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Música La Edad Media Cristina Cid, Alejandra Díaz, Tatiana Aguado, Pablo Aparicio y Miguel Abreu.

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Presentación del tema: "Música La Edad Media Cristina Cid, Alejandra Díaz, Tatiana Aguado, Pablo Aparicio y Miguel Abreu."— Transcripción de la presentación:

1 Música La Edad Media Cristina Cid, Alejandra Díaz, Tatiana Aguado, Pablo Aparicio y Miguel Abreu

2 La Música en los monasterios

3 En la Edad Media los monjes compusieron música en latín para las misas. El Papa GregorioI unificó la música de los actos religiosos unos cantos sin instrumentos en latín conocidos actualmente como el canto gregoriano.

4 La Música en la corte

5 Música en la corte Además de música religiosa existían: Juglares: Iban de pueblo en pueblo cantando por las calles, contando historias y haciendo trucos de magia. Usaban instrumentos en sus canciones. Trovadores: Eran unos músicos más cultos en comparación con los juglares. Cantaban canciones de amor en castillos y palacios. Al igual que los juglares usaban instrumentos en sus cantos

6 Vídeo

7 La Música en el Renacimiento

8 La música del Renacimiento o música renacentista es la música clásica europea escrita durante el Renacimiento, entre los años 1400 y 1600, aproximadamente. Las características estilísticas que definen la música renacentista son su textura polifónica, que sigue las leyes del contrapunto, y está regida por el sistema modal heredado del canto gregoriano Entre sus formas musicales más importantes se encuentran la misa y el motete en el género religioso, el madrigal, el villancico y la chanson en el género profano, y las danzas, el ricercare y la canzona en la música instrumental. Los compositores más destacados de este periodo son Josquin Desprez, Palestrina, Orlando di Lasso y Tomás Luis de Victoria. El periodo se divide cronológicamente en 5 etapas, según la Generación más importante de cada una de ellas Los tipos de instrumentos eran de cuerda, de teclado y de viento Introducción

9 «Missa alma redemptoris» de Tomás Luis de Victoria Géneros y Formas Musicales Música Religiosa Durante este período la música religiosa tuvo una creciente difusión, debida a la exitosa novedad de la impresión musical, que permitió la expansión de un estilo internacional común en toda Europa (e incluso en las colonias españolas en América). Las formas litúrgicas más importantes durante el Renacimiento fueron la misa y el motete El motete El motete renacentista era una pieza polifónica de texto sacro y en latín. En el motete el autor generalmente creaba material puramente original, sin tomar préstamos ajenos como en la misa. Ejemplos sobresalientes de motete renacentista son el Ave María de Josquin o el Lamentabatur Jacob de Morales. La misa La misa cubría el ciclo del ordinario (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus-Benedictus y Agnus Dei) y se le solía dotar de unidad al basarse en melodías o cantos preexistentes

10 Música Vocal Profana Un gran número de impresos y cancioneros manuscritos nos han hecho llegar el amplísimo repertorio polifónico profano renacentista. Aquí sí es posible reconocer formas peculiares de cada país: En Italia, la villanella, la frottola y el madrigal. En España, el romance, la ensalada y el villancico. En Francia, una vez superadas las formas fijas medievales aún vigentes en la escuela borgoñona (rondeau, virelay, ballade) se creó la peculiar chanson polifónica parisina. En Inglaterra se imitó el estilo madrigalístico italiano, apareciendo hacia 1600 la canción con laúd isabelina. Hacia el final del período aparecen los primeros antecedentes dramáticos de la ópera tales como la monodia, la comedia madrigal y el intermedio

11 Música Instrumental Eran habituales los conjuntos domésticos de instrumentistas aficionados. Frecuentemente esos músicos amateur (e incluso muchos profesionales) eran incapaces de leer la notación musical convencional, por lo que la música instrumental solía escribirse en un sistema de escritura peculiar para cada instrumento, llamado tablatura Las principales formas instrumentales de la época fueron: Formas derivadas de modelos vocales: al tocar habitualmente los instrumentistas piezas vocales, compusieron formas similares, sin texto: del motete derivaron piezas polifónicas imitativas, llamadas ricercare, fantasía o tiento, mientras que de la chanson derivó la canzona, generalmente más viva y más dividida en secciones que los anteriores.

12 Danzas: una de las funciones tradicionales de los instrumentistas era, naturalmente, el acompañamiento de la danza. Solían estar escritas a cuatro voces, en una sencilla textura homofónica como la bajadanza, la pavana, la gallarda, la alemanda o la courante. Formas improvisatorias: los músicos anotaban a veces sus improvisaciones más logradas. Podía tratarse bien de puras improvisaciones para un instrumento polifónico (toccata, preludio, de nuevo tiento), bien de variaciones melódicas ornamentales sobre una o varias voces de un modelo vocal preexistente (recercada, disminuciones) o bien de largas series de variaciones sobre un basso ostinato muy conocido, como la romanesca, el Conde Claros, el passamezzo antiguo o el passamezzo moderno

13 Generaciones y Escuelas Los dos siglos abarcados por el estilo renacentista suelen ser históricamente divididos en cinco generaciones de compositores Primera generación: las escuelas inglesa y borgoñona ( ). Es en esta época cuando fueron gradualmente establecidas las reglas del contrapunto académico. Los más notables autores de este tiempo estuvieron en la órbita del ducado de Borgoña (que incluía también tierras de las actuales Holanda, Bélgica y el norte de Francia), como Guillaume Dufay y Gilles Binchois La segunda generación franco-flamenca ( ). En la generación de Antoine Busnois y Johannes Ockeghem se afianzaron las nuevas reglas del contrapunto, consolidándose la polifonía imitativa La tercera generación franco-flamenca: el estilo internacional ( ). Durante las décadas de inicio del siglo XVI la convención musical de un tactus (pensemos en el moderno compás) de dos semibreves=una breve comenzó a ser tan común como el de tres semibreves=una breve, como había sido habitual hasta entonces

14 La cuarta generación ( ). Es en esta época cuando se consolidan los estilos locales de la música profana La quinta generación ( ). En este período, el tactus era generalmente de dos semibreves por breve, con tres por breve para los efectos especiales

15 Instrumentos Cada familia instrumental fue utilizada para funciones sociales específicas: así, los de cuerda pulsada y frotada se utilizaban en el ámbito doméstico (tocados por músicos profesionales para la aristocracia o directamente por aficionados burgueses), los de viento madera en bandas, habituales en la iglesia y en actos civiles, y los de viento metal quedaban reservados para actos sociales de la nobleza. Tocar un instrumento pasó de ser una tarea propia de menesterosos a ser vista como refinado entretenimiento de nobles Los tipos de instrumentos del Renacimiento se clasifican en tipos: Instrumentos de cuerda: o Familia Violas di gamba, fue uno de los medios principales de la música doméstica y también fueron usadas como instrumento solista para glosar e improvisar La familia de la viola da gamba

16 o Familia de los Violines, solían usarse para acompañar las danzas. Andrea Amati estableció entonces la forma del violín actual. o Familia de los Laúdes, se usaban como instrumento solista. Solían intrepretar reducciones de polifonía en tablatura para uso casero Clavicordio renacentista Instrumentos de teclado: o Clave, Solían usarse también en las casas de la nobleza y la burguesía o Clavicordio, El mecanismo era un tanto similar al del piano actual, pero su sonido era muy débil o Órgano siguió siendo el instrumento de iglesia por excelencia, alternando, sustituyendo o apoyando a la polifonía vocal

17 Instrumentos de Viento: o Corneta (o cornetto): instrumento con embocadura en forma de copa, a la manera de la trompeta, pero cuerpo de madera con agujeros, como las flautas. Solían tocar las voces agudas y destacaban en la disminución. o Chirimías: instrumentos de doble lengüeta (antecesores del oboe actual) y gran variedad de tallas. La familia del bajón o Sacabuches: muy similares a los trombones actuales aunque de boquilla y pabellón algo más pequeños. Solían tocar las voces intermedias. o Bajón: predecesor del fagot, solía tocar la línea del bajo junto a la capilla vocal para mantener la afinación.

18 Entre los compositores más destacados de este periodo se hallan Josquin Desprez, Palestrina, Orlando di Lasso y Tomás Luis de Victoria. Los compositores más destacados Palestrina Josquin Desprez Orlando di Lasso Tomás Luis de Vitoria

19 La Música en el Barroco

20 La música barroca o música del Barroco es el estilo musical europeo, relacionado con la época cultural homónima, que abarca aproximadamente desde el nacimiento de la ópera en torno a 1600 hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en Es uno de los estilos de la generalmente llamada música clásica o culta europea, antecedido por la música del Renacimiento y seguido por la música del Clasicismo. Caracterizada por la aparición de la tonalidad y el uso del bajo continuo, la barroca fue la época en la que se crearon formas musicales como la sonata, el concierto y la ópera. Entre los músicos del Barroco destacan Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti, Georg Philipp Telemann, Jean- Baptiste Lully, Arcangelo Corelli, Claudio Monteverdi, Jean-Philippe Rameau y Henry Purcell. Introducción

21 Las principales características comunes de la música de la época barroca son: La polarización de la textura hacia las voces extremas (aguda y grave). Aunque se sigue escribiendo música a cuatro y cinco voces, se destacan la voz superior y el bajo, abreviándose la escritura de las intermedias en el llamado bajo continuo; esta textura suele llamarse bipolar o de monodía acompañada. La presencia obligatoria del bajo continuo: junto a la línea melódica más grave (el bajo) se escriben unas cifras que resumen la armonía de las voces superiores. El bajo continuo era interpretado habitualmente por uno o varios instrumentos melódicos graves (violoncello, viola da gamba, fagot...) más un instrumento armónico que improvisaba los acordes (clave, órgano positivo, laúd, arpa...). El desarrollo de la armonía tonal, en la que el movimiento melódico de las voces queda supeditado a la progresión de acordes funcionales, armados desde el bajo continuo.

22 El ritmo del propio bajo establece un compás claro y sencillo (sea binario o ternario), muy uniforme, incluso mecánico. El desarrollo de un lenguaje instrumental propio diferenciado del vocal, con adaptación de la escritura musical a cada tipo de instrumento (escritura idiomática). En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de instrumentos de cuerda frotada, base de la actual orquesta sinfónica. La aparición de nuevas formas vocales e instrumentales: la ópera, el oratorio y la cantata entre las primeras, y el concierto, la sonata y la suite entre las segundas. El gusto por los fuertes contrastes sonoros (entre coros, entre familias instrumentales o entre solista y orquesta), materializado en la policoralidad y el «estilo concertante», por oposición a la uniformidad de texturas y timbres habitual en el Renacimiento. El amplio espacio dejado a la improvisación, tanto en obras libres como en las ya escritas, en forma de ornamentación.

23 Etapas El Barroco temprano ( ). La policoralidad, típica de la música religiosa, en la que una sola voz aguda concentra todo el interés musical El Barroco medio ( ). La nueva ópera pasó de ser un espectáculo aristocrático a entretenimiento de las capas altas de la clase media, gracias a la libre compra de entradas en los teatros napolitanos y venecianos El Barroco tardío ( ). La plena adopción de las fórmulas tonales, a partir de la escuela boloñesa y La extensión del estilo de concierto, aplicado a la ópera y a la música instrumental La transición al Clasicismo ( ). A finales del Barroco hay varias tendencias estéticas: el estilo galante francés desde 1730, el desarrollo en Italia de la ópera buffa, la sonata y la sinfonía, y el estilo sentimental (Empfindsamer Stil) alemán; Carl Philipp Emanuel Bach ( ), uno de los hijos de Johann Sebastian Bach, es considerado el padre de la sonata clásica En cuatro etapas se divide el Barroco musical, cada una de diferentes características

24 Géneros y Formas Musicales La ópera: La ópera se impuso como el gran espectáculo de la época en toda Europa: además de en toda Italia, se representaron regularmente en lugares como Viena, Londres, Hamburgo, Dresde, Hannover, Múnich y París. Con la notable excepción de Francia, el italiano siguió siendo el idioma de los libretos, y la temática casi siempre mitológica: era la llamada opera seria, arena del triunfo de los compositores con pretensiones de éxito del Barroco El oratorio: solía tener una temática religiosa y no era escenificado (esto es, era ejecutado al modo de las actuales "versiones de concierto"). A diferencia de la ópera, casi siempre en italiano, los oratorios solían escribirse en lengua vernácula. El más famoso ejemplo es El Mesías, de Händel La cantata: La asunción de la monodia, el recitativo y el estilo concertante por la música de iglesia dio lugar a una nueva forma musical, la cantata, obra de uso litúrgico que intercalaba sinfonías instrumentales, recitativos, arias y coros El motete: ciertas composiciones religiosas corales escritas a varias voces iguales Música Vocal

25 Formas solísticas: preludios, tocatas, fantasías y fugas. Los preludios, fantasías o tocatas son piezas para un instrumento solista (generalmente de teclado) de carácter improvisatorio La sonata. Composición para ser "sonada", esto es, para uno o dos instrumentos (sonata a solo o sonata en trío, respectivamente) más el habitual bajo continuo El concerto grosso. Música escrita a tres o cuatro voces (esto es, en partitura de tres o cuatro pentagramas) podía ser interpretada por un conjunto de hasta quince o veinte músicos La suite. Una suite es una sucesión de movimientos o piezas de danza que se interpretan seguidas (en francés, suite). Su secuencia mínima clásica incluía Allemande, Courante, Zarabanda, Giga, Minué y Rondó. Música Instrumental

26 Instrumentos El Barroco fue una época de esplendor para muchos instrumentos, como por ejemplo el violín, el clavecín y el órgano; se cultivó intensamente la música de cámara para grupos instrumentales En esta época, el clavecín, el órgano y la viola da gamba y el laúd (ya muy presentes en el Renacimiento) vivieron su gran época dorada a nivel técnico, interpretativo y compositivo La etapa final del Barroco ( ) será el cenit y el ocaso del clavecín y la viola da gamba que en la segunda mitad del siglo XVIII caerán en el olvido y quedarán totalmente olvidados, ya en la época clásica, por sus descendientes, el violín, el violonchelo y el pianoforte.

27 Instrumentos El órgano: El órgano tuvo ilustres exponentes en toda Europa en el principio del período, donde su música empieza a conocer su edad dorada por su destacable calidad. El clavecin: J. S. Bach es quizá el compositor más destacado de todo el período, donde sus obras El clave bien temperado (BWV ), las Variaciones Goldberg (BWV 988) y El arte de la fuga son un antes y un después de la música de teclado en general y la cima de la literatura clavecinística barroca. Bach, aunque en su época no fue muy reconocido, dejó tras de sí un gran repertorio de preludios con fugas de suma importancia.

28 Los compositores más destacados La inmensa mayoría de los compositores de la época barroca trabajaban al servicio de mecenas pertenecientes a la alta aristocracia o al alto clero: reyes, príncipes alemanes, cardenales, arzobispos o instituciones religiosas de posibles (como catedrales o conventos notables) Italianos: Claudio Monteverdi ( ), Antonio Vivaldi ( ), Domenico Scarlatti ( ) Alemanes: Dietrich Buxtehude ( ), Heinrich Ignaz Franz von Biber, Johann Sebastian Bach ( ) como uno de los compositores más importantes de la música universal Antonio Vivaldi Johann Sebastian Bach

29 Los compositores más destacados Ingleses: Georg Friedrich Händel ( ), alemán que vivió en Inglaterra Franceses: El estilo se consolida con Jean-Baptiste Lully ( ), Españoles: En España sobresalieron Gaspar Sanz, Juan Cabanilles, Antonio de Literes, el Padre Soler, Juan Hidalgo, Sebastián Durón, José Marín, José de Nebra, Francisco Corselli, José de Torres, Jaime Facco, Joaquín García de Antonio y Tomás de Torrejón y Velasco. Por entonces vivieron en España, donde compusieron la mayor parte de sus obras, los italianos Domenico Scarlatti y Luigi Boccherini Luigi Boccherini Georg Friedrich Händel

30 Obras del Barroco Las obras más representativas de la música barroca, clasificadas por año y compositor son:

31 Recapitulación de el Barroco

32 Compositores famosos desde la Edad Moderna hasta hoy

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