15 PINTURA S. XX TRANSVANGUARDÍAS PARTE IV, 4ª

Presentación del tema: "15 PINTURA S. XX TRANSVANGUARDÍAS PARTE IV, 4ª"— Transcripción de la presentación:

1 15 PINTURA S. XX TRANSVANGUARDÍAS PARTE IV, 4ª

2 HIPERREALISMO O SUPERREALISMO

3 El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con la misma fidelidad y objetividad que la fotografía, a la que toma como modelo y cuyos códigos aplica. El hiperrealismo tiene un origen lejano en la tradición pictórica estadounidense, claramente favorable a la literalidad del trampantojo Los fotorrealistas nunca se constituyeron en grupo, pero sí hicieron exposiciones que los presentaron como un estilo. Desarrollaron técnicas totalmente nuevas de representación de la realidad, consiguiendo resultados a veces asombrosos. En sus pinturas no hay huellas de pinceladas y el artista parece estar ausente; los cuadros se cubren con una fina capa de pintura, aplicada con pistola y pincel, siendo raspada si es necesario, con una cuchilla para que no quede ningún relieve, ninguna materia. Otras características del fotorrealismo son la exactitud en los detalles, contrastada con la irrealidad del efecto espacial y la capacidad de convertir en temas pictóricos los detalles visuales de la realidad. Estos pintores ejercen un alto grado de conceptualismo al plasmar la diferencia entre el objeto real y su imagen pintada: lo real, trasladado al lienzo mediante la cámara fotográfica, fotografiado mediante recursos pictóricos (Peter Sager). Al utilizar la fotografía en el proceso de la realidad al cuadro, lo real queda roto y manipulado dos veces, en el cuadro y en la fotografía, de ahí el aspecto de irrealidad que diferencia el fotorrealismo del realismo tradicional.

4 Con respecto a la escultura hiperrealista americana hay que destacar a Duane Hanson, que reproduce a tamaño natural personajes sacados de las clases trabajadoras, y a Segal que emplea la misma técnica que Hanson: vaciado de yeso de los modelos, relleno de los moldes con fibra de vidrio y poliéster, ensamblaje de las partes y pintado en color carne; la pieza se termina vistiéndola con ropas usadas. John De Andrea esculpe desnudos de un hiperrealismo tan acusado que parecen personas reales. En el caso español, una de las figuras más relevantes del hiperrealismo mágico sería el pintor Antonio López. También se puede ver que el arte de este tipo debe mucho de su carácter a su dependencia del pensamiento conceptual. El pintor, por lo menos, no se acerca directamente a la realidad, sino que trata de reproducir lo que vería una cámara fotográfica. La transición del pop a lo que es reconocidamente hiperrealismo, por lo menos en lo que concierne a la pintura, aparece en la obra del inglés, residente en Norteamérica, Malcolm Morley. En común con muchos artistas pop, desde Liechtenstein a David Hockney, Morley está fascinado no tanto por lo que muestra la pintura, sino por el método usado para mostrarlo, en otras palabras por la convención de la representación.

5 CARACTERÍSTICAS - Aproximación nueva y radical al mundo real. - Carácter distanciado y frío. - Afirmación de la realidad mediante su plasmación tal como la vería una cámara fotográfica, de aquí que a esta tendencia también se la denomine fotorrealismo. - Empleo de la cámara y la fotografía para obtener información y como elemento (modelo) a partir del cual se construye el cuadro (el pintor hiperrealista no se enfrenta directamente con la realidad). - Utilización de perspectivas típicas de la fotografía con objetivos angulares. - Empleo de medios mecánicos (proyección o retícula) para transferir las imágenes fotográficas al lienzo. - Aplicación de la pintura en capas finas y lisas, generalmente con pistola o aerógrafo. - Color realista. - Utilización de nuevos materiales: pintura acrílica, latex y resinas sintéticas. - Iconografía preferentemente relacionada con la sociedad de consumo: automóviles, escaparates, cromados, rótulos de comercios, desguaces, gasolineras, etc. - Generalmente, plasmación ampliada (tamaño mayor que el natural) de detalles de objetos, personas y ambientes con gran detallismo.

6 AUTORES MALCOLM MORLEY, 1931 - ¿? EDWARD HOPPER, 1882 - 1967
RALPH GOING, ¿? ANTONIO LÓPEZ, ¿? DUANE HANSON GEORGE SEGAL, JOHN DE ANDREA, ¿?

7 MALCOLM MORLEY Morley que “en el otro extremo se encuentra Dalí”, de quien dice que “llegó a ser como el campeón de mi trabajo, le gustó que yo le dijera que él pintaba fotografías del inconsciente, mientras que yo pintaba fotografías de lo consciente”.. En ese sentido, Morley siente que su arte tiene una conexión muy fuerte con toda la historia de la pintura, y no duda en señalar a Velázquez, Manet, Cézanne o Picasso como referencias fundamentales, e incluso “en muchas ocasiones se presenta a sí mismo como un Baudelaire de la pintura de la vida moderna”, en palabras de Robert Ayers. Todo eso se junta a sus memorias de la guerra, los bombardeos, los navíos de la Royal Navy, aquel aeromodelo con el que jugaba de niño, además de su interés por el psicoanálisis para reconducir su pintura desde aquel primigenio expresionismo abstracto hasta un estilo fotorealista o superrealista desde mediados de la década de los años 60. A grandes rasgos, se puede decir que en la década siguiente, Morley empieza a prestar más atención a la violencia y la destrucción, y en 1984 va a ser el primer artista en abrir la nómina del siempre polémico Premio Turner, colocándole a la vanguardia de los neoexpresionistas.  Más adelante recuperará la figuración terreno en el que se ha desarrollado buena parte de su obra trasladando imágenes fotográficas al lienzo menos buscando el realismo que el propio arte de la pintura, en una suerte de escenas de estrellas del deporte convertidas hoy en día en lo que en su momento fueron las figuras mitológicas, personajes que para los contemporáneos no eran algo del pasado sino figuras de su día a día, de la misma manera que nos pasa a nosotros con las estrellas del deporte. Héroes mitológicos dispuestos siempre a arrostrar grandes peligros, poniendo sus vidas en riesgo, porque “para ser un héroe tienes que tomar un riesgo, así que los mejores son aquellos que con capaces de poner sus vidas en peligro, como los pilotos de carreras de la Nascar y gente así”, explica el propio Morley. “No pienso que se pueda equiparar a un soldado de hoy con un héroe mítico: todo lo que quieren básicamente es regresar a casa de una pieza. Hoy son las estrellas del deporte las que tienen esas vidas míticas”.

8 OBRAS CORONACIÓN Y ESCENA DE PLAYA, 1968 ESCENA DE PLAYA, 1968
RETRATO DE ESSES EN CENTRAL PARK, CHOQUE DE TRENES, P-26 PEA SHOOTER, 2001 FOKKER DVIII, 2001 TACKLE, 2004 EL ARTE DE LA PINTURA, 2005 REGLAS DE COMBATE, 2011

9 CORONACIÓN Y ESCENA DE PLAYA, 1968

10 ESCENA DE PLAYA, 1968

11 RETRATO DE ESSES EN CENTRAL PARK, 1969-70

12 CHOQUE DE TRENES,

13 P-26 PEA SHOOTER, 2001

14 FOKKER DVIII, 2001

15 TACKLE, 2004

16 EL ARTE DE LA PINTURA, 2005

17 REGLAS DE COMBATE, 2011

18 EDWARD HOPPER, El pintor estadounidense Edward Hopper fue uno de los principales representantes del realismo del siglo XX. A pesar de que durante gran parte de su vida su obra pictórica no recibió la atención de la crítica ni del público y se vio obligado a trabajar como ilustrador para subsistir, en la actualidad sus obras se han convertido en iconos de la vida y la sociedad moderna.  Desde 1910 residió de forma permanente en Nueva York, en su casa de Washington Square, que sólo abandonaba durante sus estancias veraniegas en Nueva Inglaterra, desde 1930 siempre en Cape Cod, donde se construyó una casa. En 1924 se casó con Jo Nivinson, quien no sólo posó para él en numerosas ocasiones, sino que además elaboró durante toda su vida un detallado registro de su obra. Su producción artística es relativamente escasa, ya que fue un pintor de ejecución lenta y pausada. En un primer momento se relacionó con la denominada American Scene, un grupo heterogéneo de artistas que compartían un mismo interés por los temas propios de América, pero pronto Hopper desarrolló su personal estilo pictórico. Su carácter taciturno y sus formas austeras, tuvieron un fuerte reflejo en su obra, que se caracteriza en su conjunto por la simplificada representación de la realidad y por la perfecta captación de la soledad del hombre contemporáneo. A través de su pintura nos acercamos a la América de la Gran Depresión, que para él simbolizaba la crisis de la vida moderna. El. tratamiento cinematográfico de las escenas y el personal empleo de la luz son los principales elementos diferenciadores de su pintura. Aunque pintó algunos paisajes y escenas al aire libre, la mayoría de sus temas pictóricos representan lugares públicos, como bares, moteles, hoteles, estaciones, trenes, todos ellos prácticamente vacíos para subrayar la soledad del personaje representado. Por otra parte, Hopper acentúa el efecto dramático a través de los fuertes contrastes de luces y sombras. Hacia 1930, fruto del aislacionismo, aumentó considerablemente su fama, aunque su fortuna crítica comenzó a crecer verdaderamente a partir de su muerte, en 1967, cuando empezó a ser reconocido como uno de los grandes maestros del arte del siglo XX y no sólo como un ejemplo de la pintura realista americana. El uso eficaz de la luz y de la sombra para crear el estado de ánimo es también fundamental para los métodos de Hopper. La luz del sol brillante (como un emblema de la visión o revelación), y las sombras que proyecta, también juegan un papel simbólicamente potentes en las pinturas de Hopper como Early Sunday Morning (1930), Summertime (1943), Siete AM (1948), y el Sol en una habitación vacía (1963). Su uso de la luz y la sombra efectos se han comparado a la cinematografía de cine negro. Hopper presta especial atención al diseño geométrico y la colocación cuidadosa de figuras humanas en un equilibrio adecuado con su entorno. Fue un artista lento y metódico. Con un realismo "suave" que simplifica las formas y los detalles. Utiliza color saturado para aumentar el contraste y crear estado de ánimo. Hopper deriva su tema a partir de dos fuentes principales: uno, las características comunes de la vida estadounidense (gasolineras, moteles, restaurantes, teatros, ferrocarriles, y escenas de la calle) y sus habitantes; y dos, marinas y paisajes rurales.

19 OBRAS CASA JUNTO A LA VÍA DEL TREN, 1925 AUTOMATAT, 1927
NIGHT WINDOWS, 1928 CHOP SUEY, 1929 EARLY SUNDAY MORNING, 1930 HOTEL ROOM, 1931 HABITACIÓN EN NEW YORK, 1932 NEW YORK MOVIE, 1939 NIGHTHAWKS, 1942 HOTEL LOBBY, 1943 SUMMERTIME, 1943 MORNING IN A CITY, 1944 SEVEN AM, 1948 SOL EN LA MAÑANA, 1952 DIGRESIÓN FILOSÓFICA, 1959 EL SOL EN UNA HABITACIÓN VACÍA, PRIVADO, 1963 DOS COMEDIANTES, 1966

20 CASA JUNTO A LA VÍA DEL TREN, 1925

21 AUTOMATAT, 1927

22 NIGHT WINDOWS, 1928

23 CHOP SUEY, 1929

24 EARLY SUNDAY MORNING, 1930

25 HOTEL ROOM, 1931

26 HABITACIÓN EN NEW YORK, 1932

27 NEW YORK MOVIE, 1939

28 NIGHTHAWKS, 1942

29 HOTEL LOBBY, 1943

30 SUMMERTIME, 1943

31 MORNING IN A CITY, 1944

32 SEVEN A.M., 1948

33 SOL EN LA MAÑANA, 1952

34 DIGRESIÓN FILOSÓFICA, 1959

35 EL SOL EN UNA HABITACIÓN VACÍA, PRIVADO, 1963

36 DOS COMEDIANTES, 1966

37 RALPH GOINGS, ¿? Ralph Goings (1928, Corning, California) es un pintor perteneciente al estilo llamado fotorrealismo, consistente en aplicar en los cuadros el punto de vista de una cámara fotográfica. En muchas ocasiones, las pinturas son copias de fotografías. Sus obras más conocidas reflejan ambientes típicamente americanos, como hamburgueserías. “En 1963 quería empezar a pintar de nuevo, pero decidí que no iba a hacer pintura abstracta. Pensé que debía hacer justo todo lo contrario. Se me ocurrió que proyectar y trazar fotografías en vez de copiarlas a mano sería aún más impactante. Reproducir una foto exactamente se consideraba algo malo. Era ir en contra de todas las enseñanzas de las escuelas de arte. A algunas personas les molestó lo que estaba haciendo y dijeron: “Eso no es arte, no puede ser arte”. Eso me animó de manera perversa, porque estaba encantado de estar haciendo algo que para la gente era realmente inquietante. Me estaba divirtiendo de lo lindo.”

38 OBRAS VAGÓN AERODINÁMICO, 1970 MC DONALDS PICKUP, 1970
SERVILLETERO ROJO, 1981 RALPH’S DINER NATURALEZA MUERTA CON MANTEL ROJO, 1988 BLUE DINER, 1995 SABRETT, 2002 JIM’S HOT DOG, 2004

39 VAGÓN AERODINÁMICO, 1970

40 MC DONALDS PICKUP, 1970

41 SERVILLETERO ROJO, 1981

42 RALPH’S DINER

43 NATURALEZA MUERTA CON MANTEL ROJO, 1988

44 BLUE DINER, 1995

45 SABRETT, 2002

46 JIM’S HOT DOG, 2004

47 ANTONIO LÓPEZ GARCÍA, “Una obra nunca se acaba, sino que se llega al límite de las propias posibilidades.” Con estas palabras Antonio López resume su particular modo de acercamiento al objeto a pintar. Sus cuadros se desarrollan a lo largo de varios años, décadas en ocasiones, con una plasmación lenta, meditada, destilando con cada pincelada la esencia del objeto o paisaje, hasta que el artista consigue plasmar la esencia del mismo en el lienzo. El pintor busca entre la realidad que le rodea aquellos aspectos cotidianos, que él recoge con un tratamiento pleno de detallismo, rozando lo fotográfico. Sus preferencias van desde las vistas de Madrid hasta los retratos de sus familiares, pasando por los objetos más cotidianos y cercanos. A lo largo de la mayor parte de su carrera artística, Antonio López ha desarrollado una obra independiente, en medio de un panorama artístico estructurado en base al informalismo y la abstracción. Tampoco parece tarea fácil vincular la obra de López con las tendencias realistas europeas más recientes, o con el hiperrealismo americano. La temporalidad y el deterioro de lo material son notas que definen su estilo hiperrealista.

48 La rotunda definición de los volúmenes en sus primeras obras -Josefina leyendo (1953)- acusa esa influencia del quattrocento italiano. La preocupación por la solidez plástica y la composición precisa le lleva también a interesarse por Cézanne y el cubismo -Mujeres mirando los aviones (1954)-, en temas relacionados siempre con su entorno familiar en Tomelloso. A partir de 1957, su obra registra un cierto giro surrealizante: figuras y objetos que flotan en el espacio, imágenes sacadas de contexto que se relacionan de forma conflictiva empiezan a poblar sus cuadros. El lenguaje, sin embargo, sigue vinculado a ese clasicismo táctil y volumétrico de sus primeras obras. La veta fantástica se mantiene al menos hasta todavía es muy perceptible en Atocha, terminado ese año-, aunque, desde 1960, pierde intensidad; por una parte, cada vez son menos los cuadros en los que se recurre a esos mecanismos y, además, Antonio López muestra un creciente interés por la fidelidad en la representación, independientemente de la carga narrativa contenida en ella. Es como si el pintor fuera cada vez más dependiente del motivo, como si necesitara tenerlo delante para recrearlo en sus mínimos detalles. Esa doble vertiente de su pintura de aquellos años trajo aparejada su adscripción por la crítica a lo que, sobre todo en las décadas de los sesenta y setenta, se llamaba realismo mágico, una denominación que al artista siempre le ha parecido redundante. Lo cierto es que sus cuadros y dibujos se acercan cada vez más, como ha escrito Brenson, a "ese sentido de la densidad de lo que llamamos el mundo visual", y que resulta una recreación minuciosa y casi obsesiva del motivo.

49 OBRAS - PINTURAS JOSEFINA LEYENDO, 1953
MUJERES MIRANDO LOS AVIONES, 1954 NOCHEBUENA, 1955 LA NIÑA MUERTA, 1957 EL RELOJ, 1958 MUJER DURMIENDO, 1958 EN LA COCINA, 1958 CARMENCITA DE COMUNIÓN, 1960 MEMBRILLERO, 1961 MIERES, 1963 ATOCHA, 1964 LOS NOVIOS, 1964 MUJER QUEMADA, 1964 ESPALDA, HOMBRE Y MUJER, DÍPTICO, 1965 CARMENCITA, 1966 LAVABO Y ESPEJO, 1967 FIGURAS EN UNA CASA, 1967 LA ROSA, 1980 GRAN VÍA 1974 – 81 VENTANA III, 1981 MADRID DESDE TORRES BLANCAS MADRID DESDE CAPITAN HAYA,

50 JOSEFINA LEYENDO, 1953

51 MUJERES MIRANDO LOS AVIONES, 1954

52 NOCHEBUENA, 1955

53 LA NIÑA MUERTA, 1957

54 EL RELOJ, 1958

55 MUJER DURMIENDO, 1958

56 EN LA COCINA, 1958

57 CARMENCITA DE COMUNIÓN, 1960

58 MEMBRILLERO, 1961

59 MIERES, 1963

60 LA APARICIÓN, 1963

61 ATOCHA, 1964

62 LOS NOVIOS, 1964

63 MUJER QUEMADA, 1964

64 ESPALDA, HOMBRE Y MUJER, DÍPTICO, 1965

65 CARMENCITA, 1966

66 LAVABO Y ESPEJO, 1967

67 FIGURAS EN UNA CASA, 1967

68 LA ROSA, 1980

69 GRAN VÍA

70 VENTANA III, 1981

71 MADRID DESDE TORRES BLANCAS 1976 - 82

72 MADRID DESDE CAPITAN HAYA, 1987 - 89

73 OBRAS - ESCULTURAS MARÍA DE PIE, 1963 MARÍA DORMIDA, 1964
ANTONIO Y MARI, HOMBRE Y MUJER, 1968 – 1994 LOS REYES, 2001 DÍA, 2008 NOCHE, 2008 LA MUJER DE COSLADA, 2010

74 MARÍA DE PIE, 1963

75 MARÍA DORMIDA, 1964

76 ANTONIO Y MARI,

77 HOMBRE Y MUJER,

78

79

80 LOS REYES, 2001

81 DÍA, 2008

82 NOCHE, 2008

83 LA MUJER DE COSLADA, 2010

84 FAMILIA REAL JUAN CARLOS, 1994 -2014

85 DUANE HANSON Escultor estadounidense, hasta 1969 compatibiliza la enseñanza en escuelas de Estados Unidos y Europa con su actividad escultórica, actividad abstracta en un primer momento, si bien abandona esta tendencia por el hiperrealismo. Su particular técnica, se caracteriza por la creación de un moldeado en el que vierte resina de poliéster reforzado con fibra de vidrio para después pintar y adornar con accesorios reales la estatua, se centra en el tema de la banalidad, creando una galería en la que la burguesía americana ocupa un lugar destacado, tal y como se observa en "Mujer con bolso" (Museum Ludwig, Colonia, 1974). Durante mucho tiempo, Hanson concebía sus esculturas a partir de un espíritu de protesta social contemporánea y movimientos de agitación política. Las temáticas variaban entre la desigualdad racial y los peligros de lo ilegal, fue donde se destacaron las mayores convicciones del artista. Abortion (1965), la primera escultura fue una cruda muestra de lo que el artista buscaba transmitir y comunicar. La obra muestra a una mujer que yace cubierta por una sábana blanca tras haber sufrido un aborto ilegal. Este trabajo denunciaba el hecho de que muchas jóvenes desesperadas por su situación recurrieran a la práctica de abortos ilegales. Hanson pretendía concientizar a la sociedad sobre el riesgo que suponía para sus vidas. Fue una obra muy discutida y criticada. Otra de las temáticas que más interesaban era la de las personas que trabajan con las manos como “Rita the Waitress”, “Queenie II” y “Man on a Mower”, entre otros. “Desde el punto de vista visual son más descriptivas y fascinantes. En el ejemplo de un obrero, uno puede describir muy bien la clase de hombre que es, lo que hace para ganarse la vida. Las manos sucias, la ropa cubierta de aceite, el pelo grasiento y el rostro sudado: es muy característico”

86 OBRAS ABORTO, 1965 POLICÍA Y ALBOTADOR (POLICÍA RACISTA), 1967
HOMELESS, 1969 OBRERO DE LA CONSTRUCCIÓN, 1970 COMPRADORA DE SUPERMERCADO, 1970 LOS TURISTAS, 1970 MUJER CON BOLSO, 1974 RITA LA CAMARERA, 1975 MUJER CON PERRO, 1977 TURISTAS II, 1988 QUEENIE II, 1988 MAN ON MOWER, 1995 HOMBRE EN UN BANCO, 1996

87 ABORTO, 1965

88 POLICÍA Y ALBOTADOR (POLICÍA RACISTA), 1967

89 HOMELESS, 1969

90 OBRERO DE LA CONSTRUCCIÓN, 1970

91 COMPRADORA DE SUPERMERCADO, 1970

92 LOS TURISTAS, 1970

93 MUJER CON BOLSO, 1974

94 RITA LA CAMARERA, 1975

95 MUJER CON PERRO, 1977

96 TURISTAS II, 1988

97 QUEENIE II, 1988

98 VENDEDORA DE RASTRILLO, 1990

99 MAN ON MOWER, 1995

100 HOMBRE EN UN BANCO, 1996

101 GEORGE SEGAL, A finales de la década de los cincuenta del siglo XX tomó contacto con la incipiente revolución artística que supuso el movimiento pop en Estados Unidos. La peculiar filosofía del movimiento le influyó de manera especial, sobre todo en el enfoque plástico que dicho movimiento da a los objetos cotidianos. En su obra se aprecian influencias de Claes Oldenburg, Andy Warhol o Roy Lichtenstein, sin desatender la visión más realista de Edward Hopper. No obstante, el sentimiento melancólico que transmite su obra le aleja, según muchos críticos, del movimiento pop, habitualmente caracterizado por una evidente ironía. Las esculturas de Segal están creadas directamente de vaciados de personas e inspiradas en modelos en movimiento. Suele colocarlas en escenarios cotidianos o solitarios, tales como cafés, autobuses, ascensores u oficinas, y rodearlas de objetos comunes que a menudo sacaba de la chatarra. La sensación que producen es de una queda y fantasmal angustia y de un profundo aislamiento que contrasta con su movilidad. Su técnica de fundido, en la que las figuras están envueltas con vendas y esparadrapos, da a sus esculturas una áspera textura y elimina detalles, lo que aumenta su sentido de anonimato y aislamiento. Algunas de las más famosas son El camión (1966), La lavandería (1967), Mujer afeitándose una pierna (1963) y Hot Dog de pie (1978).

102 OBRAS MUJER AFEITÁNDOSE UNA PIERNA, 1963 EL CAMIÓN (THE TRUCK), 1966
LA LAVANDERÍA, CINE, 1966 – 67 LA VIDRIERA DEL RESTAURANTE, 1967 TIME SQUARE AT NIGHT, 1970 LAS BAILARINAS 1971 PASA, NO PASES, 1976 HOT DOG STAND, 1978 HORA PUNTA, 1983 HOLOCAUSTO, 1984 SEGAL‘S STREET CROSSING, 1992 GAY LIBERATION, 1992 W0MAN PAINTING HER TOENAILS, 1996 BREADLINE (MISERIA), 1997

103 MUJER AFEITÁNDOSE UNA PIERNA, 1963

104 EL CAMIÓN (THE TRUCK), 1966

105 LA LAVANDERÍA,

106 CINE,

107 LA VIDRIERA DEL RESTAURANTE, 1967

108 TIME SQUARE AT NIGHT, 1970

109 LAS BAILARINAS 1971

110 PASA, NO PASES, 1976

111 HOT DOG STAND, 1978

112 HORA PUNTA, 1983

113 HOLOCAUSTO, 1984

114 MUJER AZUL SOBRE CAMA NEGRA, 1990

115 SEGAL‘S STREET CROSSING, 1992

116 GAY LIBERATION, 1992

117 W0MAN PAINTING HER TOENAILS, 1996

118 BREADLINE (MISERIA), 1997

119 JOHN DE ANDREA, ¿? Es un artista que se inscribe dentro de la corriente del “Hiperrealismo”, calificado por mucho como el padre del mismo en el ámbito de la escultura. En sus obras representa cuerpos desnudos que casi parecen reales, y muestra un claro interés por la figura femenina y, en particular por el desnudo, en una búsqueda de la belleza perfecta. Sus esculturas siempre han sido relacionadas con la escultura clásica griega, con la diferencia que sus obras reflejan más la realidad que la idealidad. Sus primeras obras mostraban individuos de pie, mirando directamente al espectador. Pero con el paso de los años, esas poses y actitudes han evolucionado llegando a representar a personas sentadas, en grupo, con mirada pensativa. La técnica también es un aspecto que ha evolucionado, si sus primeras obras eran de bronce, después utilizó el polivinilo. El proceso más importante es, sin duda, el acabado final, a partir del óleo y sucesivas veladuras, que consiguen darle a sus esculturas la sensación de verdadera piel, sensación que se potencia al incorporar pelo natural. En comparación con otros escultores contemporáneos realistas, John de Andrea no representa ninguna idea de crítica social. Mientras Duane Hanson representada personas predominantemente feas, casi sin forma y por lo tanto la crítica de la sociedad estadounidense es su objetivo, y mientras George Segal produce sentimientos de alienación debido a su tecnología y muestra la separación y el aislamiento de los humanos en su vida diaria, la contribución eminente de Andrea en la contemplación de la obra del escultor es el tratamiento de problemas humanos, de los amantes ,de la interacción y la presentación del núcleo básico de las personas. Aunque el grado de éxito en este último esfuerzo es muy desigual.

120 OBRAS ESCENA EN EL ESTUDIO, 1977 PAREJA, 1978
AUTORRETRATO CON ESCULTURA, 1980 MODELO EN REPOSO, 1981 AMERICAN BEAUTY, 1986 AFTER COUBERT, 1988 KATY, 1995 ARIEL, 1995 MUJER DESNUDA (BRONCE PINTADO), 2005

121 ESCENA EN EL ESTUDIO, 1977

122 PAREJA, 1978

123 AUTORRETRATO CON ESCULTURA, 1980

124 MODELO EN REPOSO, 1981

125 AMERICAN BEAUTY, 1986

126 AFTER COUBERT, 1988

127 KATY, 1995

128 ARIEL, 1995

129 MUJER DESNUDA (BRONCE PINTADO), 2005