LA HABITACION DE VAN-GODTH

Presentación del tema: "LA HABITACION DE VAN-GODTH"— Transcripción de la presentación:

1 LA HABITACION DE VAN-GODTH

2 Primera versión Esta vez simplemente reproduce mi habitación; sólo el color tiene que hacerlo todo, dando un estilo grandioso a los objetos con su simplificación[ , llegando a sugerir un cierto descanso o sueño. Bueno, he pensado que al ver la composición dejamos de pensar e imaginar. He pintado las paredes de violeta claro. El suelo con el material jaqueado. La cama de madera y las sillas, amarillas como mantequilla fresca; la sábana y las almohadas, de verde limón claro. La colcha, de color escarlata. La ventana, verde. El lavabo, anaranjado; la cisterna, azul. Las puertas, lila. Y, eso es todo. No hay nada más en esta habitación de contraventanas cerradas. Las piezas del mobiliario deben expresar un descanso firme; también, los retratos en la pared, el espejo, la botella, y algunas ropas. El color blanco no se aplica al cuadro, así que su marco será blanco, con la pretensión de conseguir el descanso obligatorio que me recomiendan. No he representado ninguna clase de sombra; sólo he aplicado simples colores planos, como los de las crêpes.

3 Segunda Versión El dormitorio en Arles (segunda versión), 1889, óleo sobre lienzo, 72 x 90 cm, Art Institute de Chicago. En abril de 1889, van Gogh envió la versión inicial a su hermano lamentando que resultó dañada por la inundación del Ródano, mientras él se encontraba ingresado en el hospital de Arles. Theo le propuso devolvérselo para que lo copiara antes de restaurarlo, lo que expresaba la admiración de Theo por este cuadro. Esta repetición a la escala original (el término de Van Gogh es «répetition») se ejecutó en septiembre de Ambas pinturas fueron devueltas entonces a Theo. Desde 1926 ha estado en poder del art institute chicago

4 Tercera versión Cuando Van Gogh, finalmente, en el verano de 1889, decidió rehacer algunas de sus «mejores» composiciones en un tamaño menor (el término que usó fue réductions) para su madre y su hermana Wil, El dormitorio se encontraba entre los que escogió. Estas réductions, acabadas a finales de septiembre de 1889, no son copias exactas. En El dormitorio el retrato en miniatura de la izquierda recuerda al autorretrato de Van Gogh «Campesino de Zundert». El de la derecha no puede ser asociado de manera convincente a ninguna pintura existente de Van Gogh, aunque el de la derecha podría ser su amigo Paúl Gaugin o su padre, o aunque lo puso tal vez para adornar el cuadro. Esta tercera versión, previamente en poder de la hermana de Van Gogh, Willemien y más tarde adquirida por el Príncipe Matsukata, entró en las colecciones nacionales francesas en 1959, después del acuerdo de paz franco-japonés, y forma parte de la exposición permanente del Museo de Orsay en París

5 La habitación de Karen

6 La habitación de Karen Mi habitacion tiene las paredes celeste inspiradas en el cielo azul de la mañana al fondo se puede observar el estante de el computador de mesa donde me siento en las mañanas y en las noches a realizar mis deberes como estudiante, mi cama, las mesas de noche son de madera de color café, Mi closet pintado el tintilla con una altura de 2 metros y un ancho de 3.15 metros; mis peluches sobre mi cama gran variedad de animales, el piso de una valdosa blanca y el cielorraso de color azul…

7 CEZANNE Si el impresionismo fragmenta el color en sus componentes básicos, a través de la pincelada suelta y autónoma, Cézanne convierte cada pincelada en toda una estructura formal. Cézanne crea el volumen plástico a través del color y su relación con la forma y el orden espacial. Los contrastes de temperatura no crean espacios por si mismos. Para actuar deben organizarse con otras indicaciones de espacio. A partir de Cézanne se hace evidente el uso discrecional de la perspectiva. Los artistas anteriores hacían modificaciones que pasaban inadvertidas. Cézanne evitaba el uso de las líneas de fuga, y cuando las utilizaba las desviaba para disminuir sus efectos. Cézanne previó el efecto de ablande de las pinturas impresionistas, por esto vuelve a enfocarse en la forma y deja de lado el problema de la luz. Él separaba los planos en el espacio aclarando u oscureciendo gradualmente el plano más alejado cada vez que dos planos se superponían. Tiziano, entre otros, utilizaba la misma técnica. Luego los cubistas la tomaron de Cézanne y la utilizaron ampliamente para la organización espacial de sus composiciones. Este es un uso abstracto de la luz. Los antecesores de Cézanne utilizaban el recurso de manera que la “doble iluminación” pasaba inadvertida.

8 Aunque las obras de Cézanne contienen un gran número de gradaciones, la composición se basa sobre una cantidad de valores relativamente pequeña. De esta manera un mantel blanco puede estar modulado con matices compuestos por varios tintes sin que desaparezca su blancura. Los colores complementarios se distinguen entre sí, pero al mismo tiempo se funden en un conjunto unificado, se adecuan particularmente a la representación del volumen mediante el sombreado. Si se compara una manzana sombreada de diferentes verdes con otra que varía desde los anaranjados hasta los azules, el volumen de la segunda resulta más destacado. La mutua exclusión de los anaranjados y azules se compensa con su tendencia a la unión por ser complementarios y se preserva la unidad del objeto. Cézanne decía que no se debe representar la naturaleza, sino realizarla por medio de equivalentes cromáticos estructuradotes, porque el arte es una armonía paralela a la naturaleza. “Pintar significa registrar y organizar sensaciones cromáticas.”

9 “En la naturaleza, todo se modela según la esfera, el cono y el cilindro. Hay que aprender a pintar sobre la base de estas formas simples, y entonces podrá uno hacer todo lo que desea. No es lícito aislar el dibujo del color: es como si quisieras pensar sin palabras, solamente con números y signos. Muéstrame en la naturaleza algo dibujado. No existe ninguna línea, no existe ningún modelado, sólo existen contrastes. Pero los contrastes no son blanco y negro, sino movimientos cromáticos.” “Cuanto más armonioso sea el color tanto más preciso será el dibujo, la forma llega a su mayor plenitud.” Los contrastes y correspondencias de los matices: allí reside el secreto del dibujo y del modulado.” “Hay que ver los planos, con exactitud, pero para ordenarlos y fundirlos; todo tiene que girar y articularse al mismo tiempo: la conexión cromática funde el alma de los planos en uno.” “Yo también he sido impresionista. Pizarro ejerció gran influencia sobre mí. El impresionismo es la mezcla óptica de los colores, es algo que debemos superar.”

10 Cézanne se proponía captar lo perdurable, aquello esencial que percibía en la forma. El impresionismo representaba lo fugaz, aquello que se percibía en un instante de luminosidad. La teoría del color y la aparición de la fotografía renovaron radicalmente el rol de los artistas. Ya no se trataba de registrar y describir con la intención de documentar, sino que, surge, a partir de esta liberación, una corriente de búsqueda que dio comienzo el impresionismo y consagró Cézanne hacia el arte del siglo XX. Cézanne dio el puntapié inicial hacia lo abstracto, hizo de la composición un fin y no un simple medio de organizar los elementos de la obra. El impresionismo destierra el color local, toda la representación se inunda con la luz de la naturaleza. El cuadro se compone de puras impresiones del color de la luz proyectada en los objetos. El impresionismo mantiene la representación visual de los objetos, Cézanne no representa los objetos sino que los crea a partir de su percepción: se rompe la relación visual entre el objeto y su representación y aparece una relación psicológica entre el objeto representado, el artista y su pintura. A partir de allí comienza el uso subjetivo del color, se representan sensaciones, sentimientos, estados de ánimo, opiniones, etc. Surgen el fauvismo, el cubismo y el expresionismo, tomando estos cambios producidos en el rol del arte y las necesidades de la nueva generación de artistas.