Andrés Carrillo Joaquín

Presentación del tema: "Andrés Carrillo Joaquín"— Transcripción de la presentación:

1 Andrés Carrillo Joaquín
Los 40 principales. Andrés Carrillo Joaquín

2 Pintores

3 El Bosco

4 Adoración de los Magos o Tríptico de la Epifanía, es un trípico del pintor neerlandes El Bosco. Es un óleo sobre tabla, cuyas medidas son de 138 x 72 cm para la tabla central, y de 138 x 33 para las tablas laterales. Está firmado en el compartimento central, en el ángulo inferior izquierdo. Aunque el título no lo sugiere, se trata de un tríptico con un gran contenido simbólico, donde las intrusiones extrañas, frecuentes en las obras del pintor, se deslizan en esta apacible escena.

5 San Juan Bautista en meditación es un cuadro del pintor flamenco el Bosco, ejecutado en óleo sobre tabla que mide 48,5 centímetros de alto por 40 cm. de ancho. Se encuentra en el Museo Lázaro Galdiano de Madrid (España). Son las primeras pinturas llamadas «meditativas», en las que el santo, inmerso en un paisaje idílico, con tonos cristalinos que recuerdan a la pintura de Giorgione. El santo, vestido con un manto rojo, se apoya en una roca y medita con los ojos entrecerrados, al tiempo que señala al cordero.

6 Cristo con la Cruz a cuestas o Cristo llevando la cruz, es un cuadro del pintor flamenco El Bosco,
Se representa en esta pintura de tema religioso la Subida al Calvario. La mitad superior está dominada por la figura de Jesucristo, que se encamina hacia el Gólgota llevando la cruz a cuestas. Le rodea una masa bestial y grotesca que vocifera. En la parte inferior están representados los dos ladrones que, según el evangelio de San Mateo fueron crucificados al mismo tiempo que Jesús de Nazaret.

7 El masaccio

8 Obras

9 Fouquet

10 Obras

11 Salvador Dalí

12 Cristo de San Juan de la Cruz es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí realizado en 1951. El Cristo de San Juan de la Cruz es una de las obras más conocidas y representativas de Dalí. La pintura muestra a Jesús crucificado, tomado en perspectiva y visto desde arriba, cuya cabeza, mirando hacia abajo, es el punto central de la obra El fuerte claroscuro sirve para resaltar la figura de Jesús y provocar un efecto dramático. Cristo es representado de forma humana y sencilla.

13 La Última Cena o El sacramento de la Última Cena es un famoso cuadro realizado por Salvador Dalí en 1955. cuadro está muy relacionado con el número doce. La sala donde se encuentran Jesús y sus apóstoles es un dodecaedro. Al fondo de esta se vislumbra un paisaje al amanecer, aún cuando la cena fue de noche. Esa escena refleja un paisaje típico de la costa ampurdanesa recordando al mar y las rocas que podría ver el propio Dalí en Cadaqués. Cristo no es representado como se acostumbra. Su pelo es claro y no tiene barba

14 La Madonna de Port Lligat es un cuadro del pintor español Salvador Dalí realizado en 1950
En el cuadro aparece una virgen o Madonna con el rostro de Gala, la mujer del pintor, con el niño Jesús en su regazo. La Madonna tiene una abertura rectangular en su tronco y delante de este está el niño Jesús, el cual también tiene una abertura en su tórax, donde a su vez hay un trozo de pan. Dalí describe esto como "un tabernáculo en el cuerpo de Jesús que contiene el pan sagrado".

15 El greco

16 La resurrección de Cristo es una obra de El Greco, pintada en el período 1597-1604
Se muestra el momento en el que Jesús resucita de entre los muertos, presentándose ante los sorprendidos soldados que habían puesto como guardia para que los discípulos no robaran el cuerpo de Jesucristo para decir luego que había resucitado.

17 Trinidad es un cuadro pintado por El Greco (Domenikos Theotokopoulos, 1541-1614).
Se representa la escena en la que Dios Padre sostiene el cuerpo de su hijo Jesucristo muerto. Sobre ellos el Espíritu Santo representado en forma de paloma. Alrededor de estas tres personas de la Trinidad, aparecen ángeles en diversas posturas, algunos de ellos con expresiones dramáticas en los rostros.

18 La Adoración de los Pastores es un cuadro pintado por El Greco (Domenikos Theotokopoulos, ). La composición está desarrollada en espiral, creando un movimiento de ascensión.La distorsión extrema de los cuerpos caracteriza la Adoración de los Pastores como toda la obra tardía de El Greco. Los colores brillantes, «disonantes», y las formas y poses extrañas crean una sensación de maravilla y éxtasis, al celebrar los pastores y los ángeles el milagro del niño recién nacido.

19 Goya

20 Este Cristo crucificado, fue desde el principio, una de las obras más conocidas y admiradas de Goya por su calidad, pero también una de las más discutidas como imagen religiosa. Utilizando la habitual iconografía del crucificado con cuatro clavos, nos presenta el pintor una robusta cruz, sobre la cual se muestra un cuerpo joven y hermoso, con la pierna derecha un poco adelantada y los pies firmemente apoyados sobre una peana. Con frecuencia se ha hablado de la falta de sentido religioso en esta representación de Cristo. Posiblemente Goya se preocupó más por la calidad pictórica y el perfecto modelado de la figura, así como de obtener esa fuente de luz natural que parece emanar del cuerpo del crucificado y centra nuestra atención en Él.

21 Representa la imagen de la Virgen que se venera en la Basílica del Pilar de Zaragoza. Se trata de un cuadro de devoción que el artista pintó para su familia y en él se refleja toda la sencillez popular de la estampa religiosa, destinada al culto piadoso. La iconografía de María sobre la columna es la convencional, algo más esbelta que el modelo real, y centra la composición quedando enmarcada por un nimbo de luz al que se asoman grupos de ángeles.

22 Su influencia iconográfica italiana queda claramente demostrada con la estricta semejanza entre la postura de Cristo y el Adán que vemos en el dibujo de la Expulsión del Paraíso -brutalmente repasado a tinta

23 ZURBARAN

24 Aparición del Apóstol San Pedro a San Pedro Nolasco .
Zurbarán emplea la luz, como principio animador del Naturalismo que impregna el cuadro. La luz como divinidad misma, como manifestación de lo sobrenatural. Destaca la monumentalidad del Apóstol, que resalta con su aire escultórico gracias a la técnica del tenebrismo -contraste de luz y sombras. El interés del cuadro se centra en la intención de adoctrinar, de enseñar a los fieles, de descubrirles verdades de fe. La pintura se concibe aquí como un tipo de retórica mediante la cual el contenido, la idea, se ofrece al espectador a través de una bella presentación. De nuevo es necesario señalar que el pintor comete errores estructurales, en cuanto a la perspectiva, y que los soluciona con una cortina de nubes

25 Zurbarán, San Lucas como pintor ante Cristo en la Cruz Este es uno de los cuadros más dramáticos del pintor. El Cristo aparece demacrado, con los pies enlazados y unidos a la cruz con cuatro clavos. La técnica tenebrista confiere a esta figura un contenido patetismo que se rompe al contemplar al otro protagonista del cuadro, el pintor. El pintor estudia con frialdad a su modelo y no con el fervor religioso que cabe esperar en un santo. Según la tradición, San Lucas fue pintor y Zurbarán, que realizó un retrato de sí mismo para dar forma a este santo, le plasma desempeñando su oficio y no en un acto devoto.

26 Vision of St. Peter Nolasco ,      Esta Visión de Zurbarán ejemplifica, como pocos lienzos, la dificultad que debe superar el pintor para aunar la idea que inspira el cuadro y la técnica con la que se ejecuta. Sirvan de ejemplo tres errores: la perspectiva en la que coloca la mesa y la silla, la falta de expresividad de San Pedro Nolasco y la carencia de sentimientos celestiales en el ángel. Tampoco acierta el pintor con la representación de la ciudad de Jerusalén, que aparece en el ángulo izquierdo superior de la tela. Sin embargo, la capacidad para captar la realidad visible y el desarrollo del Naturalismo, que extiende sus raíces en Caravaggio, son cualidades palpables del pintor.

27 Murillo

28 La Immaculada de Soult Pintado: 1678. TAMAÑO ORIGINAL: 222 x 118 cm.
Uno de los últimos cuadros de Murillo se muestra como un trabajo compacto y sólido, quizás uno de los más completos del artista. Fué pintado en 1678 para Hospital de los Venerables de Sevilla. La Magestuosidad de la Virgen esta acertadamente acentuada por la densa atmósfera que la rodea, a su vez llena de figuras de angelitos y en el que parece que el aire es dorado. Este cuadro fue confiscado por el mariscal Soult, general de Napoleón, expuesta en el Museo del Louvre y devuelta al Museo del Prado en Es debido a esta incidencia el nombre del cuadro.

29 Los Niños de la Concha Pintado: 1670. TAMAÑO ORIGINAL:104 X 124 cm.
Cuadro que representa a Jesús dendo de beber a San Juan niño debajo de una corte de pequeños angelitos. La dulzura de anteriores obras, aunque se mantiene por el estilo del pintor, esta desvirtuada por los gestos de adultos que adoptan los niños, resulta un poco estravagante. Es sin duda una de las influencias ideologicas italianas que pretende demostrar la superioridad divina: tanto Jesús como San Juan son maduros siendo niños.

30 La Virgen del Rosario. TAMAÑO ORIGINAL: 164 x 120 cm.
Casi todas las carcterísticas de las pinturas de Murillo se concemtran en esta obra: el ambiente vaporoso, la primorosa figura infantil, las expresiones devotas y naturales, la figuras con detalles miniciosos y difuminadas en sus perfiles, la idílica figura femenina... Transmite tranquilidad, paz interior, devoción, es un experto en ello y sus innumerales encargos de temas religiosos por parte de la Iglesia lo demuestran y alientan. Usa con maestría las luz y la oscuridad, no sólo como mera técnica de claro oscuro, sino como medio de transmisión de sentimientos gracias a las especiales atmósferas que consigue

31 José Ribera

32 El Martirio de San Felipe, conocido como el de San Bartolomé Pintado: TAMAÑO REAL 234 x 234 cm. Este cuadro, conocido popularmente como "El Martirio de San Bartolomé", apostol, que según la tradición fue desollado vivo. Realmente representa el martirio de San Felipe, santo preferido de Felipe IV y que fue crucificado atado con cuerdas. La pintura parece que pudo ser un encargo del Monarca. Es, sin duda, uno de los cuadros en los que el artista más se esmeró. La riqueza de colores, el magnífico desnudo del Santo, los "protagosnistas secundaros" entre los que destaca la figura de la madre con su hijo, hacen de esta obra el mejor ejemplo de la madurez del artista. Ribera describe el momento de antes de la tortura: el cuerpo del Santo curvado es elevado, mientras con la mirada busca la Salvación con emoción divina y humana.

33 San Andrés Pintado: 1630-32. TAMAÑO REAL 123 x 95 cm.
Pertenece a una segunda etapa de José de Ribera que dura desde 1625 al 1639, y que se le ha llamado el "período oscuro" de "El Españoleto". Es una gran representacion realista, un estudio anatómico del torso de un cuerpo humano maduro de una gran calidad.

34 La Trinidad (1635–1636). Este cuadro se encuentra en el Museo del Prado, Madrid. Existe una réplica de calidad casi idéntica en el Monasterio del Escorial. En este lienzo combina el estilo tenebrista de sus años juveniles, la cual se aprecia en la violenta iluminación del cuerpo de Cristo, con un pictoricismo preciosista.

35 Velazquez

36 Veláquez, La adoración de los Magos 1619
Veláquez, La adoración de los Magos Esta pintura es diferente a todas las otras obras de tema religioso que pintó Velázquez. El tema de la epifanía, que el ocupa la parte central, está tratada con un estilo naturalista. Esta composición se centra en la imagen de la radiante Virgen María y su hijo (Jesús), cuyos rostros están conformados y resaltados por la luz. Por le contrario el resto de figurantes, San José, los Reyes Magos y sus sirvientes, están acentuados por contrastes duros de luces y sombras acentuados por un paisaje de fondo oscuro.

37 El Cristo Crucificado" de Velázquez, refleja un dramatismo sereno, reforzado por un intenso fondo negro que contrasta con el cuerpo musculoso iluminado de Cristo. La madera de la cruz que absorve la sangre, incrementa el drama de la muerte. La tradición popular dice que Velázquez no podía copiar la expresión del lado derecho de la faz de Cristo y por lo tanto optó por cubrir el lado izquierdo con la cabellera.

38 El retrato más aclamado en vida del pintor y que sigue hoy día suscitando admiración, es el que realizó al papa Inocencio X. Con pinceladas sueltas varios tonos de rojos se combinan, desde el más lejano al más cercano, al fondo el rojo oscuro de la cortina, después el más claro del sillón, en primer plano el impresionante rojo de la muceta con sus luminosos reflejos. Sobre este ambiente domina la cabeza del pontifice de rasgos fuertes y mirada severa.

39 Durero

40 Adán y Eva, Alberto Durero, 1507.
Durero representó, en dos tablas independientes, a Adán y Eva. En la de Adán se presenta la figura de éste sobre un fondo oscuro, de manera que toda la atención se centre en la figura masculina que está de pie, pintado de cuerpo entero, sobre un terreno irregular lleno de piedras. El cuerpo de Adán presenta un leve ladeamiento. Sujeta una rama del manzano en el que se encuentra enrollada la serpiente, Eva permanece al lado del árbol, viéndose la serpiente enrollada en torno a una de las ramas.

41 Los cuatro apóstoles, Alberto Durero, 1526.
Los santos Juan y Pedro (fácilmente reconocible por llevar su atributo más típico: La llave) aparecen en el panel de la izquierda, mientras en el de la derecha aparecen san Marcos y san Pablo. Tanto Juan como Pablo llevan una Biblia en la mano, mientras que Juan y Pedro están los dos leyendo la primera página del propio evangelio de Juan.

42 Representa la escena de la Adoración de los Reyes, que ocupa el centro de la escana, un poco hacia la izquierda. Son cuatro figuras monumentales cuyas expresiones, sin embargo, resultan bastante simples. La Virgen María, a la izquierda, sostiene al Niño sobre sus rodillas. Frente a él se encuentra Melchor, arrodillado, siempre representado como el más viejo de los tres. Detrás de él es reconocible la figura del moro Baltasar, representado como un joven negro. Prácticamente en el centro quedaría el tercer rey mago, Gaspar, vuelto hacia Baltasar, y que tiene el rostro del propio Durero.

43 Caravaggio

44 La decapitación de San Juan Bautista.
El cuadro se caracteriza por el balance de todas sus partes. No es por accidente que el artista introduce referencias precisas en cuanto al escenario, situando la austera arquitectura del siglo XVI de la prisión como telón de fondo de los personajes. En la ventana, dos figuras silenciosas son testigos de la escena, proyectando al espectador dentro de la pintura y no hacia afuera como ocurre con El martirio de San Mateo.

45 San Francisco de Asís en (éxtasis)
En esta pintura se muestra al santo tras haber recibido los estigmas de Jesucristo y está siendo cargado por un ángel.

46 La flagelación de Cristo.
La flagelación era un tema muy popular dentro del arte religioso de la época, y también dentro de la práctica religiosa contemporánea, donde la iglesia fomentaba la autoflagelación como medio para que los creyentes pudiesen tomar parte del sufrimiento de Cristo. La obra de Caravaggio introduce una realidad de gran precisión a la escena: Cristo aparece colgando, no para otorgar de gracia al momento, sino porque su torturador de la derecha está pateándole detrás de la rodilla mientras que el personaje de la izquierda sostiene firmemente el cabello de Cristo en su puño.

47 Tintoretto

48 Cristo en casa de Marta y María Cristo.
No se centra en la escena de la cocina, sino que destacan las tres figuras, monumentales, relacionándose entre sí de un modo espontáneamente comprensible. Se observa una correspondencia entre los colores de las vestiduras de Cristo y la mujer en primer plano. Las figuras principales están dispuestas de manera circular. El punto de fuga lleva desde Cristo hasta la puerta y el interior de la cocina. De esta manera lleva la mirada del espectador hasta el fondo y, además, logra reflejar el movimiento .

49 La Crucifixión. El centro de atención es Cristo en la Cruz. Se están alzando las otras dos, las del ladrón arrepentido y el mal ladrón. Los más inmediatos a Cristo, como Juan el Apóstol o la Virgen María se lamentan, mientras que alrededor la multitud parece indiferente. En un rincón, los soldados se echan a suerte las ropas de Cristo.

50 La última cena. Las figuras humanas parecen abrumadas por la aparición de seres fantásticos. La escena tiene lugar en una taberna sombría y popular, donde las aureolas de los santos aportan una luz extraña que subraya detalles incongruentes. Es una obra oscura, en la que destaca precisamente el tratamiento que hace de la luz. Los rostros de los santos se distinguen gracias a la luz de sus propias aureolas. Hay dos puntos de luz intensa: uno en alto, a la izquierda, y otra la intensa aureola de Jesucristo.

51 Rafael

52 San Miguel derrota a Satanás .
Rafael representa a San Miguel con una lanza en la mano mientras que a sus pies está representado Satanás.

53 Los desposorios de la Virgen .
Las principales figuras permanecen en pie en el primer plano: José está colocando solemnemente un anillo en el dedo de la Virgen y sosteniendo el bastón florecido, símbolo de que él es el elegido, en su mano izquierda. Ha florecido su báculo mientras que los de los demás pretendientes quedan secos.

54 San Sebastián . Sebastián sostiene una flecha, el símbolo de su martirio, con el dedo meñique elegantemente alzado. Luce una magnífica capa roja y una camisa bordada de oro, con el cabello elegantemente peinado, no hay nada en esta figura que recuerde los tormentos que sufrió San Sebastián por su fe.

55 Tiziano

56 Magdalena penitente . Esta destaca por la expresividad, por la devoción, pero también por la gran sensualidad y el colorido. Destaca el uso de la luz, que ataca desde la izquierda el cuerpo de la mujer, haciendo que contraste con el oscurecido paisaje del fondo de un atardecer lleno de colorido.

57 La Asunción de la Virgen
La pintura muestra diferentes acontecimientos en tres capas. En la inferior están representados los Apóstoles, con los brazos alzados hacia el cielo, con la excepción de san Pedro, cuyos brazos están cruzados. Miran a la Virgen María, vestida de azul y rojo, que está volando entre ellos y Dios, en pie sobre una nube y está rodeada de querubines celebrando y bailando. Junto a Dios, que la está esperando, hay otro querubín sosteniendo la corona de la Gloria Santa.

58 La Piedad La pintura representa, sobre el fondo de un gran nicho en estilo manierista, a la Virgen María sosteniendo el cuerpo de Cristo, con la ayuda de Nicodemo. Delante de este marco estático se mueven las figuras con gran dinamismo. Junto al cuerpo muerto de Jesucristo se encuentra, arrodillado, Nicodemo. El último es probablemente un autorretrato de Tiziano, representado como si él viera la muerte próxima en el rostro de Cristo. A la izquierda, de pie y formando un triángulo ideal, está María Magdalena. El cuerpo de Jesucristo parece brillar con luz propia, y es de color blanquecino, lo que contrasta con las figuras vestidas en tonos rojizos y oscuros

59 Boticceli

60 La Oración del Huerto Botticelli rechaza las composiciones complejas, volviendo a modelos sencillos de devoción. La composición es mucho más sencilla, aunque Botticelli no deja por ello de prestar atención a algunos detalles del paisaje, como la empalizada. Jesucristo está rezando, figura central que se representa más grande que el resto por ser la de mayor importancia devocional. Los tres apóstoles dormidos en primer plano son también de gran sencillez

61 La piedad. La estructura de este cuadro es piramidal, gracias a la acumulación de los personajes, representados muy juntos. Las figuras están conectadas muy estrechamente. Esta composición evoca la forma de una cruz, culminando en José de Arimatea, que muestra la corona de espinas y los clavos. Las diversas expresiones de dolor acentúan el patetismo de esta obra. El punto de vista cercano aproxima al espectador a la escena.

62 Virgen con el Niño y san Juanito
Está caracterizada por un profundo sentimiento de tristeza entre las diversas figuras, con los ojos cerrados (la Virgen y el Niño) o entrecerrados (san Juan niño) y la patética proximidad de los rostros. María domina la composición, sosteniendo al Niño, que se abraza a san Juan Niño, reconocible por su báculo en forma de cruz. La ambientación es mínima: hierba a los pies de las figuras y un rosal detrás de María, alusivo a su condición de rosa mística

63 Bellini

64 Cristo en el monte de los Olivos
El cuadro representa a Jesucristo arrodillado en oración sobre una roca en el monte de los Olivos, cerca de sus discípulos (Simón Pedro, y los hermanos Santiago y Juan), que duermen. Aquí el paisaje se humaniza y suaviza gracias a la luz de la aurora, que le da un mayor calor e intensifica los profundos verdes.

65 La Virgen y el niño. En el centro de la tela está representada la Virgen María en un trono con el Niño en brazos. A la derecha está santa Catalina de Alejandría, y delante tiene a san Pedro. En la parte opuesta están Santa Lucía detrás y San Jerónimo delante.

66 San Francisco en éxtasis .
La tela representa a San Francisco de Asís mientras se encuentra en éxtasis recibiendo los estigmas. a la izquierda se encuentra un asno inmóvil que puede interpretarse como símbolo de humildad y paciencia o también la estupidez y la obstinación. A la derecha, sobre un banco, se encuentra una calavera, símbolo de la muerte.

67 Lippi

68 La visión de san Bernardo.
Es una de las obras más admiradas de Lippi, debido a su poderoso cromatismo, inspirado en la pintura flamenca; se cree que utilizó óleo como aglutinante. También sobresale por su atención a los detalles, que contribuyen a su vez a hacer de una aparición mística de la Virgen a san Bernardo en una escena de la vida cotidiana. La composición está ambientada en un paisaje rocoso en el que el santo, mientras está escribiendo, de repente es visitado por la Virgen

69 Banquete de Herodes (1460-64)
Banquete de Herodes ( ). Este fresco ubicado en la Catedral de Prato representa el banquete de Herodes, al que ninguno de los invitados rehusó asistir. Todos estaban ataviados para la ocasión y disfrutaron copiosamente, transcurriendo la noche en ebriedad y desenfreno, para terminar con el asesinato de Juan el Bautista.

70 Virgen con Niño y dos ángeles.
En la pintura, dos ángeles elevan al Niño hasta la Virgen que la recibe con las manos en actitud orante; en el rostro de María se aprecian los rasgos de Lucrecia Butti, novicia que con quien Fra Filippo Lippi tuvo al pintor Filippino Lippi. Los rostros son muy expresivos, especialmente el del ángel, que dirige su mirada inocente y una sonrisa.

71 Leonardo da vinci

72 La Virgen de las rocas. La Virgen está sentada en el suelo de una spelunca o refugio rocoso entre montañas. El paisaje que se divisa entre las rocas es alpino, sin parecido a la Toscana ni a las más famosas cumbres de los Apeninos. Es un ambiente absolutamente innovador, en el que las figuras se agrupan formando una pirámide, envueltos por un paisaje salvaje de rocas que caen y aguas que se arremolinan.

73 La Virgen del clavel. En esta obra está representada María, aparentemente en pie, y con un clavel en la mano con el Niño atraído por la flor y sentado sobre un cojín. El manto de María estaría apoyado sobre un balcón, con lo que parece caer lentamente, mostrando el color amarillo o casi dorado que estaba escondido. Las vestimentas de la Virgen son ricas en ornamentos (lo que recuerda a una reina), con detalles completamente minuciosos.

74 San Jerónimo. Trata el tema de San Jerónimo en el desierto. Aunque el cuadro apenas está comenzado, se ve la composición al completo, lo que es muy inusual. Jerónimo, como un penitente, ocupa el centro del cuadro, colocado en una ligera diagonal y visto de alguna manera desde arriba. Su forma arrodillada resulta trapezoidal, con un brazo izquierdo estirado hacia el borde exterior de la pintura y su mirada dirigida en dirección opuesta. Esta postura de San Jerónimo resulta muy dramática, lo cual viene aún más resaltado por la expresión del rostro, que consigue transmitir a un tiempo su sufrimiento y su espiritualidad. Está golpeándose el pecho.

75 Perugino

76 En esta obra la Ascención de cristo (1505) observamos como Peruggino esquematiza cuando Jesús sube al cielo, en la parte central superior observamos a Jesús y a los lados y en el inferior rodeado de Apóstoles y Ángeles. Cuadro llamativo por su coloridad.

77 Retrato de Cristo. Retrato realizado por Perugino, donde se puede observar la una la mirada penetrante de sus además de sus rasgos faciales bien detallados, un cuadro luminoso y claro.

78 La Deposición de la Cruz.
Pintura también realizada por Perugino, observamos como Jesus muerto lo bajan de la Cruz. Pintura que también es llama la atención por su colorido en tonos rojizos.

79 Escultores

80 Miguel Angel

81 La Pietá, una de las obras de arte más conocidas, Miguel Ángel la terminó casi con toda seguridad antes de cumplir los 25 años de edad, es además la única obra en la que aparece su firma. Sentada majestuosamente, la juvenil Virgen María sostiene en su regazo a Cristo, descendido muerto de la cruz.

82 Moisés De Miguel Ángel, es una escultura renacentista del siglo XVI, Cinquecento en Italia. Es la figura central de la tumba del Papa Julio II, en la iglesia de San Pedro in Víncoli, en Roma. Realizada en 1515. Es de mármol de Carrara realizada en bulto redondo, de cuerpo entero y sedente.

83 Miguel Ángel empezó también la Piedad Rondanini, que sería la última escultura en la cual trabajaría hasta la vigilia de su muerte. La religiosidad que muestran estas últimas esculturas es el resultado de una crisis interna del autor. Las imágenes de la Piedad Rondanini son alargadas y tanto el Cristo como la Virgen se encuentran completamente unidos como si se tratase de un solo cuerpo, se aprecia una frontalidad dramática de origen medieval. La dejó, inacabada.

84 Bernini

85 Éxtasis de Santa Teresa (1645-1642)
La iconografía de Santa Teresa es de origen español, apareciendo representada aquí en el momento en que se siente atravesada por el dardo del amor divino, que porta un joven ángel. El ángel de formas clásicas intenta clavar el dardo de oro en la santa completamente arrobada de éxtasis, manifestando aquí Bernini un gran conocimiento de los afecti, al mostrarnos la expresión entre el dolor y el placer de esta.

86 Eneas, Anquises y Ascanio es una estatua realizada por Gian Lorenzo Bernini entre 1618 y 1619.
Se trata de una escultura de mármol de 220 cm de alto, expuesta en la Galería Borghese, en Roma. Pertenece al estilo barroco. El grupo escultórico representa a Eneas huyendo de la ciudad de Troya llevando a su anciano padre, Anquises sobre sus hombros, y a su hijo Ascanio llevando el sagrado fuego del hogar, mientras Anquises sostiene a los dioses del hogar familiar (penates). Bernini, que tenía 21 años cuando hizo esta obra, aún sentía la influencia de su padre, Pietro, con sus composiciones en forma de torre propias de finales del siglo XVI. Muchos expertos consideran que esta obra es, principalmente, de su padre.

87 El rapto de Proserpina Es una estatua realizada por Gian Lorenzo Bernini entre los años 1621 y 1622. Fue encargada por Scipione Borghese, que se la cedió al Cardenal Ludovico Ludovisi en 1622, quien la llevó a su villa. Permaneció allí hasta 1908, cuando el Estado italiano la adquirió y la devolvió a la Galleria Borghese. Es una gran estatua de mármol, perteneciente a un grupo escultórico ejecutado por el artista. Representa a Proserpina (Perséfone en la mitología griega) siendo raptada por Plutón (Hades en la mitología griega), soberano de los infiernos. La posición, un contraposto retorcido, es una reminiscencia del Manierismo, y permite una observación simultánea del rapto (según se mira desde la izquierda) con Plutón tratando de mantener a Proserpina sujeta; de la llegada al Hades (mirando de frente, parece llevar en brazos a su víctima); y de la petición de Proserpina a su madre de regresar durante seis meses a la Tierra (si contemplamos desde la derecha, con las lágrimas de la mujer, el viento sobre su pelo y el Can Cerbero ladrando).

88 Donatello

89 Está representado Abraham en el momento del ofrecimiento en sacrificio de su hijo Isaac, con la pierna derecha apoyada sobre un haz de leña y con el cuhillo en la mano junto al cuello de Isaac, al que sujeta con la otra el cabello, en este grupo escultórico, al revés que en las de los otros profetas el movimiento no se consigue con las vestiduras, sino por la torsión y la anatomía de los cuerpos.

90 San Marcos San Marcos está retratado con una cabeza barbuda, de antiguo filósofo, y con un vestido anudado a la cintura. El rostro está esculpido con una expresión de seriedad digna y de integridad espiritual, que recuerda la de San Juan Evangelista de unos pocos años atrás. La pierna izquierda de San Marcos tiene una suave inclinación pero de una manera ponderada, esto no va en detrimento de la postura erguida y solemne. El pequeño giro del cuerpo está realizado para sobresalir ligeramente la estatua de la hornacina, evitando la rigidez de una posición estrictamente frontal: la mirada del santo parece perderse hacia el lejano horizonte indefinido. En la mano izquierda, la figura tiene un libro abierto, el atributo típico de los evangelistas.

91 El Profeta Habacuc El profeta está representado calvo, de una delgadez ascética, con una larga túnica que cae desde el hombro izquierdo y que crea profundos pliegues verticales, que hacen hincapié en la majestuosidad de la figura y también en su tormento interior. La boca, los ojos hundidos y profundos junto con la calvicie, que resalta un intenso realismo grotesco. La mirada es intensa y apuntando hacia abajo, es decir, como mirando a los espectadores ya que su hornacina se encontraba en una considerable altura.

92 Juan de Juni

93 El entierro de Cristo por Juan de Juni.
El conjunto está compuesto por siete figuras de tamaño mayor que el natural, independientes cada una salvo el grupo formado por la Virgen y San Juan. En el centro se halla la figura de Cristo yacente, depositado en lo que será su ataúd. Los demás personajes proceden a su embalsamamiento. En la esquina de la izquierda y muy cerca del espectador, José de Arimatea muestra con gran patetismo una espina de la corona que se había quedado clavada en la cabeza de Cristo. En la esquina contraria está Nicodemo que parece dialogar con María Magdalena.

94 Cabeza de San Juan Bautista
Cabeza de San Juan Bautista. Museo Diocesano y Catedralicio de Valladolid. los ojos arqueados y el entrecejo duro son detalles de Juni, aunque en esta cabeza los mechones de pelo son mucho más voluminosos. La policromía parece que haya sido repintada en periodo posterior

95 Ecce Homo en el Museo Diocesano y Catedralicio de Valladolid.
Tiene el Cristo la cabeza ligeramente inclinada hacia la izquierda, mientras que su vista se dirige hacia la derecha, la boca entreabierta y parece soportar el dolor del martirio con gran resignación. El cabello está tratado con grandes mechones y la corona de espinas realizada en la misma madera de la imagen, entrelazándose con el pelo, para no confundirlos. La policromía de los cabellos se ha realizado en tono ocre oscuro y color verdoso y con oro las ramas de espino; las espinas están ensambladas por separado.

96 Algardi

97 Biografia Algardi nació en Bolonia, donde a temprada edad entró como aprendiz en el taller de Agostino Carracci, pintor de tendencia clasicista. Sin embargo, su aptitud para la escultura le hizo trabajar para Giulio Cesare Conventi (1577—1640), un artista de talento modesto. A los veinte años, en 1608, entró al servicio del Fernando I, Duque de Mantua, que comenzó a encargarle obras; también fue empleado de los joyeros locales para que hiciera diseños figurativos. Tras un corto periodo en Venecia, se trasladó a Roma en 1625, con una presentación por parte del Duque de Mantua al sobrino del último papa, Ludovico Cardinal Ludovisi, quien le empleó durante un tiempo en la restauración de estatuas antiguas.

98 Tumba del papa inocencio

99 Torso helenístico tipo Lisipo, restaurado por Algardi como Hércules y la Hidra (Museos Capitolinos)

100 Tumba de León XI (detalle), 1640-44

101 Berruguete

102 Biografía Alonso González Berruguete (Paredes de Nava, Palencia, España c.1490 — Toledo, España, 1561), escultor castellano del Manierismo, hijo del pintor Pedro Berruguete, es uno de los referentes fundamentales de la imaginería española del Renacimiento. También realizó obras pictóricas. Aprendió pintura y escultura en el taller familiar; sus obras de entonces evidencian el contacto con los escultores activos en Castilla, fundamentalmente en Burgos, Ávila, Valladolid y Palencia. Desde 1507 estuvo en Italia ampliando sus conocimientos de pintura, principalmente en Florencia, donde debió llegar hacia 1512.

103 Adoración de los magos

104 Eva, relieve por Berruguete

105 San Cristóbal

106 Corradini

107 Biografía Antonio Corradini (1668-1752)
Nació en Pádova, Véneto, Italia. Escultor de escuela veneciana estilo Rococó. Su calidad le llevó a realizar obras en países como Austria y Alemania. Alegorías, mitología y temas religiosos fueron su especialidad. El estilo de Corradini no es un Rococó tan recargado como el clásico. Sus esculturas son dinámicas y al mismo tiempo proyectan serenidad. Realizadas con una perfección que sólo un gran maestro exhibe, en su época fueron la máxima expresión escultórica veneciana.

108 San marcos y Castillo de fe

109 Santuario de San Juan

110 Donner

111 Biografía Georg Raphael Donner (1693-1741)
Nació en Esslingen, Austria. Escultor ecléctico, pintor, grabador y ebanista del período Barroco, que concilia con refinado buen gusto los estilos manierista, rococó y neoclásico. Sus esculpidos principales incluyen altares tallados en mármol, fuentes de agua ornamentales, esculturas metálicas de plomo, bustos de madera y sobrerrelieves con cubierta de oro. Las esculturas de Donner fueron requeridas en Europa central por nobles, gobiernos e instituciones religiosas. Viena fue su lugar de trabajo principal.

112 Cristo ante Pilatos y la Piedad

113 Consolando a María

114 Ghiberti

115 Biografía Lorenzo Ghiberti (1378-1455)
Nació en Florencia, Italia. Escultor durante la transición entre el período Gótico y el Renacimiento. Orfebre de escuela florentina, Ghiberti junto a otros maestros destacados de la época, como Brunelleschi, fueron pioneros en la renovación del arte italiano. Aunque en sus obras se ve con claridad la presencia del estilo Gótico también se puede observar que sus trabajos están dotados de alta perfección. Ghiberti esculpe aplicando técnica impecable y gusto refinado. Esto se transformó en referente de calidad para los artistas del Renacimiento que le siguieron.

116 San Juan Bautista - Virgen y niño

117 San Mateo

118 Puget

119 Biografía Pierre Puget (1620-1694)
Nació en Marsella, Francia. Se formó en Italia, en la escuela de Pietro da Cortona. De regreso a Francia, se instaló en Toulon como decorador de navíos, realizando los Atlantes ( ) para el Ayuntamiento de esa ciudad. Su estilo barroco no gustó en la Francia clasicista de Luis XIV. Residió durante algún tiempo en Génova, donde ejecutó esculturas para las iglesias y palacios genoveses.

120 Cristo en la Cruz y Lapidación de San Pedro

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122 Arquitectos

123 Enrique Egas

124 Biografía Enrique Egas. (Toledo, h. 1455 - 1534).
Arquitecto y escultor español. Fue uno de los miembros de la familia Egas, hijo de Egas Cueman que le introduce en la profesión en un momento de la historia de España de gran actividad constructiva religiosa. Se le encuentra en 1495 trabajando para la Catedral de Santa María de Toledo, en donde adquirirá renombre y prestigio y cuyas técnicas difundirá por toda Castilla, Andalucía y Galicia. En la catedral toledana realiza la reforma de la Capilla Mozárabe en Fue también maestro constructor en el Hospital de Santa Cruz de Toledo. Amplió su trabajo desarrollándolo en la Catedral Nueva de Plasencia, en el Hospital Real de Santiago de Compostela y, en 1505, después de la toma de Granada, se le encarga la dirección de la Capilla Real y en 1511 del Hospital Real. Intervino en otras numerosas construcciones como la Catedral de Málaga, el Monasterio de Uclés y la biblioteca de la Universidad de Salamanca.

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126 Francesco Borromini

127 Biografía Francesco Borromini.
Nació en Bissone, cantón del Tesino (Suiza),[2] hijo del cantero Giovanni Domenico Castelli y de Anastasia Garovo. Inició su carrera ayudando en la cantera a su padre, pero pronto se trasladó a Milán para estudiar y perfeccionarse. Allí se lo empezó a llamar con el sobrenombre de Bessone, en alusión a su pueblo natal, ubicado cerca de Lugano, en la región de lengua italiana de Suiza. Francesco trabajó en las obras del "duomo", la catedral de Milán. En 1619 llega a Roma, donde cambia su apellido de Castelli a Borromini, y comienza a trabajar para su pariente lejano, Carlo Maderno en las obras de la Basílica de San Pedro. A la muerte de Maderno en 1629 se une al equipo de Gian Lorenzo Bernini en los trabajos de ampliación y refacción de la fachada del Palazzo Barberini. Borromini trabaja allí como asistente de Bernini, pero luego de unos pocos años se produce entre ambos una enemistad que duraría toda la vida.

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129 Giorgio vasari

130 Biografía Giorgio Vasari (Arezzo, 30 de julio de 1511 – Florencia, 27 de junio de 1574) fue un arquitecto, pintor y escritor italiano. Es célebre sobre todo por sus biografías de artistas italianos, colección de métodos, anécdotas, rumores y leyendas recogidas en su libro Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos y fuente primordial para el conocimiento de la historia del arte italiano.

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132 Juan de álava

133 Biografía Juan de Álava (Larrinoa, Álava, Salamanca, 1537), (llamado Juan de Ibarra) Fue un arquitecto español que se formó en la escuela estética del gótico español del período de los Reyes Católicos, al que incorporó novedades renacentistas, siendo uno de los iniciadores del estilo plateresco. Trabajó principalmente en Salamanca donde, entre 1520 y 1535 dirigió las obras de la catedral nueva de Salamanca, cuya fachada decoró con elementos renacentistas, grutescos y otros elementos de clara referencia medieval como las estatuas de santos situados en repisas, bajo doseletes góticos, la fachada del convento de San Esteban, la capilla de la Universidad o la casa de las Muertes. Entre 1521 y 1525 realizó diversos trabajos por encargo del arzobispo Fonseca en Santiago de Compostela, como el claustro de la Catedral, la capilla de las Reliquias y la capilla de la Concepción y, en Salamanca, el Colegio Mayor de Santiago el Zebedeo o Colegio de Fonseca. Juan de Álava está considerado uno de los más destacados representantes del plateresco español, ya que fue el que mejor asimiló el concepto decorativo propio del Renacimiento italiano pero adaptándolo a un arte auténticamente español

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135 Juan Gil de Hontañón

136 Biografía Juan Gil de Hontañón (Rasines, h Salamanca, 11 de mayo de 1526) Fue un maestro constructor español, primero de una saga familiar de arquitectos del siglo XVI. Sus primeros trabajos se datan en Segovia, asociados a la escuela de Juan Guas. Allí intervino en la catedral, castillo de Turégano, varios monasterios y la Catedral de Palencia. Trasladado a Salamanca, se hace cargo como maestro mayor de obras de la construcción de la Catedral Nueva. Su relación con la ciudad de Sevilla se debe a su nombramiento como Maestro Mayor de los trabajos de la Catedral, el 12 de septiembre de y hasta el año 1516-, tras la destitución del cargo a su antecesor por el derrumbe del cimborrio construido por éste en diciembre de Su nombramiento queda precedido por reuniones del cabildo con varios de los grandes maestros de la época en esta materia, entre los que también se encuentran Juan de Álava y Juan de Badajoz..

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138 5 libre elección

139 León Ortega

140 Biografía Antonio León Ortega nace en la ciudad de Ayamonte de la provincia de Huelva el 7 de diciembre de 1907. Actualmente tienen el nombre de León Ortega una Escuela de Arte y una calle en Huelva. Una Casa de Cultura y una calle en Aljaraque. Una Plaza en Trigueros y una Plaza y un Monumento en Ayamonte. Desde adolescente, casi niño, muestra una fuerte inquietud y facultades innatas por y para la escultura, realizando sus primeras obras de forma autodidacta, años más tarde cuando se las enseña a Mariano Benlliure las elogia como propias de un escultor formado. Se forma en Madrid entre los años 1927 y Cursa los estudios de Escultura y de Profesorado de Dibujo en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, hoy Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Entre sus maestros se encuentran Mariano Benlliure, José Capuz, Manuel Benedito y Juan Adsuara, con quien trabaja durante una etapa. En estos años bebe además de las fuentes de la imaginería castellana, estudiándola en Valladolid, y siendo su referencia preferente Gregorio Fernández.

141 Platero. Museo J.R. Jiménez. Moguer

142 Cristo del Perdón

143 Pasión, Ayamonte

144 Fra Angelico

145 Biografía Fra Angelico, (Guido di Pietro) 1387-1455.
Nació en Vicchio nell Mugello, Florencia, Italia. Cura Dominicano, pintor de frescos religiosos. Siguiendo la teoría renacentista de Alberti, un arquitecto innovador, Fra Angelico da a la pintura renacentista temprana, naturalismo que refleja movimiento y drama. Al mismo tiempo introdujo en la pintura un tratamiento de la luz que hasta ese momento no se había empleado, cosa que influyó posteriormente en las obras de los maestros Ghirlandaio y della Francesca. Discípulo de Fra Angélico en sus últimos años de vida, fue el pintor destacado de frescos florentinos.

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147 Lotto

148 Biografía Lorenzo Lotto (1480-1556)
Nació en Venecia, Italia. Pintor del alto renacimiento, dedicado a frescos, cuadros, retablos de tema religioso y expresión narrativa. Trabajó casi toda su vida en las provincias italianas, en pueblos entorno a la ciudad de Bergamo y sus iglesias en Recanati, Ancona, Mogliano, Cingoli, Jesi, Loreto, donde están las obras más destacadas de Lotto. Visitaba con frecuencia su ciudad natal, cuna de grandes pintores. También estuvo en Roma y pintó para el Vaticano. Contemporáneos a él son Tiziano del cual tomó el estilo de iluminar, Botticelli y del ya maduro Leonardo.

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150 Signorelli

151 Biografía Luca Signorelli (Luca d'Egidio di Ventura) 1450-1523.
Nació en Cortona, región de Toscana, Italia. Eximio pintor de frescos religiosos entre los que destacan sus representaciones sobre el apocalipsis bíblico. Signorelli concentra su visión en la figura humana a la cual, de forma detallada, retrata con un trabajado realismo expresivo. Fue alumno del gran innovador y maestro Piero della Francesca del cual adopta el estilo para pintar el espacio que existe alrededor de las figuras, (perspectiva). De su amigo arquitecto y luego pintor Antonio del Pollaiolo aplica la forma de destacar los contornos que hacen resaltar los personajes presentes en la escena.

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153 Della francesca

154 Biografía Piero della Francesca (1420-1492)
Nació en Borgo Sansepolcro, región de Toscana, Italia. Pintor de cuadros y frescos extraordinarios, que influencian la región central durante el siglo XV. Sus primeros trabajos muestran un estilo toscano proveniente de la ciudad de Florencia. Luego su forma de pintar evolucionó para llevar en si gran rigurosidad matemática y geométrica, cosa que era para los pintores del renacimiento temprano un ideal de alcanzar. Su estilo se puede definir como florentino renacentista. Della Francesca tiene un sitial en la historia como impulsor prominente de la pintura italiana. El dominio de la luminosidad, la transparencia y la sensación de espacio y relieve que logró fueron inéditos durante su época.

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