Reflexiones sobre el filme Taxi driver Reflexiones sobre el filme

Cine y sociedad en los 70s Luego del escándalo de Watergate y de la derrota de la prolongada guerra de Vietnam se generó un desengaño y frustración colectivas muy fuerte en la sociedad norteamericana. La industria del cine reacciona a través de superproducciones espectaculares, escapistas y autocomplacientes. Este cine buscaba subrayar las virtudes tecno-científicas de la sociedad industrial avanzada en el momento de su más terrible crisis económica, energética, ecológica.

El neo Hollywood Como alternativa a lo anterior, a mediados de la década del ’70 que emergió el llamado Neo- Hollywood, donde algunos directores pretendieron crear un cine alternativo como respuesta y reflejo de la crisis. Se trata de un cine de autor que pretende aunar las reivindicaciones estéticas y las rivalidades comerciales, pero sin renunciar a la tradición espectacular norteamericana. En 1976, además, comienza a abordarse en el cine el tema considerado tabú de la guerra de Vietnam. Adoptando una perspectiva más humanitaria y psiquiátrica que política, Taxi Driver reflejaría esto, presentando el papel de un ex-combatiente psicópata.

Un taxi driver Las imágenes iniciales de la película presenta un taxi saliendo de la niebla e inmediatamente la mirada del taxista en un primer plano, alternado ésta con imágenes difusas de la ciudad de Nueva York. Desde el punto de vista técnico, cabe destacar los frecuentes virajes de cámara, manteniendo siempre la focalización desde Travis. Por otra parte, el aspecto cromático de la película presenta frecuentemente el manejo de tonos oscuros reflejando la extrañeza y desagrado que marcan la relación de Travis con la ciudad.

Una historia común… La historia de Travis comienza mostrando su iniciación como taxista: el antihéroe (pos)moderno. El argumento se presenta como diario de vida de un personaje marginal y común: solitario, aislado, incomunicado, intentando en todo momento establecer lazos con el exterior. El uso de la voz en off, como técnica utilizada a lo largo de la película, expresa el diario íntimo que el taxista va escribiendo. De ese modo, se logra un adentramiento en la mente del personaje de modo directo, accediendo a su auténtica intimidad. La banda sonora original que contribuye a crear un estado emocional cercano a la claustrofobia y a la desolación. Además, sirve para identificar al personaje en distintos pasajes importantes de la película.

¿Un ángel en el Infierno? Uno de los núcleos importantes del filme es el intento de salvación del personaje por medio del amor de Betsy (definida como un ángel en el infierno ciudadano). El fracaso amoroso desencadena la creciente enajenación del personaje, que va aumentando su desprecio por la ciudad.

La evolución de Travis Como elemento técnico, resaltan en esta secuencia los cambios en el aspecto físico del protagonista: peinado, vestimenta. Va transformándose para accionar frente a la realidad que detesta. Para esto el personaje va adoptando otras identidades , en un proceso de destrucción de su “yo” inicial. Se presentan claramente dos estereotipos: el “vaquero” y “punkie”. La escena final se erige como parodia de la secuencia narrativa del “rescate de la princesa” de las manos de sus guardianes. Los elementos paródicos son: el modelo del “héroe” (ahora punk), la violencia extrema de la escena final y la figura de la “princesa” prostituta.

La razón de la sinrazón La vivencia desencantada de Travis nos acerca a la experiencia del hombre contemporáneo, producto enajenado de la sociedad posmoderna. ENAJENACIÓN: “Un modo de experiencia en que la persona se siente a sí misma como un extraño. Podría decirse que ha sido enajenado de sí mismo. No se siente a sí mismo como centro de su mundo, como creador de sus propios actos y las consecuencias de ellos se han convertido en amos suyos (…) La persona enajenada no tiene contacto consigo misma, lo mismo que no lo tiene con ninguna otra persona.” “El miedo a la libertad” Erich Fromm