EDUCACIÓN ARTÍSTICA Y ESTÉTICA A TRAVÉS DE LA IMAGEN

EL ARTE Y LA ESTÉTICA Qué es arte? Qué es la estética? Sesion 02 EL ARTE Y LA ESTÉTICA Qué es arte? Qué es la estética? Qué relación hay entre arte y estética?

Arte Definiciones del diccionario Nombre ambiguo Actividad en la que el ser humano recrea, con una finalidad estética, un aspecto de la realidad o un sentimiento en formas bellas valiéndose de la materia, la imagen o el sonido. Conjunto de obras que resultan de esta actividad, así como las diferentes tendencias o estilos de las mismas. El arte es el concepto que engloba todas las creaciones realizadas por el ser humano para expresar una visión sensible acerca del mundo, ya sea real o imaginario. Mediante recursos plásticos, lingüísticos o sonoros, el arte permite expresar ideas, emociones, percepciones y sensaciones.

Definiciones del diccionario Estética Disciplina filosófica que estudia las condiciones de lo bello en el arte y en la naturaleza. "ninguna estética ha logrado definir cuál es el contenido del arte" La estética (‘sensación’, ‘percepción’, ‘sensibilidad’), es la rama de la filosofía que estudia la esencia y la percepción de la belleza. Cuando juzgamos que algo es bello, feo, sublime o elegante (por dar algunos ejemplos), estamos haciendo juicios estéticos, que a su vez expresan experiencias estéticas. La estética es el estudio de estas experiencias y juicios, de su naturaleza y de los principios que tienen en común. La estética es una disciplina más amplia que la filosofía del arte, en tanto que los juicios y las experiencias estéticas se pueden encontrar fácilmente por fuera del arte. Por ejemplo, cuando vemos pasar a un perro, podríamos juzgar que el perro es bello, y realizar así un juicio estético sobre algo que nada tiene que ver con el arte. Sin embargo, a veces se habla de la estética como sinónimo de la filosofía del arte. En otra acepción, la estética es el estudio de la percepción en general, sea sensorial o entendida de manera más amplia.

Entonces, ¿Qué es arte? ¿Quién lo decide?   ¿Qué hay que valorar para considerar algo como "arte"? ¿Autor, calidad, originalidad,... quizás ¿Quién decide qué es y qué no? Galeristas, expertos, conservadores, los propios artistas, el público?

Nadie duda de que "Las Meninas" de Velázquez (1599-1660), o "La ronda de noche" de Rembrant (1606-1669) sean magníficas obras de arte. Pero el problema está en el arte contemporáneo, puede llamarnos la atención, ser criticado por unos y amado por otros, nos puede chocar, turbar o repugnar, pero es arte?

Los impresionistas, hoy muy apreciados, fueron en su momento unos locos que no sabían lo que hacían, se veía en ellos el fin del arte, no se entendía lo que hacían, y lo mismo pasó con Van Gogh (1853-1890), con Pollock (1912-1956) (que aún hoy sigue siendo discutido por gente que lo ve por primera vez), con Manet (1832-1883). Sus obras provocaban a aquellos que las observaban, no eran lo que estaban acostumbrados a ver, lo que solía considerarse como arte. Muchos murieron en la miseria, otros eran expulsados de los salones que se organizaban en la época, y hoy día se pagan miles y millones de euros por sus obras. Veamos unas obras de estos pintores.

La nocha estrellada (1889) Van Gogh (1853-1890),

Boating (1874) Manet (1832-1883).

Convergence (1952) Pollock (1912-1956)

EL “PRECIO” DEL ARTE De la miseria vivida a los precios impensables

Veamos algunos de los grandes del arte que murieron sin un céntimo.

Francisco de Zurbarán (1598-1664)) El pintor español del Siglo de Oro tuvo muchos encargos de temática religiosa. Pintaba para la casa real y para la Iglesia, consiguiendo el envidiado título de “Pintor del Rey”. También de las colonias suramericanas de España le llegaban pedidos. Murió muy pobre en Madrid en 1664.

Rembrandt (1606-1669)) Es uno de los pintores más famosos de la historia y fue un artista solicitado en su época. Sin embargo, luego de la muerte de su esposa y el abandono de sus amigos, no logró conseguir nuevos trabajos, muriendo en la bancarrota. 

Vincent van Gogh (1853-1890) Hoy no hay nadie que no sepa su nombre y sus obras recorren el mundo por su originalidad. Sin embargo, durante su corta vida, Van Gogh solo vendió una pintura y murió a los 37 años sin un centavo. Su hermano fue quien solventó sus gastos durante todo ese tiempo. El caso de Van Gogh merece ser comentado   Van Gogh fue el mayor de seis hijos, y la relación que mantuvo con su hermano Theo, cuatro años menor que él, fue determinante en su existencia y en su trayectoria artística. Estudió arte en Suiza y Londres, pero el descubrimiento de la pintura de los impresionistas hizo que abandonara la vida académica y se trasladara con Theo a París, en 1876. Allí conoció a Pissarro, Seurat y Gauguin, bajo cuya influencia su paleta se volvió más colorista y su visión menos tradicional, dando forma a su visión personal del postmodernismo. Sin embargo, pronto comenzarían sus crisis mentales, que le llevarían a ingresar en un hospital psiquiátrico, al cortarse parte de la oreja izquierda tras una disputa con Gauguin.

La influencia de Pissarro, Seurat y Gauguin en Van Gogh

Tras la estancia en este hospital, y ante la imposibilidad de llevar una vida normal, Van Gogh se sometió a un tratamiento bajo el cuidado del doctor Paul-Ferdinand Gachet. Van Gogh no dejó de pintar un momento, y si en el hospital realizó retratos de doctores, con el doctor Gachet retrató el pueblo donde se hospedaba, el paisaje y sus habitantes, intentando captar así también su espíritu. Su estilo evolucionó formalmente hacia una pintura más expresiva y lírica, de formas imprecisas y colores más brillantes. Pese a que unos meses más tarde el doctor Gachet consideró que se encontraba plenamente curado, su estado de ánimo no mejoró debido a los sentimientos de culpa provocados por la dependencia de su hermano Theo y por su fracaso profesional. Sumido en esta situación de angustia, Van Gogh se suicidó sin haber conocido jamás el éxito o cualquier tipo de reconocimiento personal. El 27 de julio de 1890, Vincent Van Gogh se adentró en un trigal cerca del pueblo de Auvers-sur-Oise, en las afueras de París, y se disparó al pecho El último cuadro de Van Gogh Campo de trigo con cuervos, 1890

Paul Gauguin (1848-1903)) Amigo de Vincent Van Gogh. Un buen día se pelearon (a causa del mal humor y posible esquizofrenia o locura de Van Gogh). Fue un caso particular, pues vivió como burgués antes de decidirse a ser pintor. Vivía con una mujer danesa, pertenecía a la clase media alta y de hecho tenía un hijo. Su debacle fue cuando decidió, a sus cerca de 30 años a ser pintor. Su mujer lo dejó. Se puso a viajar. En uno de esos viajes, tuvo relaciones sexuales con una prostituta que lo contagio de una penosa enfermedad venérea. Emigró a la Polinesia Francesa y allí vivió como pobre, como pintor, como artista. Murió en la completa miseria. Al igual que Vincent y otros impresionistas, su obra fue apreciada y alcanzó gran valor. Hoy, solo unas cuantas personas en el mundo se pueden preciar de tener un Gauguin en sus colecciones. 

El desconocido Leonardo Alenza (1807-1845), Si buscamos algún caso de pintor español olvidado entre los casos de éxito póstumo, encontramos el nombre de Leonardo Alenza, pintor y grabador romántico español, que se formó en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, con grandes maestros como Ribera o Madrazo. Fue autor de obras costumbristas de pequeño formato, de retratos llenos de vida en los que supo dotar a sus modelos de expresividad y profundidad psicológica y también de numerosos dibujos y grabados, todo ello gracias a la influencia de Goya y siguiendo los patrones de la moda romántica europea. Alenza puede considerarse el prototipo de pintor maldito que pasó durante su vida toda clase de privaciones y penurias económicas, y que consiguió sobrevivir a duras penas con la venta de sus dibujos y del pequeño estipendio que recibía por su colaboración en revistas ilustradas. Murió en el anonimato, pero poco tiempo después de su muerte, se produjo el reconocimiento de su obra por parte de la crítica y del público, llegando hasta nuestros días. El desconocido Leonardo Alenza (1807-1845), el pintor “maldito” español olvidado “Los románticos”, el cuadro más famoso de Leonardo Alenza

LOS 20 CUADROS MÁS CAROS DEL MUNDO (2014) Después de la miseria, el poderío del mercado del arte   LOS 20 CUADROS MÁS CAROS DEL MUNDO (2014)

20. 75,1 MILLONES DE DÓLARES. "NO 1 (ROYAL RED AND BLUE)" DE MARK ROTHKO, 1954, VENDIDO EN 2012 Este majestuoso lienzo fue una de las ocho obras seleccionadas personalmente por Rothko para su histórica exposición individual de 1954 en el Instituto de Arte de Chicago.

19. 76,7 MILLONES DE DÓLARES. "MASACRE DE LOS INOCENTES" DE PETER PAUL RUBENS, 1610, VENDIDO EN 2002 Comprado por Kenneth Thompson en Sotheby, Londres, en julio de 2002, la voluptuosa y dramática obra de Rubens (aunque recientemente algunas voces discuten sobre su autenticidad) también podría luchar por el título de "éxito más inesperado": Christie había estimado su precio "solamente" en unos 5 millones de libras.

18. 78,1 MILLONES DE DÓLARES. PIERRE-AUGUSTE RENOIR , "LE MOULIN DE LA GALETTE". 1876, VENDIDO EN 1990 En el momento de su venta en 1990, fue la segunda pintura más cara jamás vendida. Esta obra maestra fue adquirida por el presidente de Daishowa Paper Manufacturing Co., Ryoei Saito. Él quería ser incinerado con la obra a su muerte, pero sus empresas se toparon con problemas de préstamos y deudas, por lo que tuvo que ser vendido como garantía.

17. 80 MILLONES DE DÓLARES. TURQUOISE MARILYN DE ANDY WARHOL, 1964, VENDIDO EN 2007 Comprado por el Sr. Steve Cohen, el precio no fue confirmado, pero en general se acepta que es cierto.

16. 80 MILLONES DE DÓLARES. JASPER JOHNS – "FALSE START", 1959, VENDIDO EN 2006 Esta obra, anteriormente propiedad de Geffen y supuestamente vendida al director y jefe ejecutivo del Citadel Investment Group, Kenneth C. Griffin. El precio convierte esta pintura en la más cara vendida por un artista vivo, el icónico Jasper Johns.

15. 82.5 MILLONES DE DÓLARES. VINCENT VAN GOGH "RETRATO DEL DR. GACHET", 1890, VENDIDO EN 1990 Salió a subasta en 1990 y fue comprada por el empresario japonés Ryoei Saito, esta fue, en aquel momento, la pintura más cara del mundo. Saito (entonces tenía 75 años) causó controversia en la época, afirmando que cuando él muriera, sería la pintura incinerada con él. Más tarde, aclaró lo que había afirmado, que sólo utilizó la expresión para mostrar su intenso afecto por la obra.

14.  86.3 MILLONES DE DÓLARES.  FRANCIS BACON "TRIPTYCH", 1976, VENDIDO EN 2008 Rompiendo el récord de venta previa de su trabajo (52.680.000 dólares), la obra maestra de 3 piezas de Bacon, fue vendida al multimillonario ruso Roman Abramovich, rompiendo la estimación inicial de 70 millones de dólares.

13. 87,9 MILLONES DE DÓLARES. GUSTAV KLIMT "RETRATO DE ADELE BLOCH-BAUER II", 1912, VENDIDO EN 2006 El único modelo al que pintó en dos ocasiones Klimt y que se vendió unos meses después de la primera versión, este retrato de Bloch-Bauer fue parte de un lote en el 2006 de cuatro pinturas de Klimt que llegaron a costar un total de 192 millones de dólares. El comprador es desconocido.

12. 95,2 MILLÓNES DE DÓLARES. PABLO PICASSO DORA MAAR AU CHAT, 1941, VENDIDO EN 2006 Obra de Picasso, alcanzó en su momento el segundo precio más alto jamás pagado en una subasta, y por un comprador anónimo. Subastado en 2006, un misterioso postor ruso se lo llevó a casa (junto con un Monet y un Chagall, gastando más de 100 millones de dólares) y nadie ha descubierto aún su identidad. La propiedad de la pintura todavía no se ha hecho pública.

11. 104,2 MILLONES DE DÓLARES. PABLO PICASSO "GARÇON À LA PIPE", 1905, VENDIDO EN 2004 Hasta ese momento, el precio más alto de una pintura jamás pagado en una subasta (los demás fueron todos ventas privadas), y además fue la primera pintura de romper la barrera de los 100 millones de dólares. Lo extraño es que nunca se hizo público quién expresó tal interés en el retrato de Picasso de un fumador parisino.

10. 105.4 MILLONES. ANDY WARHOL, "SILVER CAR CRASH[DOUBLE DISASTER]", 1963, VENDIDO EN 2013 La obra más cara del famoso gurú del Pop Art, Andy Warhol, la monumental "Silver Car Crash" fue la estrella de la venta nocturna de Arte Contemporáneo en Sotheby.

9. 106,5 MILLONES DE DÓLARES. PABLO PICASSO, "DESNUDO, HOJAS VERDES Y BUSTO", 1932, VENDIDO EN 2010 Esta obra maestra sensual y colorida, es la más cara de Picasso jamás vendida en una subasta. La obra, procedente de la colección de la señora Sidney F. Brody, nunca había sido expuesta en público desde 1961.

8. 110 MILLONES DE DÓLARES. JASPER JOHNS, "FLAG", 1958, VENDIDO EN 2010 "Flag" es una de las obras más famosas de Jasper Johns. El artista pintó su primera bandera de Estados Unidos en 1954-55, una obra que se exhibe actualmente en el MoMA.

7. 119.9 MILLONES DE DÓLARES, EDVARD MUNCH, "EL GRITO", 1895, VENDIDO EN 2012 Esta emblemática obra, fue la pintura más cara jamás vendida en una subasta, hasta que fue superada por “Three Studies of Lucian Freud” de Bacon. Esta es la más colorida de las cuatro versiones de "El grito", y la única que sigue en manos privadas.

6. 135 MILLONES DE DÓLARES, GUSTAV KLIMT, "RETRATO DE ADELE BLOCH-BAUER I", 1907, VENDIDA EN 2006 Este cuadro fue vendido por Maria Altmann, quien después de una larga y complicada batalla judicial fue considerado legítima dueña de este Klimt y varios otros. La pintura fue comprada por Ronald Lauder para su Neue Galerie de Nueva York, para ser la pieza central de una colección de arte de propiedad judía rescatado del saqueo nazi que tuvo lugar en la Segunda Guerra Mundial.

5. 137,5 MILLONES DE DÓLARES. WILLEM DE KOONING, "WOMAN III", 1953, VENDIDO EN 2006 Otra pintura vendida por Geffen en 2006, pero esta vez comprada por el multimillonario Steven A. Cohen. Es parte de una serie de 6 cuadros pintados por de Kooning en el período de 1951 a 1953, que giró en torno al tema de la mujer y es supuestamente, la única "mujer" aún en manos privadas.

4. 140 MILLONES DE DÓLARES. JACKSON POLLOCK "NO.5", 1948, VENDIDO EN 2006 Se afirma en el New York Times que esta pintura fue vendida por David Geffen (de Geffen Records) a David Martínez (socio gerente de Fintech Advisory). Sin embargo un comunicado de prensa emitido en nombre de Martínez afirma que en realidad no compró la pintura. Así que la verdad es un misterio y sólo se puede especular con que se ha vendido por un récord de 140 millones de dólares.

3. 142,4 MILLONES DE DÓLARES, FRANCIS BACON, "THREE STUDIES OF LUCIAN FREUD", 1969, VENDIDO EN 2013 No sólo es la pintura más cara jamás subastada, sino también un récord para una obra de arte contemporáneo. Christie´s explicó que cuando se pintó esta obra "la relación entre Freud y Bacon estaba en su apogeo".

2. 155 MILLONES DE DÓLARES, ABLO PICASSO, LA RÊVE (EL SUEÑO), 1932, VENDIDO EN 2013 "La Rêve (El Sueño)" es una de las pinturas más sensuales y famosas de Picasso, representa a su amante Marie-Thérèse Walter sentada en un sillón rojo con los ojos cerrados. En 2006, Steve Wynn acordó vender la pintura a Steven Cohen por 139 millones, pero la venta fue cancelada cuando el Sr. Wynn dañó accidentalmente el cuadro. Finalmente En el año 2013 "el sueño" fue adquirido por Steven Cohen, tras pagar 155 millones de dólares.

1. 250 MILLONES DE DÓLARES, PAUL CÉZANNE "LES JOUEURS DE CARTES", 1895, VENDIDO EN 2011 El precio exacto de Los jugadores de cartas (incluso la divisa de venta) no se conoce, hay estimaciones que van desde los 259 hasta, incluso, los 320 millones de dólares. Los jugadores de cartas es una serie de pinturas al óleo del artista postimpresionista francés, Paul Cézanne. Pintadas durante el período final de Cézanne, a principios de los 1890, hay cinco obras en la serie. La serie es considerada por la crítica como uno de los pilares del arte de Cézanne durante el período de principios a mediados de la década de 1890, así como un preludio de sus últimos años, cuando pintó algunas de sus obras más aclamadas. Los modelos para las pinturas eran peones locales, algunos de los cuales trabajaban en la finca de la familia Cézanne, el Jas de Bouffan. En cada escena son representados tranquilos, concentrados, los hombres miran hacia abajo, a sus cartas en lugar de mirarse el uno al otro, siendo las cartas tal vez su único medio de comunicación fuera del trabajo. Un crítico describió las escenas como "naturaleza humana artificial", mientras que otro, especuló que la intensa atención de los hombres en su juego, refleja la de la absorción del pintor por su arte.

SIGAMOS CON EL CONCEPTO DE ARTE Después de este mareo de cifras y de haber visionado algunas obras fundamentales de la historia del arte SIGAMOS CON EL CONCEPTO DE ARTE

Las obras de hoy son criticadas hoy, y con toda seguridad, en el futuro, serán testigos de la sociedad, del momento histórico, político y cultural, el movimiento de unos pensamientos que circulan hoy día por nuestras cabezas y que algunos son capaces de plasmar de una forma u otra. Pero tenemos también que ser críticos. No podemos tragarnos todo lo que nos pongan por delante. No todo es bueno, no todo es arte, o por lo menos, no todo es un arte que merezca la pena. Pero para esto "sólo" necesitamos TIEMPO.

Pero, una vez más, ¿quién decide qué es y qué no es arte? Todos y cada uno de nosotros. Por muy triste y desalentador que pueda parecernos, el arte, al fin y al cabo, como casi todo en esta vida, es cuestión de oferta y demanda. Al valorar una obra artística podemos tener en cuenta la calidad, el caché del artista, la temática, la originalidad, la técnica, el impacto estético. Pero a todo esto al final se le pone un precio por el cual valoramos todos estos aspectos en conjunto. Si pasas por delante de una galería y ves a un autor colgando de sus paredes piensas "si está en esta galería es que debe ser bueno" quizás sea el cuñado del dueño de la galería, pero simplemente por estar ahí, su precio sube, porque sube su caché. Si un periódico habla del artista, sus obras comenzarán a valer más. Si sale en un libro, a todos nos gusta ver en el museo la obra que hemos estudiado anteriormente,... Duchamp dijo que todo lo que él hacía era arte, puesto que ÉL era un artista. Pero si antes se consideraba artista a quien hacía arte y ahora arte a lo que hace el artista, ¿quién decide si es o no un artista? Aun así, su obra más conocida, "Fuente", ha sido considerada como la obra más influyente en el arte contemporáneo, el arte del "todo vale".

La historia indica que, con la aparición del Homo Sapiens, el arte tuvo una función ritual y mágico-religiosa, que fue cambiando con el correr del tiempo. De todas formas, la definición de arte varía de acuerdo a la época y a la cultura. Con el Renacimiento italiano, a fines del siglo XV, comienza a distinguirse entre la artesanía y las bellas artes. El artesano es aquel que se dedica a producir obras múltiples, mientras que el artista es creador de obras únicas. Precisamente es en el Renacimiento Italiano donde encontramos una de las etapas más importantes de la Historia del Arte tanto por los magníficos artistas que en ella trabajaron como por las sorprendentes obras que los mismos acometieron y que hoy son alabadas en todo el mundo.

El término arte hace referencia a toda forma de expresión de carácter creativo que puede tener un ser humano. El arte trata de expresar lo que una persona siente a través de una infinidad de formas y técnicas. El arte es la capacidad que tiene un ser humano para representar sus sentimientos, emociones y percepciones acerca de sus vivencias y su creatividad.

Las Tendencias en el arte del siglo XXI.   El arte actual del siglo XXI se ha convertido potencialmente en un acto de extraversión emocional que busca siempre estímulos nuevos. El artista actual se sirve de todo tipo de materia, de imagen, técnica, ciencia, electrónica o de reproducción mecánica; fusionando estilos, preceptos y reglas para crear todo tipo de arte. Pero la pregunta surge cuando se pronuncia la palabra “ARTE”, ¿es arte todo lo que se expone?… La respuesta es muy delicada para muchos artistas.. Muchos autores dicen que rotundamente SI; todo lo que se expone es arte, aunque no sea bello. La discusión surge cuando lo “no bello” es considerado arte, o el arte es siempre bello. Cualquiera de las formas que tienen por objeto expresar la belleza, la fealdad, la comunicación o la existencia de un sentimiento; que tengan por objeto expresar la percepción del ser humano o del individuo, que imite o exprese lo material o lo inmaterial; creando, copiando o fantaseando de la realidad…

Considero que el arte es arte siempre Considero que el arte es arte siempre. Nosotros debemos de apostar por el arte y considerar que todo es arte, hasta lo que no parece. Otra cosa es que guste; posiblemente no gustará lo que se está haciendo, pero sigue siendo arte. El artista no sólo expresa sus sentimientos, tiene que seducir y persuadir al observador que lo que se expone, es fascinante, es una obra que merezca ser examinada atentamente; cautivar el ánimo del que presencia su creación y atraer la atención para generar estímulos que inciten o produzca una reacción cuando se mira su obra. Creo que las nuevas tendencias del siglo XXI dirigen su camino con este fin. Se trata ya no de belleza, ya no de representaciones de la realidad, el arte se siguió llamando arte porque se sigue presentando en el circuito de siempre, en las galerías, los museos, pero se trata ya de otra cosa.

Se dice desde entonces que no hay reglas, que dejaron de existir tanto para los discursos acerca del arte como para la práctica en sí, que ya no hay reglas en absoluto y que ahora todo vale. La libertad es ahora completa. Se concluyó: el arte ha muerto. En la historia de las ideas esta frase tiene un antecedente estricto. En el siglo XIX, en una provincia alemana donde la vida se sucedía sin aspavientos, alejado de los epicentros de la Historia, un pensador dejó su libro en la mesa, se asomó por la ventana y vio la vida tranquila de una calle casi rural, pensó: “Dios ha muerto”. Ambas frases son perfectamente simétricas. Nietzsche no se refería por supuesto a que Dios, la esencia sempiterna que mantiene unido y girando el concierto celestial, hubiese dejado de existir. No se trataba de una escandalosa invectiva teológica, sino de una metáfora y de un diagnóstico: la manera occidental de entender el mundo, la naturaleza y el azar humano a través de una concepción religiosa judeocristiana había entrado en una crisis.

EL ARTE ES PLENA LIBERTAD DE EXPRESIÓN Y MANIFESTACIÓN; EN LA HISTORIA HA ESTADO EN CONTINUA EVOLUCIÓN Y REVOLUCIÓN, SIN REGLAS ABSOLUTAS QUE LO DEFINAN, PERO SI PRÁCTICAS Y TENDENCIAS QUE MARCAN ÉPOCA, HOY EL ARTE ACTUAL ENFRENTA RETOS, DESAFÍOS, PERO TAMBIÉN OPORTUNIDADES Y NUEVOS BRÍOS PARA LOS PRÓXIMOS TIEMPOS.   Otro día hablaremos de la estética.