ALBERTO GIACOMETTI Aunque nacido en Suiza, gran parte de la trayectoria artística de Alberto Giacometti (1901-1966) transcurrió en Francia y, más concretamente,

Presentación del tema: "ALBERTO GIACOMETTI Aunque nacido en Suiza, gran parte de la trayectoria artística de Alberto Giacometti (1901-1966) transcurrió en Francia y, más concretamente,"— Transcripción de la presentación:

1 ALBERTO GIACOMETTI Aunque nacido en Suiza, gran parte de la trayectoria artística de Alberto Giacometti (1901-1966) transcurrió en Francia y, más concretamente, en París, adonde se había trasladado en su juventud para ampliar su formación artística. Allí tomó contacto con las primeras vanguardias y, durante unos años, sus obras se asociaron a la experimentación cubista y, más tarde, al surrealismo, corriente en la que participó activamente al comienzo de la década de los 30. Sin embargo, ya en los años 40, el artista imprime un giro radical a su obra, pasándose al campo de la figuración. Para entonces, el mundo ha conocido ya la catástrofe de la Segunda Guerra Mundial y descubierto el horror de los campos de concentración nazis. Quizás influenciado por todo eso, el figurativismo de Giacometti es tan peculiar: con frecuencia nos presenta figuras humanas en pie, muchas veces desnudas y a menudo extremadamente delgadas, casi filiformes, acusando una fragilidad desmesurada.

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3 "El palacio a las cuatro de la madrugada". (1932). Nueva York.

4 Alberto Giacometti: "Hombre se ñ alando" (1947). "Hombre caminando" (1960).

5 ALEXANDER ARCHIPENKO La obra de Alexander Archipenko (1887-1964), uno de los ejemplos más claros de cómo el concepto de vanguardias artísticas puede aplicarse no sólo a la pintura de comienzos de ese siglo, sino también (y muy merecidamente) a la escultura, que encuentra en él uno de sus mejores exponentes. Archipenko nació en Kiev, ciudad ucraniana entonces perteneciente al Imperio Ruso, y allí realizó sus primeros estudios artísticos, completados a continuación en Moscú. El cubismo es la orientación de sus esculturas de este primer periodo, con figuras reducidas a sus volúmenes más simples y con una evidente tendencia a la geometrización. (Kiev, 1887 - Nueva York, 1964) Escultor ruso, pionero de la escultura cubista. Emigrado de Ucrania, llegó a París en 1908 atraído por los trabajos de Picasso y Braque, y un año después expuso en el Salón de Otoño su primera escultura cubista, Torso. "La escultura -afirmó- puede empezar en el punto en el que el espacio es rodeado por la materia." Esta afirmación se hace realidad en el juego sucesivo de formas cóncavas y convexas, como alternancia entre hueco y volumen, con el que construye estructuras como Mujer andando (1912, The Denver Art Musem) o El combate de boxeo (1913, Colección Perls Galleries, Nueva York) en las que invierte el concepto tradicional de la escultura haciendo surgir el espacio como negativo de la masa y creando una dinámica de ritmos y contrastes. Sus "escultopinturas" preludian los assemblages dadaístas y demuestran su interés por borrar las fronteras entre las disciplinas, aunque él fundamentalmente priorizó la investigación escultórica. Establecido en Estados Unidos, fue profesor en la Universidad de Washington, en la New Bauhaus de Chicago y en Nueva York. Las esculturas de su célebre serie de los "Medrano", combinación de madera, metal y vidrio, son buenos ejemplos de su obra.

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9 FRANK STELLA Frank Stella (nacido en Malden, Massachusetts, el 12 de mayo de 1936) es un pintor y grabador estadounidense. Es una figura destacada del minimalismo, la abstracción postpictórica y la litografía.Massachusetts12 de mayo1936pintorgrabadorestadounidenseminimalismoabstracción postpictóricalitografía Stella se convierte desde la década de 1960 en uno de los máximos representantes de la abstracción geométrica y constructivista que preludia el arte minimalista. Sus pinturas-relieve han ocupado un papel fundamental en el desarrollo de la vanguardia norteamericana.década de 1960abstracción geométricaconstructivistaarte minimalistavanguardia A partir de 1958, con sus black paintings («pinturas negras»), se convierte en uno de los máximos representantes de la llamada «nueva abstracción», antecedente directo del minimalismo. Fue uno de los creadores y promotores del hard edge («pintura de borde duro»), y del desarrollo de los shaped canvas (o lienzos de formas diferentes a la cuadrangular tradicional, conocida como «pintura de marco recortado»). Sus cuadros-objetos y sus pinturas- relieve han ocupado un papel fundamental en el desarrollo de la neovanguardia norteamericana e internacional.1958minimalismolienzos En 1960 presenta su primera muestra individual en la Galería Leo Castelli de Nueva York. En 1962 exhibe en una muestra colectiva en el Museo Whitney de Nueva York y en 1963 es nombrado artista residente en el Dartmouth College de New Hampshire.1960Nueva York1962Museo Whitney1963Dartmouth CollegeNew Hampshire Entre otras tantas exposiciones colectivas que se realizaron durante la década de los sesenta, Stella participó en algunas de las más importantes, relacionadas con la nueva abstracción y el arte minimalista, como por ejemplo, «Toward a New Abstraction» (Museo Judío de Nueva York, 1963) o «Systemic Painting» (Museo Guggenheim de Nueva York, 1966).Museo Guggenheim de Nueva York Desde mediados de los años ochenta hasta mediados de los noventa, Stella creó un gran corpus de obras que responde en términos generales al Moby-Dick de Herman Melville. Durante esta época, el creciente relieve de las pinturas de Stella dio paso a una plena tridimensionalidad, con formas escultóricas derivadas de conos, pilares, curvas francesas, olas, y elementos arquitectónicos decorativos. Para crear estas obras, el artista usó collages o maquetas que eran luego agrandadas y recreadas con ayudantes, cortadores de metal industriales y tecnología digital.años ochentanoventaMoby-DickHerman Melvillecollages En los años noventa, Stella comenzó a realizar esculturas para espacios públicos y desarrollar proyectos arquitectónicos. En 1993, por ejemplo, creó todo un esquema decorativo para el Teatro Princesa de Gales de Toronto, que incluye un enorme mural.Teatro Princesa de Gales Torontomural

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14 DAVID SMITH Con frecuencia se tiende a considerar al expresionismo abstracto como una corriente pictórica desarrollada en los Estados Unidos tras el final de la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo podemos encontrar una estética semejante en el escultor norteamericano David Smith (1906-1965), a quienes algunos han llegado a calificar como el padre de la escultura abstracta de aquel país, un hombre de quien se cuenta la anécdota de que su creatividad le permitió en una ocasión realizar 27 esculturas en 30 días, empleando para ellas, fundamentalmente, objetos hallados de manera casual. Hijo de un ingeniero e inventor, parecía lógico que Smith pasase por la Universidad. Y así lo hizo durante algo más de un año, periodo tras el que abandonó los estudios para emplearse, muy joven aún, como obrero industrial en una fábrica de automóviles. Fue allí donde descubrió el mundo de la soldadura de acetileno y donde comenzó a mostrar un acusado interés por las manifestaciones artísticas y, de forma muy significativa, por las esculturas realizadas en hierro por Pablo Picasso y, sobre todo, Julio González.

15 Algo más tarde, y trasladado a Nueva York, la pintura abstracta de las vanguardias europeas y las aportaciones del constructivismo ruso también fueron objeto de su interés de Smith. De esta manera, a comienzos de los años treinta del pasado siglo, justamente cuando se desarrolla en el país la Gran Depresión, Smith toma la decisión de dedicarse a la escultura, tarea que le ocupó el resto de su vida. Su último actividad laboral ajena al arte se desarrolló en una fábrica de ferrocarriles, ensamblando locomotoras y tanques.

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18 DONATELLO Donatello fue el hijo de Nicolo di Betto Bardi, un cardador de lana, y nació en Florencia, probablemente en 1386. Su padre era de vida tumultuosa que participó en la revuelta de los Ciompi, un levantamiento popular del año 1378, organizado por los cardadores de lana. Nicolás Maquiavelo describió esta revuelta años más tarde (1520-1525), dentro de su Historia de Florencia. Más tarde, su padre, también participó en otras acciones en contra de Florencia, que le condujeron a ser condenado a muerte y después indultado, fue un personaje muy diferente a su hijo, que era noble, elegante y delicado, por sus amigos y demás artistas era conocido bajo el nombre de Donatello. [4]FlorenciaCiompiNicolás Maquiavelo [4] Según unos informes de Vasari, el artista pasó sus últimos días abandonado por la fortuna, sus últimos años a consecuencia de una enfermedad paralizante los pasó en la cama y sin poder trabajar. Murió en Florencia en el año 1466 y se dispuso su enterramiento en la Basílica de San Lorenzo en la cripta debajo del altar y al lado de la tumba de Cosme el Viejo. Entre los hombres que portaron el ataúd se encontraba Andrea della Robbia. [5] El cenotafio de Donatello fue realizado en 1896 por el escultor Raffaello Romanelli.Basílica de San LorenzocriptaCosme el ViejoAndrea della Robbia [5] A su muerte aún le quedó la deuda de 34 florines de pago por el alquiler de su casa y esto ha dado lugar a debatir sobre su estado real de pobreza, pero la cuestión parece más bien relacionada con su total indiferencia en los asuntos financieros, que en toda su vida demostró tener el artista, por las cuestiones económicas. Muchas anécdotas dan testimonio de esta actitud, como cuando en el momento de su mayor apogeo de trabajo en su taller, solía colgar una cesta llena de dinero, del que sus ayudantes podían aprovechar libremente, según fuera necesario. Los honorarios que recibió por su trabajo le habían asegurado grandes ganancias y también por otra parte Cosme de Médicis le había concedido una paga vitalicia semanal hasta el fin de su vida.

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20 "San Juan evangelista" (1410-11). Florencia.

21 "P ú lpito de la iglesia de San Lorenzo" (1465). Florencia.

22 "Martirio de San Lorenzo". P ú lpito de la iglesia de San Lorenzo (1465). Florencia.

23 FRANCISCO SALZILLO No es poca cosa nacer en el seno de una familia de escultores, en la que se aprende el oficio compartiéndolo con el padre y dos hermanos, como le ocurrió a Francisco Salzillo (1707-1783). Sucedía esto con cierta frecuencia en la sociedad del Antiguo Régimen, en la que los oficios (no sólo los de carácter artístico) se traspasaban de padres a hijos, generación tras generación. Pero nada de ello aseguraba ser una primera figura del arte correspondiente y este es el nivel al que llegó Salzillo, el cual constituye el más brillante exponente de la imaginería barroca murciana y sin cuya obra la Semana Santa de la ciudad de Murcia no dispondría del extenso e interesante repertorio de imágenes que ahora muestra. He aquí por tanto a un escultor que hereda de su padre (nacido en Nápoles) claras influencias del barroco italiano, pero que las asume e integra para crear un estilo personal en el que hay que considerar también las propias tradiciones escultóricas hispanas, que ponían un especial acento en la realización de obras de carácter religioso que pudiesen encauzar (y estimular al mismo tiempo) las devociones populares. Salzillo produjo una extensa obra en la que son abrumadora mayoría las imágenes religiosas. Destacan en este sentido sus imágenes procesionales y, sobre todas, las que realizó por encargo de la Cofradía de Jesús de la ciudad de Murcia. En los distintos pasos se aprecia el sentido de la composición de las escenas y el fuerte naturalismo, mostrado tannto en imágenes de vestir como en las de talla completa. El gusto del escultor por el realismo llega a extremos tales que emplea cabello natural en el nazareno de la caída. Así pues, un escultor de raíces italianas, que alcanzó una larga edad y tuvo las suficientes dotes organizativas para dirigir un amplio taller escultórico, pudo dar en él rienda suelta a sus capacidades

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28 HENRY MOORE Como suele ocurrir cuando tratamos la escultura del siglo XX, es prácticamente imposible asignar un determinado estilo al artista británico Henry Moore (1898-1986), más allá de que podamos afirmar que su obra se inserta en el contexto de aquellas vanguardias que en las primeras décadas del siglo XX dieron al traste con la plástica escultórica tradicional. El caso de Moore es verdaderamente paradigmático de ese cambio de mentalidad: se cuenta de él que en su infancia resolvió firmemente dedicarse a la escultura, tras ver algunas imágenes de las obras de Miguel Ángel. Y aunque aquella decisión fue definitiva, tuvo que aplazarse durante algún tiempo, porque el ejército inglés acabó reclutándolo como soldado en los años de la Primera Guerra Mundial, en una de cuyas batallas resultó afectado por uno de esos letales inventos del siglo XX: los gases característicos de la entonces novedosa guerra química. Pasados los tiempos de la Gran Guerra, el joven Moore retoma decididamente su vocación, a la que permanecerá fiel el resto de su vida. En esos años de formación se impregna por completo de las más diversas influencias. Le atraen por igual los artistas del Renacimiento y las obras escultóricas de las culturas de la América prehispánica, los autores góticos o las novedosas realizaciones de escultores contemporáneos como Brancusi. Conoce también a fondo las aportaciones del cubismo y la abstracción y, en su momento, no despreciará tampoco los planteamientos procedentes del surrealismo. Moore, porque no dejó nunca de experimentar. Empleó materiales diversos, aunque fueron la piedra y el bronce las materias primas con las que trabajó más frecuentemente.

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30 Henry Moore: "Figura recostada en tres piezas" (1975).

31 Henry Moore: "Figura reclinada (1951). Cambridge, Reino Unido.

32 Henry Moore: "Rey y reina" (1952-53). Amberes, B é lgica.

33 JEAN ARP Fue pintor, aunque una gran parte de su obra son relieves y esculturas. Particìpó con los expresionistas,tomó contacto con los surrealistas, pero no despreció jamás el arte abstracto, hasta el punto de que una parte de su obra puede encuadrarse en esta tendencia. a mediados de la segunda década del siglo XX, cuando, en contacto con los dadaístas, realiza relieves en madera pintada los cuales, más que suponer un trabajo puramente escultórico, son como collagges tridimensionales a los que en algunos casos denomina constelaciones, bastante semejantes a las pinturas de la misma época. Arp no dejó de experimentar con este tipo de formas en las que lo que denominaba "leyes del azar" jugaban un papel fundamental. a partir de la década de los años veinte introdujo sustanciales novedades en sus esculturas, que ahora adquieren formas curvadas, muy sinuosas, en las que las aristas brillan por su ausencia. Es lo que el mismo llamó "esculturas biomórficas", queriendo hacer alusión con ello a la relación que, a su juicio, se establecía entre la pura creatividad artística y la creación en la misma naturaleza. Ahora el bronce y otros metales, además de diversos tipos de piedra son sus materiales favoritos.Tenía un profundo interés por lo humano y por la naturaleza.

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37 Nació en Possagno, Italia. Escultor precoz considerado como el más importante del período Neoclásico. Sus obras más conocidas representan personajes mitológicos y religiosos, sin embargo su calidad artística, le permitió abordar todo tipo de temas. Aun niño (11 años), va a vivir a Venecia y a los 24 a Roma. Para ese entonces Canova ya deslumbraba con sus obras talladas en marmol, tanto así, que aun a su corta edad fue contratado para esculpir la tumba del papa Clemente XIV. En adelante, Canova fue requerido en toda Europa y trabajó para un sin número de notables de la época como Napoleón y la emperatriz Catalina de Rusia. El prestigio de Canova era inmenso. Ingleses y franceses lo recibieron con honores cuando visitó Londres y París. Al observar sus esculturas es facil concluir que han sido creadas por un superdotado de las artes. Su estilo y técnica incomparables lo situan entre los más grandes maestros de la escultura clásica italiana. Musa Recostada ANTONIO CANOVA

38 Paulina Borghese

39 Cupido y Psyche

40 Nació en Esslingen, Austria. Escultor ecléctico, pintor, grabador y ebanista del período Barroco, que concilia con refinado buen gusto los estilos manierista, rococó y neoclásico. Sus esculpidos principales incluyen altares tallados en marmol, fuentes de agua ornamentales, esculturas metálicas de plomo, bustos de madera y sobrerrelieves con cubierta de oro. Las esculturas de Donner fueron requeridas en Europa central por nobles, gobiernos e instituciones religiosas. Viena fue su lugar de trabajo principal. También realizó obras en Salzburgo y en Bratislava hoy capital de Eslovaquia. GEORG RAPHAEL DONNER

41 La Piedad

42 La musa recostada

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44 ANNIE LEIBOVITZ Leibovitz es la tercera hija del matrimonio judío compuesto por Samuel Leibovitz, un Teniente Coronel de las Fuerzas Armadas, y Marilyn Heit Leibovitz, una instructora de danza contemporánea. [7] Las labores militares de su padre obligaban a Annie y a sus cinco hermanos a mudarse frecuentemente.judíoTeniente CoronelFuerzas Armadasdanza contemporánea [7] En la secundaria, Leibovitz se interesó en diversas ramas artísticas. Comenzó a escribir y a tocar música, e ingresó al Instituto de Arte de San Francisco en 1967 porque deseaba ser profesora de arte. [8] Su interés por la fotografía surgió en un cuarto oscuro de la base aérea Clark, ubicada en Filipinas, donde su padre fue destinado durante la Guerra de Vietnam. [6] Por varios años continuó desarrollando sus habilidades fotográficas mientras trabajaba en diferentes lugares, incluyendo una temporada en un kibutz israelí en 1969, [3] lugar en el que participó en una excavación arqueológica en el templo del rey Salomón. [9]escribirmúsicaSan Francisco [8]cuarto oscurobase aéreaFilipinasGuerra de Vietnam [6]kibutzisraelí1969 [3]excavación arqueológicaSalomón [9] obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en el Instituto de Arte de San Francisco. [7licenciaturaBellas Artes [7

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46 ROMULO Y REMO HOMENAJE A LEONARDO DA VINCI

47 EL OSO POLAR KNUT QUE FUE FOTOGRAFIADO POR ANNIE LEIBOVITZ PARA UNA CMPAÑA MEDIOAMBIENTAL Y TAMBIEN PARA LA PORTADA DE VANITY FAIR

48 ANSEL ADAMS Ansel Adams nace en 1902 en San Francisco (Estados Unidos), adoptó como tema fotográfico los paisajes del suroeste de su país. En 1916 realizó un viaje a Yosemite, California, donde captó en blanco y negro la majestuosidad de la naturaleza de Estados Unidos. Sus fotografías reflejan un enorme contraste de sombras y luces, desiertos áridos, nubes gigantescas y monstruosos árboles. En 1932 Ansel Adams, junto con Imogen Cunningham y Edward Weston, crearon el f/64, todos ellos eran un grupo de fotógrafos que defendían el detalle y la estética naturalista, este estilo había sido impulsado en un principio por Paul Strand, donde tiene sus raíces en artistas del siglo XIX como Timothy O'Sullivan. En 1939 Adams expone por primera vez en San Francisco. Crea el primer departamento de fotografía en la escuela de Bellas Artes Decorativas de California y publica la colección Libros esenciales sobre fotografía acerca de técnicas fotográficas. En 1949 se encarga de poner a prueba los primeros prototipos de Polaroid, trabajo que desarrolló con entusiasmo para descubrir las nuevas posibilidades que ofrecía el sistema. Entre sus obras destacan Taos Pueblo (1930), Sierra Nevada (1948), This Is the American Earth

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50 YOSEMITE NATURAL PARK

51 CAPTUS

52 HELMUT NEWTON De origen judío, nace en el Berlín en el año 1920. Justo cuando comienza la persecución contra los judíos, abandona Alemania hacia Singapur, donde trabajó como fotógrafo en un diario. [2] Es ahí donde comienza su carrera fotográfica, aunque como tantos otros artistas no gozaba del apoyo de su padre.judíoBerlín1920 AlemaniaSingapur [2] De Singapur fue deportado a Australia. Y al ser alemán, estuvo un periodo en un campo de internamiento. Posteriormente fue alistado por el ejército australiano hasta el final de la II Guerra Mundial.AustraliaII Guerra Mundial Después de la guerra, pone su propio estudio de fotografía y continua ese punto y aparte que sufrió su carrera. Es por esa época cuando conoce a la más tarde sería su mujer, June Browne. Más tarde, para completar su formación en el campo de la moda, marcha a Londres por dos años. Dejando atrás su etapa en Londres, viaja a París para trabajar con revistas especializadas en moda como Vogue o Elle. Tras tanto viajar, es en París donde fijará su residencia habitual. Allí su carrera como fotógrafo de moda empieza a tener reconocimiento mundial, convirtiéndose en uno de los fotógrafos de más éxito. Los últimos años de Newton están a caballo entre Nueva York y Montecarlo.modaLondresParísVogueEllefotógrafoNueva YorkMontecarlo El trabajo de Newton tiene un estilo propio que hace reconocer su obra allí donde se observe. Fotos llenas de glamour, seducción y elegancia le han hecho portada de las más prestigiosas revistas. Son famosas sus fotos de bellas mujeres en ambientes lujosos y alguna se ha convertido en una imagen icónica del siglo XX. [3] Realmente, Newton ha sido un enamorado de la belleza, que casi obsesivamente, sabía captar como nadie con su cámara. Para visitar la mayor parte su obra y también objetos personales suyos tales como cámaras, bolsas de material y artículos usados para fotografiar debe dirigirse a Berlín, a la Fundación Helmut Newton, Museum für Fotografie. Jebensstrasse, 2siglo XX [3]bellezaMuseum für Fotografie El 23 de enero de 2004 Helmut Newton moría en un accidente de tráfico en Los Ángeles. Además de su enorme legado fotográfico nos ha dejado su autobiografía, que se ha publicado recientemente en castellano (Helmut Newton, autobiografía23 de enero2004

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56 DAVID LACHAPELLE David Lachapelle nació en Fairfield, Connecticut, el 11 de marzo de 1969. Su primer acercamiento a la fotografía fue cuando tenía 6 años de edad, durante unas vacaciones familiares en Puerto Rico. Allí utilizó la cámara para retratar a su madre, Helga LaChapelle, quien vestía un bikini y bebía champaña en un balcón. Desde ese momento, quedó obsesionado con la fotografía.ConnecticutPuerto Rico A los 15 años se mudó a Nueva York.Nueva York Las descabelladas imágenes de David LaChapelle, bizarras y fantásticas, han aparecido en las páginas y portadas de las revistas Vogue, Rolling Stone, i- D, Vibe, Interview, The Face y GQ, sólo por nombrar algunas.imágenesbizarrasfantásticasVogueRolling StoneVibeThe FaceGQ Su incondicional dedicación a la originalidad es leyenda dentro del mundo de la moda, el cine y la publicidad. LaChapelle ha participado en campañas publicitarias para una variedad de clientes que incluyen L’Oreal, Iceberg, MTV, Ecko, Diesel Jeans, Sirius, Ford, Sky Vodka,Cervecería Cuahtemoc Moctezuma y la campaña Got Milk?.modacinepublicidadcampañas publicitarias MTVFord David ha fotografiado numerosas portadas de discos para artistas de la talla de Macy Gray, Moby, No Doubt, Whitney Houston, Elton John, Christina Aguilera y Madonna.discosMacy GrayMobyNo DoubtWhitney HoustonElton JohnChristina AguileraMadonna

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62 ANTONIO CLAVE España. (1913) Nacido en Barcelona, en el seno de una familia de escasos recursos económicos, hubo de trabajar desde muy joven, sacando tiempo de sus escasa horas de ocio para poder asistir a clases libres de modelado y dibujo. Se inició en el mundo del arte en el taller de pintura y decoración de Tortosa, haciendo copias de los clásicos por encargo. Buscó la salida de este callejón sin futuro por un camino entonces muy poco transitado: la publicidad cinematográfica. A través de esos carteles, anunciadores de ilusiones, penetraría en la vanguardia artística de las experimentaciones cubistas. Estudió y usó las nuevas técnicas, en especial los collages, con todo tipo de materiales. Llegada la guerra civil, trabajó para el Comisariado de Propaganda de la Generalitat en la creación de carteles y en la ilustración de libros. En 1937 marchó al frente de Aragón donde realizó numerosos dibujos: publicó cinco de ellos en el álbum "10 dibujos de guerra", junto a otros de Martí-Bas. Acalladas las armas, se exilió a Francia. Pasó, primero, unos meses en campos de concentración, que reflejó en dibujos - guaches y retratos- que expuso en Perpignan tras su liberación. En abril de 1939 pudo llegar a París. Allí, durante duros y trabajosos años, dedicados a la elaboración de litografías y escenografías que le abrieron las puertas de la fama y del bienenstar económico, fue profundizando en su búsqueda pictórica, iniciada antes de la guerra. En su primier estudio de Montparnasse ejecutó cuadros de carácter íntimo, retratos, escenas amables de interiores difuminados, mostrando, en ocasiones, una tendencia hacia la abstracción, hasta llegar a una manera personalísima, de desbordada fantasía, y mágica, de tipo expresionista con gran plasticidad, que deja patente sus hallazgos técnicos, fruto de largos años de experimentación con todo tipo de técnicas y materiales.

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64 Época: Siglo XX. Transvanguardia/Figuración 19.70.15 - Realismo Crítico Nombre: La patronne Descripción: 1945. 73 x 50 cm. Colección del artista.

65 Época 70.20 - Siglo XX. Vanguardias Históricas/Realismo 19.55.40 - Carteles y Obra Gráfica Nombre: Carteles realizados por Clavé Descripción: 1931-1935. Barcelona. España.

66 Época: 80.00 - Siglo XX. Transvanguardia/Abstracción 19.70.35 - Informalismo Nombre: A Don Pablo Descripción: 1982. Técnica mixta. 50 x 32 cm. Colección particular.

67 CLAUDE MONET Pintor impresionista francés que llevó a su máxima expresión el estudio de los estados transitorios de la luz natural. Monet nació en París el 14 de noviembre de 1840.En la década de 1860 se le asoció con el pintor pre-impresionista Édouard Manet y con otros pintores franceses que más tarde formarían la escuela impresionista—Camille Pissarro, Pierre Auguste Renoir y Alfred Sisley. Monet pintaba, trabajando al aire libre, paisajes y escenas de la sociedad burguesa contemporánea. De este modo, deliberadamente le dio la espalda a la posibilidad de una carrera exitosa como pintor convencional en la línea del arte oficial. En 1874 Monet y sus colegas decidieron apelar directamente al público mediante la organización de sus propias exposiciones. Se denominaron a sí mismos independientes, aunque la prensa pronto les aplicó burlonamente la etiqueta de impresionistas a causa del aspecto inacabado de sus obras (como una primera impresión) y porque una de las pinturas de Monet llevaba el título Impresión, sol naciente (1872, Museo Marmottan, París). Las composiciones de Monet de este periodo poseen una estructura bastante libre, aplicando el color con cortas y vigorosas pinceladas. Esta técnica viene determinada por la espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al aire libre a la hora de captar una impresión de la naturaleza. Durante las décadas de 1870 y 1880 Monet refinó su técnica poco a poco, realizando viajes a otros escenarios franceses, especialmente a las costas mediterráneas y atlánticas, con el fin de estudiar los efectos de la luz sobre formas y colores. El deshielo de Vétheuil de 1881 (Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid) es un buen ejemplo de la obra de Monet de esta época. A mediados de la década de 1880 Monet, considerado el dirigente de la escuela impresionista, había alcanzado un reconocimiento importante y una buena posición económica. A pesar de la audacia de su colorido y de la extrema simplicidad de sus composiciones, se le valoró como un maestro de la observación meticulosa, un artista que no sacrificó ni las complejidades reales de la naturaleza ni la intensidad de sus propios sentimientos. En 1890 tuvo la posibilidad de adquirir una propiedad en el pueblo de Giverny, cerca de París, y allí comenzó a construir un nuevo jardín (hoy abierto al público) —un estanque con nenúfares atravesado por un puente japonés colgante con sauces y matas de bambú—. En 1906 comienza a pintar las series del estanque con nenúfares que están expuestas en la Orangerie de París, en el Instituto de Arte de Chicago y en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Durante estos años también trabajó en otras series de pinturas, grupos de obras que representan el mismo tema —álamos, la catedral de Ruán, la estación de Saint-Lazare, el Sena— representando las diferentes luces de las horas del día o en las distintas estaciones del año. Monet continuó pintando, a pesar de que la vista le fallaba, casi hasta el momento de su muerte, ocurrida el 5 de diciembre de 1926 en Giverny.

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69 Época: 60.10 - Siglo XIX. Impresionismo 19.20.70 - Retratos Nombre: Camille Monet en traje japonés Descripción: 1876. Museum of Fine Arts. Boston. U.S.A.

70 Época: 60.10 - Siglo XIX. Impresionismo 19.20.30 - Mar y Barcos Nombre: Arrecifes en Étretat Descripción: 1886. Óleo sobre lienzo. 65 x 81 cm. Museo Pushkin de Bellas Artes de Moscú. Moscú. Rusia.

71 Época: 60.10 - Siglo XIX. Impresionismo 19.20.30 - Mar y Barcos Nombre: El Geldersekade de Amsterdam en invierno Descripción: 1871-1874. Óleo sobre lienzo. 55 x 65 cm.

72 EDWARD HOPPER Edward Hopper (Nyack, 22 de julio de 1882 - Nueva York, 15 de mayo de 1967) fue un famoso pintor estadounidense, célebre sobre todo por sus retratos de la soledad en la vida norteamericana contemporánea. Se le considera uno de los pintores de la Escuela Ashcan, que a través de Arshile Gorky llevó al Expresionismo abstracto posterior a la Segunda Guerra Mundial. Hopper entra en 1900 en la New York School of Art. En ese instituto coincidirá con otros futuros protagonistas del arte americano de principios de los años 1950: Guy Pène du Bois, Rockwell Kent, Eugene Speicher y George Bellows. Serán tres de los profesores de la escuela: William Merrit Chase, que le animó a estudiar y a copiar lo que veía en los museos; Kenneth H. Miller. Viaja a Europa.Su pintura se caracteriza por un peculiar y rebuscado juego entre las luces y las sombras, por la descripción de los interiores, que aprende con Degas y que perfecciona en su tercer y último viaje al extranjero, a París y a España, en 1910 y por el tema central de la soledad. Mientras en Europa se consolidaban el fauvismo, el cubismo y el arte abstracto, Hopper se siente más atraído por Manet, Pissarro, Monet, Sisley, Courbet, Daumier, Toulouse-Lautrec y por un pintor español anterior a todos los mencionados: Goya. Regresa definitivamente a los Estados Unidos, donde se establecerá y permanecerá hasta su muerte, en estos momentos Hopper abandona las nostalgias europeas que le habían influido hasta entonces y empieza a elaborar temas en relación con la vida cotidiana norteamericana, modelando y adaptando su estilo a la vida cotidiana. Hopper realiza composiciones basadas en formas geométricas grandes y sencillas, áreas de color planas y utilización de elementos arquitectónicos para introducir en sus escenas fuertes líneas verticales, horizontales y diagonales. En 1925 pintó La casa cercana a la estación.Expresaba atmósferas de aislamiento total y de soledad casi sobrecogedora. Otras de sus obras que reflejan la vida urbana y la soledad es Nighthawks. En 1933 el Museo de Arte Moderno de Nueva York le consagró la primera retrospectiva, y el Whitney Museum la segunda, en 1950. Hopper muere el 15 de mayo de 1967 en su estudio neoyorquino, cerca de Washington Square.

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74 Época: Siglo XX. Vanguardias Históricas/Realismo 19.50.90 - Paisajes y Vistas Nombre: Adobe Houses Descripción: 1925. Acuarela sobre papel. Colección Privada

75 Época. Siglo XX. Vanguardias Históricas/Realismo 19.55.30 - Cultura Americana Nombre: Domingo Descripción: 1926. Óleo sobre lienzo. 73.6 x 86.3 cm. Collección Phillips. Washington D.C. Estados Unidos.

76 Época: Siglo XX. Vanguardias Históricas/Realismo 19.55.30 - Cultura Americana Nombre: New York Office Descripción: 1962. Óleo sobre lienzo. 101,6 x 139,7 cm. Montgomery Museum of Fine Arts. Montgomery. Alabama. USA.

77 ESTEBAN VICENTE Turégano, Segovia, 1903 - 2000. El traslado de su familia a Madrid por cuestiones laborales va a permitir que pueda matricularse en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y entre de lleno en los círculos intelectuales conociendo a personalidades como Juan Ramón Jiménez, Rafael Alberti o Luis Buñuel. Realiza su primera exposición en el año 1928 junto a Juan Bonafé en el Ateneo de Madrid y comienza una serie de viajes por Europa, donde en París, participa en el "Salon des Surindépendants". Con el estallido de la guerra civil en 1936 se ve obligado a marchar a los Estados Unidos donde permanecerá hasta casi el final de su vida. Allí será profesor en diferentes y prestigiosas instituciones y universidades a la vez que se integra de modo absoluto en la vida artística y mas en concreto en los ambientes que desarrollan el Expresionismo Abstracto, llegando incluso a compartir estudio con Willem de Kooning y formando parte de la llamada "Escuela de Nueva York". Siendo su arte y su persona ignorado en España durante mucho tiempo, pese haber recibido numerosos galardones en Estados Unidos, en 1991 será por fin reconocido al otorgarle el gobierno español, la Medalla de Oro de las Bellas Artes.

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79 Siglos XX y XXI. Arte Último/Abstracción 19.80.28 - Pintura Abstracta Nombre: Número 25 Descripción: 1982. Pintura sobre papel. 71.5 x 54.7 cm.

80 Siglos XX y XXI. Arte Último/Abstracción 19.80.28 - Pintura Abstracta Nombre: Percepción Dos Descripción: 1992. Óleo sobre lienzo. 112.2 x 157.8 cm.

81 Siglos XX y XXI. Arte Último/Abstracción 19.80.28 - Pintura Abstracta Nombre: Rítmico Descripción: 1995. Óleo sobre lienzo. 127 x 106.7 cm.

82 FRANCIS BACON Irlanda. (1909-1992) Nació en Dublín, de padres ingleses, el 28 de octubre de 1909 y llegó a Londres a finales de la década de 1920. Su personalísimo estilo expresionista, basado en un simbolismo de terror y rabia, le ha convertido en uno de los artistas más originales del siglo XX. En 1948 el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York compró una obra suya y en 1949, año de su primera pintura inspirada en el cuadro de Velázquez, Inocencio X, comenzaron una serie de exposiciones individuales. Una buena parte de su obra está constituida por autorretratos y retratos de amigos suyos. Fiel a la idea de que el arte más grande te devuelve siempre a la vulnerabilidad de la situación humana, su obra es una constante reflexión sobre la fragilidad del ser. Bacon intentó impactar al espectador al hacerle tomar conciencia de la crueldad y violencia. Siglo XX. Transvanguardia/Figuración 19.65.80 - Expresionismo Figurativo

83 FOTOGRAFÍA

84 Siglo XX. Transvanguardia/Figuración 19.65.80 - Expresionismo Figurativo Nombre: Crucifixion Descripción: 1933. 60.5 x 47 cm. Private collection

85 Siglo XX. Transvanguardia/Figuración 19.65.80 - Expresionismo Figurativo Nombre: Chipmanzee Descripción: 1955.

86 Siglo XX. Tranvanguardia /Figuración Nombre: Cabeza IV Descripción: 1961.

87 HERRY ROUSEAU Henri Julien Félix Rousseau, llamado "El aduanero Rousseau", (* Laval, 21 de mayo de 1844- Ý París, 2 de septiembre de 1910, a causa de una herida infectada en el pie) fue un célebre pintor francés, uno de los máximos representantes del arte naïf. Henri Rousseau nació en Laval, ciudad del valle del Loira en el norte de Francia, el 21 de mayo de 1844. Tenia un gran interés por la poesía y la música. Empezó a pintar conla de edad de 49 Henri Rousseau murió el dos de septiembre de 1910 en el hospital Necker de París. Henri Rousseau dedicaba mucho tiempo a cada uno de sus cuadros, e aquí que su obra sea relativamente escasa. A pesar de las intenciones "realistas", en la obra de Rousseau destacan el tono poético, la búsqueda de lo exótico y, sobre todo, su estilo naíf. Aproximadamente desde 1890 se observa una maduración en su lenguaje pictórico. También se dio influenciar por el surrealismo. Algunas de sus obras son:La gitana dormida (1897); El Sueño (1910). Se incluye a Rousseau,tambien dentro del post-impresionismo francés. Agunos de sus cuadros de paisajes son: Paysage avec le dirigeable "Patrie" (1908), La passerelle de Passy (1904) y Pêcheurs a la ligne (1908).

88 RETRATO

89 Siglo XX. Vanguardias Históricas/Pintura Naif 19.55.80 - Paisajes y Vistas Nombre: El Bievre en Gentilly Descripción: 1895

90 Siglo XX. Vanguardias Históricas/Pintura Naif 19.55.80 - Paisajes y Vistas Nombre: Footbridge at Passy Descripción: 1895. Óleo sobre lienzo. Colección Privada.

91 Siglo XX. Vanguardias Históricas/Pintura Naif 19.55.80 - Paisajes y Vistas Nombre: Horse Attacked by a Jaguar Descripción: 1910. Óleo sobre lienzo. 89 x 116 cm. Museo Pushkin de Bellas Artes de Moscú. Moscú. Rusia.

92 JACOB ABRAHAM CAMILLE PISARRO Jacob Abraham Camille Pissarro, más conocido como Camille Pissarro (* Saint Thomas, 10 de julio de 1830 - Ý París, 13 de noviembre de 1903), fue un pintor impresionista y después neo-impresionista francés. Está considerado como uno de los fundadores del movimiento impresionista. Como decano del impresionismo tuvo un importante papel de conciencia moral y guía artístico. Pintó la vida rural francesa y escenas del barrio de Montmartre. Entre sus discípulos se cuentan Paul Cézanne, Paul Gauguin, Jean Peské y Henri-Martin Lamotte. Nació en Santo Tomás, en las Antillas danesas, el padre, judío de origen francés, dedicado al comercio, en 1841 le envió a cursar estudios a París. De regreso en su isla natal trabajó en el comercio del padre, hasta que en 1851, el pintor danés, Fritz Melbye, requiere de sus servicios, a pesar de la oposición de sus padres a que se convirtiese en artista. Gracias a esto, Pissarro viaja a Venezuela y a París, En París asistió a la Escuela de Bellas Artes y a la Academia de Jules Suisse. Estudió con el paisajista francés Camille Corot y trabó amistad con Claude Monet, Cézanne y Armand Guillaumin. Sobre todo se relacionó con Monet, con él, pinta al aire libre en Pontoise y después en Louveciennes. Ambos barbudos, en entrañable amistad, van encontrando paso a paso el estilo que les hará famosos y que desembocará en el impresionismo. Contrajo matrimonio con Julie Vellay, la antigua doncella de su madre, que ya le había dado dos de los siete hijos en que fructificará su matrimonio. Mientras tanto, se entera de que su casa de Louveciennes ha sido convertida por los alemanes en matadero, que muchas de sus pinturas han sido utilizadas como tarima en el embarrado jardín y que, al fin, casa y cuadros han sido destruidos por un incendio. Claude Monet y Pissarro coincidieron también en Londres, donde conocieron a Durand-Ruel (1831-1922), que se convirtió a partir de ese momento en el marchante "oficial" del grupo. Pissarro y Monet hicieron en Londres estudios de edificios envueltos en nieblas. Su estilo en esta época era bastante tradicional. Se le asocia con la Escuela de Barbizon aunque pasado algún tiempo evolucionó hacia el impresionismo. Se le considera, junto con Monet y Alfred Sisley, uno de los impresionistas puros, diferenciándose del grupo de los "problemáticos" (Renoir, Degas, Cezanne). Al volver a Francia después de su estancia en Londres, participó plenamente en las exposiciones del grupo impresionista, del que fue cofundador. Además, fue el único que participó en las ocho exposiciones del grupo (1874-1886). Durante la Guerra Franco-prusiana, (1870-1871), volvió a residir en Inglaterra, donde estudió el arte inglés y en especial los paisajes de William Turner. En los años 80 experimentó con el puntillismo y produjo escenas rurales de ríos y paisajes y también escenas callejeras de París, como La calle Saint- Honoré después del mediodía (1897, Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid), La Haya y Londres. Atraído por la tierra, pintó la vida rural francesa, en particular paisajes y escenas representando personas trabajando en el campo. Del período llamado de Pontoise (1872-1884, aproximadamente), cerca de París. Durante treinta años los alrededores de la villa constituirán el tema de su arte. Le acompaña ahora Cézanne, al que inicia en los secretos del impresionismo. De esta época datan sus mejores obras inspiradas en Monet y Cézanne: La siega en Montfoucault (1876), Los tejados rojos (1877), Primavera en Pontoise (1877). Tras un período neoimpresionista, volvió al lirismo y al esplendor cromático del impresionismo. También son famosas sus escenas de Montmartre. En 1884 se deja influenciar por las mezclas ópticas de Seurat y se pasa al puntillismo. En 1895, un empeoramiento de la enfermedad ocular que padecía le obligó a pintar paisajes urbanos de París desde la ventana de su casa: Avenida de la Ópera, Jardín de las Tullerías y Efecto de nieve. Falleció el 13 de noviembre de 1903 en París, no hubo de cerrarle los ojos, ya ciegos desde hacía meses. La obra de Pissarro está representada en el Museo de Orsay de París. Como profesor tuvo como alumnos a Paul Gauguin, Paul Cézanne, su hijo Lucien Pissarro y la pintora impresionista estadounidense Mary Cassatt. Políticamente fue simpatizante del anarquismo

93 RETRATO

94 Época: 60.10 - Siglo XIX. Impresionismo 19.20.20 - Paisaje Urbano Nombre: El Louvre, mañana brumosa Descripción: 1901. Óleo sobre lienzo. 73 x 92 cm.

95 Época: Siglo XIX. Impresionismo 19.20.20 - Paisaje Urbano Nombre: Ermita nevada Descripción: 1874. Óleo sobre lienzo. Colección privada.

96 Época: Siglo XIX. Impresionismo 19.20.20 - Paisaje Urbano Nombre: La Plaza del Teatro Francés Descripción: 1898. Óleo sobre lienzo. 65,5 x 81,5 cm. Museo del Hermitage. San Petersburgo. Rusia

97 JOSE MANUEL BROTTO Zaragoza, 1949 Establecido en la ciudad de Barcelona, a principio de la década de los setenta, funda la revista "Trama" que hasta 1976 funcionará como espacio de reflexión de artistas e intelectuales. Influenciado por el grupo francés "Soporte/Superficie", que hacia 1966 reclaman un regreso a la "Pintura" tras el desorden producido por los últimos movimientos conceptuales, Broto recurre a una técnica basada en recubrimientos y goteos, en los que flotan estructuras de marcada índole arquitectónica, para realizar una personal reflexión sobre la misma actividad pictórica. Destacan su series dedicadas a compositores contemporáneos, realizadas a finales de los años ochenta.

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99 Siglos XX y XXI. Arte Último/Abstracción 19.80.28 - Pintura Abstracta Nombre: La cruz Descripción: 1988. Acrílico y collage sobre tela. 230 x 230 cm.

100 Siglos XX y XXI. Arte Último/Abstracción 19.80.28 - Pintura Abstracta Nombre: Du cristal Descripción: 1995. Acrílico sobre lienzo. 26 x 26 cm.

101 Siglos XX y XXI. Arte Último/Abstracción 19.80.28 - Pintura Abstracta Nombre: Las cifras: siete Descripción: 1988. Acrílico y collage sobre tela. 230 x 230 cm.

102 PAUL KLEE Paul Klee (Münchenbuchsee, Suiza, 18 de diciembre de 1879 - Muralto, Suiza, 29 de junio de 1940) fue un pintor alemán nacido en Suiza, que desarrolló su vida en Alemania, cuyo estilo varía entre el surrealismo, el expresionismo y la abstracción. Klee nació en Münchenbuchsee, cerca de Berna, Suiza, en una familia de músicos, de padre alemán y madre suiza. Trabajaba en óleo, acuarela, tinta y otros materiales, generalmente combinándolos en un solo trabajo. Sus cuadros frecuentemente aluden a la poesía, la música y los sueños, y a veces incluyen palabras o notas musicales. Paul Klee estuvo tambien relacionado con el movimiento expresionista.En 1914, visitó Túnez y quedó impresionado con la calidad de la luz del lugar, por lo que escribió en su diario: "El color me posee, no tengo necesidad de perseguirlo, sé que me posee para siempre... el color y yo somos una sola cosa. Yo soy pintor." Después de la Primera Guerra Mundial, donde participó como soldado por ser ciudadano alemán, Klee enseñó en la Bauhaus, y a partir de 1931, en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, antes de ser denunciado por los nazis por producir «arte degenerado». En 1933 dejó la enseñanza y regresó a Berna, donde realizó una gran exposición en la Kunsthalle (1935). En 1936 se le diagnosticó esclerodermia, una grave enfermedad degenerativa. En 1940 fue internado en una clínica de Muralto-Locarno, donde falleció el 29 de junio. A lo largo de su vida, Paul Klee usó el color de maneras variadas y únicas, y mantuvo con él una relación que progresó con el tiempo. Para un artista que amaba tanto la naturaleza parece algo extraño que en sus comienzos Klee despreciara el color, creyendo que no era sino una decoración. Con el tiempo Klee cambió de idea y llegó a manipular el color con una enorme precisión y pasión, hasta tal punto que terminó enseñando teoría del color y de su mezcla en la Escuela de la Bauhaus. Sus pinturas y acuarelas mostraron el dominio de unas armonías cromáticas delicadas y de ensueño, que generalmente usó para crear composiciones sencillas y semiabstractas o incluso efectos que las asemejan a mosaicos. A partir de 1935, afectado por una enfermedad, Klee adoptó un estilo claro, sencillo, caracterizado por líneas gruesas como de carboncillo y grandes áreas de colores matizados.

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104 Siglo XX. Vanguardias Históricas/Expresionismo 19.45.50 - Animales Nombre: Cat and Bird Descripción: 1928. Oil and ink on gesso on canvas, mounted on wood. 38.1 x 53.2 cm. Sidney and Harriet Janis Collection Fund.

105 Siglo XX. Vanguardias Históricas/Expresionismo 19.45.50 - Animales Nombre: El concierto de los partidos Descripción: 1907. Acuarela sobre pluma y tinta china sobre papel de dibujo. 24.4 x 33 cm. Fundación Paul Klee. Kunstmuseum. Berna.

106 Siglo XX. Vanguardias Históricas/Expresionismo 19.45.20 - Costumbres y Espectáculos Nombre: The Artists at the Window Descripción: 1909. Watercolor and colored chalk. Colección Felix Klee. Berna. Suiza.

107 PEDRO ZUBIZARRETA Pedro Zubizarrerta Puente nace en 1946, en Cabezón de la Sal, Vernejo, Cantabria, España. En 1969-1974, realiza estudios de Bellas Artes en Barcelona: escultura como especialidad, dibujo artístico, pintura, muralismo y cerámica como parte integral del aprendizaje. En Madrid, desde 1975, realiza obra escultórica y estudia las diferentes técnicas del grabado, que en 1983 ampliará en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México, plantel Xochimilco, México D.F., ciudad donde reside desde ese año. Ha realizado 41 exposiciones individuales y 48 colectivas en los siguientes paises: España, Alemania, Francia, Mónaco, Italia, Suiza, Holanda, Ecuador, Estados Unidos y México. Tiene obra en los siguientes museos: Arte Contemporáneo de Elche, Alicante, España; Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Oaxaca, México; Museo de la Universidad de Ostos, Bronx, Nueva York, Estados Unidos.dibujoexposicionesArte Contemporáneo

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112 ANTONIO LÓPEZ GARCÍA Pintor español que, si bien, técnicamente podría considerarse como hiperrealista, la magia lumínica, heredada de Velázquez o Zurbarán, que impregna sus composiciones, le aparta de esta corriente, conformándolo como un autor único, simbólico y enigmático para el que el proceso pictórico es de tanta importancia como la obra terminada. Esto se pone de manifiesto en el film de Víctor Erice “El Sol del Membrillo”, en el cual Antonio López reflexiona sobre el objeto pictórico, la actividad artesanal y creativa y su constante preocupación sobre el paso del tiempo. Destacan sus crónicas familiares, a modo de retratos o bodegones y sus vistas panorámicas de Madrid En junio de 1961 inaugura su primera exposición individual, en la Galería Biosca de Madrid, y, en 1993 el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid realiza su exposición

113 El manzano

114 El reloj

115 MIGUEL BARCELÓ Felanitx, Mallorca. (1957- Realiza su primera exposición en 1974, año en el que viaja por primera vez a París, donde descubre a Klee, Dubuffet y en especial algunas obras de Art Brut. Se instala en esa ciudad a principios de los años ochenta, y es ya un autor reconocido cuando, en 1982 participa en la Documenta de Kassel. Artista con una muy peculiar concepción de la pintura, alejado de las modas y corrientes dominantes, realiza un proceso de introspección, personal por un lado, con un carácter casi autobiográfico, y matérica por otro, en el juego de los materiales y las texturas. A partir de 1986 su temática se amplia abordando las naturalezas muertas y los bodegones, de los que en una entrevista con Kevin Power (Conversaciones. Ed. Diputación de Alicante, 1985) dice: “ lo que me preocupa con el bodegón es trabajarlo como materia orgánica, sentirlo como pura materia”. Su viaje a África en 1988, le llevará a la utilización en sus obras de pigmentos locales y sedimentos fluviales, y, a su regreso a Europa, a la incorporación temática de paisajes, desiertos y dunas.

116 Siglos XX y XXI. Arte Último/Figuración 19.70.75 - Paisajes y Vistas Pedra blanca sobre pedra negra

117 Siglos XX y XXI. Arte Último/Figuración 19.70.75 - Paisajes y Vistas Nombre: L'amour fou

118 (Jean-Michel Basquiat)

119 Nueva York, (1960-1988) Nace el 22 de diciembre en Brooklyn, hijo de madre portorriqueña y padre haitiano. De formación autodidacta, en la segunda mitad de los años setenta, comienza a pintar camisetas, postales y graffitis, imbuido en la cultura callejera de las minorías raciales y del Hip-Hop. Es en la calle, donde conoce a Keith Harring, con el que le une una amistad que durará hasta el final de su vida. En 1980, participa, por primera vez, en la exposición colectiva “The Times Square Show”, especie de galería de arte alternativo y moda. En 1981 se exponen sus graffitis en la “Documenta VII” de Kassel. A partir de este momento, su arte será reclamado para las más importantes exposiciones colectivas europeas, compartiendo lugar con David Salle, Julian Schnabel, Francesco Clemente o Andy Warhol, al que conocerá personalmente, colaborando con él desde 1984. Su arte evoluciona hacia una mayor objetualidad creando lienzos, aunque sin abandonar nunca sus orígenes y estética callejera y de mestizaje, tomando conciencia de la realidad social y criticando el poder de los políticos, la religión y los mass-media. En agosto de 1988 aparece muerto en su apartamento y las causas, según el informe de la autopsia fueron “Intoxicación aguda por mezcla de drogas: Cocaína y Opiáceos”

120 Siglos XX y XXI. Arte Último/Figuración 19.70.90 - Retratos Nombre: Cabeza

121 Siglos XX y XXI. Arte Último/Figuración 19.70.90 - Retratos Nombre: Autorretrato

122 Juan Gris - (José Victoriano González)

123 José Victoriano González-Pérez, conocido artísticamente como Juan Gris (Madrid, 23 de marzo de 1887 - Boulogne-sur-Seine, Boulogne-Billancourt, Francia, 11 de mayo de 1927), fue un pintor español que desarrolló su actividad principalmente en París como uno de los maestros del cubismo. José Victoriano González Pérez nace en Madrid el 23 de marzo de 1887, hijo de padre merchante, familia bien situada y que le permitió entrar gradualmente en un ambiente de clase media. Entre 1904 y 1906 estudia en la escuela de artes y oficios de Madrid y en el estudio de José Moreno Carbonero. En su adolescencia es ilustrador de publicaciones como Blanco y Negro y Madrid. En 1906 para evitar la milicia y conocer vida artística, se muda a París donde conoce a Pablo Picasso y Georges Braque. Vive en un hostal sin baño en el Bateau-Lavoir de Montmartre, durante alrededor de diez años. Al año siguiente pasó el verano con Picasso en Céret, allí comenzó un periodo en el que desarrolló la técnica del "collage" (formas recortadas en papel y pegadas al lienzo). Un ejemplo típico de su técnica de "collage" es Vasos y periódico. Los primeros años vive dibujando para L'Assiette au Beurre y Charivari. Sus primeros intentos como pintor cubista son de 1910 aunque en los museos españoles existen pocos ejemplos. Después de 1925 utilizó sobre todo el gouache y la acuarela y realizó algunas ilustraciones para libros. Durante la década de 1920 empeoró seriamente su salud y murió, con apenas cuarenta años, en Boulogne- Sur-Seine el 11 de mayo de 1927.

124 Siglo XX. Vanguardias Históricas/Realismo 19.55.20 - Bodegones y Flores Nombre: Siphon et bouteilles

125 Siglo XX. Vanguardias Históricas/Realismo 19.55.20 - Bodegones y Flores Nombre: Tres lámparas

126 FRANCOIS BOUCHER

127 Nació en París en el año 1703, estudió con el pintor Francois Le Moyne, pero sobre todo le influenció su contemporaneo Antoine Watteau. Su trabajo se caracteriza por la frivolidad y sensualidad del estilo Rococó, fue famoso por sus escenas mitológicas y pastorales, gran pintor del erotismo por las abundantes representaciones que realizó del cuerpo femenino en las mas variadas actitudes, pero siempre en situaciones de intimidad y rodeado de una sofisticada interpretación de la naturaleza. En 1765 se convirtió en pintor del Rey. Falleció en París el 30 de Mayo de 1770.

128 FRANCISCO BAYEU Y SUBÍAS

129 Nació en Zaragoza en el año 1734, se inició en la tradición del barroco español y la pintura italiana del siglo XVIII, fue discípulo de Mengs. Cuñado de Goya y hermano de Ramón y Fray Manuel Bayeu. Extendió su actividad a todos los campos de la pintura, pero cultivó con preferencia las decoraciones al fresco de palacios e iglesias y la confección de cartones para tapices en los que plasmó diversas escenas de la vida popular madrileña. En este aspecto coincidió con su hermano Ramón y con José del Castillo. Se trasladó a Madrid en 1763 para colaborar en las decoraciones palaciegas y fue nombrado por Carlos III pintor de Cámara en 1767, en 1788 se convirtió en director de pintura de la Real Academia de San Fernando. Falleció en 1795 a los 57 años de edad víctima de saturnismo.

130 Siglos XVII/ XVIII. Clasicismo. Neoclasicismo/Romanticismo 18.20.50 - Costumbres e Historia Nombre: El Paseo de las Delicias en Madrid

131 Siglo XVIII. Barroco/Rococó 18.10.50 - Costumbres e Historia Nombre: La rendición de Granada WILLIAM BLAKE

132 UMBERTO BOCCIONI

133 Italia. (1882-1916) Fue uno de los líderes del movimiento futurista. En 1910, escribió el Manifiesto de los pintores futuristas en el que hacía la revolucionaria propuesta de que los artistas se liberaran del pasado y abrazaran el mundo moderno con su movimiento, su velocidad y su dinamismo. Utilizó los colores complementarios para crear un efecto de vibración; expresa el movimiento presentando una secuencia de varios movimientos al mismo tiempo. En sus esculturas intentaba ilustrar la interacción que se establece entre un objeto en movimiento y el espacio que lo rodea. Falleció el 16 de Agosto de 1916 a consecuencia de una caída de caballo.

134 Siglos XIX y XX. Simbolismo 19.35.20 - Dibujos y Grabados Nombre: Caricature of Carlo

135 Siglos XIX y XX. Simbolismo 19.35.20 - Dibujos y Grabados Nombre: Ciociara

136 (Arnold Böcklin)

137 Basilea, 1827 - Fiésole, 1901 Artista suizo que perteneció al circulo de los Neoclásicos-Romano- Germanos. Comenzó pintando paisajes al modo romántico tradicional, escenas bucólicas y luminosas, influenciado por su visita a Italia entre 1890 y 1897. Más adelante, su pintura evolucionó hacia una mayor voluptuosidad, sobre todo en las figuras, que pasan, de formar parte de una vista general, como motivo casi anecdótico, a ser parte central de la composición en temas mitológicos y alegóricos. La proyección del arte de Böcklin, nos acerca a la Pintura Simbolista, que recoge ese espíritu mágico y casi irreal, para representar los valores fundamentales del ser humano.

138 Siglos XIX y XX. Neoclasicismo/Romanticismo 19.10.50 - Mitología y Alegorías Nombre: Centaure et nymphe

139 Siglos XIX y XX. Neoclasicismo/Romanticismo 19.10.50 - Mitología y Alegorías Nombre: La Complainte du berger (Daphnis et Amaryllis)

140 Canaletto - (Giovanni Antonio Canal)

141 Nació el 28 de Octubre de 1697 en Venecia, en el seno de una familia arraigada en la ciudad, aunque de origen popular. Bernardo Canal, el padre, era decorador de escena. El fue quien le inició en los pinceles y quien le llevó a Roma en 1719 cuando fue a relizar la escenografía de unas óperas. Quizá fue Roma la que despertó en Canaletto su característico estilo de vedutista naturalista: plasmar en el cuadro con toda fidelidad lo visto por los ojos y lo corregido por la inteligencia con afán de "fotografiar" la realidad. En 1720 regresó de nuevo a Venecia, dedicado a describir pictóricamente con todo pormenor lo que ve. Pinta para vender sus obras al turista extranjero, atraído por la magia de Venecia, deseoso de llevarse un recuerdo y un testimonio de la visita. Para aumentar la productividad y satisfacer las exigencias de su marchante Joseph Smith, solicita la ayuda de colaboradores, entre ellos su sobrino, Bernardo Belloto, que copiará e imitará a su tío. Canaletto pinta de acuerdo con los gustos de su público ya tocado por el morbo del racionalismo y de la pseudoobjetividad científica. Incluso llega a utilizar el método de la cámara oscura para no olvidar ningún detalle y conservar la exacta perspectiva. En 1746, en busca de nuevos horizontes, se va a Londres, donde ya estaban Tiepolo y Belloto, el resultado es decepcionante, sus trabajos no muestran la misma calidad que los que realizara en Venecia o en otras partes de Italia. Dos años después regresa a Venecia, consigue su ingreso en la Academia veneciana en 1763, pero algo se ha apagado en el alma del pintor que no vibra ante la amada traicionada. El 20 de abril de 1768 moría entre canales y palacios. Sus restos descansan en Venecia y la mayoría de sus obras en la Royal Collection británica.

142 Siglo XVIII. Barroco/Rococó 18.10.20 - Paisajes y vistas Nombre: Basílica de Vicenza y puente de Rialto

143 GEORGE BRAQUES

144 Braque nació el 13 de mayo de 1882 en Argenteuil-sur-Seine. Junto con Pablo Picasso contribuyó al origen y desarrollo del cubismo, del cual es una de las figuras más importantes. En 1905 empezó a pintar al modo de los fauvistas, utilizando colores puros y brillantes en composiciones de estructura muy libre. Sin embargo, ya en 1908, su atención se había desplazado a las obras de Paul Cézanne. El interés de éste por las formas extrañamente distorsionadas y sus perspectivas poco convencionales llevaron a Braque a pintar de un modo que más tarde se conocería como cubista. Entre 1908 y 1913 llevó a cabo un exhaustivo estudio sobre los efectos de la luz y de la perspectiva y los medios con los que cuentan los pintores para representar estos efectos. Picasso, con quien Braque empezó a trabajar en estrecha colaboración a partir de 1909, utilizaba un enfoque pictórico similar. Desde 1910 a 1912 ambos artistas realizaron obras estructuradas en complejas formas geométricas y pintadas con colores neutros, que hoy son conocidas como cubismo analítico.. Tras la guerra, Braque desarrolló un estilo más personal, que se caracteriza por los colores brillantes y la textura de las superficies y, por la reaparición de la figura humana. En esa época pintó muchas naturalezas muertas y escenas de playa. Murió el 31 de agosto de 1963 en París.

145 Siglo XX. Vanguardias Históricas/Fauvismo 19.40.80 - Bocetos y Dibujos Nombre: El puerto de El Havre

146 Siglo XX. Vanguardias Históricas/Fauvismo 19.40.80 - Bocetos y Dibujos Nombre: Estudio de desnudo

147 BERTHE MORISOT

148 Nacida en Bourges, en el seno de una familia burguesa, hija de un funcionario y con grandes dotes naturales para la pintura, fue precisamente su familia quien animó a Berthe y a su hermana Edma a iniciarse en el arte. Morisot demostró la posibilidades de las mujeres en las artes a fines del siglo XIX. Copió en el Louvre y cuando a la edad de 20 años, quiso trabajar al natural, recibió algunos consejos de Corot, importante paisajista de la Escuela de Barbizon, que en lo sucesivo fue uno de los habituales del hotel de los Morisot en Passy. La vida de Berthe Morisot se vio ensombrecida por la muerte de Édouard Manet en 1883, la de su esposo, Eugène Manet, en 1892, y la de su hermana. Educó sola a su hija, Julie Manet, con quien mantuvo siempre lazos muy fuertes. Al morir a los cincuenta y cuatro años, confió su hija a sus amigos, Edgar Degas y Stéphane Mallarmé. Berthe Morisot murió en 2 de marzo de 1895 en París y está enterrada en el cementerio de Passy en París. En la actualidad, sus pinturas pueden alcanzar cifras de más de 4 millones de dólares.

149 PAUL CEZANNE

150 Nació el 19 de Enero de 1839 en Aix-en-Provence, al sur de Francia, pero pronto se fué a estudiar arte a París donde se empezó a sentir atraido por la obra de Delacroix, Courbet y Manet. Las primeras obras de Cezanne están pintadas con pigmentos espesos y en tonos oscuros recuerdando el expresionismo romántico y melancólico de generaciones anteriores. Bajo la tutela de Pissarro, Cezanne empezó a interesarse por las escenas de la vida rural utilizando colores brillantes, pero, mas tarde, descubrió un modo de representar tanto la luz como las formas de la naturaleza simplemente mediante el color. Es considerado como el padre del arte moderno, aunque dejó la mayor parte de sus obras sin acabar y destruyó muchas otras. Falleció el 22 de Octubre de 1906 en Aix-en-Provence.

151 Siglo XIX. Realismo 19.10.93 - Bodegones y Flores Nombre: Naturaleza muerta

152 Siglo XIX. Realismo 19.10.93 - Bodegones y Flores Nombre: Naturaleza muerta con tarro, cafetera y fruta

153 GUSTAVE COUBET

154 Nació el 10 de Junio de 1819 en Ornans, en el seno de una próspera familia campesina, que le proporcionó una esmerada educación. En 1841 llegó a París, para seguir los deseos paternos de estudiar leyes, pero con la intención secreta de formarse como pintor copiando y analizando los maestros del Louvre. Estudió sobre todo a Velázquez y Ribera, y otros pintores del siglo XVII español. En 1871 fué nombrado director de los museos de París por la revolucionaria Comuna de París, desde ese puesto, logró salvar las colecciones del Louvre del incendio de las Tullerías y del saqueo de las masas, pero sin embargo, tras la caída de la Comuna, fué acusado falsamente de haber permitido el derribo de La columna de Napoleón, situada en la Plaza Vendòme, fué encarcelado y obligado a expatriarse en 1873. Se trasladó a vivir a Verey (Suiza) en donde falleció el 31 de Diciembre de 1877.

155 Siglo XIX. Realismo 19.10.93 - Bodegones y Flores Nombre: Ramo de flores de un manzano

156 MARC CHAGALL

157 Pintor y diseñador francés de origen ruso, conocido por su inventiva surrealista. Se le reconoce como uno de los pintores y artistas gráficos más relevantes del siglo XX. Chagall nació en el seno de una familia judía el 7 de julio de 1887, en la ciudad rusa de Vitebsk y recibió instrucción artística en San Petersburgo y, desde 1910, en París, donde permaneció hasta 1914. El uso singular del color y la forma en Chagall deriva en parte del expresionismo ruso y recibió una influencia decisiva del cubismo francés. Sus obras evocan de modo característico escenas de la vida de la comunidad judía en las pequeñas aldeas rusas. Chagall también ilustró obras literarias y terminó las pinturas que decoran uno de los techos de la Ópera de París. Murió el 28 de marzo de 1985 en Saint Paul de Vence, en el sur de Francia.

158 Siglo XX. Escuela de París 19.65.15 - Paisajes y Vistas Nombre: París por la ventana

159 WILLIAMS BLAKE

160 Inglaterra. (1757-1827) Nació en Londres el 28 de Noviembre de 1757. Aunque su formación es primordialmente autodidacta, estudió durante un breve periodo de tiempo en la Royal Academy, pero se rebeló contra las doctrinas estéticas de su director. Fué un famoso poeta, pintor y grabador, se le considera un preromántico porque rechazó el estilo intelectual del neoclasicismo, defendiendo siempre la imaginación frente a la razón, la mayoría de sus pinturas son de temática religiosa. En el año 1880 se trasladó a Felpham, sus últimos años los vivió en la pobreza, falleciendo en Londres el 12 de Agosto de 1827.

161 Siglos XIX y XX. Neoclasicismo/Romanticismo 19.10.63 - Dibujos y Grabados Nombre: Beatriz en el carro, Matilde y Dante