COMENTARIO DE UNA PINTURA 1. ANÁLISIS DE LA OBRA Comparte algunas características con el comentario de la escultura pero hay que tener en cuenta sus peculiaridades: técnica, dibujo y color, tratamiento de la luz. Por otra parte, el modelo es también aplicable en lo esencial a obras de naturaleza similar, como el grabado, el dibujo o el mosaico. a) Material y técnica utilizados b) Dibujo y color c) Representación de la luz d) Composición e) Tratamiento de los motivos de la figura humana f) Representación del espacio tridimensional g) Tema y significado.
a) Material y técnica utilizados. Soporte: tabla, muro, lienzo, papel Técnica, depende de los aglutinantes (sustancias líquidas en las que se diluyen los pigmentos) que se empleen para fijar los pigmentos al soporte. Las técnicas más comunes han sido el fresco, el temple y el óleo. Fresco: el pigmento cromático con un poco de cola se aplica sobre el muro, sobre el que se ha dispuesto una capa de cal. Se pinta mientras la cal permanece fresca y húmeda. Los colores son absorbidos en parte por la cal, por lo que son menos intensos Temple: el aglutinante utilizado es la clara y la yema de huevo o bien la cola (obtenida de la cocción de huesos de animales). Óleo: los colores se disuelven en aceite de linaza o aceite de nueces. Los colores son intensos y brillantes. Permite una enorme variedad de efectos pictóricos. Se utiliza a partir del siglo XV
b) Dibujo y color El dibujo define las formas y con ellas los conceptos. Puede ser minucioso o poco detallado, esquemático, bien definido, impreciso, etc. El color transmite ante todo sensaciones. Los colores son fríos (gama de verdes y azules) o cálidos (amarillos y rojos), crean respectivamente serenidad o expresividad, lejanía o cercanía. La gradación tonal puede crear sensación de volumen en las figuras y objetos. Determinar si predominan los elementos lineales o los pictóricos.
c) Representación de la luz. Observar de dónde procede y si la fuente de iluminación está visible en la obra Si es focal o difusa Si crea volumen mediante la gradación de luces y sombras (gradación tonal o modelado) Si contribuye a crear sensación de espacio Si parece real o irreal; si tiene valor simbólico Fuente de luz principal (fuera del cuadro) Focal Moldea las formas Crea sensación de espacio Parece real y además tiene valor simbólico
d) Composición. Como en la escultura, se trata de determinar la disposición y orden de los diferentes elementos de la obra (triangular, oval, circular, en aspa, etc.) y los efectos que produce (equilibrio, serenidad, agitación).
e) Tratamiento de los motivos, en especial de la figura humana (ver el mismo apartado del comentario de escultura) g) Tema y significado. Como en la escultura, identificar y describir el tema, explicar su significado profundo.
f) Representación del espacio tridimensional o PERSPECTIVA. DISPOSICIÓN QUE OFRECEN LAS FIGURAS EN EL PLANO DEL CUADRO PARA CONSEGUIR EL EFECTO DE PROFUNDIDAD Especificar cómo se resuelve el tratamiento de la profundidad espacial y qué tipo de perspectiva se aplica. Diferentes tipos, los más utilizados: Perspectiva geométrica: se consigue mediante líneas diagonales que confluyen o convergen en un punto en el fondo del cuadro, el llamado “punto de fuga” Perspectiva aérea: la profundidad se construye a través de la gradación del color y una sabia utilización de la pincelada (los objetos más lejanos tienen los bordes difuminados). Su perfeccionador fue Leonardo da Vinci Perspectiva invertida: aquella en la que el punto de fuga se sitúa en el ojo del espectador, de manera que las líneas divergen hacia el fondo
P. GeométricaP. AéreaP. Invertida
2. CLASIFICACIÓN Y CONTEXTO HISTÓRICO-SOCIAL Clasificar la obra en su estilo, periodo o escuela, a partir de las características señaladas en el análisis realizado. Es también el momento, si no se ha hecho antes, de proporcionar toda la información que se tenga sobre ella, como el nombre con el que se la conoce, el lugar donde se encuentra, su fecha y su autor. Enmarcar la obra dentro de su contexto histórico y social.