ANÁLISIS DE UNA OBRA PICTÓRICA

Presentación del tema: "ANÁLISIS DE UNA OBRA PICTÓRICA"— Transcripción de la presentación:

1 ANÁLISIS DE UNA OBRA PICTÓRICA
1.- LA COMPOSICIÓN. Componer es organizar los elementos gráficos y plásticos en el espacio, ya sea en dos o tres dimensiones, de forma que la expresión visual tenga una coherencia formal y una lectura comprensible. 1.1.- El Formato (soporte) La forma y orientación de la superficie de trabajo (soporte), influyen directamente en la composición de la obra y en las sensaciones que puede transmitir. Vertical: equilibrio y elevación. Movimiento ascendente Horizontal:... estabilidad, afirmación y continuidad. Cuadrada:.... centra la visión. Equilibrio visual Circular: movimiento envolvente. Suspensión Ovalada: sosiego Triangular:.....presión

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1.2.- La línea visual El formato determina la disposición de las formas, que se agrupan y relacionan, formando la línea visual. La línea visual mantiene la atención dentro de los límites de la composición.

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1.3.- Las formas Las formas son figurativas cuando representan algo tangible. Las formas que no tienen un referente objetual son formas abstractas. Composición figurativa Composición abstracta

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1.3.- Las formas Las formas cerradas están definidas por líneas visibles que delimitan los contornos de los diferentes elementos, aislando unos de otros y permitiendo ver sus estructuras por separado. - Las formas abiertas se estructuran con pinceladas y manchas que se extienden y se integran en otras formas, globalizando los elementos de una composición.

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2.- EL ESQUEMA COMPOSITIVO. Es el conjunto de líneas maestras sobre el que se estructuran los elementos más importantes de una composición. Generalmente está formado por: figuras geométricas: polígonos, círculos, óvalos ... redes modulares simples y complejas líneas rectas y curvas relacionada entre sí. A veces, la complejidad organizativa de una obra hace casi imposible deducir su esquema compositivo.

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ESQUEMAS COMPOSITIVOS MÁS HABITUALES:

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2.1.- El Equilibrio compositivo en el campo visual (Distribución de Pesos.) Peso por posición: Cualquier elemento incrementa su peso visual según se aleja del centro de la composición Peso por tamaño: Cuanto mayor sea el tamaño de los elementos compositivos, mayor será su peso visual Peso por color: Los colores cálidos, los oscuros y los tonos tierra resultan más pesados, mientras que los colores fríos y claros parecen más ligeros y livianos. Peso por configuración y textura: Las manchas de colores o texturas, compactos y densos, además de las configuraciones geométricas, resultan más pesadas que las formas de configuración libre y textura porosa que dejen entrever la superficie del soporte.

8 2.2.- Criterios y leyes Compositivos.
Simetría axial: Los elementos se disponen a los lados de un eje imaginario que divide el soporte en dos partes iguales. Para que exista equilibrio, el peso visual de los elementos debe ser el mismo. Simetría radial: La obra está estructurada en torno a varios ejes que parten de un punto situado en el centro geométrico de la composición, como si fueran los radios de una rueda.

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Ley de la balanza: La estructura compositiva se asemeja a la de una balanza, en la que la figura más importante ocupa el centro jerárquico y visual, siendo el principal foco de atención de la obra. A ambos lados de ella se disponen otras figuras, de carácter secundario y semejante peso visual, que hacen de contrapunto a la figura principal. Ley de compensación de masas: El elemento principal de la composición se sitúa en un lateral del cuadro y se descentra. Para compensar el desequilibrio producido, se colocan otras formas o manchas con suficiente peso visual para contrarrestar el efecto del descentrado.

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Uniformidad de masas: Los pesos visuales de todos los elementos, formas o manchas, de la obra son semejantes y equilibrados, por lo que la composición resulta coherente y equilibrada. No existe un elemento principal que domine a los demás de forma jerárquica, todas las formas tienen la misma categoría e importancia. Lo que domina es una composición armónica y coherente de formas, texturas y color.

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La sección aúrea: proporción relacionada con una fórmula matemática, que permite dividir la composición en partes proporcionalmente armónicas, con la relación más estética posible entre sus elementos, consiguiendo una mayor elegancia visual

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3.- Forma y fondo en la composición. El campo visual está delimitado por el formato y, sobre él, se distribuyen las formas y el fondo: Formas: primer plano; protagonistas Fondo: planos secundarios Para destacar una forma respecto al resto de los elementos de una composición, se pueden variar su tamaño, textura, contorno, color, etc. Para integrar unos elementos con otros se busca semejanza de colores, formas y tamaños.

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4.- La luz Es un elemento fundamental para destacar los valores de una escena: Concentrando en una imagen el centro de interés. Proyectando sentimientos de alegría, tristeza, misterio, emoción Modificando formas con la creación del contraste (claroscuro) Difuminando contornos y modelando superficies.

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5.- El color. Al igual que la luz, el color es un elemento modificador de los aspectos estructurales de una obra plástica. colores armónicos: tranquilidad, seriedad, serenidad ... colores contrastados: nerviosismo, emoción. colores cálidos: emoción, pasión. colores fríos: profundidad, tristeza. Los colores armónicos o análogos ocupan posiciones inmediatamente próximas en la rueda de colores o círculo cromático. En razón de su parecido, armonizan bien entre sí. Este tipo de combinaciones es frecuente en la naturaleza.

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Colores complementarios o contrastados Los colores complementarios se encuentran en puntos opuestos del círculo cromático. Estos colores se refuerzan mutuamente, de manera que un mismo color parece más vibrante e intenso cuando se halla asociado a su complementario. Estos contrastes son, pues, idóneos para llamar la atención y para proyectos donde se quiere un fuerte impacto a través del color. De complementarios divididos En lugar de utilizar un par de complementarios, se utilizan los situados en posiciones inmediatamente adyacentes. El contraste en este caso no es tan marcado. Doble armonía de complementarios Utiliza un par de asociaciones de colores complementarios. Tríadas o armonía de tres colores Se eligen tres colores equidistantes en el círculo cromático.

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Definición de los colores cálidos y fríos. Se llaman colores cálidos aquellos que van del rojo al amarillo y los colores fríos son las gradaciones del azul al verde. Esta división de los colores en cálidos y fríos, radica simplemente en la sensación y experiencia humana. La calidez y la frialdad atienden a sensaciones térmicas. Los colores, de alguna manera, nos pueden llegar a transmitir estas sensaciones. Un color frío y uno cálido, o un color primario y uno compuesto, se complementan.

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Los colores cálidos parecen atraernos, mientras que los fríos nos mantienen a distancia. Pero las propiedades de calidez y frialdad no se refieren solamente a las reacciones del observador. Caracterizan también al objeto. Los colores fríos en matices claros expresan delicadeza, frescura, expansión, descanso, soledad, esperanza y paz y en los matices oscuros con predominio de azul, melancolía, reserva, misterio, depresión y pesadez. El tono cálido parece mas extenso y el frío mas pequeño de lo que realmente es. Los tonos cálidos avanzan sobre los tonos fríos, como los oscuros producen una impresión de mayores pesos, son utilizados los colores claros agrisados para las partes superiores de los edificios elevados, porque así expresan una mayor altura. Los colores cálidos, son los mejores para formas y detalles que son vistos a poca distancia, los fríos, que tienen un enfoque menos definido, se prestan mejor para masas amplias y áreas grandes.

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Doménikos Theotokópoulos (EL GRECO) Julian Romero de las Azanas y San Julian , óleo sobre lienzo, (207x127 cm.) Museo del Prado, Madrid Estilo: Manierista

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Diego Rodríguez de Silva y VELÁZQUEZ Las Meninas(1656) óleo sobre lienzo (3,18 x 2,76 m.) Museo del Prado, Madrid Estilo: Barroco

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Francisco de Goya Los Fusilamientos de la Moncloa (1814) Estilo: Barroco óleo sobre lienzo (3,45x 2,66 m.) Museo del Prado, Madrid.

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FRANCESCO DEL COSSA La Crucifixión (1470) Óleo y temple sobre tabla (64 cm.) National Gallery of Art. Washington Estilo: Renacimiento

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FRANCISCO DE ZURBARÁN Apoteosis de santo Tomás de Aquino (1470) Óleo sobre lienzo (486 x 385 cm) Museo de Bellas Artes. Sevilla Estilo: Barroco

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GONZALO BILBAO Las Cigarreras (1915) Estilo: Romanticismo óleo sobre lienzo (305x 402 cm.) Museo de Bellas Artes, Sevilla.

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JEAN-FRANÇOISE MILLET Las Cosechadoras (1857) Óleo sobre lienzo (110 x 83,5 cm) Museo D’Orsay, Paris Estilo: Realismo

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CLAUDE MONET Londres, el parlamento (1904) Óleo sobre lienzo (92x 81 cm) Museo D’Orsay, Paris Estilo: Impresionismo

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VINCENT VAN GOGH La Iglesia de Auvers-sur-Oise (1890) Óleo sobre lienzo (74 x 84 cm) Museo D’Orsay, Paris Estilo: Postimpresionismo

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EUGENE DELACROIX La Libertad guiando al pueblo (1830) Óleo sobre lienzo (325 x 260 cm) Museo del Louvre, Paris Estilo: Romanticismo

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REMBRANDT VAN RIJN Leccion de Anatomia (1632) Óleo sobre lienzo (169 x 216 cm) Galeria Mauritshuis. La Haya Estilo: Barroco

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GIOVANNI ANTONIO CANALETTO Plaza de San Marco (1723) Óleo sobre lienzo (142 x 205 cm) Museo Thyssen-Bornemisza. Madrid Estilo: Barroco

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JEAN AUGUSTE INGRES La gran Odalisca (1723) Óleo sobre lienzo (91 x 162 cm) Museo del Louvre. Paris Estilo: Romanticismo

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ALBERTO DURERO Adoracion de los Magos (1504) Óleo sobre tabla (100 x 114 cm) Galleria degli Uffizi. Florencia Estilo: Renacimiento