Antonio Canova  Monumento funerario de María Cristina de Austria  Autor:Antonio Cánova  Fecha:1798-1805  Museo:Iglesia de los Agustinos de Viena  Características:574.

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1 Antonio Canova  Monumento funerario de María Cristina de Austria  Autor:Antonio Cánova  Fecha:  Museo:Iglesia de los Agustinos de Viena  Características:574 cm. altura  Material:Mármol  Estilo:

2 Enterramiento de María Cristina de Austria ( ): Obra de transición entre el barroco y el neoclásico. Teatralidad: Una serie de personajes simulan entrar en la tumba de la princesa.

3 El monumento fúnebre, el de "María Cristina de Austria", realizado entre 1798 y 1805, en Viena, su obra de mayor originalidad. En esta obra, el sepulcro se ha convertido en una pirámide, el retrato funerario es sustituido por un medallón sostenido por un ángel. La negra abertura hacia el interior del sepulcro contrasta con la luminosidad de las figuras alegóricas del exterior. La muerte esquelética del barroco se representa ahora como un hermoso ángel que se apoya en un león, símbolo de la fortaleza. El conjunto procesional que se dirige hacia el interior lo encabeza la Beneficencia, que lleva la urna cineraria (paganismo), y la siguen las alegorías de las diferentes edades del hombre (imagen cristiana). La serenidad del conjunto se rompe por la disposición asimétrica de los personajes. 􀂾

4 En 1787 y 1792 realiza dos grandes monumentos fúnebres: los de Clemente XIII y Clemente XIV, inspirados en los modelos berninianos, aunque desterrando la rica policromía y el concepto dramático; reduce el esquema berniniano a una composición rígidamente geométrica, piramidal, con los espacios netamente diferenciados y separados: basamento, esculturas alegóricas, sepulcro y retrato funerario.

5 Enterramiento de Clemente XIII

6 Titolo dell'opera: Icaro e Dedalo
Autore: Antonio Canova Datazione: 1777/79 Collocazione: Venezia, Museo Correr Committenza: senatore Pietro Pisani Tipologia: scultura Tecnica: scultura in marmo Soggetto principale: Dedalo fissa le ali a Icaro Soggetto secondario: Personaggi: Dedalo e Icaro

7 Teseo y el Minotauro

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10 Eros y Psiquis del Museo del Louvre
Eros y Psiquis del Museo del Louvre. La joven tendida en tierra eleva sus brazos respondiendo al amor de Eros. Todavía conserva cierto aire rococó, pero la claridad de su composición es propia del neoclásico.

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12 Letizia Bonaparte

13 Napoleón con la Victoria (1803) Pinacoteca de Brera –Milán-

14 El juramento de los Horacios

15 Durante su segunda estancia en Roma, desde 1784 a 1785, David pintó para el rey de Francia una obra que habría de marcar un hito en el arte europeo: “El juramento de los Horacios”. El asunto procede de una tragedia de Corneille, y representa, concretamente, el momento en que los tres hermanos se prestan a tomar las espadas de manos de su padre para luchar contra sus cuñados por la salvación de su patria. Se trata de un conflicto entre los afectos familiares y el deber civil: mientras las mujeres parecen partidarias de seguir sus sentimientos y asisten desfallecidas al juramento, los hombres se ofrecen con una decisión tan unánime como estremecedora.

16 David concibió la escena en un espacio casi vacío: no hay muebles ni objetos que distraigan la atención del asunto principal. Los arcos del fondo, sostenidos por poderosas columnas toscanas, dividen el cuadro en tres ámbitos espaciales, como si permaneciera vivo el recuerdo de los trípticos medievales, o como si evocara la disposición tripartita de la tragedia clásica. Toda la escena está muy estudiada, concebida a base de diagonales que culminan en el lugar donde se encuentran las manos masculinas y las espadas (frente al arco central) (punto de fuga de la perspectiva centralizada que marca el pavimento). Es clara su intención didáctica, por lo que fue adoptado con entusiasmo por la Revolución.

17 La misma intención didáctica se refleja en sus obras "La muerte de Sócrates" (1787) y "Los lictores llevando a Bruto los cuerpos de sus hijos" (1789), programas políticos donde se ensalzan una vez más los valores del sacrificio, el estoicismo, la defensa de la verdad y del deber.

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20 La pintura representa a Lucio Junio Bruto, el líder romano, lamentándose por sus hijos. Los hijos de Bruto habían intentado derrocar al gobierno y restaurar la monarquía, así que el padre ordenó su muerte para mantener la república. Así, Bruto resultaba ser el heroico defensor de la república, aunque le costase su propia familia. A la derecha, la madre sostiene a sus dos hijas, y la abuela se ve en el extremo derecho, angustiada. Bruto se sienta a la izquierda, solo, melancólico, pero sabiendo que lo que ha hecho es lo mejor para su país. Toda la pintura era un símbolo republicano, y obviamente tuvo un inmenso significado en estos tiempos en Francia.

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22 En 1793 una joven aristócrata apuñaló en la bañera al periodista parisino Jean-Paul Marat. La Revolución Francesa tuvo su mártir y Jacques Louis David el encargo oficial de explotar esta muerte para la propaganda. Recurriendo a un estilo idealizado, plasmó al revolucionario Marat ese mismo año en este cuadro que hoy día se puede contemplar en el Museo de Bellas Artes de Bruselas.

23 Marat asesinado Extraordinario tanto por su calidad artística como por su valor propagandista. Rostro dulce (rasgos sublimes del heroísmo y la virtud). Omitió las imperfecciones de la piel (padecía una enfermedad que mostraba señales). El fondo, y casi la mitad del cuadro quedan en la oscuridad para significar la austeridad y la vida ascética que llevaba Marat (auténtico defensor de las clases más desfavorecidas). El personaje queda en un espacio indefinido que se puede interpretar como la eternidad. (comparable a los fondos dorados de la pintura medieval).

24 Marat asesinado David añadió a la escena probablemente la carta y el billete: La carta dice”Entregue este billete a la madre de cinco hijos, cuyo marido ha muerto por defender la patria”. (En el proceso que siguió al asesinato, se anotaron exactamente todos los objetos que había en la habitación y estos no estaban). Las alusiones a la pobreza del revolucionario (caja de madera como mesa y paño remendado a la izquierda, subrayan la nobleza de Marat. La postura que elige David para su personaje, recuerda las representaciones de Cristo tras el descendimiento de la cruz. David no muestra el momento dramático del asesinato (reflejado en otras representaciones de la época), sino la calma posterior. Sólo el cuchillo en el suelo y la carta que sostiene Marat recuerdan a la asesina. (La carta dice: “El 13 de Julio de 1793, Marie-Anne Charlotte Corday al ciudadano Marat: Es suficiente que me sienta tan desdichada para tener derecho a vuestra benevolencia.”

25 Napoleón cruzando los Alpes y Madame Recamier

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27 Madame Récamier es un cuadro pintado al óleo sobre lienzo de 174 centímetros de alto por 224 cm. de ancho pintado por el artista francés Jacques-Louis David en Se conserva en el Museo del Louvre de París, Francia. Juliette Récamier, esposa de un banquero, era una de las jóvenes más notables y bellas de su época. Tenía un salón en el que se reunían los realistas, partidarios de una restauración borbónica y contrarios a Napoleón y concurrido por intelectuales como Jacques-Louis David, Benjamin Constant o Chateaubriand. Cuando se realizó este cuadro contaba con 23 años. Por estar relaciones con escritores antimonárquicos, y negarse a ser dama de honor de Josefina, acabó siendo exiliada por Napoléon. David la retrata como una heroína de la República o protagonista del Imperio, cuando ideológicamente era opuesta a ambas cosas. Está recostada, vistiendo un sencillo vestido blanco de estilo helénico; muestra los pies desnudos. No lleva joyas ni maquillaje, y el peinado es un sobrio recogido tipo romano con una cinta. Se la ve desde la distancia, de tal manera que el rostro parece bastante pequeño, lo que al final hace que se trate menos de un retrato de una persona y más de un ideal de elegancia femenina.

28 La ambientación es clásica: un tipo de diván o triclinio que a partir de entonces se conoció como Récamier, un reposapiés y un candelabro o lámpara romana. Aparece así como una moderna virgen vestal con la mirada desenfadada, pero con el cuerpo girado para indicar castidad. Este tipo de mobiliario romano acababa de ser descubierto gracias a las entonces recientes excavaciones arqueológicas en Pompeya y Herculano. Esta sobriedad y sencillez a la manera de la antigüedad, que en el pasado pudo entenderse como revolucionario, era al tiempo de la pintura (1800) tan sólo una moda o estilo más. La obra está inacabada, sin que se sepa muy bien por qué. Ello permite estudiar la técnica de David, antes de que sus vibrantes pinceladas preliminares se vean cubiertas por la capa de acabado de colores translúcidos. Uno de los aspectos más innovadores de esta obra es su formato horizontal, inusual para un retrato y más propio de pinturas de historia.

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30 Una de las obras que encargaron a David fue La coronación de Napoleón en Notre Dame. A David le permitieron ver el acontecimiento. Hizo que le llevaran planos de Notre Dame y los partícipes en la coronación acudieron a su estudio para posar individualmente, aunque nunca el Emperador (la única vez que David obtuvo un posado de él fue 1797). David consiguió que posasen privadamente para él la Emperatriz Josefina y la hermana de Napoleón, Carolina Murat, a través de la intervención del anteriormente patrón de las artes, Mariscal Joaquín Murat, el cuñado del Emperador. Para el fondo, David hizo que el coro de Notre Dame como personajes extras. El Papa posó para la pintura, y de hecho bendijo a David. Napoléon acudió a ver al pintor, se quedó mirando fijamente el lienzo durante una hora y dijo «David, te rindo homenaje». David tuvo que rehacer varias partes de la pintura debido a varios caprichos de Napoleón, y por esta pintura, David recibió sólo francos.

31 Eugène Delacroix (retratado por Nadar)
Nombre Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix Nacimiento26 de abril de 1798 Charenton-Saint-Maurice,  Francia Defunción13 de agosto de 1863 (65) NacionalidadFrancesa MovimientoRomanticismo Obras destacadasLa muerte de Sardanápalo La Libertad guiando al pueblo

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33 El 28 de julio de 1830 los revolucionarios liberales franceses derrocaban al rey Carlos X y provocaban la coronación de Luis Felipe de Orleans, el llamado Rey Burgués. Este episodio será el protagonista del cuadro más famoso de Delacroix, la Libertad guiando al pueblo, obra con cierta dosis de alegoría que recoge un hecho contemporáneo. La mujer que representa a la Libertad aparece con el torso desnudo, porta en su mano derecha la bandera tricolor y en la izquierda un rifle. Le acompañan miembros de las diferentes clases sociales - un obrero con una espada, un burgués con sombrero de copa portando una escopeta, un adolescente con dos pistolas, etc. - para manifestar que en el proceso revolucionario ha existido amplia participación. A los pies de la Libertad, un moribundo la mira fijamente para señalar que ha merecido la pena luchar. Con esta obra, Delacroix pone de manifiesto su ideología y su faceta de pintor de su tiempo.

34 La composición se inscribe en una pirámide cuya base son los cadáveres que han caído en la lucha contra la tiranía, cadáveres iluminados para acentuar su importancia. La vorágine de la batalla se manifiesta en la polvareda que difumina los contornos e impide contemplar con claridad el grupo de figuras que se sitúa tras la Libertad. Los escorzos y el movimiento de la imagen vuelven a recordar el Barroco, igual que en la Matanza de Quíos o la Muerte de Sardanápalo. Fue presentado al Salón de 1831 y adquirido por Luis Felipe para el Museo Real.

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36 Sardanápalo es un rey legendario de Nínive en Asiria que habría vivido de 661 adC al 631 adC. Sería una mitologización de Assurbanipal, un rey muy cultivado y poco belicoso. La otra posibilidad es que Sardanápalo fuera el hermano de Assurbanipal, siendo este último el encargado de gobernar Babilonia. Sardanápalo posteriormente conspiró contra Assurbanipal y, para castigarle, este rey sitía la ciudad (650 adC-648 adC). Cuando Sardanápalo intuye la derrota inminente, decide suicidarse con todas sus mujeres y sus caballos e incendiar su palacio y la ciudad, para evitar que el enemigo se apropiase de sus bienes.

37 La escena representada por Delacroix muestra el episodio dramático de la muerte del soberano, cuya capital es asediada sin alguna esperanza de libertad y que decide suicidarse. Delacroix sintió la necesidad de realizar algunas declaraciones cuando el lienzo fue expuesto por primera vez, y lo hizo en los siguientes términos: Los rebeldes asediaron su palacio... Acostado en una magnífica cama, en la cima de una inmensa hoguera, Sardanápalo da la orden a sus eunucos y a los oficiales de palacio de degollar sus mujeres, sus pajes, hasta sus caballos y sus perros favoritos; ninguno de los objetos que habían servido a sus placeres no debían sobrevivir.