgaridad de aspecto y actitudes de las otras figuras, incluido el dios Vulcano. Para pintar a estos últimos se debió de inspirar en en personajes populares

26 RELATO ICONOGRÁFICO CARACTERÍSTICAS
Como heredero de la Corona, aparece con los atributos de General: bengala en la mano derecha y banda carmesí cruzada; Posición del caballo en corveta (patas delanteras en alto) que simboliza el dominio del caballo y la capacidad de mando de reyes y herederos. fondo serrano del Guadarrama, compuesto por grises, azules y verdes, es de una belleza inolvidable. Quizá el más bello de todos los fondos paisajísticos. Se trata del hijo de Felipe IV, que tendría unos 6 años y había nacido durante la permanencia de V. en Italia. Posteriormente será retratado dos veces a tamaño natural, a pie y a caballo. Y es que el retrato ecuestre es una forma convencional de representar al césar (desde Marco Aurelio y pasando por el Renacimiento), En este caso, retrata su rostro infantil del que emana ya una secreta tristeza, a sus seis años, reflejo de su frágil salud y preludio de su próxima muerte. Iba destinado al dintel de la puerta del SALÓN DE REINOS, entre los retratos también ecuestres de su padre y su madre; su situación en una pared elevada explica la perspectiva de abajo hacia arriba El Príncipe Baltasar Carlos a caballo (Prado, 1635 ó 1636)

27 CARACTERÍSTICAS Técnicamente es un buen ejemplo de su estilo maduro:
primacía de la mancha de color (“desmaterialización de la pintura”), gama de colores fríos, gusto por el paisaje, etc.

28 CARACTERÍSTICAS RELATO ICONOGRÁFICO EL CONDE-DUQUE DE OLIVARES A
CABALLO CARACTERÍSTICAS -ES UN RETRATO DE APARATO, A través de él, El Conde Duque tiende a glorificar el salón de su palacio, plasmando su poder como todopoderoso valido. Aparece con los mismos atributos que los reales ecuestres y compite con ellos, si no los supera en maestría. 2. EL CABALLERO Y SU MONTURA ESTÁN REPRESENTADOS EN DIAGONAL y lo hace para simular profundidad –efecto barroco-. Lleva coraza labrada en oro, chambergo de grandes plumas y bastón de mando. Nadie diría que tras ese aspecto tan seguro se encuentra el ministro cortesano en cuyos días murió el prestigio de la infantería española. 3. ES UN ESPLÉNDIDO ESTUDIO DEL CABALLO EN MOVIMIENTO (típica corveta de la escuela española), POSIBLEMENTE, LO MÁS INTERESANTE DE LA OBRA 4. ES MAGNÍFICO EL FONDO VERDOSO QUE SE ADIVINA A LO LEJOS. Destaca la armonía de colores que resulta exquisita, y toda la composición responde a un tipo de retrato que V. practicó mucho entre la familia real. RELATO ICONOGRÁFICO Se trata de un retrato ecuestre, encargado por el Conde- Duque en 1634 y que tiene todas las características del retrato cortesano. - El Conde Duque, protector y amigo de Velázquez está pintado como un caudillo en la batalla -aún humea en el paisaje del fondo-, pues se quería conmemorar su victoria sobre los franceses en Fuenterrabía -Guipuzcoa El tono de adulación cortesana y de convencional solemnidad que respira el lienzo es ostensible. EL CONDE-DUQUE DE OLIVARES A CABALLO

29 INTRODUCCIÓN HISTÓRICA
Describe un episodio victorioso, acaecido en 1625, para las tropas españolas, en la ciudad holandesa de BREDA. Hay que situarlo en el marco de las hostilidades de España contra Holanda, independiente desde la época de Felipe II, pero sin que España lo reconociera. Si bien al comienzo de la contienda, la balanza se inclinó del lado de Felipe IV que obtuvo importantes victorias como ésta, no dejó de ser un hecho aislado, ya que los holandeses contaron con importantes apoyos, como G: Bretaña y Francia, PAÍSES QUE SE ENFRENTARON A LOS HABSBURGO DURANTE LA GUERRA DE LOS 30 AÑOS ( ). Finalmente, España tuvo que reconocer la independencia de Holanda tras LA PAZ DE WESTFALIA (1648) LAS LANZAS O LA RENDICIÓN DE BREDA RELATO ICONOGRÁFICO La pintura se refiere a la entrega de las llaves de la ciudad de Breda POR PARTE DEL GOBERNADOR HOLANDÉS JUSTINO DE NASSAU AL GENERAL ESPAÑOL, DE ORIGEN GENOVÉS, AMBROSIO DE SPÍNOLA. Junto a este último, Velázquez había navegado hacia Italia en 1629 –primer viaje-, oyendo por boca del genovés el relato de los hechos; por tanto, esta obra fue pintada por “el sevillano” en 1635; es decir, diez años más tarde de la victoria de los tercios españoles,, sin haber sido testigo de lo que allí acaeció. Estaba destinado AL SALÓN DE REINOS DEL PALACIO DEL BUEN RETIRO (ACTUAL MUSEO DEL EJÉRCITO), que se estaba construyendo en esa época por encargo de Olivares). La decoración pictórica de este Salón se encargará a los mejores pintores españoles e italianos, ya que a través de ellos, se conmemoraban las grandes victorias de la monarquía española

30 CARACTERÍSTICAS Destacan como rasgos fundamentales, 5:
1. EL TRATAMIENTO ELEGANTE Y PONDERADO DEL TEMA ya que vencedor y vencido adoptan una actitud caballeresca, sin arrogancia ni humillación 2. LA COMPOSICIÓN ABIERTA, EN ASPA o en paréntesis, con centro en la llave, que se recorta sobre el muy luminoso segundo plano 3. EL HECHO DE QUE LOS PERSONAJES MIRAN AL ESPECTADOR, como en los “Borrachos” o en “las Meninas” (puesta en escena barroca) 4. LA HABILIDAD DE VELÁZQUEZ para conjugar dramáticamente un abundante número de figuras con actitudes y expresiones muy singulares, a veces muy concernidas en lo que ocurre; otras, más ausentes, pero siempre y en todas las ocasiones con total naturalidad. CARACTERÍSTICAS

31 CARACTERÍSTICAS -IMPORTANCIA DEL PAISAJE
5. Y QUE, TÉCNICAMENTE, SU ESTILO HA ALCANZADO YA LA PLENITUD y ha dejado atrás los rasgos de su etapa sevillana: -desaparición total del claroscuro tenebrista, -DOMINIO DE LA PERSPECTIVA AÉREA, -PREDOMINIO DE LA MANCHA SOBRE EL DIBUJO, -NUEVA GAMA CROMÁTICA FRÍA (VERDES, AZULADOS, GRISES), -IMPORTANCIA DEL PAISAJE CARACTERÍSTICAS PERSPECTIVA AÉREA.- Es la que intenta representar LA ATMÓSFERA que envuelve a los objetos, dibujando más desvaídamente a los del fondo, con objeto de producir una impresión muy real de distancia

32 INTRODUCCIÓN Es la única obra conservada de Velázquez en la que aparece una mujer desnuda, aunque sabemos que pintó alguna más. El tema de la Venus desnuda es insólito en la pintura barroca española y, sin embargo, a través de él, nuestro pintor rinde homenaje y se equipara a los grandes maestros que admiraba: RUBENS, TIZIANO Y GIORGIONE Apareció en un inventario en 1651, como propiedad del MARQUÉS DE ELICHE, gran amante de la pintura de Velázquez y de las mujeres, por lo que se piensa que puede representar a su esposa o a una de sus amantes. Y quizá para despistar, el pintor colocó el rostro del espejo, difuminado, para así reflejar el cuerpo desnudo de la dama que el marqués amaba. Quienes apoyan la elaboración italiana de esta obra lo hacen apoyándose en la prohibición existente en España de representar desnudos femeninos, de cuyo cumplimiento ya se ocupaba el Santo Oficio

33 TIZIANO: V. URBINO En referencia a los pintores clásicos que habían realizado trabajos sobre “Venus”, cabe decir que: TIZIANO la había representado recostada, aunque de frente; RUBENS la había pintado de espaldas y con un espejo que reflejaba su rostro, pero con el cuerpo erguido; Y VELÁZQUEZ COMBINÓ LOS DOS TRATAMIENTOS, POSICIONÁNDOSE TAMBIÉN EN LA PLASMACIÓN, DESDE SU TIEMPO, Y COMO PINTOR DE GENIO, DE LA BELLEZA FEMENINA. RUBENS

34 RELATO ICONOGRÁFICO PARTICULARMENTE LA VENUS DEL ESPEJO
GLOBALMENTE, Velázquez representa a Venus recostada sobre unas sábanas, de espaldas al espectador, que era una posición con connotaciones eróticas en la Antigüedad, Y como una mujer de belleza palpable, de carne y hueso, Actualmente se encuentra en la NATIONAL GALLERY DE LONDRES PARTICULARMENTE 3. Su rostro, sólo es posible verlo intencionadamente distorsionado en un ESPEJO en el que la diosa se mira, y con el que se consigue dar al cuadro una gran profundidad. Aquél es: Un elemento que simboliza, tradicionalmente, la vanidad y el deseo Y que es sostenido por CUPIDO, representado por un niño alado desnudo que lleva las manos atadas por una cinta rosa que no sirve para colgar el espejo, sino que constituye la ligadura que lo une, de forma inexorable, a la belleza. Éste, con aire melancólico, desarmado, sin flechas ni carcaj, parece condenado a la inactividad, a contemplar a la diosa.

35 CARACTERÍSTICAS 1. POSEE grandes dosis de realismo
Para ello, resalta la CARNACIÓN DE SU CUERPO, gracias al contraste con: la sábana azul, los pañuelos VERDE Y BLANCO, y el cortinaje rojo con el que da, además, una gran carga erótica al asunto. POSIBLEMENTE ESTO PROVOCÓ QUE UNA SUFRAGISTA INGLESA ACUCHILLARA EL CUADRO EN 1914 CON SIETE PUÑALADAS QUE APENAS SÍ SE NOTAN. Una enorme originalidad en lo que a la técnica y color se refiere. LA VENUS DEL ESPEJO Actualmente se encuentra en la NATIONAL GALLERY DE LONDRES

36 TÉCNICA: LA TÉCNICA Y EL COLOR
VAYAMOS AHORA CON LA TÉCNICA Y EL COLOR: TÉCNICA: Utiliza una pincelada suelta, donde los contornos quedan difuminados. Además, usa una composición a base de dos líneas perpendiculares, la que forma horizontalmente el cuerpo de Venus y la vertical del cuerpo de Cupido; y una tercea diagonal. También hay una serie de líneas curvas, como la que forma el cortinaje o las sábanas, que dan movimiento a la escena, que en general se caracteriza por su carácter calmado.

37 COLOR: Sorprende la limitación cromática a un rojo brillante, un suave azul, y un cálido tono marrón que hace aparecer el cuerpo de Venus - que como indica Lafuente Ferrari, tiene forma de guitarra- como un valor propio que, con su precioso resplandor, domina todo lo demás. Por otra parte, una mancha blanca vertiginosamente pintada y un sutil velo azul de seda separan la figura del espejo, que se recorta, como en Inocencio X, ante la cortina roja.

38 En Roma se le encargó pintar a Inocencio X
En Roma se le encargó pintar a Inocencio X. Para ejercitarse, pintó uno de los retratos más importantes del período: EL DEL SERVIDOR, JUAN PAREJA, QUE SE CONSERVA EN EL METROPOLITAM MUSEUM DE N. YORK. Después retrató al Papa, pausadamente, sin prisas. Para ello, tomó apuntes y realizó el boceto de la cabeza. De igual forma que en el de Pareja, trasladó el personaje a la izquierda del espectador, dejando una zona de respeto, abstractamente manchada por un prodigioso cortinaje rojo. Del mismo tono, pero bordeado en oro, es el sillón donde solemnemente se sienta el Papa, también de rojo. En el solideo (gorro) y la muceta (capa), los tonos carmesí son aclarados con blancos, formando aguas.

39 Las Meninas o La familia de Felipe IV (Prado, 1656)
MARIANA DE AUSTRIA I. MARGARITA JOSE NIETO MARCELA DE ULLOA VELÁZQUEZ ISABEL DE VELASCO DIEGO RUIZ DE AZCONA AGUSTINA SARMIENTO MARI BÁRBOLA NICOLASITO PERTUSATO Las Meninas o La familia de Felipe IV (Prado, 1656)

40 INTODUCCIÓN -Retrato de grupo con la infanta Margarita como protagonista, rodeada de sus “meninas” (lusitanismo para designar a las jóvenes doncellas de honor). EN LA OBRA SE SIMULA EL ACTO DE RETRATAR A LOS REYES, QUE SE ENCONTRARÍAN EN EL LUGAR DEL ESPECTADOR y que aparecen reflejados en el espejo del fondo. Sin embargo: 1. LOS RETRATADOS son de hecho los observadores de los reyes– Margarita y sus meninas -, MIENTRAS QUE, LOS REYES, en el cuadro de Velázquez, PASAN A CONVERTIRSE EN ESPECTADORES. -De esa manera, el mundo ficticio del cuadro y el mundo real del espectador quedan así fundidos -Es de destacar el diálogo directo de miradas que se establece entre los personajes del cuadro y el espectador. ¿QUÉ CONCLUSIÓN SACAMOS DE ESTO? -Pensamos que, a través de esta obra maestra universal, Velázquez rinde un homenaje al acto creativo de la pintura, reivindicando SU NATURALEZA INTELECTUAL por encima de la artesanal (fijémonos cómo se autorretrata en actitud de observar y reflexionar, no de ejecutar). -Como detalle anecdótico debe decirse que, la Cruz de Santiago que lleva en el pecho, fue añadida después, cuando se admitió a nuestro pintor en dicha Orden, para lo cual tuvo que conseguir el rey una bula del Papa, YA QUE LOS CABALLEROS DE SANTIAGO SE OPONÍAN A SU INGRESO POR HABERSE ENVILECIDO CON EL TRABAJO MANUAL AL HABER PINTADO OBRAS POR ENCARGO A CAMBIO DE DINERO, lo que ilustra la consideración social del artista en la España del siglo XVII. LAS MENINAS O LA FAMILIA DE FELIPE IV (PRADO, 1656)

41 RELATO ICONOGRÁFICO La acción se desarrolla del modo siguiente: LA INFANTA HA VENIDO A VER TRABAJAR AL ARTISTA y, en algún momento, ha pedido agua que ahora le ofrece AGUSTINA SARMIENTO. En el momento en que ésta le acerca a la princesa una pequeña jarra, EL REY Y LA REINA ENTRAN EN LA HABITACIÓN, reflejándose en el espejo de la pared del fondo. Una a una, aunque no simultáneamente, las personas congregadas comienzan a reaccionar ante la presencia real. ISABEL DE VELASCO, que ha sido la primera en verlos, comienza a hacer la reverencia. VELÁZQUEZ ha notado también su aparición y detiene su trabajo con un gesto como si fuera a dejar la paleta y el pincel. MARI BÁRBOLA también acaba de percatarse de la presencia de los reyes pero todavía no ha tenido tiempo de reaccionar. MARGARITA que ha estado viendo cómo NICOLÁS PERTUSATO jugaba con el perro, mira de repente hacia la izquierda, en dirección a sus padres, aunque su cabeza aún está vuelta en dirección al enano. Esta es la razón del extraño efecto de dislocación entre la posición de la cabeza y la dirección de su mirada. Finalmente, AGUSTINA SARMIENTO, ocupada en servir agua a la princesa, no se ha dado cuenta de la presencia de los monarcas. Lo mismo le ocurre a la dama de honor, en conversación momentánea con el guardadamas, el cual, por su parte, sí acaba de percatarse.

42 CARACTERÍSTICAS -Técnicamente, esta obra es la más extraordinaria muestra de DOMINIO DE LA PERSPECTIVA AÉREA, EN LA QUE LA LUZ Y EL COLOR no sólo pueden crear formas, y LA MÁS VEROSÍMIL SENSACIÓN DE PROFUNDIDAD ESPACIAL mediante la captación del “aire ambiente”.

43 INTRODUCCIÓN LAS HILANDERAS O LA FÁBULA DE ARACNE (Prado, h. 1657)
Es una de sus últimas obras. Durante mucho tiempo se pensó que REPRESENTABA SIMPLEMENTE EL TALLER DE HILANDERAS DE LA REAL FÁBRICA DE TAPICES DE SANTA ISABEL DE MADRID, por lo que se consideraba un cuadro de género. -Después se descubriría que, como en “los Borrachos” o “La fragua de Vulcano”, Velázquez se sirve de un ambiente realista y cotidiano para narrar un tema mitológico, LA FÁBULA DE ARACNE, recogida por Ovidio en sus Metamorfosis: la joven ARACNE era famosa por su habilidad para tejer y un día cometió la imprudencia de desafiar a MINERVA (la Atenea griega), diosa de la sabiduría y las artes que, transformada en anciana, trató inútilmente de disuadirla y de infundirle modestia: Para ello, MINERVA hizo un tapiz que representaba los castigos que los dioses infligían a los mortales que los desafiaban, a lo que ARACNE respondió realizando otro con LOS AMORES ESCANDALOSOS DE LOS DIOSES; la diosa la castigó convirtiéndola en araña.

44 RELATO ICONOGÁFICO -EN PRIMER PLANO, más oscuro, aparecen cinco hilanderas; la central, con los rasgos de su rostro desdibujados-recordemos que son normales en los lienzos de Velázquez los toques impregnados de misterio. -AL FONDO, sobreiluminado y de menor nitidez, MINERVA (guerrera) se dirige a ARACNE en presencia de tres mujeres (una nos mira, como en tantos cuadros de Velázquez y del Barroco en general); -AL FONDO DEL TODO, un tapiz representa uno de los amores adúlteros de Júpiter “el rapto de Europa” que es una copia de Tiziano -La interpretación del cuadro, más allá de la mera lectura del mito, es muy controvertida.

45 CARACTERÍSTICAS - La interpretación del cuadro, más allá de la mera lectura del mito, es muy controvertida. - Los dos personajes del primer plano (figuras de la anciana y la hilandera de espaldas) están inspiradas en dos “ignudi” (desnudos) de la Capilla Sixtina -DESDE EL PUNTO DE VISTA TÉCNICO hay que destacar: LA PINCELADA SUELTA, LA PERSPECTIVA AÉREA, Y, UN GRAN INTERÉS POR PLAMAR EL MOVIMIENTO, TAL COMO PUEDE VERSE EN LA REPRESENTACIÓN DEL MOVIMIENTO DE LA RUECA Y DE LAS MANOS DE LA HILANDERA. En ambos casos, se anticipa a los futuristas.