Cinquecento. Pintura Leonardo da Vinci

Formación multidisciplinar Leonardo da Vinci. Formación multidisciplinar

Leonardo da Vinci. Espíritu científico

Leonardo da Vinci de aprendiz Ángel y paisaje Verrochio. Fuerte contraste Frente a paisajes típicos del Quatrocento, con colinas y árboles distribuidos simétricamente, él recrea un espacio de gran profundidad, con roquedosy detalles naturalistas, envueltos en atmósfera neblinosa Suaviza contornos (precedente del sfumato ) Formas de perfiles nítidos y rotundos de Verrochio Colores diluidos en luz atmosférica Pinceladas con contrastes de luces y sombras para captar el vibrante aire que lo envuelve Óleo sobre tabla Pliegues de ropajes naturalistas Leonardo da Vinci de aprendiz Ángel y paisaje Verrochio. Bautismo de Cristo

Leonardo da Vinci. Anunciación Composición muy Estudiada y equilibrada División del cuadro en cinco franjas. Rectángulo central permite desarrollar en profundidad montañas (paisaje neblinoso, azulado que anuncia la perspectiva aérea y el cielo Luminoso que contrasta con Colores oscuros de arboleda y paramentos Dos rectángulos inscriben la figura del ángel que presenta estructura piramidal (simetría, estabilidad, equilibrio) y con fondo espacial delimitado por árboles oscuros a contraluz Dos rectángulos inscriben la figura de la Virgen que presenta estructura piramidal (simetría, estabilidad, equilibrio) y con fondo arquitectónico bien construido en perspectiva equilibrio brazo derecho adelantado de ángel con izquierdo retraído de Virgen y derecho adelantado de Virgen con izquiedo del ángel Estudio pormenorizado, naturalista y “científico” de plantas. Gran diversidad Estudio de gestos y actitudes: Distribución cuidadosa de colores primarios y complementarios (rojo-verde; azul-rojo, etc.) Disposición variada de manos y dedos Muros con sillares almohadillados realzan superficie plana que enmarca a la Virgen Óleo sobre tela Leonardo da Vinci. Anunciación

Museo del Louvre de París National Gallery de Londres Características generales Empleo del Sfumato, el difuminado de los contornos, que suaviza las formas. Mediante el claroscuro envuelve las masas de sutiles sombras. Esa zona intermedia representa el vibrante espacio atmosférico que envuelve los volúmenes Representación de los elementos feos junto a los bellos, para resaltar más la belleza Composiciones muy estudiadas y equilibradas: Composición piramidal (equilibrio, simetría, formas cerradas, etc.) Potenciación de la profundidad mediante el empleo de la perspectiva aérea: representar las zonas más lejanas con los contornos menos nítidos y envueltos en tonalidades azuladas, para que se capte el aire interpuesto Paisajes rocosos y brumosos como reflejo de naturaleza indómita, mezcla de realidad y fantasía Estudio anatómico de personajes y preocupación por ropajes sobre los mismos (pliegues) Cotrapposto de cuerpos: Cabeza en dirección distinta a cuerpo Distribución armónica de colores (primarios, binarios, complementarios) Abundancia de símbolos y mensajes ocultos Juego de actitudes y gestos: manos y miradas crean líneas de fuerza y tensión en zig-zag Preciosismo naturalista. Flores y plantas adquieren protagonismo propio y se interrelacionan Museo del Louvre de París National Gallery de Londres Leonardo da Vinci. Virgen de la Roca.

Museo del Louvre (primera versión) Museo de Londres (segunda versión) El cuadro iba a ir insertado en un ornamentado retablo de madera de San Francesco Grande en Milán, por lo que debía plantear una ejecución que atrajera la atención y no quedase inadvertido Coloca la escena en una gruta con lo que juega con los efectos de claroscuros Al fondo aparece un paisaje brumoso de roquedo que la distancia redondea, envuelto en tonalidades azuladas y que abre Puntos de fugas muy lejanos La composición triangular equilátera cerrada formada por las cuatro figuras presenta en su interior un sutil juego de líneas de fuerza (brazos) y de tensión (miradas) en zig-zag Escorzo pronunciado de la mano de la Virgen La Virgen con su brazo extendido cobija con su manto a San Juan (mundo terrestre) mientras Jesús lo bendice Pintada en tabla Pintada en lienzo trasladado a madera Museo del Louvre (primera versión) Museo de Londres (segunda versión) Leonardo da Vinci. Virgen de la Roca.

Santa maría delle Grazie Milán Lunetos con escudos de armas de los Sforza Composición muy geométrica, basada en divisiones verticales, horizontales y diagonales. Crean cuadrados (cuadrado central acotado por dos medios cuadrados, cuadrado más pequeño inscrito en cuadrado central, etc.) Jesús en el centro enmarcado por ventana central de tres (Trinidad) Empleo de técnica experimental óleo-temple provocó su rápido deterioro. Al menos seis restauraciones y periodos de abandono Foco de luz frontal y uno secundario trasero Perspectiva lineal. Coincide punto de fuga Con punto de vista espectador. Efecto ilusionista (era el refectorio de los monjes y al pintar en el muro del fondo, la sala parecía agrandarse y les hacía creer que participaban de la escena) 4´60 m. 8´80 m. Leonardo da Vinci Última Cena. Santa maría delle Grazie Milán

Santa maría delle Grazie Milán Organización de personajes Frente al sistema tradicional de colocar a Judas al otro lado de la mesa, aquí aparecen los doce apóstoles tras la mesa agrupados de tres en tres, seis a cada lado con Jesús en medio respetando la simetría Mediante gestos( sobre todo disposición de manos y expresión de rostros) presenta una gran diversidad de actitudes Jesús en el centro con su actitud relajada contrasta con la gestualidad de los discípulos Características generales: armonía colores, estudio de pliegues, perspectiva aérea, difuminado que redondea contornos etc. Leonardo ha elegido un momento diferente a la bendición del pan y el vino. Prefiere representar el instante dramático en que anuncia que uno de los presentes le va a traicionar Judas realiza un movimiento de apartarse mientras se aferra con la mano a la bolsa de monedas y vuelca salero (símbolo mala suerte) Gran cuidado en la naturaleza muerta representada sobre la mesa Leonardo da Vinci Última Cena. Santa maría delle Grazie Milán

Leonardo da Vinci. Dama del armiño Mujer dispuesta de lado, en escorzo, con cabeza girada (en sus tratados teóricos indicaba que la cabeza no debía estar dirigida en la misma dirección que el pecho Figura resalta sobre fondo en penumbra Empleo de luces intermedias, con trasparencias y reflejos matizados Sabia combinación de colores: (azul y rojo con amarillo en ropaje, ocres claros del rostro con negro de perlas, etc.) Retrato de medio cuerpo Características generales: sfumato, composición equilibrada, etc. Armiño era animal doméstico que se empleaba para cazar roedores y también tiene un doble mensaje simbólico: su blancura símbolo de pureza y emblema del duque Ludovico Sforza (la representada era amante del duque) Leonardo da Vinci. Dama del armiño

Santa Ana, la Virgen y el niño Características generales: composición piramidal, sfumato, armonía colores, paisajes rocoso que reflejen lo agreste de naturaleza, perspectiva aérea, diversidad de actitudes, etc. Cabeza en contrapposto con respecto al pecho Rostro de Santa Ana y de María jóvenes Dentro de estructura piramidal, establece un sutil juego de ejes en distintas direcciones: Santa Ana sentada hacia la derecha gira la cabeza hacia la izquierda. Este movimientohacia la izquierda continúa en su hija que está sentada encima alargando los brazos hacia su hijo, quién con sus brazos prolonga el movimiento hacia la izquierda, pero con su cabeza nos reconduce hacia el rostro de su madre, y el cordero cierra el ciclo dirigiéndose hacia la derecha Desarrolla modelo de rostro dulcificado, de aire melancólico mediante el difuminado: ese juego de tenues transparencias brillantes y sombreadas disimula los rasgos básicos, presentando la boca, nariz y cejas sin zonas de transición, arropadas por una vibrante atmósfera. Destaca la disposición ambigua de comisuras de labios entre sonrientes y nostálgicos, y sus gruesos párpados. Gusto por dedos alargados y huesudos Según Freud, Leonardo buscaba recuperar el rostro sonriente de su desaparecida madre Leonardo da Vinci. Santa Ana, la Virgen y el niño

(Copia parcial de Rubens). Batalla de Anghiari Destinado a decorar una de las paredes de la Señoría de Florencia, frente a la batalla de Cascina que iba a ejecutar Miguel Ángel Profundo estudio de anatomías, movimientos y escorzos Fue destruido medio siglo después de su realización Leonardo da Vinci. (Copia parcial de Rubens). Batalla de Anghiari

Leonardo da Vinci. La Gioconda Óleo sobre tabla de álamo Tono verdoso y falta de cejas por mala restauración 53 cm. Claroscuros suaves, mediante luces intermedias, con trasparencias y reflejos matizados Perspectiva aérea: capta el aire interpuesto entre el espectador y el fondo, por eso el grosor de la atmósfera se capta con esas tonalidades azuladas y perdiendo nitidez los contornos, quedando las montañas redondeadas y con color más oscuro en las bases Paisaje rocoso y agreste Originalmente el cuadro era el retrato de una mujer ante un pretil con columnas. Pero la tabla fue cortada, quedando la base de dichas columnas a ambos lados 77 cm. Horizontes del paisaje a distintas alturas (más alto el izquierdo) confluyen en Monna Lisa, influyendo en la percepción de su enigmática sonrisa Sfumato: Desarrolla modelo de rostro dulcificado, de aire melancólico mediante el difuminado: ese juego de tenues transparencias brillantes y sombreadas disimula los rasgos básicos, presentando la boca, nariz y cejas sin zonas de transición, arropadas por una vibrante atmósfera. Destaca la disposición ambigua de comisuras de labios entre sonrientes y nostálgicos, y sus gruesos párpados. Gusto por los detalles (descripción minuciosa de los encajes) Estudio naturalista de los pliegues del vestido. Al estar representado con los contornos más nítidos, parece que fue fruto de una etapa inicial Estructura piramidal: Mujer sentada en escorzo lateraly cabeza levemente girada que contrasta con brazo de la silla casi paralelo al plano del cuadro Estudio de manos con dedos alargados y dispuestos con gran expresividad Leonardo da Vinci. La Gioconda

Leonardo da Vinci. La Gioconda Paisaje brumoso, con rocas y grutas representan la naturaleza salvaje, con cierto toque de fantasía en el que aparecen algunos elementos humanos: el camino serpenteante a la derecha y el puente a la izquierda (fusión de mundo terrenal y mundo espiritual Parece ser que aunque originalmente fuese un retrato de encargo, al no querer desprenderse de él Leonardo, se ha asociado con que en esta pequeña obra quiso representar su ideal de belleza Supo representar a la mujer en actitud distendida y relajada Retrato de Madonna Lisa, segunda esposa de Francesco del Giocondo Según Freud, Leonardo buscaba recuperar el rostro sonriente de su desaparecida madre Leonardo da Vinci. La Gioconda