Arte Griego II. La Escultura griega..

Presentación del tema: "Arte Griego II. La Escultura griega.."— Transcripción de la presentación:

1 Arte Griego II. La Escultura griega.

2 La escultura griega: Escultura que siempre está centrada en la figura del ser humano. Se desarrolló tanto el relieve como el bulto redondo. Pero será el bulto redondo la técnica más desarrollada en la escultura. Al igual que en la arquitectura existe una periodización que es la siguiente: Período Arcaico: del siglo VII a.C. al 500 a.C. Estilo Severo: del 500 a.C. al 475 a.C. Período Clásico: del 480 a.C. al 313 a.C. Período Helenístico: del 313 a.C al 146 a.C.

3 Esta periodización coincide con las fases de alza y de crisis de la historia de Grecia.
Como en la arquitectura, la fase arcaica es de evolución hacia la perfección, la clásica es el cénit y la era de los grandes maestros, y la fase helenística es un período de retroceso cultural hacia formas más orientalizantes.

4 La escultura griega es una constante lucha por la perfección, una lucha contra los problemas de la anatomía humana, de la perspectiva, de la composición etc. Además de buscar el Naturalismo, el escultor griego construye prototipos ideales de belleza que, extraídos de la realidad, confecciona con sutiles cálculos matemáticos y geométricos hasta llegar a las proporciones perfectas.

5 Tanto relieves como esculturas de bulto redondo estaban policromadas y todo para acentuar el realismo de la figura. Los materiales principales de la imagen son el barro, el mármol o el bronce. De estos tres materiales el favorito de los escultores helenos será el mármol blanco de gran calidad. Pero esto no quiere decir que se hiciesen esculturas en otros materiales como la piedra local de la zona, la madera o el marfil.

6 Época Arcaica: Las primeras imágenes humanas aparecen en el siglo VII a.C. y se las denomina Xoanas. La escultura arcaica se caracteriza por el hieratismo de las figuras y el poco detallismo de algunas piezas. Son esculturas con poca expresividad. No simulan movimiento. Están trabajadas en bloque. Son figuras poco naturalistas. Muchas de estas esculturas son exvotos.

7 Las Xoanas: son imágenes religiosas hechas en madera, y de marcado carácter hierático.
Tienen una clara influencia oriental. Son conocidas gracias a las copias que se hicieron en piedra posteriormente. Las dos piezas más importantes de este período son: La Dama de Auxerre y La Hera de Samos.

8 La Dama de Auxerre: Típica representación de figura femenina (korai) de comienzos de época arcaica: rostro oblongo, gruesas trenzas en pesada caída (peinado de pisos), miembros en actitud rígida. La figura viste un peplo, que lleva tejida una decoración geométrica, y sobre los hombros un manto corto. De acuerdo con los criterios estilísticos de la época la escultura posee una fuerte carga abstracta, que sólo permite reproducir los volúmenes del pecho y las caderas.

9

10 La Hera de Samos: De los talleres de Samos (siglo VI a.C.). Está realizada en mármol, le falta la cabeza, y es mucho más estilizada. Muestra un especial cuidado en el ropaje. Los pliegues son muy menudos y verticales, se estrecha hacia la parte inferior. El manto tiene pliegues diagonales. La anatomía está muy ligeramente marcada.

11

12 En el siglo VI las prácticas de los Juegos Olímpicos se generalizaron en todo el territorio helénico. Estos juegos van familiarizando a los griegos con el desnudo. Desnudo es igual a belleza, y poco a poco, empieza esa exaltación del cuerpo humano.

13 Los Kuroi: El kurós o Kuroi en plural, son representaciones de atletas vencedores en los Juegos Olímpicos. Son héroes desnudos y representados de forma orante (de pie). Los brazos los tiene pegados al cuerpo. La pierna izquierda se adelanta (para simular el movimiento). Todavía son figuras demasiado estáticas e inexpresivas, acusando un cierto frontalismo heredado de la influencia oriental.

14 Los ojos son demasiado prominentes.
El pelo es una masa compacta surcada por líneas geométricas que caen sobre la espalada. Estos kuroi irán evolucionando hacia un naturalismo y una elegancia cada vez más evidente.

15 Kurós de Anavisos, Museo Nacional de Atenas, 540-515 a. C.

16 La Koré: La Koré o Korai en plural, son esculturas femeninas que proceden del siglo VI a.C. y que se encontraron sobre todo en la Acrópolis de Atenas. Se las representa siempre sonrientes. Van vestidas (peplo) y con el cabello recogido sobre la nuca. Su evolución se nota sobre todo en la mejor organización de los pliegues de su vestido y de los cabellos así como una mayor expresividad.

17 Estaban policromadas todas las figuras.
Sigue un esquema semejante al de los kuroi. Falta de expresividad. Figuras muy hieráticas. Falta de movimiento y rasgos orientalizantes.

18 Koré del Peplo, Atenas, Siglo VI a.C.

19 Koré, Museo Nacional de Atenas. Siglo VI a.C.

20 El Moscóforo: Pertenece al período arcaico de la escultura, pero en esta obra se observa un mayor detallismo. Aun sigue siendo una escultura muy hierática. Está realizada en mármol y está en posición orante. Se encontró en la Acrópolis de Atenas y data del 570 a.C. Actualmente se encuentra en el Museo de la Acrópolis de Atenas.

21 La estrecha cohesión entre la figura humana y la del animal se consigue con un trabajo unitario del mármol, en el que destaca la rotundidad de los volúmenes.

22

23

24

25 El estilo Severo: La tipología de los kuroi y de las korai evoluciona en formas anatómicas. Se observa en los pliegues de los vestidos, en los peinados… Se elimina poco a poco el hieratismo de las esculturas. La sonrisa arcaizante se va borrando de sus rostros. Estas obras de arte datan de principios del siglo V a.C.

26 La producción artística del estilo severo se caracteriza por una cierta idealización de la figura humana pero mucho más cercana a la realidad. La expresión seria de las figuras le da el nombre a este estilo artístico. El equilibrio, la serenidad y la dignidad en el tratamiento de las divinidades será otro aspecto que caracterice este período de la escultura griega.

27 El Auriga de Delfos: Se realizó en el año 474 a.C. para conmemorar la victoria de un conductor de carros (auriga) en los Juegos Píticos. La figura formaba parte de un grupo más amplio en el que estaría incluido el carro y cuatro o seis caballos. De tamaño natural, la figura tiene una altura de 1,80 metros.

28 Se trata de una de las escasas esculturas originales que se conservan en bronce del mundo griego.
La escultura está fundida en varias piezas separadas y soldadas posteriormente, tal y como era costumbre en representaciones que incluían un número importante de figuras. Está realizada con la técnica de la Cera Perdida y es atribuida a Pitágoras de Samos. El grupo estaría formado seguramente por el auriga que sostiene las riendas de la cuadriga, los cuatro o seis animales, un guerrero detrás suyo, además de un mozo de cuadra.

29 A primera vista, la figura erguida, con la larga túnica y la actitud impasible, recuerda mucho las esculturas arcaicas. Sin embargo, elementos como la marcada frontalidad que caracterizó a las esculturas arcaicas exentas, especialmente en los primeros tiempos, tiende aquí a desaparecer gracias a la introducción de matices que dotan a la figura de una mayor tridimensionalidad. Los pies se sitúan oblicuamente respecto al cuerpo, el cual acentúa levemente la torsión lateral, de acuerdo con los brazos y cabeza.

30 Esta torsión se manifiesta en el juego de los pliegues de la túnica, ceñidos en la cintura y sueltos en el torso, crean un volumen que rompe con el hieratismo propio de épocas pasadas. Este movimiento es, no obstante, mínimo, muy lejos del que realmente podía mostrar un auriga sobre un carro. El rostro está de acuerdo con esa disposición corporal; mantiene un gesto sereno en el que ha desaparecido la sonrisa (propia también del periodo arcaico), para dar paso a una expresión centrada, que destaca en unas facciones geometrizadas, pero con una fuerte "carnosidad" en los elementos propios del rostro.

31

32

33

34 En cuanto al relieve; destaca el Tímpano del frontón del templo de Zeus en Olimpia.
En él se relatan varios temas mitológicos: La lucha de los lapitas y centauros presidida por Apolo es una de las escenas que se esculpieron en el centro del frontón. Son escenas de gran movimiento y violencia. Este dinamismo contrasta con la quietud de las figuras anteriores. Esto se debe a que el relieve en mármol permite una mayor libertad de movimientos que la figura de bulto redondo.

35 La sonrisa arcaica ya ha desaparecido y las actitudes son más naturales.
Las posturas de los personajes se adaptan al esquema espacial del frontón triangular. Se abandona la composición con escalas en descenso hacia las esquinas del tímpano.

36

37

38

39 La Época Clásica: La escultura alcanza su máxima perfección, y se utilizan los mármoles de mejor calidad. Las obras escultóricas van a alcanzar una belleza y perfección jamás pensada. El mármol se generaliza para la realización de las esculturas, tanto en bulto redondo como en relieve. Las piezas representan el movimiento a la perfección. Las obras parecerán estar vivas. Son esculturas todas ellas, de una gran expresividad.

40 Se remarcan todos los músculos de las esculturas masculinas.
El cuerpo femenino será trabajado de forma espectacular, por ejemplo con la técnica de los Paños Mojados, en donde los peplos de las esculturas se ciñen al cuerpo, remarcando la figura femenina. En este período aparecen los grandes maestros y cada uno de ellos aporta modelos y tipologías nuevas.

41 Mirón: Fue contemporáneo de Fidias.
Tiene rasgos que lo ligan aún a la escultura preclásica pero aporta muchas novedades. Los estudios de Mirón se centran en el estudio de la anatomía en movimiento y representa a sus figuras en posturas violentas. Su obra cumbre será el Discóbolo.

42 El Discóbolo: El Discóbolo es la escultura en bulto redondo y posición orante, de un atleta que se dispone a lanzar el disco. Fue esculpida por Mirón en el año 455 a.C. Para ello el autor decide congelar un segundo clave; el instante de máxima torsión cuando el atleta concentra toda su fuerza en el giro. Representa un notable avance en la representación del movimiento, rompiendo con la formalidad y el hieratismo de la escultura griega anterior.

43 Mirón representa el cuerpo en el momento de su máxima tensión; ese esfuerzo no se refleja sin embargo en el rostro, que muestra solo una tenue concentración. La torsión del cuerpo, es vigorosa, pero al mismo tiempo armoniosa y delicada. Todo el cuerpo está echado hacia delante, para producir con el balanceo posterior el impulso necesario para poder lanzar el disco.

44 La anatomía se trata de forma muy naturalista, pero el rostro carece de expresividad suficiente para la acción que el lanzador de disco está realizando. Mirón es el autor que representa el estilo intermedio entre las formas antiguas y las plenamente clásicas de Fidias. La cabeza del atleta es más pequeña en comparación con el resto del cuerpo, hay por tanto un cierto desfase en la proporción de la escultura. La escultura se apoya sobre una especie de podio para evitar que esta se venza.

45

46

47 Polícleto/Policleto:
Es también contemporáneo del Maestro Fidias. Su obsesión: conseguir la imagen del hombre ideal. Por eso buscó un canon o prototipo ideal investigando las proporciones más armónicas. Instauró el canon de las siete cabezas (la altura del cuerpo debe ser siete veces mayor que la de la cabeza). Entre sus obras destacan: el Doríforo y el Diadomenos.

48 El Doríforo: Representa a un atleta portando una lanza.
Es la representación de un joven en el máximo desarrollo de su fuerza muscular, sin que la figura muestre ningún rasgo de niñez. Está fechada entre el a.C. Representa a una figura desnuda masculina joven en actitud de marcha, con una lanza sobre el hombro izquierdo, la cabeza ligeramente ladeada hacia la derecha y con una leve sonrisa en el rostro, acompañada de una mirada perdida y distante.

49 Esta obra, a pesar de ser considerada clásica, conserva aún rasgos de un cierto arcaísmo: está tallada con cierta rudeza, los músculos de los pectorales son planos, sin apenas relieve, aunque las líneas de la cadera y cintura están perfectamente marcadas. El movimiento de la figura está perfectamente acompasado, con una pierna avanzada hacia delante y la otra un poco más retrasada, a imagen de los kuroi de la época precedente.

50 La belleza del Doríforo reside primordialmente en su proporción y medida. La pierna derecha es la que soporta el peso del cuerpo estando firmemente apoyada en el suelo, recta y comprimiendo así la cadera; la pierna izquierda en cambio no soporta apenas peso alguno y retrasada toca el suelo con la parte anterior del pie, apoyando solamente los dedos.

51 En la parte superior el esquema funcional de los miembros está cambiado: el brazo derecho no realiza ningún esfuerzo y cae relajado a lo largo del cuerpo, mientras que el brazo izquierdo se dobla para sostener la lanza que originalmente portaba, el torso presenta una ligera inclinación hacia el lado derecho y la cabeza gira en ese mismo sentido inclinándose levemente. A esta posición del cuerpo de le denomina postura de Contraposto.

52 Fue realizado para ser visto de frente, por ello se marca claramente el eje vertical, pero Policleto rompió con el concepto tradicional de simetría oponiendo las partes del cuerpo respecto del eje, sometiéndolas al servicio de la totalidad.

53

54

55 El Diadumenos: Representa a un atleta atándose a la cabeza la cinta de la victoria. El contraposto de es mucho más acusado que en el Doríforo. Tiene una mayor curvatura en el eje del torso. Su expresión también es serena, con lo ojos cerrados y el cuerpo relajado. Remarcación de todos los músculos del efebo griego: el pliegue inguinal, los abdominales, los pectorales, los hombros, los cuádriceps etc. Se puede observar el canon de Policleto.

56 Es una escultura realizada en mármol, de bulto redondo y posición orante.
Data del año 420 a.C.

57

58

59

60 Fidias: Será el autor más relevante y que marcará todo el siglo V a.C.
Lo que más destaca en Fidias será el tratamiento de los ropajes. Los abundantes y sinuosos pliegues de las telas que se pegan al cuerpo como si fueran paños mojados, no impiden hacer un buen estudio anatómico. Fidias es considerado el escultor de las formas equilibradas y de la perfección.

61 Pericles, primer magistrado de Atenas le encargó varios trabajos para la Acrópolis de Atenas, y es allí donde se encuentran sus principales obras. Fidias decoró por completo el Partenón de Atenas y otros templos como el de Atenea Niké, o el erecteion entre otros.

62

63

64

65 Praexíteles: Este autor intentó dar un aire psicológico a sus figuras, una expresión sutilmente melancólica. Prefirió representar los cuerpos de adolescentes, modelados con una suma delicadeza. La pose es siempre la misma: arquea el torso para apoyarse en un objeto lateral, creando un contraposto exagerado, formando así una curva entre pierna, cadera y torso muy pronunciada. Este avance técnico se denomina: Curva Praexiteliana.

66 El Hermes de Olimpia: Es una escultura de bulto redondo, posición orante y realizada en mármol. Del siglo IV a.C. El rostro tiene una frente que se abomba, algo típico del taller de Lisipo. El rostro es naturalista, pero a la vez como ensimismado. La musculatura está tratada de forma suave, sin recalcar los músculos, como afeminado. Da un carácter sensual a la escultura, muy naturalista.

67 La cadera se ladea hacia un costado mientras que la pierna izquierda se adelanta, algo representado de la llamada curva praxiteliana, propia del autor y que tendrá una gran influencia en la escultura posterior. Es un modo de armonía, de equilibrio, entre las diferentes partes del cuerpo humano. En los brazos de Hermes está Dionisos, su hermanastro. La mitología cuenta el tema como que Hermes lleva a su hermanastro a las ninfas para que lo cuiden y hacen un parón para darle un racimo de uvas. Sin embargo, este contexto se ha perdido ya que no se conserva el brazo derecho de Hermes, que estaba levantado.

68 Para el pelo de Hermes se utiliza la técnica del trépano y originariamente estaría policromado en dorado. Los dos se apoyan en un tronco de árbol, decorado por una gran capa que lo oculta.

69

70

71

72 Apolo Sauróctono: El tema de la representación de un dios como Apolo en un entretenimiento infantil dentro de un templo es sorprendente y extraño. Apolo, representado como un adolescente, se encontraba en actitud relajada y pensativa antes de herir al pequeño lagarto con una flecha que debía tener en una de sus manos.

73 La postura de Apolo conserva la característica curva praxiteliana en la cadera, compensada con el apoyo del peso sobre una de sus piernas y sobre el árbol. Escultura de bulto redondo, posición orante y realizada en mármol. Data del 360 a.C. aproximadamente.

74

75 Scopas: Es un artista de transición entre el clasicismo y helenismo griego. Va a incorporar las mejoras técnicas de los autores anteriores. A Scopas le interesan los estados de ánimo, pero de carácter atormentado.

76 La Ménade: Observamos un cuerpo en movimiento que se arquea tanto que casi llega a la convulsión. El dinamismo y la brusquedad de su movimiento, se alejan de los presupuestos clásicos y se acercan más al período helenístico. Hay una gran riqueza en el tratamiento de los pliegues del peplo de la ménade.

77

78 Lisipo: Fue el mejor broncista de Grecia.
Fue un artista de renombre, retratista oficial de Alejandro Magno. Su tema favorito serán los atletas, vistos desde un prisma postclasicista. Les dota de una elegancia y una flexibilidad propias de Policleto, pero su tipo ideal es más maduro y con otro canon. Cambia el canos de siete cabezas por el de nueve cabezas, consiguiendo una figura mucho más esbelta que las de Policleto.

79 El Apoxiomeno y el Hércules Farnesio son sus obras más importantes.

80 El Apoxiomeno: Mide 2,05 metros de altura. Una de las manos es restauración moderna. Se trata de un atleta desnudo que se limpia de aceite con el estrígilo. El conjunto produce un efecto de movimiento momentáneo. Se apoya en una pierna mientras la otra está desplazada hacia un lado, recibiendo parte del peso. La cabeza es pequeña y está girada de forma parecida a la del Doríforo de Policleto, obra que debió de tener influencia en la realización de esta estatua. 330 a.C.

81

82 El Hércules Farnesio: Su excesiva musculatura y la diartrosis perfecta rompe con el esquema clásico. 318 a.C.

83

84 La Época Helenística: A finales del siglo IV a.C. la escultura abandona ya definitivamente el equilibrio clásico y adopta otras características. Orientalización de las figuras, favorecidas por las conquistas de Alejandro Magno. Acentuación del movimiento, del patetismo y de la tensión. Predilección por los temas fantásticos y de la vida cotidiana. Desarrollo de los retratos realistas, sin idealización y que se recrean en los defectos físicos.

85 La Venus de Milo: Es quizá la última obra de carácter clásico que se da en plena época helenística. Escultura de bulto redondo, en posición orante y realizada en mármol blanco. Fue creada en torno al a.C. y su autoría se desconoce. En ella se observa la curva praxiteliana y aparece la idealización inexpresiva que busca la belleza ideal. Detallismo en el tratamiento de los pliegues de la Venus (Paños Mojados). Técnica del trépano en el cabello de la diosa.

86

87 El Niño de la Espina o El Espinario:
Atribuido a Boetas. Vemos escenas de la vida diaria y anecdótica, alejándose de los prototipos ideales. Posturas consideradas hasta entonces irreverentes, ausencia de elegancia formal… Hay un aporte de naturalismo, de sinceridad y de calidad muy notables. Escultura realizada en mármol blanco, de bulto redondo en posición sedente.

88 Original.

89 Retrato de Homero: Se recrea en la representación de la vejez.
Algo impensable hasta este momento, ya que sólo se había representado la belleza en estado puro (efebos y adolescentes). Rostro realista, sincero y cargado de introspección. Retrato psicológico que intenta definir el carácter del retratado. Siglo II-I a.C.

90

91 La Escuela de Pérgamo: Centro su temática en la defensa de la ciudad frente a los pueblo galos invasores. Un ejemplo es el Galo Moribundo, donde vemos una figura semitendida, dolorida, con una anatomía ultrarrealista y de gran expresividad. Data del a.C. Es una escultura realizada en mármol blanco, de bulto redondo y en posición yacente o semiyacente.

92

93

94 La Escuela de Rodas: Tenía en su haber el famoso Coloso de Rodas, realizado en el Siglo III a.C Cares de Lindos, discípulo de Lisipo. La obra cumbre de esta escuela es: la Victoria de Samotracia, atribuida a Pitócritos de Rodas y se data en el Siglo II a.C. En realidad era la proa de un barco y de ahí que sus ropas vaya hacia atrás, como azotadas por el viento. El dinamismo y la fuerza expresiva de esta escultura, la convierten en una obra maestra.

95

96 Otra obra maestra de la Escuela de Rodas es el Laocoonte y sus hijos, atacados por las serpientes que van a matarlos según la mitología griega. Es obra de varios autores: Agesandro, Atenodoro y Polidoro de Rodas. Es un grupo escultórico de gran vigor, dinamismo, hiperrealismo y fuerza expresiva. El Laocoonte sintetiza por si mismo toda la inquietud de este período.

97

98 La Escuela de Alejandría:
Era la más alejada del Imperio alejandrino. Situada en la desembocadura del Nilo, va a ser una escuela en contacto con el arte oriental y con la propia tradición artística egipcia. La obra cumbre es El Nilo, donde se representa a un río antropomórfico y como un dios griego. El dios aparece como una figura poderosa pero en reposo, como un dios clásico rodeado de niños que representan sus afluentes y contribuyen a darle grandiosidad.

99