ESCULTURA GRIEGA

CARACTERES DE LA ESCULTURA GRIEGA 1) La escultura tuvo como protagonista al ser humano. 2) Los escultores griegos trataron de plasmar la belleza física del cuerpo humano, por tanto, a los hombres y mujeres se tendió a representarlos desnudos o usando técnicas que insinuaban la anatomía humana (Ej. Paños mojados de Fidias). 3) Se dio una inclinación a la idealización del cuerpo humano. Se trató de reflejar la belleza idealizada, sin defectos. Aunque en la época helenística de dio un giro hacia un tipo de realismo, en el cual las figuras aparecen realizando acciones comunes aunque no muestran su aspecto natural. 4) La belleza se entendía como la armonía entre medidas, de proporción entre las partes del cuerpo. La belleza residía en la relación numérica de cada parte con la inmediata y de todas con el conjunto. 5) Los artistas griegos no se limitaron al exterior de las figuras sino que trataron de exteriorizar estados de ánimo (expresiones del espíritu) desde la impasibilidad de las esculturas de la época arcaica, a la serenidad de la estatuaria de la época clásica, hasta llegar a gestos de dramatismo, de dolor y desesperación de ciertas obras de la época clásica pero sobre todo helenística.

6) Otra preocupación fundamental fue la plasmación del movimiento 6) Otra preocupación fundamental fue la plasmación del movimiento. Partiendo del hieratismo (falta de movilidad) de las representaciones escultóricas arcaicas, se llegaba a los movimientos serenos y contenidos de la época clásica (apolíneo) hasta desembocar en figuras que se agitaban, retorcían convulsivamente, se movían violentamente o estaban en disposiciones forzadas (dionisíaco), como ocurrió en los momentos finales del clasicismo y en la etapa helenística. 7) Era una escultura policromada. Las obras escultóricas (hechas en terracota o mármol) se cubrían de colores, aunque este aspecto no se puede apreciar en la actualidad por no haberse conservado pinturas en la mayoría de las estatuas (además muchas de ellas son copias romanas). Con ello acentuaban el sentido de realidad 8) Los materiales utilizados fueros diversos: *Terracotas (figuras de barro cocido). Sobretodo en la época arcaica. Las acróteras de los templos se solían hacer en este material. *Caliza. *Mármol. Fue el material más empleado y en el que están hechos los mejores ejemplos de estatuaria griega. *Bronce. *Oro y marfil. Esculturas crisoelefantinas.

9) Los griegos hicieron diversas tipologías de esculturas, principalmente de bulto redondo, pero también hubo numerosos relieves (altos y bajos). 10) Función. En un origen la esculturas griegas estaban destinadas a los templos, bien al culto de los dioses o como exvotos (ofrenda que se le ofrecía a la divinidad como agradecimiento de un don recibido); y a tumbas. También fueron frecuentes las representaciones de atletas desnudos, de damas haciendo una ofrenda, escenas mitológicas o hazañas guerreras.

PERÍODO ARCAICO (siglos VII al VI a.C.) Durante la edad arcaica encontramos dos tipos básicos, El kouros (kouroi en plural): jóvenes desnudos, de aspecto atlético, con función religiosa (exvotos) La koré (korai en plural): mujeres vestidas con una túnica y velo, frecuentemente sacerdotisas del Dios Apolo

PARALELISMO ENTRE LA ESCULTURA EGIPCIA Y LA GRIEGA DEL PERÍODO ARCAICO Figuras influenciadas por la plástica egipcia dado el notable frontalismo, la geometrización del cuerpo humano y la falta de expresividad y la ausencia total de movimiento.

LA ESTATUA-BLOQUE TRÍADA DE MICERINO (3000 a.C.) KUROS DE ANAVISSOS (SIGLO VI a.C.)

CARACTERÍSTICAS Esculturas realizada en piedra caliza y mármol. Rigidez:dificultad para doblar dedos y extremidades. Ausencia de movimiento. Las figuras son auténticos bloques:dificultad para separar los brazos del cuerpo. Ojos almendrados que sobresalen debajo de una frente estrecha. Pelo ordenado en superficies geométricas (recuerda al “peinado de pisos”). Expresión hierática fruto de la herencia oriental.

A la falta de expresividad contribuye la “sonrisa arcaica”. Figuras dominadas por la ley de la frontalidad y la ley de la simetría: el cuerpo está realizado para ser contemplado exclusivamente de frente y dividido en dos mitades exactamente iguales. Carácter votivo son ofrendas o dedicadas a los dioses

CABEZA DO KUROS Sonrisa arcaica. Ojos almendrados. Simetría bilateral Prototipo de “kuros”. Geometrización en el cabello.

KUOROS DEL MUSEO METROPOLITANO DE NUEVA YORK

Moscóforo Escuela arcaica (s.VI a.C.)

MODELO ICONOGRÁFICO FEMENINO: “KORÉ” KORÉ DE QUÍOS KORÉ DEL PEPLO

Escuela de Creta (VII a.C.) Dama de Auxerre Escuela de Creta (VII a.C.) Dama de Auxerre (Reconstrucción) Escuela de Creta (VII a.C.)

SIGLO V (PRE-CLASICISMO) PERIODO DE TRANSICIÓN O PERIODO SEVERO Durante este periodo en la escultura perviven algunos rasgos arcaicos (rigidez, sonrisa arcaica...) junto con los nuevos valores que se implantaron en el clasicismo (movimiento, expresión de sentimientos, naturalidad, etc.)

Obras: 1- Relieves del frontón del templo de Afaia en Egina. (s. V a. C.). Eran esculturas que estaban en relación al marco arquitectónico en el que se inscribían, por tanto, la composición se adaptaba a la forma triangular del frontón, apareciendo desde figuras erguidas en el centro hasta arrodilladas inclinadadas, tumbadas a medida que nos acercabamos a las esquinas. La escena muestra a un grupo de guerreros en plena lucha, donde el dinamismo de sus cuerpos nos indica el camino hacia el clasicismo mientras la sonrisa arcaica nos remite a la época arcaica.

Relieves del frontón del templo de Zeus en Olimpia Relieves del frontón del templo de Zeus en Olimpia. Desarrolla temas como el de un grupo de mujeres que estaba siendo atacado por centauros y que tratan de evadirse de sus captores. El movimiento está representado con gran maestría.

El trono Ludovisi. Son varios relieves El trono Ludovisi. Son varios relieves. Combinan rasos arcaicos y clásicos. Resaltar las formas anatómicas más onduladas y la mayor sensación de movimiento. Temas: a) El nacimiento de Afrodita; composición simétrica, vestidos que sugieren las formas anatómicas, pliegues poco naturales.

El Auriga de Delfos (s. V a. C. ). Es una estatua de bronce El Auriga de Delfos (s. V a. C.). Es una estatua de bronce. Formaba parte de un grupo escultórico mayor. Se trata de una figura rígida (de pie), con sonrisa forzada. La túnica del Auriga se compone de pliegues que caen de forma vertical que han sido comparados con las acanaladuras del fuste de una columna. El cabello lo presenta con rizos ordenados geométricamente y en disposición geométrica (no natural

Zeus lanzando el rayo. Poseidón con su tridente Estatua de bronce que se encontró en el mar cerca del cabo Artemisón. La movilidad de piernas y brazos contrasta con el arcaísmo de la cabeza y el rostro.

Guerrero de Riace

ÉPOCA CLÁSICA SIGLO V Se alcanza el IDEAL DE BELLEZA GRIEGO, aunque todavía no se alcanza plenitud en la expresión). La escultura de este período se puede analizar a través de la personalidad de sus artistas más destacados.

CARACTERÍSTICAS a) Dominio de la anatomía. b) Aplicación del canon de belleza: proporción matemática entre las diferentes partes del cuerpo. consiguen dominar las proporciones. c)  Logro de la simetría: relación armoniosa de unas partes del cuerpo con otras. d) Se consigue plasmar el movimiento, aunque todavía contenido. El “contraposto” (se inventa en Grecia para romper la “ley de la frontalidad”: manifiesta una pierna que avanza y la otra se mantiene rígida y cargada, si un hombro se levanta el otro desciende. e) Se utiliza el escorzo los miembros se mueven con naturalidad, adoptándo distintas posiciones. Así, los brazos se despegan del cuerpo y se colocan en diferentes posturas. f)  Representación de la personalidad del personaje g)  Tratamiento más delicado de la piel. 

MIRÓN EL DISCÓBOLO MIRÓN se caracteriza por: La pasión por el movimiento, predominando en sus obras composiciones en arco de círculo. Y la peculiar concepción de la escultura como imagen de un instante fugitivo (capta el movimiento en el momento de máximo esfuerzo del ejercicio atlético, con lo que plasma el máximo desequilibrio del cuerpo). EL DISCÓBOLO

1`55 m. Original en bronce, copia en mármol Composición basada en formas geométricas en tensión (triángulos –estabilidad- y arcos –dinamismo-) Cabellos sin realce formado por rizos uniformes y geometrizados Estudio anatómico, pero adolece de cierta planitud Rostro sereno, con cierta inexpresividad (no refleja esfuerzo) Representación de atleta en actividad física. Pero falto de dinamismo. Postura irreal.

POLICLETO Destaca como broncista y constructor de exvotos atléticos. Se centra en conseguir: - La anatomía idealizada: glorifica los torsos y los músculos (cuerpos ideales). - Las soluciones a los problemas de estabilidad. - Las escribe el proporciones numéricas ideales: “Canon”, en el que establece el canon ideal de “un cuerpo igual a siete cabezas”.   Se centra por lo tanto en el carácter anatómico de las figuras, ignorando la plasmación de cualquier sentimiento: trata las cabezas como esferas inexpresivas. DORIFORO

POLICLETO: BÚSQUEDA DEL CÁNON IDEAL La estabilidad se une al movimiento Actitud de avanzar. “Contraposto” Canon: el cuerpo mide siete cabezas. Todos los costados presentan calidades distintas pero armoniosas

DIADUMENOS DIADÚMENOS

Policleto (s.V a.C.) Amazona herida

FIDIAS Está considerado como el máximo paradigma del clasicismo. Trabajó junto a sus ayudantes y discípulos en la decoración escultórica del Partenón. Los caracteres de su obra escultórica son: -La belleza idealizada de sus figuras, con expresiones en los rostros que no traslucen ni sufrimiento ni gozo. -Centrar el interés en el estudio de la anatomía humana. -La naturalidad en el drapeado- los pliegues de las telas- que adquieren un carácter móvil y difuso frente a la geometrización propia del arcaísmo. -La invención de la técnica de los “paños mojados” (drapeado). Daba a las figuras vestidas (femeninas) cierto sentido de desnudez al sugerir debajo de los ropajes, que se adherían al cuerpo, las formas de este.

Obras que efectuó: Frontones del Partenon : 1- Oriental. Tema del nacimiento de Atenea, asistida por la Parcas. Las figuras se disponen con toda naturalidad (movimiento, actitudes) pese a ceñirse a los límites del espacio que ocupaban. También llaman la atención los ropajes con pliegues que se arrugan y se adaptan a la forma de la figura con un tratamiento más real. 2-Occidental. Tema del enfrentamiento entre Poseidón y Atenea por el control de Atenas.

Friso de las Panateneas Friso de las Panateneas. Estaba en los muros exteriores de la naos del Partenón. Representaba una procesión de atenienses, que llevan el “jitón” bordado por ellos mismos a Atenea en las fiestas panatenaicas. Estos aparecen al lado de los dioses a los cuales van a honrar. En estos relieves se da una mayor flexibilidad de los pliegues, movimientos suaves de brazos y piernas y posturas elegantes. Tiene 160 m de longitud.

Fidias. Relieve Metopa Centauromaquia Metopas. Representan personajes mitológicos en escenas de lucha, como el enfrentamiento entre los lapitas y los centauros en tiempos de Teseo, mítico rey de Atenas. Destacan las expresiones de dramatismo en los rostros de los personajes. Igualmente se muestran : Amazonas, Gigantes o escenas de la guerra de Troya.

Adaptación al marco sin cambiar de escala Atenea Poseidón Fidias. Frontón occidental de Partenón Elección del patrono (recreación) Fidias. Frontón oriental del Partenón Nacimiento de Atenea (recreación)

Fidias. Frontón oriental del Partenón Nacimiento de Atenea (recreación)

Fidias. Frontón occidental de Partenón Elección del patrono (recreación)

Fidias. Detalle del frontón del Partenón

Atenea Lemnia. Estatua encargada por los iudadanos de Lemnos para colocarla en su Acrópolis. Sobresale en ella la elegancia de los pliegues que revela la esencia divina del personaje.

El Zeus de Olimpia. Estatua de gran tamaño destinada para el templo de Zeus en el santuario de Olimpia, en la que este dios se mostraba sentado en su trono.

Atenea Parthenós. No se conserva, pero se conoce por testimonios Atenea Parthenós. No se conserva, pero se conoce por testimonios. Esta escultura que se situaba en el interior de la naos del Partenón. Estaba hecha con placas de oro y marfil (crisoelefantina). Medía unos 10 m de altura. ATENEA PARTHENOS

Fidias (S. V a.C.) Atenea Partenos (recreación)

CLASICISMO DEL SIGLO IV

a)  Se transforman los ideales anatómicos: canon más esbelto (Lisipo lo establece con su Apoxiomeno: un cuerpo igual a ocho cabezas, siendo ésta más pequeña). b)  Se acentúan los movimientos (la Ménade de Scopas). c) Se conquista definitivamente el volumen, es decir, la tercera dimensión (el Apoxiomeno): la disposición de los brazos (con uno en claro escorzo) hace que se involucre un espacio y que la escultura se pueda contemplar desde distintos puntos de vista. d) Mayor realismo, mostrando actitudes menos heroicas y más cotidianas, con figuras que se hacen más libres y pierden majestuosidad, acentuándose el naturalismo en gestos y actitudes. e)  Esto conlleva la individualización de los retratos. f)  Mayor expresividad facial: se muestran los sentimientos (pathos). Frente a la serenidad anterior, se aprecia en estos momentos un humanismo desgarrado, expresando los sentimientos. g)  Se prescinde de los pliegues mojados. h)   Introducción en la iconografía del desnudo femenino integral, lo que supone la creación de un ideal anatómico de mujer distinto al masculino (las Venus). También son tres los artistas más significativos de este período: Lisipo, Praxiteles y Scopas.

LISIPO Fue un artista contemporáneo de Alejandro Magno (fines s. IV a.C.) , del cual hizo varios retratos, en los que se muestra a este personaje de manera idealizada. Modifica los ideales anatómicos de Policleto, mediante un canon más alargado (ocho cabezas) y la mezcla de músculos y grasa en la anatomía. Además, sus esculturas reflejan la conquista definitiva de la tercera dimensión, a través de escorzos y de líneas transversales cruzadas por delante del cuerpo. APOXIOMENOS

Lisipo. Canon

APOXIOMENO Lisipo (s IV a.C.) Hércules Farnesio

EVOLUCIÓN DEL CÁNON LISIPO: POLICLETO: DORÍFORO (V a.C.) APOXIOMENO (IV a. C.)

PRAXÍTELES Hermes y Dionisio Es el escultor de la delicadeza, la elegancia, la belleza y las superficies suaves, lo que ha llevado a algunos críticos a calificar de blandas a sus figuras, incluso de afeminadas. ·  También es característico de sus obras la nostalgia en el rostro. ·  Destaca por el gran contrapposto de sus figuras, dando así lugar a la curva praxiteliana: leve ondulación de la cadera. Tanto que en algunas figuras como el APOLO SAUROCTONO (Apolo jugando con un lagarto), el dios necesita un punto de apoyo para no caer. · Destacará también por la introducción del desnudo femenino a través de su AFRODITA CNIDIA, que se convertirá en modelo para las imágenes posteriores. Presenta a la diosa desnuda en actitud de salir del baño, siendo considerada por los antiguos como la más hermosa escultura del mundo. Trabaja en mármol y no en bronce. Hermes y Dionisio

Apolo Sauroctono

Venus de Cnido

SCOPAS MÉNADE FURIOSA Se distingue por: · El dramatismo que imprime a sus figuras: Scopas rompe el perfecto equilibrio del arte clásico a favor de la exaltación, de la representación de los sentimientos exacerbados, de lo que se ha denominado Phatos que queda perfectamente reflejado en el patetismo de las bocas entreabiertas, angustiosas, y en los ojos anhelantes. · Una cierta preferencia por los perfiles helicoidales, con lo que acentúa el movimiento. MÉNADE FURIOSA

ESCULTURA HELENÍSTICA Se produjo una dispersión de los centros artísticos y las obras para facilitar su estudio se suelen agrupar por escuelas: Atenas, Rodas, Pérgamo, Alejandría, etc.

1-La idea de belleza y de armonía - que todavía perduraba en algunas obras (Ejemplo: la Venus de Milo)- sin embargo esta tendencia fue sustituidas por el concepto de realidad, de reflejar al ser humano tal como era, sin tratar de esconder sus defectos. 2-Si hasta el momento solo apreciábamos la hermosura de cuerpos juveniles, el tipo de representaciones En la época helenística no sólo se representa la hermosura de cuerpos juveniles sino que representan niños y viejos, viejos. Asimismo aparecen figuras feas y grotescas que nos enseñan seres deformes, enfermos, obesos, etc. 3-Por otra parte se dio el desarrollo del retrato en conexión con la línea realista que se estaba imponiendo en la escultura y con la tendencia al individualismo y a representar figuras notables de la sociedad griega (desde el s. IV a.C.).

La elegancia y la serenidad de las posturas paso a un creciente dinamismo, tanto de los miembros del cuerpo como de los ropajes, llegando a ser desbordado. Se dio una inclinación a representar gestos y actitudes de desesperación y dramatismo, que contrastaban con las de tranquilidad y equilibrio que se desprendían de las esculturas clásicas en general. La temática se centró en figuraciones de dioses y atletas, durante el helenismo se continuaron representando divinidades pero) sin evidenciar respeto por su condición divina. Asimismo abundaron temas mundanos y callejeros, así como de la vida cotidiana.

Escuela de Atenas y el Peloponeso Torso Belvedere.

Escuela neoática. El “niño de la espina”.

Época helenística. Escuela Ática. Venus de Milo Época helenística. Leócares (Escuela Ática) Apolo de Belvedere

Escuela de Rodas Época helenística. Toro Farnesio

Escuela de Rodas Laocoonte y sus hijos.

Escuela de Rodas Victoria de Samotracia

Escultura Pérgamo. Galo Moribundo

Galo suicidándose

Copias en mármol de original en bronce Monumento de Átalo I (reconstrucción) Gálata suicidándose. Gálata moribundo Copias en mármol de original en bronce

Escultura de Alejandría

Escuela de Antioquía Venus Calipiga

EVOLUCIÓN DE LA ESCULTURA GRIEGA

EVOLUCIÓN DE LA FIGURA MASCULINA ARCAÍSMO ESTILO SEVERO CLASICISMO EVOLUCIÓN DE LA FIGURA MASCULINA

EVOLUCIÓN DEL ROSTRO ESTILO SEVERO: AURIGA DE DELFOS CABEZA DE KUROI ARCAICO 2º CLASICISMO: HERMES HELENISMO: LAOCOONTE

EVOLUCIÓN DE LA FIGURA FEMENINA ARCAÍSMO CLASICISMO HELENISMO

FIDIAS: PRIMER CLASICISMO KORÉ ARCAICA EVOLUCIÓN DEL ROSTRO PRAXITELES: 2ºCLASICISMO HELENISMO: VENUS DE MILO