EL ROMÁNICO – ARTES FIGURATIVAS Parte 3 – Pintura

El románico sacrificó la representación realista a favor de un antinaturalismo y una simplificación que hacían más inteligible el mensaje que quería difundir y además potenciaba la carga amenazadora, como queda claro en las figuras toscas y deformadas (el alma del rico atormentado por los demonios)

PINTURA MURAL La pintura cubre el interior de las iglesias: muros de las naves, ábsides y bóvedas. Los temas son los mismos que en la escultura: Pantocrátor. Tetramorfos. Ángeles con los símbolos de la Pasión. Virgen entronizada. Temas del Antiguo y del Nuevo Testamento. Escenas de mártires (sobre todo en los frontales de altar.

Técnica: la usada es la del fresco – se preparaba cuidadosamente la superficie recubriendola con un compuesto de cal, grasa y arena gorda mezclado con agua.

Dibujo: las figuras se realizan con una línea gruesa de trazo ancho de color negro que delimita bien las formas y que contribuye a acentuar la sensación de plenitud. Es un arte extremadamente lineal.

Color: es intenso pero poco variado Color: es intenso pero poco variado. No se emplean gradaciones que pudieran ayudar a dar sensación de profundidad.

Luz: no existe la presencia de la luz ayudando a construir las formas y sugerir la profundidad. El hecho de que los espacios carezcan de referencias lumínicas concretas refuerza la sensación de intemporalidad y por lo tanto alude a la eternidad (= símbolo).

Fondo: busca la abstracción, la sensación de irrealidad y no se pretende representar ningún lugar concreto. Es frecuente encontrar fondos de bandas policromas inspiradas en las ilustraciones de los manuscritos del S-X y bien fondos neutros o elementos vegetales esquemáticos.

Disposición de las figuras: el Pantocrátor o la Virgen ocupan los espacios preponderantes de la composición, incluso se emplea el tamaño jerárquico. Los apóstoles se yuxtaponen, existe la isocefalia, la simetría, el equilibrio y no interesa la profundidad.

SAN CLEMENTE DE TAHULL AUTOR: maestro de Taüll. CRONOLOGÍA: iglesia consagrada en 1123. TÉCNICA: Fresco. LOCALIZACIÓN ORIGINAL: iglesia de San Clemente de Taüll. LOCALIZACIÓN ACTUAL: Museo Nacional de Arte de Cataluña.

ELEMENTOS PLÁSTICOS El trazo, el color y la plasmación de los personajes están al servicio de la exageración y de los detalles más significativos: la línea gruesa y enérgica materializa las formas y les infunde vida y expresión. Con pocos trazos se reproducen los rasgos esenciales: el rostro de Jesús se construye a partir de unos ojos simplificados, un entrecejo que se prolonga para definir la nariz y una boca perfilada por dos rayas. El conjunto queda enmarcado por una cabellera y barba simétricas.

El color denso y puro (sin matices) aplicado a las grandes superficies, aplana la composición. Su gama es brillante (rojo, azul y amarillo intensos) y más violenta que la de cualquier país europeo. Las figuras son alargadas y estilizadas. La frontalidad, la rigidez y el hieratismo confieren a los personajes el aire distante. La perspectiva es inexistente (excepto en el libro que ostenta Cristo, donde el autor no renuncia a crear espacio) y las figuras se reparten en un plano único.

COMPOSICIÓN Sigue el esquema tradicional románico: la figura sobrehumana de Jesús, enmarcada por la mandarla y flanqueada por el resto de las figuras, distribuidas en franjas paralelas y yuxtapuestas. El ábside se distribuye en tres registros: El primero, el cielo se adapta a la bóveda semiesférica a modo de firmamento para ilustrar la teofanía de carácter apocalíptico. El segundo aprovecha el cilindro del ábside, con representaciones de la Virgen y los santos, que remiten a la Iglesia y a su papel como intercesora entre el mundo divino y el humano. El tercero, generalmente dedicado a la tierra, es aquí apenas visible.

El conjunto se beneficia de la existencia de una ventana en el ábside El conjunto se beneficia de la existencia de una ventana en el ábside. La figura de Jesús (eje central vertical) se prolonga en ella, invadiendo el segundo registro, que simboliza su presencia en la tierra a través de la Iglesia. La ventana, símbolo de la luz, reafirma el mensaje del ábside, sobre todo durante la celebración de la eucaristía, cuando el sacerdote se inclina sobre el altar y los rayos de luz deslumbran a los feligreses.

Los otros grandes protagonistas de la composición son la simetría y la geometría, que producen una sensación de ritmo. Líneas vertical y horizontal, recta y curva establecen un complicado juego de equilibrios. Así, la verticalidad de los personajes se compensa con las horizontales que trazan la cintura de Jesús o la franja de los nombres; y las formas rectas predominantes se equilibran gracias a las curvas de la mandarla y a los círculos que al flanquean. El rostro de Jesús es el centro de la simetría vertical que el artista sólo se permite romperla con la posición de las manos.

CONTENIDO: el programa iconográfico es también el arquetipo del mensaje adoctrinador del arte románico Un pantocrátor impresionante de tamaño superior a los otros personajes, preside la composición. Sentado sobre la bóveda celeste con los pies sobre el escabel de la tierra, flanqueado por las letras griegas alfa y omega como principio y fin, transmite toda la majestad que emana del texto apocalíptico. La mandarla simboliza la luz que emana de su ser divino y, en su órbita, planea el tetramorfos. Cuatro ángeles sostienen los símbolos de los evangelistas. Equilibran la composición los seres apocalípticos con ojos abiertos por todo el cuerpo. El segundo registro, separado del celestial por una banda con los nombres de los representados, remite a la Iglesia. Los santos y María, entre arcadas, simbolizan, hieráticos, las columnas de la fe.

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