Del carboncillo al megapixel: La enseñanza y práctica del dibujo artístico. La importancia de aprender a dibujar. Para un estudiante de Arte aprender a dibujar es fundamental pues el dibujo es la base sobre la que se sustenta toda obra de arte y la herramienta básica que debe conocer para crear una buena obra artística. El aprendizaje de los métodos de dibujo tradicionales resulta imprescindible para el análisis correcto de la realidad que pretendamos plasmar. La interpretación, basada en estilos más libres y personales, constituye un segundo paso en la evolución estilística del artista. Manos dibujando. M.C. Escher Imagen de Jameswy Wang con licencia CC vía Flickr.

¿Qué es el dibujo? Dibujo es toda representación gráfica realizada con herramientas sencillas, generalmente el lápiz, y sobre soportes poco estables, habitualmente el papel, en la que predomina la línea como elemento configurador de las formas. Retrato de Daniel-Henry Kahnweiler.Juan Gris. Imagen de dominio público vía Wikimedia Commons Pero para dibujar también puedes emplear cualquiera de las técnicas secas o húmedas estudiadas en los temas 1 y 2 , con su gran variedad de instrumentos y soportes, a las que hay que sumar las recientemente aparecidas herramientas gráficas digitales. Lo cual convierte al dibujo en el medio más versátil para la expresión artística. Imagen de Dave Kleinschmidt con licencia CC vía flickr El molinillo de café.Juan Gris Imagen con licencia para su reutilización donada por the Brooklyn Museum vía Wikimedia Commons Imagen de vicandwilliam con licencia CC vía Flickr

1. El proceso de dibujo Dibujar requiere un proceso que te permitirá realizar un correcto análisis de todos los elementos imprescindibles para dotar a la imagen de una adecuada calidad artística. Como premisa general, se va de lo general a lo concreto y del análisis al detalle. El boceto o apunte previo sirve para encajar y decidir aspectos como el encuadre y la composición, así como a analizar las formas y las proporciones. Sobre él se concretan las líneas de contorno de las formas. El sombreado, que nos permitirá crear la sensación de volumen, se suele dejar para la última fase aunque hay artistas que prefieren ir realizando la entonación del dibujo desde los primeros trazos. También podemos prescindir de él si optamos por un dibujo sólo de líneas. Imagencon licencia Creative Commons vía Wikimedia Commons

1.1. El boceto y el apunte Un boceto es un dibujo esquemático que se realiza de manera rápida y como estudio previo a la realización de una obra artística para analizar las formas, la composición o el color sin preocuparse de los detalles ni el acabado. Se trata, pues, de un trabajo preparatorio de una obra que se desarrollará posteriormente de forma más compleja. El apunte se puede decir que es el paso previo al boceto y suele ser más sencillo y esquemático que éste. Normalmente, se realiza del natural y con un material sencillo, generalmente el lápiz, empleándose tan sólo la línea como elemento configurador de las formas. Imagen de Falling Sky con licencia CC vía Flickr

1. 2. Dibujando el volumen El volumen es el espacio tridimensional que ocupa todo cuerpo. Dibujar implica representar mediante dos dimensiones objetos que tienen un volumen. En el dibujo artístico existen dos recursos gráficos para fingir la tridimensionalidad: el claroscuro y la mancha. Imagen de magvil con licencia CC vía Flickr La luz modela las formas y nos permite captar sus volúmenes, al incidir sobre éstas da como resultado diferentes zonas de iluminación: brillo: es donde la luz incide directamente. penumbra: en ella la iluminación es más suave al recibir la luz indirectamente. sombra propia: esta zona no recibe ninguna iluminación por estar en el lado opuesto a la zona de brillo. En ella, a veces, la luz reflejada en los objetos próximos produce lo que se llama reflejo. sombra arrojada o proyectada: el objeto produce un oscurecimiento en las superficies que se encuentran próximas al mismo. Imagen de elaboración propia

1.2.1. El claroscuro y la mancha La técnica artística mediante la cual los diferentes grados de iluminación de los objetos se representan gráficamente mediante fuertes contrastes entre las luces y las sombras se llama claroscuro. Las técnicas más comunes para crear el efecto del claroscuro son el sombreado, bien mediante rayado o bien a través de la grisalla; y la mancha. Head of an Apostle Looking Downward. Durero Imagen de dominio público vía Wikimedia Commons La valoración tonal permite, a través de una imagen monocromática, crear la sensación de volumen de los cuerpos traduciendo a diferentes gamas de grises los distintos grados de luminosidad del modelo. imagen de falling sky con licencia CC vía Flickr

2. Los temas o géneros del dibujo Se conoce como género o tema en las artes a cada una de las distintas categorías en que se pueden clasificar las obras según el contenido temático del motivo representado. Al igual que en la pintura, en el dibujo podemos hablar de cuatro grandes géneros: naturaleza muerta o bodegón, retrato, desnudo y paisaje. retrato desnudo paisaje bodegón JGarden of the Citadel Caire.James Tissot Imagen con licencia para su reutilización donada por the Brooklyn Museum vía Wikimedia Commons Retrato de Francois Pouqueville. Ingres Imagende dominio público vía Wikimedia Commons El baño. Degas Imagen de dominio público vía Wikimedia Commons Bodegón. Egon Schiele Imagen de dominio público vía Wikimedia Commons

2.1. El dibujo de la figura humana La representación de la figura humana requiere el análisis de tres aspectos fundamentales: las proporciones, el movimiento y la anatomía. En el estudio de las proporciones es muy importante el canon, regla que establece las proporciones perfectas o ideales de la figura humana y hace referencia a las relaciones armónicas entre las distintas partes de una figura y entre éstas y el todo. Para analizar el movimiento de la figura hay que trazar los ejes fundamentales del cuerpo observando sus diferentes direcciones. Imagen con licencia CC vía Wikipedia Commons

2.2. El retrato Un buen retrato debe reflejar, no sólo la apariencia y personalidad del modelo a través del parecido con éste, sino también el alma del artista que debe realizarlo mediante su estilo y expresividad propios. Cuando dibujas un retrato es fundamental realizar un estudio de las proporciones del rostro del modelo mediante el trazado de sus ejes principales y las medidas relativas de todos sus elementos. Estudio para cabeza de mujer.Modigliani Imagen de dominio público vía Wikimedia Commons Imagen de elaboración propia

2.3. El paisaje Se conoce como paisaje en el arte al género de la pintura o el dibujo que representa escenas de la naturaleza aunque también es considerado como tal aquella obra artística que representa una escena urbana o interior. Según sea uno u otro el motivo, podemos hablar de: paisaje natural, dentro del cual se incluye la marina; paisaje urbano o paisaje de interiores. Al dibujar un paisaje hay que tener en cuenta los siguientes aspectos: la elección del encuadre, que determinará la composición de los elementos de la imagen. la perspectiva para crear la sensación de profundidad de la escena. el adecuado tratamiento de los elementos visuales básicos, es decir, la línea, la forma, la textura y, opcionalmente, el color de los diferentes elementos que en él vamos a representar. la elección de la técnica y materiales más idóneos para el resultado que nos propongamos. PAISAJE INTERIOR PAISAJE URBANO Habitación de Vincent en Arlés. Van Gogh. Imagen de dominio público vía Wikimedia Commonns PAISAJE NATURAL Barrio en Krumau. Egon Schiele. Imagen de dominio público vía Wikimedia Commonns Imagen de jamesjohnsonartcon licencia CC vía Flickr

2.4. El bodegón Un bodegón, también conocido como naturaleza muerta, es una obra de arte que representa objetos inanimados, generalmente extraídos de la vida cotidiana, que pueden ser naturales o hechos por el hombre, en un espacio determinado. Los aspectos más importantes a tener en cuenta para dibujar una naturaleza muerta son: la selección de objetos. la composición de éstos. la iluminación del conjunto. la elección de la técnica más adecuada al fin que te propongas Para dibujar un bodegón debes seguir el mismo proceso que el descrito para otros temas: 1. Fase de encaje: estudio de los ejes fundamentales, de las proporciones relativas y de las formas básicas en las que podemos incluir cada uno de los objetos. 2. Fase de concreción de las formas. 3. Fase de entonación: estudio de las luces y sombras del modelo realizando la valoración tonal de la escena. 4. Fase de detalles: su grado de acabado depende de tus preferencias y tu propio estilo. Bodegón cubista. Zygmunt Waliszewski imagen De dominio público vía Wikimedia Commons