CRISTINA SANFRANCISCO

Presentación del tema: "CRISTINA SANFRANCISCO"— Transcripción de la presentación:

1 CRISTINA SANFRANCISCO
IES ABASTOS VALENCIA Departamento Geografía-Historia CRISTINA SANFRANCISCO PINTURA S. XX. CUBISMO. PICASSO.

2 AUTORRETRATO-1901

3 Época azul CONTEXTO HISTÓRICO:
1898.     La Guerra Hispano-Estadounidense se desató entre España y los Estados Unidos de América en 1898, por los deseos expansionistas americanos, durante la infancia del rey Alfonso XIII, cuando ejercía la regencia la reina María Cristina, viuda del rey Alfonso XII, siendo presidente del gobierno español Práxedes Mateo Sagasta y presidente de Estados Unidos, William McKinley.  En 1899 había conocido al poeta y pintor Carlos Casagemas con el que compartió un estudio en Barcelona.  Hacen un viaje a París en el otoño 1900,  es su primer viaje a París: en la casa de parís, donde se alojó Picasso en 1900, se reunía una colonia catalana en donde había numerosos simpatizantes del anarquismo; en diciembre de l898, esta "colonia" había firmado un manifiesto (publicado en La Publicidad de Barcelona) pidiendo la liberación de los anarquistas encarcelados por su oposición a la guerra de l898: Picasso y su amigo, el pintor Casagemas, estaban entre los firmantes. Vuelve a Málaga con su amigo Casagemas, a quien había abandonado su amante pero su depresión motivará que un año después en París se suicide con 21 años en el transcurso de una cena delante de un grupo de amigos y de su amante, la modelo Germaine.  Picasso estaba en Madrid.

4 MUERTE DE CASAGEMAS Tras la muerte de Carles Casagemas, Pablo Picasso realiza una serie de cuadros en recuerdo de su amigo que, según que, según el propio artista, son el principio de la época azul. Pinta el “ Entierro de Casagemas” inspiración del entierro del Conde Orgaz, de El Greco: un cadáver rodeado de prostitutas con botas altas. Demuestra así su dolor y su pena. (Figuras alargadas y estilizadas): Allí todo es miseria, no tienen cama  ni tan siquiera una silla, lleno de grietas por donde penetra el gélido invierno parisino, así viven los artistas bohemios. En realidad lo que está haciendo Picasso en su época azul es expresionismo alemán.

5 *El viejo guitarrista ciego.
Cabeza y cuerpo decaído Soledad de los personajes Visión extraviada Personajes marginales (ciegos, mendigos, etc.) Tonos fríos (tristeza) Cierto estatismo Dibujo muy marcado el pintor recogió en tres óleos este trastorno: 'La comida del ciego', 'La Celestina' y 'El viejo guitarrista ciego”, ('su 'obsesión' por la ceguera se concentró en el periodo azul). Ambas están protagonizadas por personajes que han perdido la vista. Este problema oftalmológico "fue un tema que jugó un importante papel en su primer estilo distintivo, conocido como periodo azul".Por eso, su primer estilo característico "puede considerarse como una suerte de meditación sobre la ceguera, o, al menos, sobre los problemas de visión. En esos trabajos, el artista explora las posibilidades expresivas de una reducción radical del color",Picasso rodeaba el ambiente con un oscuro velo azul y empleaba fondos planos y simplificados, que amenazaban con desaparecer. El principal componente expresivo de estos trabajos es un oscurecimiento de la visión tradicional. Al investigar la ceguera, escogió un estilo que elude la visión objetiva en favor de una más profunda". Formas angulosas Canon muy estilizado de figuras muy delgadas Periodo ( ) en el que Picasso pasó muchas penalidades Pablo Ruiz Picasso Etapa azul *El viejo guitarrista ciego.

6 Notas del orador para comentario.
Pero aunque estas tres figuras aparecen aisladas, sin interactuar con su entorno,se cree que "no fueron creadas simplemente para hacer que el espectador se apiade de ellas". "Picasso encontró la intensidad de otros sentidos en la falta de vista", ya sea el oído del guitarrista o el tacto del ciego que palpa la comida. ¿Por qué esta fijación? "La ceguera es el problema más grave para un pintor",” por aquella época la vista de su padre se estaba deteriorando”.La alegoría del hombre ciego siguió a Picasso a lo largo de la vida,retomó en ocasiones imágenes de la ceguera, como algunos dibujos y grabados de minotauros. "La celestina": El artista malagueño pintó este retrato en 1903, al final de su periodo azul ( ), basándose en una modelo barcelonesa llamada Carlota Valdivia que ejercía la misma profesión que la figura literaria; «La Celestina» es un óleo en el que confluyen el ojo sano y el del ciego como testimonios de dos formas compatibles de afrontar la realidad: la de las apariencias exteriores y la de la interioridad emocional; el cuello añejo, la nariz pequeña, la capucha y la capa que sólo dejan a la vista el rostro y la expresión enrarecida de la boca los que, junto a esa mirada quebrada y herida, intensifican toda la potencia de la pintura. (Picasso también se ocupó de este personaje en una serie de grabados sobre La Tragicomedia de Calixto y Melibea, de extraordinario interés y fuerza plástica). *CLICK en extensible: Notas del orador para comentario. * LA CELESTINA

7 Notas del orador para comentario.
Personajes del mundo del circo ambulante distribuidos en un espacio irreal en tres grupos El artista crea una escena ficticia en la que los acróbatas, quienes ya en la tradición literaria y pictórica simbolizan la soledad y el sufrimiento humano, expresan los problemas personales, la soledad y la incomprensión que padecen. Bufón, joven y niño Mujer sentada Arlequín (autorretrato, identificación del autor con el personaje) y niña de espaldas Sobre fondo de colores fríos y apagados destacan figuras con colores vivos: combinaciones de colores complementarios (rojo,azul, marrón, rosa, etc.) Luz irreal Formas se suavizan, menos angulosas Pablo Picasso se instala definitivamente en París, en el estudio del "Bateau-Lavoir" de Montmartre. Al poco tiempo de trasladarse a París comenzó a sumergirse en un círculo de artistas, conoce el ambiente del circo Medrano que se convierte en fuente de inspiración para las obras de ese periodo. Picasso asiste a los espectáculos y frecuenta asiduamente a las tropas de artistas durante los descansos entre los espectáculos. El origen madrileño, español y catalán de muchos de ellos facilita su integración en el ambiente del circo y le lleva a representar la vida desde un nuevo punto de vista: siempre frecuentó los circos, tanto durante sus años en Barcelona como en París y este tema aparece en todas las épocas de la pintura del artista; después de las experiencias del Periodo Rosa, el circo se convierte nuevamente en un tema central en la obra de Picasso cuando emprende su primera aventura teatral y diseña los decorados y el vestuario para el espectáculo 'Parade', del Ballet Ruso; algunos años más tarde, en 1924, el artista vuelve a descubrir el circo Medrano con su hijo Pablo. La familia de saltimbanquis París, 1905 Óleo sobre lienzo, 212 x229 cm. Es una de las pinturas cumbre del artista malagueño; aquí se presentan algunas de las preocupaciones por el mundo del circo y de los saltimbanquis como metáfora del arte , la soledad y la incomunicación se convierten en los elementos fundamentales de esta obra de juventud. Aunque las personas no se ven tan pobres ni tristes como las del período azul, conservan por lo general un cierto aire de melancolía. La desolación, la incomunicación y la sensación de desamparo acompaña a estos personajes que, insertos en el desierto de un mundo absurdo, parecen interrogarse acerca del camino que han de seguir, como si en su errar sin patria cualquier destino fuese igual de válido. TEMA: El cuadro muestra seis acróbatas de circo, y cada figura   es simbólica de la dolencia de la sociedad que Picasso deseaba exponer. Los personajes de ese cuadro representan la clase baja y la enajenación que existía entre esta clase y la demás de la sociedad, pero también el tema de "la incomunicación“: ”. Ninguno de los personajes parece saber que los otros están allí y parecen tener una falta total de atención a lo que está ocurriendo. Picasso creyó que éste era el mayor motivo de las dolencias de la sociedad - que a nadie le importaba lo que pasaba con las otras personas y que a nadie le importaba crear un mundo con más paz y justicia. Periodo que recupera alegría de vivir ( ) Pablo Ruiz Picasso Etapa rosa Los saltimbanquis Mujer solitaria que podría formar parte de una composición independiente por su aislamiento *CLICK en extensible: Notas del orador para comentario.

8 Notas del orador para comentario.
En ella realizó transformaciones revolucionarias que provocarían el nacimiento de una nueva estética de vanguardia: el Cubismo. Aun cuando en un principio fue objeto de duras críticas, con el tiempo se acabó definiendo como la primera obra cumbre del siglo XX. Abandono perspectiva tradicional. Varios puntos de vista (ojos de frente, nariz de perfil) Luz ilumina uniformemente la superficie Líneas muy marcadas Ausencia de relación entre los personajes Fondo plano, con teatralidad de cortinas Inspiración en artes primitivos: Ibérico: mujeres de rostro ovalada de largas orejas y ojos almendrados. Africano: mujeres con rostros deformes como máscaras Figuras reducidas a elementos básicos muy geometrizados (planos facetados) Gran innovación: cuerpo de espalda y cabeza de frente (selección de planos y reconstrucción de realidad: fusión espacio tiempo) Cinco mujeres con fomas angulosas (se rompe tradicional representación femenina con sensuales curvas) Época precubista: A las épocas azul y rosa le sigue otra que se ha denominado negroide o precubista, estimulado por una exposición que ve de escultura negra y por el estudio del arte ibérico y egipcio. Así, creará un mundo de formas severas, independientes de la naturaleza. Comienza la petrificación de los rostros y la esquematización arquitectónica de las figuras. Marcó el inicio de su Época Negra: Dos de los rostros, los de aspecto más cubista de los cinco, que asemejan máscaras, se deben a la influencia del arte africano, cuyas manifestaciones culturales comenzaron a ser conocidas en Europa por aquellas fechas, mientras los dos centrales son más afines a las caras de los frescos medievales y las primitivas esculturas ibéricas, el rostro de la izquierda presenta un perfil que recuerda las pinturas egipcias.Técnica: Óleo sobre lienzo(243,9 x 233,7 cm.) Museo de Arte Moderno de Nueva York. TEMA: Cuando Picasso presentó la obra a sus amigos era una obra sin título, después un amigo suyo lo llamó Les demoiselles d'Avinyó, una calle de Barcelona, en la que había prostíbulos. Salvo aquellos amigos, nadie conocía tal calle y pronto empezó a confundirse el nombre de Avinyó con el nombre francés Avignon, tan cercano en la pronunciación. Cuando por fin el cuadro se presentó con título fue con el de Les demoiselles d’Avignon y así ha llegado hasta el tiempo actual: Las señoritas retratadas son en realidad prostitutas que trabajaban en un burdel de la calle Avinyó de Barcelona, la escena representa un prostíbulo, aunque los hombres no están presentes. Además, el bodegón de frutas que hay a en la parte inferior del cuadro se ha interpretado muchas veces como símbolo de la sexualidad femenina; un quinteto de mujeres que miran sin disimular a un espectador sorprendido. COMPOSICIÓN: su composición ambiental se inspira en “las bañistas” de Cézanne. Vemos una gradación creciente de la geometrización, aunque todavía no es plenamente cubista, supone el inicio del Cubismo que trata de sintetizar la realidad en base a estructuras cúbicas, produciendo un curioso efecto de reducción a figuras geométricas de cuerpos, rostros, objetos, etc. Aun cuando la obra no se puede considerar cubista, Picasso desplegó en ella muchos de los aspectos que formarían la base de este nuevo movimiento, como por ejemplo: la descomposición del espacio y las formas pictóricas, la inspiración en el arte primitivo y la combinación de diferentes puntos de vista en una sola figura: Picasso elimina todo lo sublime de la tradición rompiendo con el Realismo: Se trataba de unas atroces mujeres desnudas con los rostros desfigurados y los cuerpos desnudos algo terroríficos y descarnados, pintados de un rosa casi uniforme. Las tres señoritas de la izquierda presentan un tratamiento más suave y dulce que contrasta con el brutal y descarnado de las dos de la derecha. Las posturas son imposibles, así por ejemplo una de ellas está sentada de espaldas pero le vemos el rostro de frente, representación simultánea de los rostros de frente y de perfil, como si viésemos a la persona a la vez en estas dos posiciones. Con esto conseguía representar múltiples puntos de vista en una misma figura y darle cierta profundidad a un espacio completamente plano, sin perspectiva, (no hay espacio libre, el espacio ha sido generado por sus propios cuerpos y por los intervalos entre ellos, se exige una nueva organización del cuadro y se anulará la jerarquía: Todas las partes se relacionan a un nivel de igualdad). Las líneas de composición son siempre oblicuas, dando un gran dinamismo a la obra, incluso algunas de estas líneas nos llevan a la naturaleza muerta de la parte baja del cuadro. COLOR: Los tonos ocre-rojizos son característicos de su época negra. SIGNIFICACIÓN: Obra muy criticada e incomprendida en su momento pero Picasso inauguró con esta obra una nueva manera de concebir la pintura., junto con Georges Braque, crearía y continuaría la nueva corriente cubista hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial. Pablo Ruiz Picasso EVOLUCION AL CUBISMO Las señoritas de Avignon-1907 *CLICK en extensible: Notas del orador para comentario.

9 Notas del orador para comentario.
Descomposición de figura en planos y distribuirlos en superficie Pequeñas superficies limitadas por líneas rectas a las que se aplica un color Plasmación simultánea del mismo plano desde diferentes puntos de vista Inspirados por el tratamiento volumétrico de las formas pictóricas de Paul Cézanne, Picasso y Georges Braque pintaron en 1908 una serie de paisajes(“Fábrica de Horta de Ebro”) dentro de un estilo que un crítico describió después como si hubieran sido hechos a base de "pequeños cubos", imponiéndose así el término cubismo.Comienza así la primera fase del cubismo, conocida como cubismo analítico: Los objetos eran reducidos a sus formas básicas, descompuestos y reconstruidos según su verdadera estructura en composiciones en las que el color era un elemento secundario, porque la atención no está en el color, sino en la forma. Al mismo tiempo los objetos se descomponen por efecto de los múltiples puntos de vista, y la luz parece actuar independientemente sobre cada una de las facetas geométricas. El pintor volvía de pasar una temporada en Madrid, donde había sufrido una escarlatina y su amigo Manuel Pallarès le propuso ir a Orta de Ebro,( hoy Horta de San Joan), para recuperarse. Picasso pasaría ocho meses en Horta d’Ebre, como entonces se conocería a ese precioso e interesante lugar; allí el muchacho de ciudad aprendió a observar la vida rural, pero también a dibujarla o pintarla: campesinos segando, pastores, leñadores, viejas casas, animales (corderos, cabras, burros, perros) y el lienzo titulado “La fábrica de Horta”, imaginaria, como las palmeras que la adornan. Pablo Ruiz Picasso Transición: cubismo analítico ( ) Fábrica de Horta de Ebro *CLICK en extensible: Notas del orador para comentario.

10 Notas del orador para comentario.
Color y luz pierden importancia frente a la forma Descomposición de imagen en múltiples planos para después reconstruir una nueva realidad Estructura ordenada a partir de líneas verticales, horizontales y diagonales a las que se les van agregando planos Abandono del color tendencia al monocromatismo (preferencia por grises, en menor medida ocres y verdes) Se introducen algunos elementos realistas en a laberíntica estructura de planos para facilitar identificación (botón) Fusión de fondo y figura Representación de elementos simples (retrato, algún objeto cotidiano, etc.) Construcciones racionalistas abandono de expresionismo de otros movimientos de vanguardia Ambroise Vollard fue el marchante que más influyó en el desarrollo del arte moderno porque ejerció también de mecenas, consejero y amigo de los artistas, de manera que existen bastantes retratos firmados por los grandes pintores del momento. El empleo de pinceladas pequeñas refuerza la planitud de la tela Estatismo, ausencia de movimiento Incidencia de luz varía en cada plano *CLICK en extensible: Notas del orador para comentario. Pablo Ruiz Picasso Cubismo Analítico ( ) Retrato de Ambroise Vollard La introducción de “collages” marca el final de este periodo inicial del cubismo.

11 Pablo Ruiz Picasso cubismo sintético (1911)
CUBISMO SINTÉTICO: Una de las aportaciones más interesantes de este período fue la introducción del «papier collé», que marcó el inicio de la técnica del «collage». Hacia 1912 Picasso y Braque inventan los “papiers collés”, trozos de periódico, de papael de embalar, pegados sobre un soporte y a los que añaden algunas manchas de color. Esta segunda fase del cubismo es más decorativa, y el color juega un papel más destacado, aunque nunca de manera exclusiva. Los planos geométricos se simplifican, las formas son más amplias y el color es más rico. Comienza a incorporar estarcidos,fragmentos de periódicos, letras Multiplicación de planos Incorporación de signos para identificar la obra Pablo Ruiz Picasso cubismo sintético (1911)

12 Naturaleza muerta con asiento de rejilla
En 1912 realiza este collage, combinando pasta de papel y un trozo de hule sobre un lienzo pintado sólo en algunas zonas, que representa un vaso, un periódico, una pipa, una ostra y un limón En lienzo ovalado colocó un hule que tenía impreso Una rejilla de silla. Encima pintó, diluyendo las fronteras entre unos elementos y otros De marco pegó un trozo de cuerda por el contorno Recupera el colorido Selecciona un número pequeño de planos (los más significativos) para que se puedan reconocer los objetos Adicción de objetos: Papiers Collèes (papel pintado), collages o ensamblajes Pablo Ruiz Picasso cubismo sintético Naturaleza muerta con asiento de rejilla

13 Notas del orador para comentario.
Es un óleo sobre tela pintado por Picasso en 1921 durante una estancia en Fontainebleau, (Francia), del que hizo dos versiones, dos obras maestras de la historia del arte. Se inscriben en la fase del denominado “cubismo sintético”, y suponen una especie de despedida de este estilo. Estos cuadros se encuentran en el Museo de Arte de Filadelfia y en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en Estados Unidos. Amplias superficies rellenas con colores planos Composición muy equilibrada Contornos Puros, muy delimitados Colores con Fuertes contrastes Pentagramas Pocos planos pero significativos En 1921, con su doble versión de los “Tres músicos”crea unas piezas culminantes del cubismo sintético. La obra traslada al espectador al mundo de la comedia del arte con tres figuras, un Arlequín, el pintor identifica la figura del arlequín con la del artista, por su capacidad de transformar la realidad (ya que éste realiza trucos de magia, por ejemplo), representándose él mismo en ocasiones vestido como tal, un Pierrot y un Monje que aparecen tocando un instrumento musical: La entrada en contacto con el mundo del teatro en 1917, al conocer a la bailarina Olga Joklova, le influye en la elección del tema que, ya había sido empleada en su “Época Rosa”. Con el cubismo sintético que utilizó en este cuadro, volvió a una simplificación de las formas, creando esta especie de puzzle geométrico que evoca a los músicos de la Comedia del Arte italiana. Los colores no se circunscriben exactamente a los límites del dibujo, con lo que tiende a perderse la diferencia entre figuras y fondo. En las dos versiones de esta obra el orden es diferente. Por lo que respecta a la forma, Picasso utiliza sus conocimientos del collage, ya que los dibujos coloreados de los vestidos de las figuras, forman superficies que parecen hechas con papel pegado y se suceden la una a la otra, dando al cuadro una alegre vivacidad, incluso una especie de movimiento interno: Vemos a los músicos de perfil y de frente a la vez, gracias a la superposición de planos, como si de estampas se tratase; las figuras, sobre todo sus manos, están concebidas como si fuesen naipes, en una especie de confuso simbolismo; la única nota de realismo que aparece en la obra son las notaciones musicales en un simbólico pentagrama. Formas simplificadas (tendencia a la abstracción geométrica) Pablo Ruiz Picasso cubismo sintético Los tres músicos *CLICK en extensible: Notas del orador para comentario.

14 Jóvenes corriendo por la playa
Simplificación de anatomías Luminosidad y contrastes de colores Cierta deformación Sensualidad de curvas Figuras de enormes proporciones Formas rotundas Pablo Ruiz Picasso Vuelta al clasicismo Jóvenes corriendo por la playa

15 Pablo Ruiz Picasso Vuelta al clasicismo

16 Notas del orador para comentario.
GERNIKA Cronologia: 1937 Estil: cubisme, surrealisme, expressionisme Tècnica: oli Suport: tela; 3,51m x 7,82m Localització actual: Museu d’Art Reina Sofia, a Madrid Localització original: el Guernica fou un encàrrec del Govern de la República per al Pavelló Espanyol de l’Exposició Internacional de París de l’any L’any 1936 Picasso vivia a Paris. Personalitat artística de primera magnitud i de gran prestigi ja en aquells anys, havia demostrat clarament les seves simpaties polítiques envers la Segona República espanyola. Quan, l’any 1936, va esclatar la insurrecció militar contra la República i, per tant, l’inici de la Guerra Civil, el pintor va dur a terme uns gravats, titulats Somni i mentida de Franco, en què ja trobem alguns dels elements iconogràfics que formaran part del Guernica. El gener de 1937 accepta l’encàrrec del govern de la República de fer una obra per al pavelló espanyol de l’Exposició Universal que s’havia de celebrar a París. No hi havia cap tema prefixat, però si les mides de l’obra: havia de fer 37 metres quadrats. Va ser la premsa del dia 27 d’abril que li va proporcionar el tema: tots els diaris d’aquell dia parlaven d’un dels episodis de la guerra espanyola. El quadre fou pintat en blanc i negre, amb una gamma molt variada de grisos i amb alguna pinzellada, gairebé imperceptible, de blau. En aquesta reducció cromàtica, bé podrien haver-hi influït les fotografies –en blanc i negre, evidentment- que la premsa va publicar sobre el bombardeig, així com els gravats de Somni i mentida de Franco, que n’havien estat una mena de precedent. Hi ha, a més, qui hi ha volgut veure una evocació dels gravats de Goya corresponents als “Capritxos” i als “Desastres de la guerra”. Tema: La denúncia del brutal bombardeig que va patir Guernica, una petita ciutat, capital històrica del País Basc, l’abril de 1937, per part de l’aviació alemanya a instàncies del bàndol feixista. Va ser el primer atac indiscriminat de la guerra moderna sobre la població civil i un avís sobre un fantasma que ja planava, la Segona Guerra Mundial. El tema al qual fa referència l’obra es relaciona amb un episodi de la guerra civil espanyola; al cap dels anys, però, el significat de l’obra ha transcendit per damunt de les referències al conflicte espanyol i ha esdevingut un al·legat universal contra la violència en general: El bombardeig va ser la primera vegada que es destria un objectiu civil indefens davant un bombardeig aèri, anticipant les tàctiques de la nova guerra moderna. El general Mola volia a qualsevol preu dominar el País Vasc, i la “Legión Cóndor”, voluntaris alemans, una força básicamente aéria doná als franquistes un inestimable impuls en el conflicte, capitaneats per Hugo Sperrle; el 26 dÁbril de vesprada hi va haver un primer bombardeig dels trimotors “Junkel i Heinkel”sobre el pont del riu Oca i després un segon que arrasá la ciutat.Miraculosamant,l’arbre, symbol de les llibertats vasques, va romandre intacte. Significació: L’obra havia de contenir un missatge propagandístic a favor de la República i en contra de l’alçament militar, dirigit a àmplies masses que ja estaven acostumades a veure cartells publicitaris confeccionats amb llenguatge cubista. En aquest sentit, hem de considerar el Guernica un cartell propagandístic que ha tingut vigència, com a missatge pacifista, tot al llarg del segle XX. Des d’un punt de vista iconogràfic, l’obra revoluciona la pintura d’història, de tradició del segle XIX: no hi ha herois, només víctimes; no hi ha dignitat ni valor, només violència i les conseqüències d’aquesta. L’artista evita tota referència concreta al bombardeig, però la violència que ens transmet el quadre és més gran encara, perquè és universal. Així, doncs, el Guernica esdevé una al·legoria del sofriment humà i una premonició dels horrors de la Segona Guerra Mundial. *CLICK en extensible: Notas del orador para comentario.

17 cubismo expresionista El Guernica
Composición equilibrada Figuras deformadas (extremidades, cabezas) gestos dramáticos (lenguas picudas, ojos con forma de lágrimas) Triángulo central Eje vertical Eje vertical Características del cubismo (selección de planos de frente y perfil, etc.) Llamas esquematizadas, simplificación edificios 7`82 m. Monocromía: juego de negro, grises y blancos (algun reflejo azulado y amarillento) Luz desigual ilumina y margina violentamente las distintas zonas Imitación simplificada caracteres tipográficos Fusión de cubismo, surrealismo y expresionismo 3`51 m. Espacio muy reducido para tamaño de personajes (acentúa agobio). Sensación de escenario teatral con pocos elementos (mesa, techo, etc.) Enormes dimensiones Pablo Ruiz Picasso cubismo expresionista El Guernica

18 cubismo expresionista El Guernica
Alusión a los temas de la Piedad y matanza de Herodes Nueve personajes 1 niño muerto 2 madre que lleva niño 3 toro (brutalidad) 9 mujer atrapada en incendio 4 guerrero descuartizado 6 caballo herido (pueblo) 7 mujer que avanza 8 mujer que ilumina 5 pájaro Temática: símbolo de las consecuencias de la guerra. No se ve los verdugos, sólo las víctimas Toro único que permanece impasible Niño único con boca cerrada Realizado para Exposición París 1937 como denuncia de guerra civil española (bombardeo de Guernica) Canto a la esperanza: mujer que ilumina y flor que nace de espada rota 1 Pablo Ruiz Picasso cubismo expresionista El Guernica

19 Notas del orador para comentario.
Infinita capacidad de innovación 58 reproducciones con variaciones sobre el tema Picasso no tuvo miedo en compararse con los grandes pintores de la historia y quiso demostrar que la obra de otros artistas también puede ser fuente de inspiración. En la obra de Las Meninas, Picasso vio la esencia del pensamiento de Velázquez ; pintó toda la serie entre Agosto y Diciembre de 1957, tan sólo en cinco meses. Primero pintó la gran tela y después la descompuso en las restantes. Esta serie se puede incluir dentro de la evolución de su obra cubista.  Diferencias respecto a Velázquez en el tratamiento del espacio y del color  Picasso abre las ventanas de la derecha por que le da importancia capital a la luz. Agiganta la figura de Velázquez y elimina la riqueza cromática que convierte en tonalidades de grises, blancos y tela sin pintar, como si se tratara de una fotografía en blanco y negro. Picasso se va a permitir además de la reinterpretación de la obra, la introducción de algunos elementos nuevos en el cuadro como palomas, retratos de Jacqueline. Entre otras licencias hay un elemento que destaca: la disposición del cuadro, Picasso opta por un formato horizontal, en lugar del vertical que uso Velázquez, este formato es más narrativo, se ve así obligado a extender la imagen, bajar los techos y destacar la figura del pintor casi gigantesco y del resto de personajes, que adquieren así mayor importancia en el cuadro.   Pablo Ruiz Picasso Series de obras famosas Las meninas *CLICK en extensible: Notas del orador para comentario.

20 1899 1906 1901 1921 1955 1972

21

22 “Hay personas que transforman el sol en una simple mancha amarilla, pero hay tambien quienes hacen de una simple mancha amarilla el propio sol”