Las Hilanderas Por Kristen Herzog

“Las hilanderas” de Velázquez

Tesis Velázquez, como “Rey de pintores,” intenta justificar la pintura como arte liberal en su obra maestra al usar la mitología y su propio ejemplo del talento como pintor. Con el uso de dos planos, Velázquez aumenta la profundidad de la historia que trata.

El mito De Aracne Una mujer joven de Lidia en Asia menor, famosa por sus habilidades como una hilandera. Durante una competición entre ellas, Aracne tejió un tapiz representando los defectos de los dioses y esto enfureció a Palas Atenea, la patrona de las hilanderas. Atenea destruyó el tapiz y Aracne cometió suicidio en su vergüenza. Para salvarle, Atenea la convirtió en una araña que cuelga para siempre de su hilo. El tapiz de Atena representa sí misma con armadura que llevó durante otras competiciones para que sirva como un aviso a Arachne. Asi que podemos decir que ella está reresentada por la figura con casco y armadura. Las dos incluyeron elementos de la historia de Europa y Jupiter en sus tapices

Rapto de Europa El mito trata de Zeus quien está enamorado de Europa. Zeus se transformó en un toro blanco para mezclarse con los del padre de Europa. Cuando ella estaba recogiendo flores, le vio a Zeus y se montó en su lomo. Zeus corrió al mar y nadó a Creta donde se reveló su identidad. Europa era la primera reina de Creta. El tapiz en el fondo es una pintura de Tiziano que se llama Rapto de Europa. Enfrente del tapiz está una figura con casco y armadura, gesticulando ante una mujer menor mientras tres mujeres con ropa elegante miran en direcciones diferentes

El Rapto de Europa Zeus le dio tres regalos: Talos, autómata de bronce, Laelaps, un perro que nunca soltaba a su presa y una jabalina que nunca erraba. También, Zeus recreó la forma del toro blanco en las estrellas que nosotros reconocemos como la constelación Tauro.

Los dos planos El fondo de la pintura nos recuerda los primeros bodegones de Velázquez caracterizados por una escena dentro otra escena, lo que la transforma en un acertijo iconográfico. El juego de poner el mensaje en el segundo plano es muy tipico del estilo barroco

Los bodegones En los primeros bodegones, la escena secundaria continúa el espacio del primer plano, pero en las Hilanderas, la relación es bastante ambigua porque los personajes en cada escena parecen inconscientes de los otros

Los dos personajes principales están en el primer plano durante el disputo El fondo representa el momento de la venganza El violinchelo representa la armonía reestablecida Es una visión simbologica de la obediencia a la Monarquía y el castigo de los rebeldes. Velázquez insistió que ninguna de las figuras está individualizada y estan trabajando en el taller de Santa Isabel en Madrid. Dijo también que la pintura anteriormente tenía el título Las Parcas en que la protagonista esencial era el símbolo al servicio del Estado.

Detalles sensación de movimiento, como se aprecia en la rueca de la izquierda, cuyos radios no vemos, y en la figura de la derecha que devana la lana con tanta rapidez que parece que tiene seis dedos. También hay que destacar el efecto atmosférico, es decir, la sensación de que entre las figuras hay aire que distorsiona los contornos y hace que las figuras estén borrosas. Mucha luminosidad creado por la luz entrando por la izquierda y nos fijamos en el blanco de la camisa de la mujer a la derecha.

¿Por qué dos planos? Lo que sabemos es que las dos escenas sirven como yuxtaposición a sí mismas. En el primer plano se resalta el acto de tejer como una artesanía. Y la imagen del fondo se resalta como un arte alto. Los tapices de la época eran considerados más valorados

¿Qué prueban los dos planos? Este tema probablemente era importante para Velázquez porque en los años cincuenta del siglo XVII, tenía que demostrar que nunca había trabajado como un trabajador manual para ganar entrada en una orden noble. La necesidad de probar la nobleza de la pintura también está presente en Las Meninas, que estaba en los apartamentos del rey Felipe IV, quien visitaba al estudio a menudo. La admiración real del pintor es un argumento para el estatus noble de la pintura. El componente intelectual de esta obra ayuda a probar la nobleza de la pintura.

Preguntas ¿Como ayuda el uso de la mitología para probar el valor de la pintura? ¿Por qué quería Velázquez ocultar su intención verdadera al hacer esta pintura? ¿Podéis fijaros en otro elemento simbólico o interesante?