Algunas preguntas previas

Presentación del tema: "Algunas preguntas previas"— Transcripción de la presentación:

1 Algunas preguntas previas
Templo de Aphaia (Egina) ¿Qué significa “Clásico”? Diadúmeno, de Polícleto ¿Qué es la “Belleza”?

2 ¿Clásico? ¿Clasicismo? concepto de la Historia del Arte que nos remite a la Antigüedad, época en la que se forjaron las bases formales y estéticas del arte occidental El término “clásico” se utiliza con mucha frecuencia, pero en la Historia del Arte sólo hay un arte clásico, y éste nació y se formó en la antigua Grecia y tuvo su continuación en la época del Imperio Romano. El “arte clásico” es un concepto de la Historia del Arte que nos remite a la Antigüedad, época en la que se forjaron las bases formales y estéticas del arte occidental. Unos ideales a los que se volverá, de forma recurrente, en diferentes momentos de la historia, como comprobaremos a lo largo del curso. Pero quizás deberíamos plantearnos primero la siguiente pregunta: ¿qué entendemos por “clasicismo”? ¿Algo pasado de moda? ¿algo que representa un ejemplo o paradigma de perfección? ¿la encarnación de un ideal?

3 El ideal de belleza platónico
«¿Qué es lo que te impresiona cuando al mirar una cosa sientes interés, atracción, desbordante placer? La opinión general, atreveríame a decir, es que la relación de las partes entre sí y de aquéllas con el conjunto constituye la belleza sensible; es decir, que la belleza de las cosas que vemos, como la belleza de todo lo demás, se compone de simetría y proporción. Según este criterio, nada simple y desprovisto de partes puede ser bello, sólo un compuesto». PLOTINO

4 El espacio de las civilizaciones cretense y micénica
El origen histórico de los griegos se remonta a los grandes movimientos de pueblos que se produjeron en la llamada Edad del Bronce (entre el II y el I milenio antes de nuestra era). Las llamadas invasiones indoeuropeas trajeron a la península Balcánica a estas tribus, los aqueos.

5 El espacio originario de los griegos
Los griegos nunca constituyeron una nación o estado unitario en el sentido moderno del término. Se trataba más bien de un conjunto de tribus que tenían en común la lengua, la creencia en unos mismos dioses y mitos ancestrales, así como unos mismos antepasados. Es decir, compartían una misma cultura. Nunca llegaron a constituir un estado homogéneo y siempre estuvieron organizados políticamente en “polis” o “ciudades-Estado” independientes entre sí y, a menudo, rivalizando entre ellas en continuas guerras.

6 1. CONTEXTO HISTÓRICO  Etapas:  Período Arcaico, siglos VIII al VI a.C., desde el final de la llamada Edad Oscura hasta las Guerras Médicas ( a.C.).  Etapa Clásica, siglos V y IV a.C., desde las Guerras Médicas contra los invasores persas hasta el fin de la Guerra del Peloponeso (404 a. C.).  Período Helenístico, desde finales del siglo IV a.C., a partir del reinado de Alejandro Magno ( a. C.), hasta la conquista de Grecia por Roma, a mediados del II a.C.

7 El período arcaico: tiempo histórico y
expansión del espacio originario El período arcaico ( a.C.) es una época de formación, de tanteo y concreción de algunas de las formas que culminarán en la siguiente etapa. En estos primeros tiempos afloran y se perfeccionan, sobre el sustrato propio, las diferentes influencias que concurren en el arte griego: la de la civilización cretense, la civilización micénica y, sobre todo, las grandes civilizaciones orientales, especialmente la egipcia. Es una época en la que el arte evoluciona desde el geometrismo y la abstracción de raíz oriental hacia el naturalismo expresivo. Kourós griego arcaico

8 La colonización griega (ss. VIII-VI a.C.)
Allí, los griegos implantaron su civilización, que a veces se desarrolló más que en la madre patria (metrópolis). Así pues, al hablar de la civilización griega, nos referimos al amplio, diverso y rico mundo de la “civilización griega”. Esta civilización extendió su lengua, mitos, dioses…; su modo de vida, en definitiva, convirtiendo la cuenca mediterránea en el verdadero crisol de la civilización clásica.

9 El período clásico (siglos V-IV a.C.)
El período clásico (s.V-IV a.C.) representa la culminación y perfeccionamiento de todas las manifestaciones artísticas griegas, tanto a nivel formal como técnico. El siglo V a.C. es el verdadero siglo de oro de la cultura griega. Coincide con el apogeo político, económico y cultural de las “polis” griegas, en especial Atenas. En estos años nace la “democracia” como forma de organización política del Estado. La decadencia política de las polis a lo largo del s. IV a.C., consecuencia directa de las guerras del Peloponeso, marca un cambio fundamental en el arte, que evoluciona hacia nuevas formas de expresión.

10 Claves de la civilización griega
UNA COMUNIDAD DE CIUDADANOS LA POLIS O CIUDAD-ESTADO. EL CIUDADANO LIBERTAD INDIVIDUAL E ISONOMÍA. LA DEMOCRACIA. IMPORTANCIA DEL INDIVIDUO Escuelas locales (época helenística) Figura reconocida Trabaja en su polis, fundamentalmente Técnica e investigación, al CONCIENCIA DEL ARTISTA ANTROPOCENTRISMO “El Hombre es la medida de Pericles todas las cosas” (Protágoras) servicio del arte

11 Claves de la civilización griega
UNA RELIGIÓN HUMANIZADA DIOSES Y HÉROES HUMANIZADOS (los griegos crean a sus dioses a su imagen y semejanza) NO HAY UN CLERO PROFESIONAL: Libre albedrío La religión es un elemento cohesionador de la ciudad LA MITOLOGÍA: Fuente de inspiración para el arte Vínculo entre los griegos ICONOGRAFÍA Y PROGRAMA TEMÁTICO DEL ARTE Estatua de la diosa Afrodita Dioses y héroes El mito

12 Claves de la civilización griega
LIBRE EJERCICIO DEL PENSAMIENTO LA NATURALEZA ES CUESTIONADA A TRAVÉS DE LA OBSERVACIÓN, EL RAZONAMIENTO Y LA EXPERIENCIA (nacimiento de la Ciencia) EL NÚMERO, CLAVE ORDENADORA DEL MUNDO (Pitágoras) LA BELLEZA ES ARMONÍA Y PROPORCIÓN (Platón) La diosa Atenea, pensativa

13 Colonia griega

14 La democracia ateniense

15 Pericles

16 2. ARQUITECTURA GRIEGA  DECIR ARQUITECTURA GRIEGA ES DECIR “TEMPLO” ¿Qué podemos deducir sobre la arquitectura griega, a partir de esta imagen?

17 Rasgos generales de la arquitectura griega
Equilibrio Simetría Armonía Medida Proporción Escala humana El ser humano y su cuerpo son la base del arte griego. BELLEZA El material preferido es la piedra: mármol, caliza... Los sillares, tallados con mimo propio de los escultores, se disponen en hiladas regulares, a hueso, unidos con grapas metálicas.

18 3. ESCULTURA GRIEGA ¿Qué podemos deducir sobre la escultura
griega, a partir de estas imágenes?

19 La escultura como búsqueda y expresión del ideal de belleza griego
VOLUMEN EL CUERPO HUMANO DESNUDO EXPRESIÓN MOVIMIENTO

20 3. ESCULTURA GRIEGA  La escultura griega constituye uno de los capítulos más brillantes de la historia del arte universal. Gran parte de las piezas originales se han perdido, pero disponemos de multitud de copias romanas, que si bien no son más que un pobre reflejo de la escultura griega, han provocado la admiración en generaciones de amantes del arte.

21 3.1. Características  Los principales materiales fueron el mármol, cincelado y pulido, y el bronce, fundido a la cera perdida. Las obras de mármol recibían policromía, que casi nunca se ha conservado pero de la que quedan restos. La mayor parte de las esculturas de bronce se ha perdido, dada la posibilidad de refundirlas; de las más importantes conservamos copias romanas hechas en mármol.También realizaron obras en terracota y en metales preciosos, como las llamadas crisoelefantinas (de oro y marfil).

22 3.1. Características  El tema principal de la escultura griega es la figura humana en representaciones de dioses, héroes, atletas, etc. Su realización plástica no se mantiene invariable sino que evoluciona y avanza. Desde la rigidez y frontalidad de las obras arcaicas, se progresó en la búsqueda del movimiento, del desarrollo en el espacio y de la relación proporcional entre las partes del cuerpo. Una vez conseguida la forma arquetípica en la etapa clásica, el camino condujo a la expresión del sentimiento en el periodo postclásico y al patetismo y emoción de algunas escuelas helenísticas.

23 La escultura griega. Características
 El tema principal de la escultura griega es la figura humana en representaciones de dioses, héroes, atletas, etc. Su realización plástica no se mantiene invariable sino que evoluciona y avanza. Desde la rigidez y frontalidad de las obras arcaicas, se progresó en la búsqueda del movimiento, del desarrollo en el espacio y de la relación proporcional entre las partes del cuerpo. Una vez conseguida la forma arquetípica en la etapa clásica, el camino condujo a la expresión del sentimiento en el periodo postclásico y al patetismo y emoción de algunas escuelas helenísticas. 1 2 3 4 5 6 7 Belleza es proporción

24 3.1. Características  La escultura griega tiende al naturalismo idealizado: son figuras carentes de defectos, arquetipos perfectos que buscan la belleza ideal.

25 3.1. Características Idealización expresiva Contrapposto

26 La evolución del ideal de belleza a través de la escultura
 Las raíces son orientalizantes y presentan una clara influencia egipcia.  La constante evolución hizo que pronto se distanciara de los modelos iniciales, creando un mundo de formas nuevo y original.  Los artistas griegos partieron de lo ya realizado por asirios, babilonios y egipcios, para desarrollar su propio lenguaje, definido por una permanente búsqueda de nuevas soluciones para representar la figura humana.

27 La evolución del ideal de belleza a través de la escultura
 La representación de la figura humana como encarnación de la belleza física y el equilibrio espiritual.  La representación del hombre atlético y bien proporcionado se corresponde con el ideal varonil del hombre guerrero y deportista.  La belleza se concibe como medida, proporción entre las partes (el Canon).  La anatomía humana se representa de forma armoniosa e idealizada.  Estamos, por tanto, ante la plasmación de un IDEAL DE BELLEZA ANTROPOMÓRFICA.

28 La evolución del ideal de belleza a través de la escultura
 El artista griego busca la expresión, entendida como la exteriorización de los sentimientos; en la expresión se funde la dimensión espiritual del hombre con su cuerpo.  Pero se trata, también, de una EXPRESIVIDAD IDEALIZADA, donde sólo cabe la quietud y la serenidad de ánimo, el equilibrio perfecto entre la belleza física y la belleza espiritual. Será en la época helenística cuando el artista rompa este corsé expresivo para plasmar los sentimientos humanos de forma realista y menos idealizada.

29 La evolución del ideal de belleza a través de la escultura
 El artista griego, partiendo de la rigidez y el estatismo oriental que evidencian las primeras esculturas del período arcaico (Kouroi y Korés), tratará de REPRESENTAR EL MOVIMIENTO. Ensayará todas las posibilidades plásticas del dinamismo: figuras que se doblan para adaptarse al marco arquitectónico (muros, frontones, etc.), grupos donde las figuras se relacionan de forma dinámica; representación de la tensión muscular, la flexibilidad de los miembros, la agilidad, etc. La representación del movimiento reforzará los valores expresivos de la escultura griega.

30 La evolución del ideal de belleza a través de la escultura
 El artista griego se mostrará profundamente preocupado por la REPRESENTACIÓN DEL VOLUMEN.  Pronto romperán con la frontalidad egipcia. Concebirán la escultura como una forma que debe ser contemplada desde todos los ángulos y puntos de vista posibles.  De ahí que la mayor parte de la escultura griega sea exenta (salvo los frisos con relieves de los muros o los conjuntos de los frontones).

31 La evolución del ideal de belleza a través de la escultura
 Los MATERIALES empleados por los artistas griegos son: la piedra caliza (talla) en la época arcaica y el bronce (modelado a partir de la técnica de la cera perdida) y mármol blanco en la plenitud del clasicismo.  Muchas de las obras griegas que conocemos nos han llegado a través de copias romanas en mármol de originales en bronce.

32 3.2. Evolución de la escultura
 Etapa arcaica (siglos VIII a VI a.C.)  Las imágenes de culto más antiguas fueron las Xoana, de madera, pero no quedan restos. El repertorio del escultor griego arcaico incluye fundamentalmente dos temas: el hombre desnudo y la mujer vestida.

33 3.2. Evolución de la escultura
 Etapa arcaica (siglos VIII a VI a.C.)  El Kouros es una representación en piedra de un hombre joven desnudo.Tiene carácter votivo, es decir de agradecimiento a los dioses, por el triunfo en una competición atlética. La influencia egipcia es manifiesta en el volumen cerrado y en la frontalidad: aunque los kouroi están representados de pie y adelantan la pierna izquierda, su cuerpo es rígido y los brazos están pegados al cuerpo con los puños cerrados. Su anatomía es precaria: los músculos son planos o apenas modelados, a veces tan sólo marcados por surcos incisos; los ojos aparecen almendrados y prominentes y el pelo tiene trazos geométricos. Muestran una mueca en los labios, la sonrisa arcaica, que parece querer dotarles de una vida que los hace inconfundibles con las obras egipcias. Entre los ejemplos más conocidos están el Kouros de Anavyssos, el Moscóforo y el Efebo de Kritios.

34 Descripción de un kouros
 Punto de partida: la concepción egipcia: rigidez y frontalidad. Monumentalidad.  Las figuras se presentan con los brazos pegados al cuerpo y la pierna izquierda ligeramente adelantada. Son como bloques cerrados, de donde la figura humana apenas puede desprenderse.  Simetría en la composición, evitando torsiones y giros de la figura.  Disposición geométrica de los cabellos.  Ojos almendrados y globulares.  Rigidez de las articulaciones.  Sonrisa arcaica.  Representación naturalista de la figura humana: modelado de los músculos, tratamiento de las rodillas.

35 Kouros de Anavyssos

36 El Moscóforo

37 El Moscóforo Procede de la Acrópolis de Atenas. La figura masculina aparece en posición de kouros, pero difiere en el ternero y en la posición de los brazos para sujetarlo, y en que lleva un manto adherido a la espalda y es barbado. Es el primer grupo escultórico de la escultura griega. Los ojos son incrustados de vidrio, y la barba, el pelo, el manto y el ternero estaban pintados.Aún sigue criterios no naturalistas.

38 El Moscóforo

39 Efebo rubio

40 Efebo critio

41 3.2. Evolución de la escultura
 Etapa arcaica (siglos VIII a VI a.C.)  La Koré aporta soluciones para la representación de la anatomía femenina vestida. Las más antiguas son la Dama de Auxerre y la Hera de Samos, ambas del siglo VII a.C. Durante la segunda mitad del siglo VI a.C. se realizaron en Atenas numerosas figuras femeninas para exvotos en los templos de la Acrópolis. Son las Korai de la Acrópolis. En ellas, la sonrisa arcaica o el cabello, trenzado geométricamente, se complementa con los pliegues de la ropa que caen paralelos o en abanico.Visten a la moda jónica, con una túnica fina (chiton) y un manto (himation).

42 Descripción de una koré
 Estatuaria votiva (figurillas de terracota o piedra que se depositaban en la tumba a modo de ofrenda), de pequeñas dimensiones.  El cuerpo humano casi se reduce a un tablero de mármol, con un leve estrechamiento a la altura de las caderas y un ligero abultamiento en el pecho. El carácter de bloque cerrado es aún más evidente.  Son figuras poco expresivas, con una tendencia a la idealización estática.  Su cabellera está formada por rígidas guedejas. Sigue la moda egipcia de representar la cabellera en diferentes pisos.  El geometrismo es, como en el caso de las figuras masculinas, el rasgo más característico de estas imágenes.

43 Dama de Auxerre

44 Hera de Samos y Kore del Peplo

45 3.2. Evolución de la escultura
 Periodo clásico (siglos V y IV a.C.)  La mayoría de las obras de este periodo se conocen por copias romanas. Se suele hablar de tres etapas:  En la primera mitad del siglo V a.C. se produjo la transición al clasicismo. La escultura comenzó a liberarse del arcaísmo, eliminando la sonrisa y los ojos almendrados, y buscó el movimiento mediante un incipiente desarrollo de la figura en el espacio. Podemos constatarlo en el Poseidón del Cabo Artemision, figura de bronce que muestra el contraste entre el movimiento de las extremidades y la rigidez del torso.A esta etapa, denominada también estilo Severo, pertenecen el Auriga de Delfos, los Frontones del templo de Zeus en Olimpia y el Trono Ludovisi.

46 La transición al clasicismo
 EL CAMINO HACIA LA PERFECCIÓN  Impulsada por los relieves que se realizan en torno al año 500 a.C. en los frontones de los templos de Egina y Olimpia.  Son muestras de escultura compositiva, donde las figuras comienzan a acoplarse al espacio arquitectónico. Son un ejemplo del avance hacia formas naturalistas, la representación moderada de los sentimientos, con integración de ritmos compositivos.  En ellos las figuras adoptan actitudes naturales, pero aún rígidas, contrarrestadas por los primeros apuntes de movimiento. Esta mayor flexibilidad se completa con una mayor variedad temática. Representación de ninfa. Trono Ludovisi (Roma)

47 Trono Ludovisi

48 Trono Ludovisi Relieve de tres caras encontrado en Roma. Representa el nacimiento de Venus del mar y a dos adoradoras: una matrona que quema incienso y una muchacha desnuda (primer desnudo femenino del arte griego) que toca la flauta.

49 Poseidón

50 Auriga de Delfos

51 Auriga de Delfos

52 Auriga de Delfos Formaba parte de un grupo de cuadriga, pero solo se conserva el personaje que conducía el carro y parte de éste. Es de bronce, y fue realizada en honor de Polizalos, tirano de Gela (Siracusa) en los juegos délficos del 474 a.C. Está fundida en hueco, y fue fundida en varias piezas (falda, parte superior del torso, extremidades, cabeza y rizos laterales ). Su autor fue Pitágoras de Regio. La cabeza y el tronco giran claramente hacia la derecha, aunque la composición del cuerpo queda escondida bajo los pliegues espesos de la túnica. le falta aun movilidad y el peso del cuerpo está distribuido de forma uniforme, pero ha logrado la tensión. Los brazos, manos y pies son naturalistas, pero el cabello casi es geométrico‚ muy arcaizante. Quedan restos de la diadema de plata y de cobre en los labios. Los ojos insertos de vidrio de color. La cara inexpresiva. Su altura es de 1’80 m.

53 Frontón del templo de Zeus en Olimpia

54 3.2. Evolución de la escultura
 Periodo clásico (siglos V y IV a.C.)  La mayoría de las obras de este periodo se conocen por copias romanas. Se suele hablar de tres etapas:  La plenitud del Clasicismo se alcanzó en la segunda mitad del siglo V a.C. La escultura griega clásica busca la belleza ideal en la armonía y proporción. El cuerpo humano desnudo se concibe como un edificio unitario, aunque sus partes deben mostrar también con claridad sus líneas fronterizas. El primer escultor del clasicismo fue Mirón, un broncista cuya obra maestra es el Discóbolo. Pese a que algunos escritores romanos consideraban que el Discóbolo era una obra artificiosa, es indudable que Mirón dio un paso importante en la representación del movimiento. El atleta aparece en la transición entre las dos trayectorias opuestas de un movimiento pendular. Contrasta la tensión de los músculos de las piernas y los hombros con la fría serenidad del rostro, como si el esfuerzo no afectase a la expresión. Otra de sus obras fue el grupo de Atenea y Marsias.

55 El Discóbolo El discóbolo o lanzador de disco,
desarrolla su movimiento en un instante fugaz. El estudio anatómico: músculos perfectamente definidos, aunque algo planos. A pesar del dinamismo compositivo, la obra es bastante inexpresiva, no hay relación alguna entre la tensión muscular y el esfuerzo físico que se le supone al atleta en el momento de máxima concentración y la expresión del rostro, que parece ajeno a lo que el cuerpo ejecuta. Es la expresión del interés por la representación del cuerpo humano en movimiento. La figura humana se representa ya por sí misma, no como un exvoto o representación de la divinidad.

56 El Discóbolo La composición es muy atrevida, curvilínea en espiral, contrapesada por las líneas quebradas de brazos y piernas. Esta composición multiplica los puntos de vista, logrando transmitir la sensación de instantaneidad.

57 Atenea y Marsyas

58 3.2. Evolución de la escultura
 Periodo clásico (siglos V y IV a.C.) Policleto era un broncista de Argos que escribió un tratado, Canon, sobre las proporciones armónicas del cuerpo humano. En el Doríforo, que conocemos únicamente por copias romanas, aplica los principios expuestos en el libro. Es una escultura que responde a planteamientos geométricos: la cabeza es muy esférica y la vertical que divide el centro del rostro se compone de tres segmentos iguales (frente / nariz / boca y barbilla). El estudio de proporciones es riguroso, de modo que la cabeza es la séptima parte del cuerpo. La figura muestra un ritmo deambulatorio como si estuviera entre un paso y el siguiente. La postura es de contraposto con equilibrio compensado: el torso presenta una ligera inclinación hacia el lado derecho y la cabeza gira en la misma dirección. El punto de vista es todavía bastante frontal, pero incorpora el espacio al retrasar la pierna izquierda y adelantar el brazo que sostiene la lanza. En el Diadúmeno, anatomía y postura están tratadas con mayor libertad.

59 El Doríforo Su máxima preocupación son las proporciones del cuerpo humano y la ponderación de sus masas en las actitudes.Teoriza sobre ello en su obra:“El Kanon” (La Norma). Para este gran escultor la belleza reside en la armonía (Symetria) del cuerpo humano. La representación del cuerpo humano alcanza su plenitud. El joven es un perfecto estudio de la anatomía humana (idealizada), en estado de perfección y plenitud.

60 El Doríforo

61 Policleto: la búsqueda del canon ideal
La belleza es un juego sutil de proporciones (canon): las dimensiones de la cabeza representan 1/7 del cuerpo. La geometría determina ciertos criterios en la representación y composición de la figura humana: el pliegue inguinal (un semicírculo) y el tórax, son sendos segmentos de circunferencia cuyo centro sería el ombligo.

62 Policleto: la búsqueda del canon ideal
La composición es asimétrica: uso del contrapposto (ligera curvatura de la cadera y pierna izquierda adelantada). Perfecta plasmación del equilibrio físico y espiritual. Un equilibrio dinámico que logra llenar el vacío a su alrededor y multiplicar los puntos de vista.

63 Diadúmeno

64 Didadúmeno

65 3.2. Evolución de la escultura
 Periodo clásico (siglos V y IV a.C.) Fidias representa la culminación del clasicismo por su maestría en el equilibrio compositivo y en la idealización de las formas, por la serena expresividad de los rostros, por la solemne majestuosidad de sus dioses, por la perfección de sus paños mojados. Dirigió las obras de la Acrópolis y realizó la estatua de Atenea Parthenos a la que los atenienses rendían culto en el Partenón. Pero, acusado de robo, huyó a Olimpia, donde esculpió el Zeus Olímpico, en oro y marfil, que según los textos antiguos era la obra más perfecta de la escultura griega.

66 Atenea Parthenos

67 Zeus de Olimpia

68 Atenea Promacos

69 Atenea Lemnia

70 3.2. Evolución de la escultura
 Periodo clásico (siglos V y IV a.C.) Dirigió la decoración escultórica del Partenón, donde puso de moda la técnica de los paños mojados. El programa iconográfico consistía en tres temas superpuestos jerárquicamente: los frontones, la zona más alta, se reservaron a los dioses; en las metopas, en altura intermedia, aparecían los héroes atenienses; en el friso, la parte inferior, estaban representados los hombres, los ciudadanos atenienses participando en la procesión en honor a su patrona. Los frontones están dedicados a Atenea: en el oriental se representa su nacimiento; en el occidental, la disputa con Poseidón por el patronazgo de la ciudad. Las noventa y dos metopas tienen temas relacionados con el héroe ateniense Teseo: amazonomaquia, gigantomaquia y centauromaquia. El Friso de las Panateneas, situado en la parte alta exterior del muro del templo, representa la procesión de las fiestas Panatenaicas, en que el pueblo de Atenas ofrendaba un velo a la Diosa. Es la culminación del equilibrio ideal fidíaco, por la armónica fusión de cuerpos y vestimentas, por el ritmo solemne y variado del relieve procesional, por la expresión serena de rostros y gestos.

71 La decoración de El Partenón

72 La decoración de El Partenón
S W

73 Relieves del Partenón: frontón y metopas

74 Metopa del Partenón: lucha de centauros y
lapitas

75 Metopa del Partenón: lucha de centauros y
lapitas

76 Metopa del Partenón: lucha de centauros y
lapitas

77 Metopa del Partenón: lucha de centauros y
lapitas

78 La decoración de El Partenón, metopas y
friso de las Panateneas

79 La decoración de El Partenón, metopas y
friso de las Panateneas

80 Friso de las Panateneas, procesión

81 Friso de las Panateneas, asamblea de los
dioses

82 Fiesta de las Panateneas

83 Frontón del Nacimiento de Atenea

84 Figuras del frontón del Partenón
Los frontones destacan por su sabia composición y la belleza y grandiosidad

85 Démeter y Perséfone, figuras del frontón del
Partenón

86 Las Parcas, figuras del frontón del Partenón

87 3.2. Evolución de la escultura
 Periodo clásico (siglos V y IV a.C.) De la plenitud clásica se conservan también algunas obras anónimas, como los guerreros de Riace. Pero quizás la más hermosa es la Niké atándose la sandalia, excepcional ejemplo de paños mojados, que adornó el pretil del templo de Niké Áptera.

88 Guerreros de Riace

89 Niké atándose la sandalia

90 3.2. Evolución de la escultura
 Periodo clásico (siglos V y IV a.C.)  En el siglo IV a.C. entramos en la crisis del clasicismo Tras las guerras del Peloponeso, Atenas dejó de ser el centro artístico, que pasó a las ciudades jónicas del Asia Menor. La crisis se manifestó en el creciente agnosticismo, y en la escultura; los dioses perdieron la serenidad de Fidias y parecen hombres realizando acciones intrascendentes; también aparece el desnudo femenino. Las formas se estilizan, se multiplican los puntos de vista (Lisipo) y se empiezan a expresar sentimientos intensos (Scopas).

91 3.2. Evolución de la escultura
 Periodo clásico (siglos V y IV a.C.)  Praxíteles, ateniense, fue escultor de mármoles.Acentúa el contraposto de Policleto creando la curva praxitélica, sinuosa y rítmica, que hace que las figuras parezcan inestables e indolentes. Fue escultor de dioses, pero humanizados, despojados de majestad y de grandeza. Buscó la belleza ideal, pero la impregnó de hedonismo. Difumina las aristas de los cuerpos modelando con gran suavidad y dando lugar a texturas esfumadas. El claroscuro del cabello, realizado a trépano, los rostros algo melancólicos, los cuerpos blandos y voluptuosos, son otros rasgos característicos de su estilo. Se conservan copias del Apolo Sauróctono y de la Afrodita de Gnido; el Hermes con Dionisio niño de Olimpia es considerado, aunque no unánimemente, obra original.

92 Canon de Praxíteles 1 2 3 4 5 6 7 8

93 Apolo Sauróctono Se representa al
dios como adolescente matando un lagarto (lanzándole un dardo) que sube por el tronco que, de ese modo, además s de servir de soporte, queda integrado en la composición. La obra original fue en bronce, sin embargo otras obras las realizó en mármol .

94 Afrodita de Cnido

95 Hermes con Dionisos

96 3.2. Evolución de la escultura
 Periodo clásico (siglos V y IV a.C.)  Scopas trabajó sobre todo el mármol. Su obra, de marcado patetismo, influyó en algunas escuelas helenísticas. Cimentó su prestigio en la representación de héroes de tragedia. Pretendía representar las emociones del alma y por ello sus personajes son muy expresivos. Esculpe los ojos rehundidos, la boca entreabierta, la frente saliente, el cuerpo movido y tenso, como queda patente en los relieves del Mausoleo de Halicarnaso y en la Ménade furiosa.

97 Scopas, trabajos para el Mausoleo de
Halicarnaso

98 Ménade herida

99 3.2. Evolución de la escultura
 Periodo clásico (siglos V y IV a.C.)  Lisipo aportó como novedades un tipo humano más esbelto (el cuerpo es ocho veces la cabeza), y el dominio del espacio a través del movimiento en tres dimensiones y de la variedad de puntos de vista. Obras suyas son el Apoxiomenos, el Ares Ludovisi, se le atribuye la estatua de Heracles Farnesio en bronce y varios retratos de Alejandro Magno,

100 Apoxiomeno El Apoxiomeno representa a un joven atleta quitándose la grasa y el polvo de después de la competición. No lo representa en una actitud heroica sino vulgar. Es de esbeltas proporciones, y parece que creó un nuevo canon con la cabeza más bien pequeña y las extremidades muy alargadas. Es importante que la estatua ya tiene una concepción espacial: se puede observar desde distintos puntos de vista. El efecto es de movimiento atrapado: la separación de los pies no solo ayuda a producir esa sensación sino que sirve al mismo tiempo para equilibrar la acción de los brazos.

101 Canon de Lisipo, de 7 cabezas y 1/2

102 Ares Ludovisi

103 Hércules Farnesio

104 3.2. Evolución de la escultura
 Etapa helenística (Desde finales del s. IV al s. I a.C.)  En la época helenística la cultura griega se difundió por Asia y Egipto, y, debido al contacto con las culturas orientales, absorbió elementos que la transformaron. La escultura, en concreto, aunque presenta variedad de escuelas y hasta de estilos, buscó mayormente el ardor y la intensidad, acentuó la expresividad, los valores espaciales y, en suma, los aspectos sensoriales. Parece seguir la idea aristotélica de que el arte es catarsis (purgación de las pasiones, desahogo); estas ideas llevan incluso a justificar la fealdad. Podemos encontrar cuatro escuelas diferenciadas:

105 La etapa helenística (siglos IV – I a.C.)
Período de gran amplitud cronológica y geográfica, donde la tradición griega se impregnará e impregnará, a su vez, de la cultura de los territorios que formaron parte del Imperio de Alejandro Magno. Tradición clásica y orientalismo se fundirán para crear y expresar, a través del arte, una nueva concepción de la vida. Se pierde, además, la unidad estilística de la época clásica. Nuevos focos y escuelas artísticas se suman a Atenas, como Rodas,Alejandría o Pérgamo. Retrato de Alejandro Magno

106 La etapa helenística (siglos IV – I a.C.)
Principales características: Abandono del canon de proporcionalidad Se acentúa el movimiento Se abandona la idealización expresiva Varían los temas hacia lo cotidiano e intrascendente Se sustituye el ethos por el pathos Skiagraphía (sombreado) y Skenographía (perspectiva) Vieja ebria

107 El Pathos helenístico Un profundo realismo lo impregna todo. Se prefiere el desequilibrio de los cuerpos retorcidos a las serenas superficies clásicas; el dramatismo de las expresiones a los rostros tranquilos; la fealdad, a veces monstruosa, a la belleza clásica. Predominan las obras “barrocas”, caracterizadas por un intenso movimiento y tensión, aunque algunos artistas repiten y conservan los ideales clásicos. Pathos ≠ ethos

108 3.2. Evolución de la escultura
 Etapa helenística (Desde finales del s. IV al s. I a.C.)  A lo largo de toda esta etapa helenística existe una corriente clasicista que tuvo su centro en Atenas y en el Peloponeso, con los seguidores de los principales escultores del s. IV a.C.A esta escuela pertenecen el Niño de la espina y el Torso Belvedere. Clasicista, con un recuerdo ecléctico de Praxíteles y de Lisipo, es la Afrodita (Venus) de Milo, actualmente en el Louvre, caracterizada por el acentuado contraposto.

109 El Espinario Los escultores abandonan a los dioses como tema exclusivo y se entregan a la observación de personajes, acciones y gestos cotidianos. Los temas son humildes o grotescos, pero expresivos: La vejez; lo feo, como imperfección; la niñez.Todos estos temas habrían sido considerados indignos durante la época clásica.

110 Torso Belvedere Se mantiene el profundo interés por la anatomía que caracteriza al arte griego, desde un punto de vista técnico. La insistencia en delimitar cada uno de los músculos en tensión produce desnudos con un claroscuro inédito en la escultura griega.

111 Torso Belvedere

112 Venus de Milo

113 Venus de Milo La Venus de Milo presenta la grandiosidad majestuosa de la que carecen la mayoría de las Afroditas helenísticas. Esta Afrodita es el ejemplo máximo de este arte ecléctico, sublimado aquí por la serenidad y la armonía de las proporciones. Combina, así, la serenidad y grandiosidad del estilo de Fidias y la armonía de Praxíteles.

114 Venus de Milo

115 Vieja ebria

116 Hermafrodita dormido

117 Luchadores

118 Pugilista

119 3.2. Evolución de la escultura
 Etapa helenística (Desde finales del s. IV al s. I a.C.)  En cuanto a los retratos vemos en el retrato de Séneca esos rostros realistas que se recrean en los defectos físicos, o en el retrato de Homero donde el autor (anónimo) se recrea en la representación de la vejez, o en el retrato del tirano Lisímaco de Tracia donde el autor se recrea en la fealdad.

120 Retratos Séneca Homero

121 3.2. Evolución de la escultura
 Etapa helenística (Desde finales del s. IV al s. I a.C.)  La Escuela de Pérgamo cultivó con preferencia lo patético y lo heroico. Destacan las estatuas de los gálatas que adornaban un monumento situado en el ágora de la acrópolis pergamasca. El centro lo ocupaba el jefe suicidándose tras matar a su esposa; alrededor, cuatro galos moribundos arrastran su dolor. Se conservan fragmentos del Altar de Zeus en Pérgamo, cuyos relieves representan, con un estilo expresivo y dinámico, la lucha mítica de los dioses y los gigantes por el dominio del Olimpo.

122 Galo suicidándose

123 Gálata moribundo, escuela de Pérgamo
Esculpido hacia el 230 a.C. su temática es típicamente helenística: ya no se representa la confrontación de fuerzas en la lucha, sino el momento de la muerte o el suicidio. Se prescinde de la alegría de los victoriosos, solo el dolor y el orgullo de los enemigos que se expresan con patético realismo.

124 Gálata moribundo, escuela de Pérgamo
En él se observan una mezcla de realismo y de tradición ideal: la desnudez heroica (los galos llevaban pantalones), se combina con rostros con bigote y sin barba, el cabello desigual y los torques, todo ello cuidadosamente señalado. Reproducción realista del cuerpo. Estas estatuas son creadas espacialmente y pueden observarse todo alrededor. La obra también es una copia del siglo II d.C.

125 Gálata moribundo, escuela de Pérgamo

126 Relieves del Altar de Zeus en Pérgamo
Las victorias de sus reyes, en la primera mitad del siglo III frente a los Galos invasores del mundo helenístico, dan lugar a que se labren una serie de esculturas y grupos conmemorativos de estas guerras. Los relieves del Altar de Zeus en Pérgamo representan, con una altura de 2’5 metros las luchas entre los dioses y los gigantes, en él las formas anatómicas se distorsionan y se exageran formando torsiones violentas y dolor en los rostros. Fue realizado a mediados del siglo II a. C. y se conserva en Berlín.

127 Relieves del Altar de Zeus en Pérgamo
Construido sobre una terraza, el altar de Pérgamo sigue un esquema poco habitual; en lugar de un friso bajo con columnata, nos encontramos un enorme podio, con un fabuloso friso de altísimo relieve y una majestuosa escalera. En lo alto del todo, domina la columnata jónica de escasa altura. Dentro del friso se desarrolla la gran escena de la lucha del principio del tiempo: los dioses, representantes del orden, contra los gigantes, fuerzas del desorden y del caos (Gigantomaquia). Todos los artistas que trabajaron en el relieve, procedentes de diferentes ciudades (Pérgamo, Atenas,Tralles, Rodas), consiguieron mantener la unidad de estilo en toda la obra.

128 3.2. Evolución de la escultura
 Etapa helenística (Desde finales del s. IV al s. I a.C.)  La Escuela de Rodas se caracterizó por la complejidad compositiva y el movimiento contrastado.Tenía en su haber el famoso y gigantesco Coloso de Rodas. Del Laooconte y sus hiijos se conserva una copia hecha en torno al año 50 a.C. Fue encontrada en unas excavaciones, durante el Renacimiento, y restaurada por Bernini. Es un grupo ultrarrealista, de intenso patetismo, claro antecedente de la escultura barroca. La Victoria de Samotracia, obra original del s. II a.C., nos muestra el movimiento de los ropajes sacudidos por el viento sobre un cuerpo terso y vibrante.  De la isla de Rodas proviene también el grupo escultórico del Toro Farnesio realizado en el siglo II a.C. En él vemos a un grupo de figuras intentando capturar y dominar al animal mitológico.

129 Coloso de Rodas

130 Fauno Barberini

131 Victoria de Samotracia

132 Victoria de Samotracia

133 Victoria de Samotracia

134 Laocoonte y sus hijos Se encontró en el año 1506 y conmocionó todo el arte renacentista del siglo XVI. Se fecha en el siglo I a.C. y se cree que fue realizado por los artistas de Rodas Agesandros, Polydoros y Athenodoros. Fuerte expresividad y patetismo, sobre todo de Laocoonte, que sufre por el dolor físico y por ver desaparecer a sus hijos (episodio de la Guerra de Troya, en el que el sacerdote troyano Laocoonte no quiere dejar entrar el caballo a Troya. Poseidón, que ayuda a los griegos, manda unas serpientes que lo estrangulan. Los troyanos creen que es un castigo divino por dudar del regalo, y lo aceptan). Sus poderosas musculaturas están en plena tensión y se logra un efecto contrastado de claroscuro.

135 Laocoonte y sus hijos

136 Laocoonte y sus hijos

137 Toro Farnesio Monumentalismo, dinamismo expresividad y teatralidad son también rasgos escultóricos del periodo helenístico.

138 3.2. Evolución de la escultura
 Etapa helenística (Desde finales del s. IV al s. I a.C.)  Escuela de Alejandría.Alejandría se convirtió, con los Ptolomeos, en un importante centro económico, cultural y artístico. Sin embargo en sus obras falta la grandeza barroca de las escuelas de Rodas o de Pérgamo.Abundan las estatuillas de terracota que representan temas cotidianos. Existe también una corriente más elitista a la que pertenece el Grupo del Nilo y numerosas estatuas de Afrodita que recuerdan a Praxíteles.

139 El Nilo

140 Un encuentro con la armonía: el número de Oro
El número de oro, sección áurea o proporción áurea, es uno de los conceptos matemáticos relacionados con la naturaleza y con el arte. Se denomina con la letra griega (Phi), en memoria del escultor griego Fidias. Está presente en el crecimiento de las plantas, las piñas, la formación de caracolas... y por supuesto en cualquier estudio armónico del arte. La sección áurea es la división armónica de una segmento en media y extrema razón. Es decir, que el segmento menor es al segmento mayor, como éste es a la totalidad. De esta manera se establece una relación de tamaños con la misma proporcionalidad entre el todo y sus segmentos. Esta proporción o forma de seleccionar proporcionalmente una línea se llama proporción áurea. El número áureo aparece en las proporciones que guardan edificios, esculturas, objetos, partes de nuestro cuerpo. Un ejemplo de rectángulo áureo en el arte es el alzado del Partenón griego. Euclides (c a. C.) lo definió así: «Se dice que una línea recta está dividida en el extremo y su proporcional cuando la línea entera es al segmento mayor como el mayor es al menor.» (Euclides, Los Elementos).