OBRA: Huida a Egipto AUTOR: Giotto (1267-1337) MANIFESTACIÓN ARTÍSTICA: Pintura OBRA: Huida a Egipto AUTOR: Giotto (1267-1337) TÉCNICA: Pintura al fresco MOVIMIENTO ARTÍSTICO: Italo-gótico CRONOLOGÍA: Siglo XIV (Trecento: 1304-06) LOCALIZACIÓN ACTUAL: Capilla de los Scrovegni (catedral de Padua)

Análisis técnico Técnica: Fresco. Soporte: Muro de la capilla de los Scrovegni, Padua.

Análisis iconográfico Tema: Religioso. Fuente iconográfica: Nuevo Testamento.

Análisis iconográfico Descripción: En esta imagen se pueden ver a José, María y Jesús Niño huyendo a Egipto para evitar la persecución de Herodes, que había ordenado la matanza de los inocentes. Habían sido advertidos en sueños por un ángel, que les marca el camino en su huída. María, montada en un asno conducido por José, lleva al Niño sujeto por un pañuelo; del grupo forma también parte una figura joven, con la cabeza coronada de hiedra, y con una cantimplora al cinto (detalle del artista al realizar la ruta por el desierto), junto a José y otros tres jóvenes por el mismo camino de la caravana. La escena aparece descrita conforme se narra en los evangelios apócrifos del pseudo Mateo. Según evangelio apócrifo(17-18): Pero la víspera del día en que esto tuvo lugar (la matanza de los inocentes), José fue advertido en sueños por un ángel del Señor, que le dijo: Toma a María y al niño, y dirígete a Egipto por el camino del desierto. Y José partió, siguiendo las palabras del ángel. (...) Tres muchachos hacían ruta con José, y una joven con María

Análisis iconográfico Niño Jesús María Jóvenes que siguen la caravana José Ángel del sueño de José Chico con la corona de hiedra y la cantimplora

Análisis formal El eje vertical de esta imagen se encuentra atravesando casi el centro de la montaña y atraviesa justo por la mitad de María y Jesús, dividiéndola en dos partes, en las que se puede apreciar a José, el ángel de su sueño y a un joven con una cantimplora, nombrado anteriormente, y en la parte contraria, podemos diferenciar tres jóvenes que siguen la caravana.

Análisis formal Podemos comprobar el equilibrio de la imagen fijándonos en el reparto de los personajes (tres a cada lado) y la mirada de cada personaje, en este caso, contando a María y a Jesús. También podríamos destacar el asno, el cual le da a la imagen una sensación de movimiento más fuerte que los demás personajes. Respecto a la composición general de la imagen, se forma un triángulo isósceles, con vértices en el pico de la montaña, el grupo de los tres jóvenes y el grupo compuesto por José, el ángel y el otro joven.

Análisis formal Espacio Interés por la representación espacial. Intentó representar el espacio tridimensional, la profundidad, con el paisaje y el cielo azul. Perspectiva lineal todavía no lograda. Recursos técnicos: escenarios paisajísticos, uso de la luz.

Análisis formal Línea : La línea es más importante que el color, define bien las figuras. Color : Emplea colores cálidos pero no con gran tonalidad. Giotto valora la luz, ya que da tonalidad a sus pinturas, pero utiliza colores planos. Función secundaria.

Análisis formal Podríamos destacar entre los colores de este cuadro, el rojo, color de la vestimenta de la ropa de María y Jesús. También podríamos destacar el naranja, vestido por José y el blanco, símbolo de la pureza, color de la vestimenta del ángel.

Análisis formal Luz Artificial Surgida del objeto propio. El autor utiliza las sombras según el cree oportuno.

Análisis figurativo Tratamiento anatómico y relación con el movimiento: Destaca la Virgen por su centralización y su tamaño. El movimiento es contenido.

Análisis figurativo Tratamiento expresivo y/o psicológico Giotto en sus obras se alejaba de la rigidez dotando a las figuras de movimiento. En las figuras se puede apreciar la relación entre la expresión facial y su movimiento, por ejemplo, entre los jóvenes detrás del asno: parecen estar hablando mientras caminan. Otros aspectos Utilizan todos túnicas. El fondo es paisajístico, pero es un paisaje intelectualizado, reducido a las formas más simples: cielo azul, colinas triangulares de cuyas laderas yermas surgen árboles.

La obra en su contexto Comitente: La capilla la encargó Enrico Scrovegni de Padua, un rico burgués de la ciudad (era prestamista). La obsesión de Enrico era la salvación del alma de su padre, a quien Dante (poeta italiano y considerado el <<padre del idioma>> italiano) situó en el infierno. Contexto espacial y funcional: Estaba ubicada en la capilla Scrovegni, Padua.

Padua Obra en su contexto

Escena 20 Obra en su contexto

Obra en su contexto

Obra en su contexto Joaquín expulsado del Templo Autor: Giotto (1267-1337) viajó por casi toda Italia, ejecutando docenas de retratos de príncipes, nobles y dignatarios eclesiásticos en su ciudad natal, Nápoles y Roma. Se lo considera el primer artista de los muchos que contribuyeron a la creación del Renacimiento Italiano y uno de los primeros en romper las limitaciones del arte y los conceptos medievales. La obra analizada representó un punto de inflexión en la pintura del Gótico. Influido por su espíritu franciscano renovó la naturaleza y la concepción del ser humano. Estamos ante el preludio del Renacimiento, basado en el humanismo de carácter antropocéntrico. Joaquín expulsado del Templo Posible retrato de Giotto

Lamentación sobre Cristo muerto Obra en su contexto Lamentación sobre Cristo muerto

Obras de Giotto dentro de la capilla Obras de Giotto fuera de la capilla The Madonna in Glory Nativity: Birth of Jesus Stigmata of St. Francis Massacre of the Innocents Dante Alighieri

Obra en su contexto La pintura italiana del Trecento: Florencia y Siena. Características: La herencia bizantina (hieratismo, simetría…) se mezcla con cierto naturalismo. Pintura de colores claros, con predominio de la línea curva y sinuosa. Búsqueda de volumen en las figuras, y de comunicar a través del gesto o la mirada. Se hacen los primeros ejercicios de perspectiva y se combinan los fondos dorados, con decoraciones arquitectónicas o paisajísticas. La pintura gótica italiana estuvo dividida en dos centros artísticos: Siena : Duccio y Simone Martini. Florencia : Cimabue, Giotto.

Siena Obra en su contexto Colores ocres Los pintores de la Escuela de Siena o escuela sienesa durante los primeros años del Trecento, mediante una metodología diferenciada de Giotto y de la escuela fiorentina, más inspirada en los modelos y la técnica a la maniera greca, también lograron formular el tema del espacio pictórico. La ciudad de Siena tuvo su máximo esplendor entre finales del siglo XIII y la primera mitad del siglo XIV cuando constituyó una potencia política y económica que rivalizaba con Florencia. Estilización y el amaneramiento de las figuras así como en el uso de los fondos ornamentales dorados y una gama de colores subjetiva subjetiva, proporcionan una notable expresividad lírica a las composiciones que es el carácter propio de la pintura de la escuela sienesa. Los colores ocres que usaron ampliamente Duccio, Martini, los hermanos Lorenzetti y otros pintores de la escuela sienesa van asociados para siempre a la ciudad de Siena, son la "siena tostada" y la "siena natural" que se extraían de unos pigmentos de tierras de color procedentes de la campiña toscana. Colores ocres

Madonna con Niño entronizada y seis ángeles Duccio Madonna con Niño entronizada y seis ángeles Madonna con el Niño

Majestad del Ayuntamiento de Siena Siemone Martini Retablo de la Anunciación. Majestad del Ayuntamiento de Siena

Florencia Obra en su contexto Florencia se expandió militarmente y llegó a tener la supremacía sobre la Toscana. Al principio del Trecento se produce el fin de los movimientos violentos entre los gibelinos y los güelfos, a su vez separados en cofradías blancas y negras que se odian. En consecuencia, hay asesinatos y matanzas en las calles de Siena y Florencia. La batalla de Montaperti (1260) determinó que la ciudad-Estado de Siena perdiera su independencia y se convirtiera en una colonia bajo el mando de los florentinos. Giotto di Bondone y los pintores de la escuela florentina, durante los primeros años del Trecento, al superar la maniera greca lograron un avance decisivo en el desarrollo de un nuevo lenguaje pictórico. La ciudad de Florencia, junto con la ciudad de Roma habían sido los reductos más persistentes de la tradición clásica durante la etapa de la Pintura del Docento, caracterizada por sus acentos bizantinos que dominaba el arte de la pintura en la Italia del Duocento. Para sus contemporáneos, la impresión que les causó la fidelidad a la natrualeza de la obra de Giotto fue irresistible; contraponen el nuevo estilo de Giotto con la artificiosidad y rigidez del arte bizantino ya que, a pesar de las innovaciones de los artistas del Doecento, la maniera greca” constituye, al final del siglos XIII, el estilo de la pintura más extendido en Italia.

Cimabue La Virgen San Juan La Maestà

Obra en su contexto Contexto histórico: La vida de Giotto coincide en el tiempo con la plenitud y la crisis medievales. El siglo XIII es el siglo que supone el renacer de la vida urbana y lo que ello trae consigo: auge del comercio, de la burguesía, aparición de las universidades y nuevas construcciones que darán lugar a un nuevo estilo artístico: el gótico. El siglo XIV será un siglo de crisis económica y demográfica, especialmente en su segunda mitad, como consecuencia de la epidemia de peste negra

Obra en su contexto (Contexto histórico Padua) En la Península Italiana, en esta etapa, no hay un Estado unificado, sino gran número de Repúblicas que funcionan como ciudades-estado. Dentro de ellas se encuentra Padua, cuyo periodo de máximo esplendor económico y artístico comenzó en el siglo XIV con la señoría de los Carraresi, que perduró hasta principios del siglo siguiente, favoreciendo el desarrollo de una escuela local que produjo artistas de la talla de Guariento y la construcción de espléndidos monumentos. En el siglo XV Padua estuvo sometida a Venecia, pero mantuvo durante largo tiempo su papel de guía en campo artístico: Donatello y Mantegna trabajaron en la ciudad en aquel siglo y más tarde Tizano, Sansovino y otros muchos. Bajo la dominación veneciana, Padua continuó con su vida cultural gracias también a la presencia estimulante de su Universidad.

Resto de pinturas de la capilla… http://arteinternacional.blogspot.com.es/2009/12/pintura-gotica- italiana-del-treccento_5788.html