Formas de arte Procesual II BODY ART Formas de arte Procesual II

BODY ART “El cuerpo ofrece un poderoso medio para explorar un amplio espectro de temas, entre los que se encuentran la identidad, la lucha entre los sexos, la sexualidad, la enfermedad, la muerte y la violencia. La obras van desde el exhibicionismo masoquista hasta las celebraciones colectivas, desde la crítica social hasta el humor”

Body Art Se presenta en la escena artística a finales de los años sesenta tanto en Europa como en Estados Unidos de Norteamérica. En el primer continente se utilizó el cuerpo objetualmente y sus manifestaciones artísticas quedaron testimoniadas en fotografías, notas y dibujos, por decirlo así, “documentos estáticos” Antecedentes: Pintura y escultura: Yves Klein, Piero Manzoni. Happening: Grupo Gutai, Allan Kaprow, John Cage, George Brecht, Wolff Vostell y acciones de Fluxus. Literatura: Antonin Artaud, Georges Bataille. Teatro: Bertolt Brecht, Pierre Guyotat y su Living Theatre fundado en 1951.

Yves Klein (Niza, 1928-París, 1962) Obra: Antropometrías (pinturas corporales) como la realizada en la Galerie Internationale dÁrt Contemporain de París en 1960. El artista pretendía eliminar la imagen del artista como único protagonista de sus acciones corporales. Ultiliza un intenso azul ultramar, al que llamó IKB (International Klein Blue). Klein estaba obsesionado por la esencia inmaterial del arte y por el vacío (basado en las teorías de Gaston Bachelard) y esta tesis la concreta en la obra ¡Le peintre de l´espace se jette dans le vide! U Obsession de la lévitation en 1960.

Piero Manzoni (Soncino, 1934- Milán, 1963) En sus esculturas vivientes (1961) al firmar con color rojo significaba que confería el certificado de autenticidad de obra de arte total hasta la muerte al cuerpo de la persona firmada. Si firmaba con color amarillo significaba que sólo confería de obra de arte a la parte del cuerpo firmada. Otros de sus trabajos son las llamadas Bases Mágicas efectuadas en la galería La Tartaruga de Roma (1961) y “Merda d’artista” del mismo año y que vendía por gramos a un precio basado en la cotización del oro.

El Accionismo Vienés (Wiener Aktiongruppe) 1965-1968 Sus objetivos consistían en reaccionar contra el expresionismo abstracto norteamericano y sus derivaciones utilizando su cuerpo como soporte y material de la obra de arte, un cuerpo que podía ser degradado, envilecido e incluso mancillado en un proceso de “política de las experiencias”. En 1968 se disuelve el grupo tras la acción colectiva denominada Kunst un Revolution realizada en la Universidad de Viena en 1968.

Hermann Nitsch (Viena, 1938) Temática: Relaciones e interferencias entre religión y sexualidad. Obras: Orgien Mysterien Theatre: El artista y los demás oficiantes, ataviados con hábitos religiosos, se bañaban con sangre y retozaban entre entrañas y excrementos para patentizar las frustraciones humanas causadas por los tabués y las represiones sexuales, la sangre de los corderos recolectada en cubos y la exaltación de los órganos genitales se entendían como medios de catarsis y de regeneración en estas acciones rituales. La más significativa de estas prácticas consideradas “obra de arte total” se llevó a cabo en el castillo de Prizendorf (1975). Mexcla de pintura abstracta, escritura, dibujo, collage, objetos encontrados y música. “El arte es un medio de enamorarse perdida e intensamente de la vida y debe intensificarse hasta el más descarado exhibicionismo que deriva de los sacrificios. Soy expresión de todas las culpas y las libidos del mundo. Quiero reconocerme en el júbilo de la resurrección. Quiero liberar a la humanidad de sus instintos bestiales” Nitsch.

Otto Muehl (Grodnau, 1925) A partir de 1964 su producción se centra en el accionismo vienés. Le interesa primordialmente las relaciones sexuales entre cuerpos femeninos y la utilización de los materiales más diversos Materialaktion (1965) así como la “acción política” enraizada en la historia y tradiciones de su país. Tuvo una importante participación en Kunst un Revolution. En 1967 firmó junto con Oscar Wiener el manifiesto Zock, un “programa ideológico de restructuración social”. El 7 de junio de 1968 en el Neues Institutgebaûde de la Universidad de Viena, los accionistas vieneses hicieron una crítica mordaz y burla acérrima de los símbolos del Estado, lanzaron insultos contra el recién asesinado Robert Kennedy y practicaron públicamente el onanismo y el masoquismo.

Rudolph Schwarzkogler (Viena 1940-íd., 1969) El arte es el purgatorio de los sentidos según la concepción de este artista. Sus acciones eran simulaciones de actos sexuales, agresiones físicas, procesos de autocastración y travestismo muy bien calculadas alejadas de la idea de catarsis y más bien con un carácter simbólico. Contiene una dramaturgia muy efectista y equilibrada belleza. Sus acciones sólo fueron seis entre los años de 1965- 1966 y las realizó ante un público pequeño.

Arnulf Rainier (Baden, 1929) Inicialmente se ligó al surrealismo y a la arquitectura y en 1950 formó el Hundsgruppe. Realiza una reflexión sobre el lenguaje del cuerpo y la muestra en una serie de fotografías de su cuerpo, especialmente de su rostro, imitando los gestos y muecas anticulturales y primitivistas de los enfermos mentales, fotografías sobre las cuales, en una segunda fase, pinta gestualmente pretendiendo liberar su subconsciente mitopoético al margen de todo apriorismo, imposición o censura, para reproducirse: “como era, cómo soy, como seré, como podría ser”. La voluntad de hacer del arte una investigación antropológica le lleva a realizar obras como Farce Faces (1969-1975) en las que, a través de un estudio de su fisonomía torturada y flagelada, analiza las tensiones de su entorno, para descubrir las personalidades desconocidas que anidan en su subconsciente.

Body Art en Estados Unidos Le dan mayor importancia a la acción y al performance, a la temporalidad y al nivel pragmático que producen los mismos. El testimonio de los mismos están presentes en filmes y vídeos. Los artistas norteamericanos partieron por lo común de conceptos de creación artística próximos al minimal y al conceptual por ello se les denomina también conceptual performers o minimal performers.

Vito Acconci (Nueva York, 1940) Tiene una formación literaria por lo en su propuesta fue metamorfoseando poco a poco las lecturas de sus poemas en acciones, no le interesa tanto la significación de las palabras como su disposición en la página carga energética y su valor sintáctico hasta que abandona la página como campo de acción. A partir de 1969, V. Acconci empieza a trabajar en el espacio concreto, a la manera de página en blanco en el que las palabras son sustituidas por los movimientos y acciones de su cuerpo que son registradas primero por medio de fotografías y después por filmes. El artista pretende que su cuerpo se convierta en el lugar sobre el que puede intervenir, muestra de ello esta Trademarks (1971) llamada así debido a que V. Acconci muerde las partes del cuerpo que se alcanza y luego aplica en las huellas tinta negra para imprimir las huellas-dolor en una superficie de papel. Se presentaba en una exposición como objeto y no como ser humano y posteriormente experimenta con la idea de cambio y modificación de situaciones, a lo que denomina: “no acción”. En esta segunda fase sus respuestas físicas se producen a consecuencia de una necesidad psicológica como en la obra Conversions (1971), un filme en super 8 mm de 72 minutos en el cual el artista en tres diferentes fases (Conversions, I, II y III) cambia de sexo por medio de sofisticados recursos multimedia (luz, sonido, etc.) y el ambiguo simbolismo de las cosas. Otra de sus obras son Seed Bed (Sonnabend Gallery, Nueva York, 1972) en la que simula masturbarse (ocasionalmente lo hace) durante ocho horas al día mientras profiere sonidos inarticulados que se transmiten por altavoz al interior de la galería. Dichos sonidos o su voz no actúan como meras referencias sensitivas o de acción sino que buscan reivindicar otras formas de diálogo y de encuentro.

Dennis Oppenheim Se inicia en 1969 en el Body Art y al igual que Vito Acconci y B. Nauman considera el cuerpo humano una entidad cultural, al margen de consideraciones biológicas o excesivamente subjetivistas, trabaja sobre su propio cuerpo o en otros activando experiencias de transmisión sensorial, lo que le interesa son los valores pictóricos que obtiene en el cuerpo humano tales como color, dibujo, fondo-figura y en el que no está exento de infligir dolor dada la vulnerabilidad propia del mismo como lo constata su performance Reading Position for Second Degree Burn (1970) ; también investiga sobre los procesos que alteran su cuerpo y a el mismo sin dejar una huella evidente: Stills from Gingerbread Man (1970-1971). Interesante también resulta sus denominadas transacciones donde Oppenheim establece una reflexión simbólica a través del cambio de energía con otros cuerpos: Two-Stage Transfer Drawing. I Returning to a Past State. II Advancing to a Future State (1971). En 1974 trabaja con posperformances, es decir, no trabaja ya sobre su el cuerpo y lo reemplaza por esculturas-marionetas en las que simula sus acciones corporales: Attempt to Raise Hell (1974)

Bruce Nauman Sus contribuciones comienzan en 1966 en el body art por medio de performances en su cuerpo y de los cuales hay fotografía, video y filme. Algunas de sus obras son Eleven Color Photographs (196-1967/1970)en las que Nauman se presenta en situaciones fuera de lo normal generando una serie de dislocaciones entre las imágenes y los títulos que les pone y para lo cual toma como referencia al escritor irlandés Samuel Becket, al escritor y director de cine francés Alain Robbe-Grillet (el cual afirma que para leer o mirar se requiere de adentrarse en un laberinto en el que la imaginación de quien realiza la acción debe estar continuamente activa para dar sentido a lo que ve) y al filósofo austríaco L. Wittgenstein. Otras obras importantes son: Feet of Clay (Pies de arcilla) fotografía tomada desde arriba de dos pies cubiertos de arcilla; Waxing Hot (Encerando en caliente) imagen en la que el artista con sus dos manos encera tres letras rojas (una H, una O, y una T) de tal forma que esta dando brillo a lo “caliente” y a lo “calentado”, y Self-Portrait as a Fountain (Autorretrato a la manera de Fuente) donde aparece ilustrando la frase: “El verdadero artista es una asombrosa fuente luminosa”. A partir de 1969 traslada las experiencias de su cuerpo al comportamiento del contemplador en sus trabajos intitulados Project Works. En Performance Corridor (Corredor para performance, 1968-1970) presentada por primera vez en el Whitney Museum of American Art de Nueva York entre mayo-julio de 1969 en la muestra Anti-Illusion: Procedures/Materials, Nauman coloca un monitor de televisión que funcionaba a la manera de falso espejo electrónico situado en el fondo de un pasillo (que no eran otra cosa que dos paredes de madera de 6 m de largo, 3,6 de alto y 0,5 m de ancho) y en el cual se presentaba la imagen diferida del propio artista que con anterioridad había recorrido el mismo pasillo que ahora recorría a su vez el público, buscando la implicación controlada de éste (ya que en realidad no se producía una interacción o participación directa entre el artista y el público) lo que traía como consecuencia reacciones de extrañeza, sorpresa. Para Nauman la pieza era importante en términos del control que ejercía sobre la participación y a la vez la no-participación del espectador ya que el artista declaraba desconfiar de la participación del público y su predilección por obras lo más limitadas posibles en este sentido.

Chris Burden (Boston, 1946) A finales de los años sesenta realiza environments concebidos a escala de su cuerpo y en la década de los setenta comienzan sus acciones corporales basadas en la transmisión de energía y en los conceptos de riesgo, de peligro imprevisto y de catástrofe con las cuales cuestiona y denuncia las prohibiciones e injusticias colectivas e individuales (guerra fría, armamento nuclear, cuestiones ecológicas, etc.) Sus piezas más reconocidas son Five Days Locker Piece (Pieza de taquilla para cinco días, 1971) en la que el artista se encerró cinco días en una casilla de consigna de cierre automático 60 por 60 por 90 cm., o Shoot (Disparar, F Space Gallery Santa Ana, 1971) en la que uno de sus amigos le dispara a una distancia de 5 m, e incluso llega más lejos ya que en Prelude to 220 or 110 de 1976, introduce en su tórax dos terminales conductoras para que le electrocuten al hacer contacto, o en Deadman (1972) acción en la cual yació tendido en la calzada de un bulevar muy concurrido de Los Ángeles, su intención era la de enfatizar que la praxis artística sólo tendrá sentido si se involucra totalmente en un proceso transformador de la sociedad. En todas sus acciones se toman fotografías dejando un documento que le permite tener absoluto control sobre la obra y su sentido, la misma función cumplen los objetos utilizados como las cintas de cobre o el candado, por lo mismo se han calificado de reductivas sus acciones al haber una simplicidad visual y una falta de narratividad.