40PRINCIPALES VIRGINIA RODRIGUEZ GOMEZ

40PRINCIPALES VIRGINIA RODRIGUEZ GOMEZ
Didáctica de la creación plástica y visual en Educación Primaria. Turno 5

Índice 20 Pintores 10 Escultores 5 Fotógrafos
5 Libres (Directores de cine , arquitectos ,diseñadores gráficos , etc.)

PINTORES

SANDRO BOTTICELLI Nació en Florencia, el 1 de marzo de Fue un pintor cuatrocentistista italiano. Se convirtió en el máximo intérprete del neoplatonismo de la época, con su fusión de temas cristianos y paganos y su elevación del esteticismo como un elemento trascendental en el arte. Para dar forma a esta nueva visión del mundo, Botticelli opta por la gracia , la elegancia intelectual y exquisita representación de los sentimientos. Los temas de sus obras siguen siendo fascinantes por su ambigüedad. Falleció en Florencia, el 17 de mayo de 1510.

“El nacimiento de Venus”
El cuadro representa la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican, como Chipre, Pafos o Citerea. La diosa es empujada por el soplo de los dioses alados, entre una lluvia de flores . El desnudo femenino, considerado pecaminoso en el arte medieval cristiano, se recupera en el Renacimiento como símbolo de inmaterialidad. Esta Venus representa , con su postura y sus facciones finas, se acerca más al ideal de inteligencia pura o saber supremo. Venus sustituye a la Virgen, expresando una fascinación hacia la mitología común a muchos artistas del Renacimiento. Una de las Ninfas que espera a la diosa en la playa, para cubrirla con un manto rojo con motivos florales. Se cree que se trata , de la Primavera, la estación del renacer. Lleva un traje floreado: es blanco y está bordado de acianos. Un cinturón de rosas rodea su cintura y en el cuello luce una elegante guirnalda de mirto , planta sagrada de Venus y símbolo del amor eterno. Entre sus pies florece una anémona azul. El que la ninfa tape con su manto a la diosa es señal de que los misterios de Venus, como los del conocimiento, se encuentran ocultos. Está ejecutada al temple sobre lienzo y mide 184,5 cm de alto por 285,5 cm de ancho. Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia.

“Virgen con el niño y ángel”
La inspiración inicial para la pintura vino de la famosa Madonna .Botticelli reemplazó el paisaje con una arquitectura arqueada que enmarca las cabezas de madre e hijo y enfatiza las dos figuras principales como el centro de la escena devocional. María se sienta en un escabel, del que se muestra un brazo ornamentado y un almohadón con botones. En esta Madona, como en las demás de la larga serie que pintó Botticelli, puede verse un modelo de Virgen seria, meditabunda, abstraída en su propia belleza y actuando siempre con gran seriedad. Las Madonas de Botticelli reflejan una relación más intelectual que afectuosa entre Madre e Hijo Está realizado al temple sobre tabla. Mide 87 cm de alto y 60 cm de ancho. Data de y se conserva en el Spedale degli Innocenti de Florencia (Italia),

“Virgen de la galería” Este cuadro no está unánimemente reconocido como obra de Botticelli debido a algunos detalles, como el tono broncíneo impropio de Botticelli o la deformidad de la composición. Se aprecian igualmente numerosos retoques. No obstante, algunos críticos lo identifican como una de sus primeras obras, debido sobre todo a la definición de los paños y de la luz, más cercanos al estilo de Verrocchio que a Lippi. Parece uno de sus experimentos iniciales sobre la forma de enmarcar la Virgen con Niño en un fondo de arquitectura clásica Está ejecutada al temple sobre madera. Mide 72 cm de alto y 50 cm. de ancho. Pertenece al año Actualmente, se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia)

VICENT VAN GOGH Nació en Groot - Zundert, Holanda en Pintor de estilo postimpresionista de cuadros al óleo, dedicado a este arte los 10 últimos años de su vida. Trabajando en Bélgica como pastor evangelista decidió iniciar su carrera. Allí conoció las obras de Daumier y Millet, donde asistió a una academia de arte en Antwerp, cerca de Bruselas. Posteriormente radicado en Francia, junto a su hermano Theo quien trabajaba para una galería de arte, conoció de cerca a Degas y Pissarro . Este último influenció la coloración que Van Gogh utiliza. Trabajó por períodos con Signac (puntillismo) y Gauguin (influenciador del fovismo). La demencia que le sobrevino a Van Gogh le impidieron mantener relaciones personales duraderas, y por ello, no logró disfrutar en vida la fama que gozaban los postimpresionistas clásicos. Sin embargo a los pocos años de fallecido sus obras alcanzaron celebridad y un valor inesperado en el mercado de la pintura.

OBRAS “El tejedor en el telar”
En la pintura El tejedor en el telar, expresa la dureza y el esfuerzo de este oficio, también la dignidad del personaje, aquí Van Gogh demuestra la solidaridad y su identificación con el protagonista, intentando representar el ideal de una sociedad libre de la industrialización y hace una alabanza al trabajo artesanal. La composición de esta pintura hace el efecto como si la figura principal, el tejedor, estuviera enmarcado por el mecanismo del telar, dentro de un enrejado horizontal y vertical que parece integrar al personaje hasta conseguir que llegue a formar parte de la máquina. La claridad del fondo de la pintura hace resaltar todo el dibujo. El tejedor en el telar (1884)

“Floración del almendro”
En esta obra , Vicent van Gogh utiliza el predominio de tonos fríos , en especial de azules en el fondo de la imagen, y el color blanco en las flores para representar la vida , mientras en las ramas nos encontramos con una nueva referencia al cloisonismo de Bernard al trazar con una línea oscura los contornos. La evocación de la estampa japonesa está presente en el lienzo al resaltar el decorativismo y el empleo de temáticas florales. Floración del almendro

“Granja en Provenze” El paisaje rural tradicional de la Provenza francesa es protagonista de esta vista de Van Gogh realizada durante su estancia en esta región del Mediterráneo francés. Una senda conduce a una puerta metálica encuadrada entre pilares y un murete curvo emboca hacia esa entrada. Trigales y flores silvestres llenan el primer término, donde un campesino se encuentra de espaldas a nosotros realizando las labores agrícolas. Las casas de la granja aparecen detrás rodeadas por grandes amontonamientos de heno. Las pinceladas no son homogéneas, las hay grandes y densas en las amapolas y pequeñas y puntiformes en los árboles del fondo Granja en Provenze

PABLO PICASSO Nació en Málaga, España. Fue pintor y escultor del movimiento cubista ,que revolucionó el arte durante la primera mitad del siglo XX. Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas. Sus primeros pasos en la adquisición de identidad pictórica los realiza observando las obras de impresionistas franceses como Manet , Courbet , Toulousse-Lautrec, más adelante el fauvinismo , (fovismo) de Henri Matisse y la pintura plana de Henri Rousseau. Picasso empleó, a comienzos de su carrera, diversos estilos de pintura que van desde el realismo clásico, la caricatura y hasta esbosos de surrealismo (pintura ecléctica). Junto a su amigo Georges Braque, lanzaron en 1909 el cubismo, que sin ser estilo abstracto, rompía las márgenes del concepto clásico de pintura hasta ese momento conocido. Esta búsqueda de nuevas fronteras en el mundo de la percepción y la gráfica establecen al innovador Pablo Picasso como maestro célebre de las artes modernas Fallece el 8 de abril de 1973

OBRAS “El entierro de Casagemas”
Esta obra está dentro del periodo azul de Picasso , que discurre aproximadamente entre 1901 hasta 1904: este nombre proviene del color que domina la gama cromática de las pinturas, y tiene su origen en el suicidio de su amigo Carlos Casagemas el 17 de febrero de 1901, que lo dejó lleno de dolor y tristeza. Casagemas, después de haber tratado de asesinar a su amante Germaine, una bailarina del Moulin Rouge que frecuentaba el círculo de artistas españoles, se suicidó en París. Picasso, motivado y sensibilizado por la muerte de su amigo, pintó un cuadro que nombró El entierro de Casagemas , cuadro alegórico que empezaba a mostrar su paso al período azul. La división del espacio del cuadro en dos partes, tierra y cielo , cuerpo y espíritu , recuerda la del Entierro del Conde de Orgaz , de El Greco . Esta obra tiene un peso visual simétrico. El entierro de Casagemas ( )

“Guernica” En 1936 mientras estalla la guerra civil en España , Picasso pinta el horror, la muerte y la desesperación creando así, la que puede ser considerada su más grande obra. El mural resulta de tremenda actualidad al momento de la exposición convirtiéndose en un emblema de la humanidad contra la opresión. La obra se traslada después a Nueva York, a solicitud del autor, ya que no debía caer en manos de la dictadura fascista. Sólo en 1981 se traslada al Museo del Prado, donde se conserva por algún tiempo bajo una cúpula de vidrio - según decían - para que el horror de la guerra no quedara libre nuevamente. Actualmente se exhibe en el Centro de Arte Reina Sofía. Es un cuadro “sonoro”, los personajes gritan, gesticulan y mueren bajo las bombas ciegas que con todo acaban. Es símbolo de toda protesta. La denuncia de la violencia es aquí intemporal y ha sido siempre utilizada como un canto contra la sinrazón de la destrucción y la muerte en cualquier guerra. Tiene movimiento , el cuadro es dinámico. Guernica

“Ciencia y Caridad” Cuando Pablo Picasso cumplió doce años, tuvo que reconocer que su padre que pintaba mejor que él, le regaló su caja de colores y dejó de pintar. Pero seguía teniendo ideas. Y una de ellas fue la de este cuadro, Ciencia y Caridad, que se encuentra en el Museo Picasso de Barcelona. Se trata de una obra totalmente hija de su tiempo. Tiene los contrastes de luz y sombra que ha aportado el Impresionismo francés y también la reivindicación social propia de un periodo de grandes movimientos obreros, a finales del siglo XIX. Incluso la gama cromática –malvas, lilas, blancos y marrones suaves- es la propia del Modernismo entonces reinante. Ciencia y Caridad

“Ciencia y caridad” Don José Ruiz , padre de Picasso, fue quien concibió este tema, porque sabía que iba a ser del agrado del jurado de la Exposición General de Bellas Artes, celebrada en 1897 en Madrid. El tema de la caridad, y también el de la miseria, tienen la virtud de conmover los corazones de los jurados, despertando su interés. Y Pablo Ruiz Picasso –así firmaba entonces- se puso manos a la obra. El mismo padre sirvió de modelo para el médico que está tomando el pulso a una enferma de aspecto lánguido y desnutrido, a punto de fallecer. Esta es la parte que se refiere a la ciencia. La caridad está representada por la monja que, con el niño futuro huérfano en brazos, ofrece a la moribunda un tazón de caldo reconfortante. El hábito se lo prestaron las Hermanas de la Caridad del barrio. La habitación es mísera, a juzgar por el aspecto avejentado de las paredes y los chorretes de la lluvia que se cuelan por la ventana.

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez
Nació en Sevilla en 1599, España. Pintor naturalista del período Barroco, dedicado a los retratos, paisajes, escenas de la vida diaria, cuadros religiosos y mitológicos. A sus 21 años Velázquez ya es un artista bien reconocido en su ciudad. Como referente para alcanzar el estilo y técnica deslumbrante que lo caracterizan, estudió pintando réplicas de cuadros de El Greco, adoptando el alto contraste entre luz y sombra empleada por este último, característica que mantiene a lo largo de su carrera. Conoció de cerca a Rubens y compartió con él por varios meses en Madrid. Luego cuando visitó Italia a sus 29 años, realizó réplicas de El Tintoretto en Venecia y posteriormente en Roma lo hizo con obras de Rafael y Miguel Ángel . En España fue pintor de la corte del rey Felipe IV, del cual pintó muchos retratos, cosa que también hizo con otros miembros de la familia real. El naturalismo de Velázquez es único. Su coloración a veces platinada, otras diamantinas, nos ofrece una apariencia fotográfica difícil de imitar. Sin duda la maestría de Velázquez influenció notoriamente a varias generaciones de pintores tanto españoles como extranjeros

OBRAS “Las meninas” Las meninas
El conjunto de perspectivas utilizadas es único y produce un efecto “atmosférico” en el ambiente representado, como si el pintor hubiese pintado el aire entre las figuras. La primera perspectiva es la lineal, diversas líneas imaginarias o no (línea del techo-pared; cuadros colgados, el suelo) guían nuestra vista hacia el fondo y nos hacen creer en una fuerte tridimensionalidad. Este asombroso efecto se refuerza con un suelo neutro, de moqueta, que avanza hacia nuestra posición y, sobre todo, con unos espacios alternativamente iluminados y en penumbra que subrayan el efecto de alejamiento. La otra perspectiva es la aérea, la difuminación progresiva de los contornos y la degradación de las gamas tonales con el aumento de la distancia y el alejamiento. Como remate, Velázquez pone un agujero iluminado en el centro (la puerta abierta) que da a una estancia donde no vemos el fin, es decir, el cuadro tiene una perspectiva ilimitada. Esta combinación de perspectiva aérea y lineal es lo que ha fascinado a todos, expertos o no, desde el siglo XVII.

“Las meninas” La gama cromática empleada por Velázquez en esta obra es limitada y contenida, predominan los grises y los ocres, no obstante, aplica colores fuertes como el rojo fuego en pequeños detalles de la vestimenta de las niñas como lacitos, pasadores de pelo y adornos florales. De este modo rompe la monotonía de colores y atrae nuestra atención. La calidad de representación de las sedas brillantes con grises y blancos muy luminosos resultan de una belleza deslumbrante.

“El toilette de Venus” El Toilette de Venus(1647-1651)
La obra representa a la diosa Venus en una sensual pose, acostado en una cama y mirando en un espejo en poder de los romanos dios del amor físico, su hijo Cupido . La pintura se encuentra en la National Gallery , Londres. La Venus desnuda de los pintores italianos, como Giorgione sueño de Venus (c. 1510) y de Tiziano Venus de Urbino(1538), fueron los principales antecedentes.. En esta obra, Velázquez combinado dos establecidos plantea a Venus: reclinada en un sofá o una cama, y mirando en un espejo. Ella se describe a menudo como mirándose en el espejo, aunque esto es físicamente imposible, ya que los espectadores puedan ver su rostro reflejado en su dirección. En una serie de formas en que la pintura representa un pictórica, a través de su uso central de un espejo , y porque muestra el cuerpo de Venus se alejó por el observador de la pintura . La Venus del espejo es la única superviviente femenina desnuda de Velázquez. Desnudos son sumamente raros en el arte español del siglo XVII, que fue vigilado activamente por miembros de la Inquisición española. El Toilette de Venus( )

“La costurera” La realismo y la intimidad con la que Velázquez ha conseguido mostrarnos a la joven, realizada a base de manchas de luz y color, dando la impresión de que capta el movimiento de la aguja y de las manos. El colorido oscuro de verdes y pardos se rompe con las manchas blancas de la pañoleta que lleva la mujer sobre los hombros y con la tela que cose. En la zona de la izquierda se aprecia el retoque del brazo derecho de la costurera, demostrando así que Velázquez pintababa directamente sobre el lienzo, sin apenas realizar estudios preparatorios. La nota de color rojo en el moño y el fogonazo de luz del pecho sitúan esta imagen entre las más sugerentes del pintor.

LEONARDO DA VINCI Nació en Anchiano, Toscana, Italia en Arquitecto, inventor, y pintor del alto renacimiento italiano. A los 5 años se mudó con el padre al pueblo de Vinci y luego a los 15 a Florencia donde ingresó al estudio de un gran artista escultor de la época: Andrea del Verrocchio , maestro del cual recibió la influencia más importante. Allí trabajó junto a Botticelli , el Perugino y otros famosos. En sus primeras pinturas, Leonardo ya mostraba las dotes de un genio y se puso a la cabeza de otros de su época, innovando con su estilo subliminal. Dibujaba la perspectiva y los entornos como nadie lo hiciera antes. En 1503, un mercader florentino llamado Francesco del Giocondo, encargó a Leonardo el retrato de su tercera esposa de 24 años de edad: Lisa di Noldo Gherardini. Esta obra hoy la conocemos como "La Gioconda" o "Mona Lisa" y es la obra pictórica más conocida de todos los tiempos.

OBRAS “La Mona Lisa” La Mona Lisa (1503-1506)
El cuadro La Gioconda, también conocido como La Mona Lisa, La Monna Lisa, La Joconde en francés o Madonna Elisa, es una obra pictórica de Leonardo da Vinci. Desde el siglo XVI es propiedad del Estado Francés , y se exhibe en el Museo del Louvre de París. Su nombre oficial es Gioconda (que, traducido del italiano al castellano es alegre), en honor a la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo, apoyada en el hecho de que era esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo y que su nombre era Lisa Gherardini. Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm , pintado entre y 1506 , y retocado varias veces por el autor. La técnica usada fue el sfumato , procedimiento muy característico de Leonardo. La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino también en los misterios que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las reproducciones realizadas, las múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir a La Gioconda en el cuadro más famoso del mundo, visitado por millones de personas anualmente. La Mona Lisa ( )

“La última cena” La Última Cena es una pintura mural original de Leonardo da Vinci, se encuentra en la pared sobre la que se pintó originariamente, en el refectorio del convento dominico de Santa María delle Grazie en Milán(Italia). La pintura fue elaborada, para su patrón, el duque Ludovico Sforza de Milán. No es un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido. Mide 460 cm. de alto por 880 cm. de ancho. Para muchos expertos e historiadores del arte, La Última Cena de Leonardo es considerada como la mejor obra pictórica del mundo. Representa la escena de la Última Cena de los últimos días de la vida de Jesús de Nazaret según narra la Biblia. La pintura está basada en Juan 13:21, en la cual Jesús anuncia que uno de sus 12 discípulos le traicionaría. Ultima Cena (1495 y 1497)

“San Juan Bautista” Representa a Juan el Bautista en la soledad del desierto. Está representado de medio cuerpo, una variación sobre el tema de la figura construida clásica y monumentalmente en el espacio en directa sugestión de los modelos de la estatuaria antigua. San Juan viste pieles, tiene largo pelo rizado. Sostiene una cruz de junco en su mano izquierda mientras que la derecha apunta hacia el cielo. La figura está envuelta en una mórbida sombra. Mientras que el tronco tiene una cierta solidez y fuerza, el rostro y la expresión tienen una delicadeza y misteriosa suavidad que parecen contradecir la personalidad de Juan, el intransigente y abstemio predicador en el desierto, como lo describe la Biblia. Puede ser que haya escogido retratar al santo en el momento de bautizar a Jesucristo, el momento en el que el Espíritu Santo desciende sobre Jesús en forma de paloma. La expresión del rostro, lánguida y ambigua, es típica de las últimas obras de Leonardo. La mirada es estrábica, pues muestra la embriaguez de amor (Baco); el índice señala hacia el cielo, pues el Amor solo se completa en Dios, según enseña Platón. El gesto de señalar al cielo sugiere la importancia de la salvación a través del bautismo que san Juan representa. San Juan Bautista ( ) Está pintado al óleo sobre tabla que mide 69 cm de alto y 57 cm. de ancho. Se conserva en el Museo del Louvre de París (Francia).

TIZIANO VECELLIO (TITIAN)
Nació en Pieve de Cádore, Italia en Pintor renacentista, maestro de maestros, considerado como la expresión máxima de la pintura veneciana. Retratista sólo comparable con Rembrandt y Velázquez, también destacó por sus paisajes, fue alumno de Giorgione, exaltó el arte pictórico de su generación y creó un nuevo lenguaje de expresión que se aprecia al observar las pocas telas al óleo y frescos, reconocidos como legítimos, que de él se conservan. Entre sus pupilos destaca El Tintoretto . Después de la aparición de Tiziano ,ningún otro artista clásico relacionado con la pintura a quedado excento de su influencia. Magnífico en el tratamiento de la luz, el espacio y la armonía de colores, mantiene la admiración de los entendidos hasta el día de hoy. A diferencia de los pintores florentinos y romanos de la época, especialistas en frescos, que para realizarlos primeramente transferían el diseño esquemático a los muros, Tiziano y sus seguidores trabajaban con óleo sobre tela. Dibujaban rápidamente un bosquejo sobre el textil y luego aplicaban la coloración al aceite directamente sobre la rugosidad del lienzo, consiguiendo de esta manera matices desconocidos hasta ese entonces. Algo que caracteriza estas obras venecianas es que se pueden observar tanto de lejos como de cerca, sin que evidencien variaciones de calidad . Falleció en 1576.

OBRAS “Venus de Urbino”
Venus de Urbino, también llamada Venus del perrito, es una célebre pintura al óleo sobre lienzo cuyas dimensiones son de 119 cm x 165 cm, realizada en 1538 por Tiziano. En 1631 este cuadro se encontraba en la colección de los Médicis; desde 1736 se encuentra en la Galleria degli Uffizi (Florencia Venus de Urbino inspirada en la Venus dormida de Giorgione , que a diferencia de ésta, la de Tiziano está recostada, no en la naturaleza, sino en un elegante interior. Desde 1963 , se mantiene la hipótesis de que podría ser un retrato de la duquesa Eleonora Gonzaga. La pintura, cuyo comitente fue Guidobaldo II della Rovere, entonces hijo del duque de Urbino , representa a una joven desnuda semitendida sobre un lujoso lecho en el interior de un palacete veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol; al lado de la ventana se encuentran dos criadas casi enigmáticamente de espaldas acomodando ropas en un cassone o arcón de bodas; el arcón parece evocar el mito de la caja de Pandora. A los pies de la joven desnuda duerme un perrito; la presencia del perro es signo de que la representada no es una diosa, sino una mujer real, aunque no se sabe exactamente quién es. Algo más: el perro, típica alegoría de la fidelidad, aquí aparece, sugerentemente, dormido Venus de Urbino(1538)

“Carlos V a caballo en Mühlberg”
Carlos V a caballo en Mühlberg es el retrato iconográfico por excelencia. Representa al emperador como príncipe cristiano, vencedor del protestantismo y como símbolo de la hegemonía de los Austria sobre Europa (Se encuentra actualmente en el Museo del Prado) Carlos V a caballo en Mühlberg (1548)

“La asunción de la virgen”
En 1518 Titian completó, para el altar mayor de la Basílica de Santa María Gloriosa dei Frari en Venecia, la Asunción de la Virgen , que aún permanece allí. Esta extraordinaria pieza del colorismo, realizada en una gran escala cromática raramente usada en Italia anteriormente, causó sensación en su época. La estructura pictórica de la Asunción de la Virgen, que unificaba en la misma composición dos o tres escenas superpuestas en diferentes niveles, cielo y tierra, lo infinito y lo temporal, fue continuada en otras obras. La Asunción de la Virgen de Santa María dei Frari , cuya dinámica composición triangular y viveza de colores lo convirtió en el más clásico de los pintores fuera de Roma. La asunción de la virgen (1518)

DALÍ DOMENECH, SALVADOR
Pintor surrealista español nacido en Figueres, Girona, en En 1921 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid). Se relacionó con Federico García Lorca, Luis Buñuel, Rafael Alberti, José Moreno Villa y otros artistas. En 1929, instalado en París, donde conoció a Pablo Picasso, se adhiere al surrealismo, aunque los miembros principales del movimiento expulsarían finalmente a Dalí por sus tendencias políticas derechistas. La producción de Dalí de este periodo se basa en su método "paranoico-crítico", inspirado en buena parte en las teorías de Freud: representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes, como los relojes blandos de La persistencia de la memoria (1931). Dalí se trasladó a Estados Unidos en 1940, donde permaneció hasta Sus últimas obras, a menudo de contenido religioso, se realizan en un estilo más clásico.La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso.. Fue miembro de la Academia Francesa de Bellas Artes desde Murió el 23 de enero de 1989 en Figueres. Salvador Dalí( )

OBRAS “La persistencia de la memoria”
La persistencia de la memoria, conocido también como Los relojes blandos es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí. Realizado mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 24 x 33 cm. Se conserva en el (Museo de Arte Moderno) de Nueva York. En el cuadro aparece la bahía de Port Lligat al amanecer. El paisaje es simple; aparece el mar al fondo y una pequeña formación rocosa a la derecha. Hay cuatro relojes; un reloj de bolsillo y tres relojes blandos y deformados, elementos que ya habían aparecido en una obra suya del año anterior, Osificación prematura de una estación. Dalí, se inspiró en el queso camembert a la hora de añadir los relojes al cuadro, relacionándolos por su calidad de "tiernos, extravagantes, solitarios y paranoico-críticos". Uno de los relojes cuelga en equilibrio de la rama de un árbol. Más abajo, en el centro del cuadro, otro se acopla a modo de montura sobre una cara con largas pestañas inspirada en una roca del cabo de Creus. La cara aparece también en otros cuadros del autor como El gran masturbador y El enigma del deseo. El tercer reloj blando está, a punto de deslizarse por un muro. Sobre este reloj hay una mosca y sobre el reloj de bolsillo, situado sobre el muro, hay multitud de hormigas que no están ahí por casualidad . La persistencia de la memoria (1931)

“El hombre invisible” En el cuadro de Dalí, se puede ver una persona sentada, de proporciones gigantescas y prolongadas. La cabeza se forma con sombras y relieves de construcciones y esculturas. Las nubes simulan el pelo y dos esferas azules, los ojos. El brazo derecho está formado por la espalda de la estatua de una mujer con un cuello desproporcionado. El brazo izquierdo está formado por una columna y se delimita con el edificio negro que hay en primer plano. Esta estructura tiene dos esculturas de mujeres diseccionadas y de distintos colores. En medio en la parte inferior hay una especie de maniquí, tiene una larga cabellera que asciende y se bifurca en su punta, definiendo así las manos del gigante. Las piernas están formadas por una cascada y una sección del suelo del mismo color azul. Delante del maniquí hay un león dorado. Hay otros elementos surrealistas del cuadro que sólo son ornamentales. A la derecha hay, un conjunto de esculturas satíricas: tres hombres y tres niños .A la izquierda se halla una pilastra sobre la cual, hay una escultura de un perfil de mujer. Más atrás hay una plataforma y, sobre esta, un caballo blanco. Finalmente, sobre la mano derecha del gigante hay una forma simétrica y extraña la cual parece estar diseccionada El hombre invisible ( )

“Cruzifixión” Crucifixión (Corpus Hypercubus ) fue pintado en 1954 por Salvador Dalí , y representa el crucificado Jesús en la red de un hipercubo . Gala (Dalí esposa), es la figura en la parte inferior izquierda, que está mirando a Jesús crucificado. La escena se representa frente a la bahía de Port Lligat . La pintura se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte en Nueva York, EE.UU. Está pintada en óleo sobre lienzo. Cruzifixion (1954)

Doménikas Theotokópoulos , “El Greco”
Pintor manierista español considerado el primer gran genio de la pintura española. Nació en 1541 en Candía, Creta y pintó en un estilo bizantino tardío. Recibió una gran influencia de dos de los grandes maestros del renacimiento . Asimilando el colorido de Tiziano, y la composición de las figuras y la utilización de espacios amplios y de gran profundidad, de Tintoretto. La influencia de la obra de Michelangelo Buonarroti es evidente en su Piedad (1572). El estudio de la arquitectura romana reforzó el equilibrio de sus composiciones.Su visión personal se asentaba en su profunda espiritualidad, de hecho, sus lienzos evidencian una atmósfera mística. El Greco gozó de una excelente posición en Toledo, donde recibió a miembros de la nobleza y de la elite intelectual, como los poetas Luis de Góngora y Fray Hortensio Félix de Paravicino, cuyos retratos pintóncia incluyen vistas de edificios renacentistas. Murió en Toledo el 7 de abril de 1614.

OBRAS “La Trinidad” La Trinidad (1577-1580)
Este óleo sobre tela mide 300 centímetros de alto y 179 cm de ancho, siendo uno de los nueve lienzos que realizó para el monasterio de Santo Domingo de Silos (el Antiguo) , en Toledo . Actualmente se encuentra en el Museo del Prado de Madrid , España .Se representa la escena en la que Dios Padre sostiene el cuerpo de su hijo Jesucristo muerto. Sobre ellos el Espíritu Santo representado en forma de paloma . Alrededor de estas tres personas de la Trinidad , aparecen ángeles en diversas posturas, algunos de ellos con expresiones dramáticas en los rostros.El Greco evidencia aquí influencias de Miguel Ángel (en el modelado de la anatomía de las figuras) y también de Tintoretto (en el cromatismo ). Predominan los tonos fríos (malva, azul, verde), con aislados toques cálidos que aportan vitalidad a la escena. La composición es muy original y presenta forma de corazón, dentro de la cual se desarrolla toda la acción del cuadro y de la que sólo queda fuera la paloma representante del Espíritu Santo . El centro del cuadro está dominado por el monumental cuerpo de Cristo, representado según las proporciones tradicionales y alejado de la estilización de las figuras que dominan en obras posteriores de El Greco . Es evidente el espíritu innovador manierista, reflejado en la serpenteante línea formada por la posición del cuerpo de Cristo y Dios Padre, así como por las irreverentes y exageradas reacciones de los ángeles. La Trinidad ( )

“El entierro del Conde de Orgaz”
El entierro del conde de Orgaz (, óleo sobre lienzo, 480 × 360 cm, Santo Tomé, Toledo), la obra más conocida de El Greco. Ilustra una leyenda local según la cual el conde fue enterrado por san Esteban y san Agustín. En la parte inferior, realista, recreó un entierro con toda la pompa del siglo XVI; en la superior, idealizada, representó la Gloria y la llegada del alma del conde. El entierro del conde de Orgaz ( )

El Martirio de San Sebastián
El martirio de San Sebastián es una de las obras más realistas pero desconocidas de El Greco a pesar de tener una excelente calidad pictórica y gran realismo. Actualmente se conserva en la antesala de la Catedral de Palencia , y es la obra cumbre de su museo catedralicio. Se trata de una pintura de su primera etapa española ,no presenta la deformación típica ni el colorido tan exuberante de etapas posteriores. El lienzo, de gran tamaño, muestra a San Sebastián con un gran realismo, atado a un árbol y semidesnudo con una flecha en el costado. Este cuadro no presenta la deformación típica de El Greco pero sí tiene un cuerpo muy grande y fuerte lo que le proporciona un aspecto característico. La postura de San Sebastián, con una pierna muy flexionada sobre una roca y la otra tocando la piedra y apoyada en el suelo, fuerza una intención de contrapposto que le permite al artista marcar la musculatura del tronco, al igual que la de su brazo derecho, atado a la espalda. El otro brazo se encuentra extendido hacia el vértice superior derecho atado a un árbol y con la mano caída, lo que acentúa la sensación de debilidad ante el martirio. El Martirio de San Sebastián ( )

El tronco y la cabeza se encuentran levemente inclinados hacia la izquierda, en contraposición a la inclinación de su pierna derecha. Estos dos miembros se disponen como rectas, y ambas "rectas" parecen juntarse en la flecha, audaz recurso de El Greco que hace destacar la parte más importante, ya que la mirada se nos desvía hacia la flecha que quita la vida al Santo. El fondo se presenta sencillo, con un cielo gris y azul muy osuro y algunos árboles de tonalidades pardas y verdes que evitan que la atención se desvíe de la escena principal. El suelo es pardo y la roca sobre la que se apoya San Sebastián, que posee interesantes brillos, lleva inscrita la firma del autor. La gama cromática se presenta más reducida que lo habitual en El Greco, pero de notable riqueza, entre la que destacan los grises y pardos. El tratamiento de la luz del lienzo es interesante y el foco es cenital pero suave, como si de una luz divina se tratase. El santo está resuelto con pinceladas gruesas y espesas, al contrario del fondo, que las tiene más finas y sueltas. A pesar de su calidad, este óleo es muy desconocido; de hecho, antes de la magna exposición de "Las Edades del Hombre " que visitó la ciudad en 1999 con el nombre de "Memorias y esplendores", este cuadro era desconocido hasta por los propios palentinos. La obra, de la primera etapa del artista cretense en España, es autógrafa y no ha tenido apenas intervenciones. Fue restaurada y limpiada con motivo de la exposición antológica de El Greco que se exhibió en Madrid, New York y Tokio.

JOAN MIRÓ I FERRÁ Joan Miró i Ferrà fue pintor , escultor , grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía del año A partir de su estancia en París , su obra se vuelve más onírica , coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento. En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930 , Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas. Uno de sus grandes proyectos fue la creación en 1975, de la Fundación Joan Miró , ubicada en Barcelona, centro cultural y artístico para difundir las nuevas tendencia del arte contemporáneo, constituyéndose con un gran fondo de obras donadas por el autor; otros lugares con importantes fondos de sus obras son la Fundación Pilar i Joan Miró de Palma de Mallorca, el MNAM de París y el MOMA de Nueva York. Joan Miró( )

OBRAS “Carnaval de Arlequín”
La pintura quizás más interesante de este periodo es Carnaval de Arlequín(1925), completamente surrealista y que consiguió un gran éxito en la exposición colectiva de la Peinture surréaliste de la Galería Pierre a finales de 1925, expuesta junto a obras de Giorgio de Chirico , Paul Klee , Man Ray , Pablo Picasso y Max Ernst . Esta obra es la considerada como el inicio pleno de la etapa surrealista de Joan Miró. Realizada entre los años 1924 y 1925, la ejecutó en un tiempo en que el artista pasaba por momentos difíciles y con gran penuria, incluso alimentaria. Un autómata que toca la guitarra junto con un arlequín con grandes bigotes, son los personajes principales de la composición pictórica, donde se aprecian también todo un mundo de detalles dominados por la imaginación que se esparcen por toda la pintura, como un pájaro con alas azules saliendo de un huevo, un par de gatos jugando con un ovillo de lana, peces volando, un insecto que sale de un dado, una escalera con una gran oreja, y en la parte superior derecha se ve a través de una ventana una forma cónica con la que quiso representar la torre Eiffel. Compuso Miró un pequeño texto poético en 1938 sobre este cuadro: "En la madeja de hilo deshecha por los gatos vestidos de arlequines ahumados retorciéndose y apuñalando mis entrañas..." Actualmente se encuentra en la colección de Allbright-Knox Art Gallery en Buffalo, (Estados Unidos). Carnaval de Arlequín (1925)

“Personaje delante del sol”
Personaje delante del sol es un ejemplo de la gestualidad controlada que caracteriza las pinturas de Miró a finales de los años sesenta. Una libertad expresiva sin precedentes tan claros en su producción, pero de un rigor compositivo indiscutible. El artista parte del color negro, con el que dibuja y estructura el cuadro. La incorporación de los otros colores tiene presente las divisiones y las zonas libres. A pesar de su espontaneidad, Miró no olvida la composición: la supresión de un elemento cualquiera provocaría el desequilibrio de todo el conjunto. Por cantidad debemos señalar que el gris del fondo es el color dominante de la obra, el negro es subordinado y el amarillo el acento, al igual que el rojo. Pero el rojo tiende a expandirse, por eso puede dar la sensación de ser el dominante. El negro atrae nuestra mirada, pero debido a su extensión, sería el subordinado, y el amarillo, al contrarrestar con él, constituiría el acento. Personaje delante del sol (1968)

“La Masia” Durante los años y realizó La masía, siendo la obra culminante de esta época «detallista». Trabajó en ella durante nueve meses de dura elaboración; la relación mítica mantenida por Miró con la tierra, se resume en este cuadro, que representa la granja de su familia en Mont-roig; el grafismo de carácter ingenuo y realista de todos los objetos, los animales son los domésticos, los vegetales los que el hombre trabaja y los objetos todos de uso diario y necesarios para el hombre. Estudia todos sus detalles al mínimo, es lo que se llama la caligrafía mironiana, punto de partida para los siguientes años de su contacto con el surrealismo[11] La Masia ( )

GIOTTO DI BONDONE Giotto di Bondone, mejor conocido solo por su nombre de pila (Colle di Vespignano, 1267 – Florencia , 8 de enero de 1337) fue un notable pintor , escultor y arquitecto italiano del Trecento . Se lo considera el primer artista de los muchos que contribuyeron a la creación del Renacimiento italiano y uno de los primeros en sacudirse las limitaciones del arte y los conceptos medievales. Si bien se limitó fundamentalmente a pintar temas religiosos, fue capaz de dotarlos de una apariencia terrenal, llena de sangre y fuerza vital.

OBRAS “Lamentación sobre cristo muerto”
Lamentación sobre Cristo muerto es una escena obra del pintor italiano Giotto . Está realizado al fresco , situada prácticamente en el centro de la pared izquierda de la Capilla de los Scrovegni de Padua . En este cuadro se ve a Jesucristo , descendido de la cruz, rodeado por las mujeres y los apóstoles. Están juntos los rostros de Cristo muerto y de su madre María , quebrada por el dolor, que mira intensamente el cadáver de su hijo. Las demás figuras expresan su dolor, cada una a su manera: unas se muestran dobladas sobre sí mismas del dolor, otras hacen gestos. Así, san Juan aparece con los brazos abiertos, mientras que María Magdalena , sentada en el suelo, coge con afecto los pies del muerto. Incluso los diez ángeles que aparecen en el cielo, en escorzo, se unen a estas diversas manifestaciones de la desesperación: lloran, se mesan los cabellos o se cubren el rostro.

“El beso de Judas” En El Beso de Judas, Giotto organiza la emoción de toda la escena en torno a la imagen central, donde se encuentran el traidor y el traicionado. Los rostros tienen gran importancia, ya que a través de la expresión facial de los personajes expresa la emoción humana.

“La adoración de los Reyes Magos”
Uno de los frescos de la Capilla de la Arena es la "Adoración de los Reyes Magos", que se encuentra entre los más reputados y admirados de la serie. En el cielo, encima del techo del pesebre, puede observarse la Estrella de Belén , la que, en la iconografía católica, representa la guía divina que condujo a los Reyes Magos hasta Belén. La imagen representada por Giotto tiene forma de cometa (con su cabeza y cola), y ha dominado la idea colectiva que todos tenemos acerca de este episodio bíblico. Giotto vio el cometa Halley en su aparición de 1301 en el cielo italiano, y es muy probable que este objeto astronómico haya sido el modelo para la sobrenatural estrella de su "Adoración". Lo que Giotto no tenía forma de saber es que el cometa Halley, con su período de entre 76,5 y 79,3 años, apareció en 11 o 10 a. C., es decir, entre 4 y 7 años antes del nacimiento de Cristo. No puede asegurarse que el Halley haya inspirado el episodio de la Estrella de Belén, pero sí resulta interesante que casi con certeza, tanto la estrella del relato bíblico como la pintada por el maestro florentino sean el mismo cometa en dos apariciones separadas por trece siglos La adoración de los Reyes Magos

Henri Émile Benoit Matisse
Henri Émile Benoît Matisse fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo . Como dibujante, grabador , escultor , pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente como uno de los grandes artistas del siglo XX. Al inicio de su carrera se le identificó con el fauvismo para los años 20s ya se había destacado por su maestría en el lenguaje expresivo del color y del dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción que se extendió por más de medio siglo, y que consagró su reputación como una de las figuras centrales del arte moderno . En algunas de sus figuras pintadas hacia fin de siglo está presente la influencia de Cézanne , pero a partir de 1907 su estilo se hizo más definido y pintó a la manera fauve : supresión de detalles y tendencia a la simplificación, con lo que obtuvo cuadros impregnados de paz y armonía.

OBRAS “Raya Verde” La Raya Verde o también conocido como la Madame Matisse , aparece tocada con un elegante sombrero, girada en tres cuartos y dirigiendo su profunda mirada hacia el espectador. El intenso colorido se convierte en el protagonista, aplicado con largas y empastadas pinceladas que recuerdan al impresionismo. Los colores son arbitrarios, rompiendo con la estructura habitual del color, siguiendo a Cèzanne. En el rostro de la dama apreciamos toques de color lila, verde, azul o amarillo. El resultado es una obra cargada de elegancia e intensidad, en la que el espectador disfruta de la estridencia tonal que identifica el estilo fauvista, y especialmente de Matisse. En su cara traza una bisectriz de color verde dividiendo el cuadro en dos mitades. Su lado derecho repite el color verde que la divide, mientras que el izquierdo repite los tonos de su vestido. Esta Línea actúa como una sombra divisora artificial formando un lado más claro y otro mas oscuro, en términos cromáticos un lado mas fresco y uno mas caliente. La Luz natural esta dirigida directo a los colores y las gruesas pinceladas le dan una imagen dramática. Raya verde (1905)

“La danza” La Danza es un cuadro de Henri Matisse expuesto en el Museo del Hermitage de San Petersburgo , Rusia . Está pintado al óleo sobre lienzo y mide 260 cm de alto por 389 cm de ancho. Se representa en esta obra a un grupo de cinco personas, de ambos sexos, que bailan en círculo, dándose la mano. Están desnudos , tema artístico que interesó a Matisse durante toda su vida. Refleja la incipiente fascinación de Matisse con el arte primitivo: los intensos colores cálidos contra el frío verde azulado del fondo y la rítmica sucesión de desnudos danzantes transmiten los sentimientos de liberación emocional y hedonismo . A este colorido se le ha dado una interpretación simbólica : los cuerpos de pintan de rojo y simbolizan la vida , el azul es obviamente el cielo y el verde la naturaleza . También logra un movimiento extraordinario. La danza (1910)

“Naturaleza muerta con berenjenas”
Otro de sus rasgos peculiares es la sensación de bidimensionalidad de cuadros como Naturaleza muerta con berenjenas, en los que la ilusión de profundidad queda anulada mediante el uso de la misma intensidad cromática en elementos que aparecen en primer o en último plano. En esta pintura hay una armonía de colores.

FRANCISCO DE GOYA Francisco de Goya y Lucientes nació en Fuendetodos ,Zaragoza el 30de marzo de 1746 fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX. En 1746 se marchó a Italia para completar su formación como pintor ,donde traba contacto con el incipiente neoclasicismo, que adopta cuando marcha a Madrid a mediados de esa década, junto con un pintoresquismo costumbrista rococó derivado de su nuevo trabajo como pintor de cartones para los tapices de la manufactura real de Santa Bárbara. Más tarde se convirtió en el centralista preferido de la aristocracia Madrileña. En 1748 fue nombrado pintor de cámara de Carlos III, cargo en el que continuó bajo los reinados de Carlos IV, José I y Fernando VII. Una grave enfermedad le produjo sordera y contribuyó a alimentar su pesimismo. Tras la invasión de Napoleón realizó su serie " Los desastres de la guerra ". En esta época también pinto " La carga de los mamelucos " y " El fusilamiento del 3 de mayo ". Al no estar contento con la política de Fernando VII se instaló en Buerdeos donde murió en

Este cuadro se encuentra actualmente en el museo del Prado en Madrid.
OBRAS “El columpio” El columpio se trata de un óleo sobre tela de una dimensiones 100 x 169 cm. Aparecen un grupo de personas que son alegres muchachos y chicas vestidos con trajes populares. Todos los personajes están bajo la sombra de un gran árbol. En el centro del cuadro hay una chica columpiándose con ayuda de un mozo que le empuja mientras otro chico le espera con los brazos levantados para balancearla. En la derecha hay un hombre con ropajes negros y sombrero que esta tumbado junto al tronco de un árbol. A la izquierda hay dos mujeres jóvenes que al parecer están contando por que una de ellas tiene una guitarra. La mujer que esta de espaldas contrasta con el resto de personaje debido a que ella lleva colores mas vivos como el blanco de su camisa y el azul de su coleta mientras que los demás llevan ropa oscura. El cuadro tiene tonos verdes, sobre todo por las esquinas, mientras que en centro hay tonos marrones con algún que otro verde oscuro. En el fondo los colores que predominan son el azul y el blanco debido a que es el cielo. Este cuadro se encuentra actualmente en el museo del Prado en Madrid. El columpio (1787)

“La caza de la codorniz”
La caza de la codorniz es un cartón destinado a servir de modelo a un tapiz que iba a decorar el comedor de los Príncipes de El Escorial . En el cuadro se aprecian distintos momentos de la caza de la codorniz . En primer término, a la derecha, aparece un cazador con su perro rastreando. Consecutivamente, y a la izquierda, un poco más al fondo se muestra el disparo mientras el perro espera agazapado. Al fondo y siguiendo un recorrido en diagonal, a la derecha aparecen dos hombres y más a la izquierda una partida de jinetes y perros que dan alcance a las presas. El objetivo compositivo es dar variedad a la unidad temática de la caza de la codorniz, representando todos sus momentos típicos, es decir, pintorescos . Pero la dificultad estriba en conseguir la interrelación de los distintos motivos representados, lo que en este cuadro perteneciente a la primera serie de tapices, Goya no logra con resolver con solvencia. El cuadro es dinámico . Se encuentra actualmente en el museo del Prado en Madrid. . L a caza de la codorniz es un cuadro de Francisco de Goya perteneciente a la primera serie de cartones para tapices, ejecutada en 1775.

“Los fusilamientos del 3 de Mayo”
Este cuadro esta dedicado a las dos jornadas madrileñas que dieron origen a la revuelta el 2 y el 13 de mayo de En este cuadro se conmemora a los madrileños fusilados por la noche por los franceses , en represalia a los acontecimientos del día anterior. En el cuadro aparecen una serie de soldados franceses con ropas grises perfectamente alineados y armados con fusiles fusilando a un grupo de hombres. Estos hombres miran horrorizados los cadáveres empapados de sangre e intentan pedir clemencia a los soldados franceses. Al lado de este grupo de hombres hay un grupo de gente que mira horrorizada la ejecución. En el centro de los fusilados destaca un hombre que va de blanco que parece que va a ser el siguiente en morir. Todo este grupo de hombres esta apoyado sobre una pared gris. Al fondo del cuadro se puede distinguir un gran edificio con tonos marrones claros para que se pueda distinguir del cielo oscuro, este edificio creo que es El Escorial. La obra se encuentra actualmente en el museo del Prado en Madrid. Los fusilamientos del 3 de mayo (1814)

PAUL CÉZANNE Paul Cézanne pintor francés postimpresionista , considerado el padre del arte moderno, cuya obra estableció las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX , nuevo y radicalmente diferente. Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895 , expuso sólo de forma ocasional. Fue un «pintor de pintores»,[que la crítica y el público ignoraban, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva generación (los nabis o la escuela de Pont-Aven ).

“Una moderna Olimpia” Detrás de las cortinas descorridas de una 'Maison de luxe', la Olimpia de Cèzanne se muestra a sus espectadores como una aparición de entre el resto de las figuras. Mientras su sirvienta la descubre, ella se acurruca en una pose recogida e inusual, fijando la mirada en su amante, que la espera estremecido. El amante, un hombre burgués, definido apenas por unas pocas pero vigorosas pinceladas, la contempla sentado en el sofá: se trata sin duda del artista que, una vez más, ha decidido encomendar a la pintura la tarea de hacer explícita su compleja relación con lo femenino. Una moderna Olimpia es una obra presentada en la primera muestra impresionista de Cézanne.

“Los grandes bañistas”
Cézanne pintó reiteradamente bañistas, renovando el tema de la mujer en el baño, haciendo de él una construcción moderna. El tratamiento que da a los desnudos en un paisaje es completamente distinto al de los maestros de siglos precedentes como Tiziano o Poussin. No se trata aquí de figuras mitológicas o literarias. Tampoco las representa según los cánones de la anatomía tradicional. Pinta a las bañistas en diversas posturas: unas de pie, otras sentadas, otras tumbadas.Los cuerpos y sus poses están reducidos a elementos vivos que están ya cercanos a la abstracción , y lo mismo cabe decir del paisaje . Las bañistas se integran en la naturaleza que las rodea. Utiliza la técnica del «passage» o transición de color . Del verde oscuro se pasa al verde claro y de éste al amarillo .El cuadro se encuentra en la National Gallery , Londres , Reino Unido . Allí se exhibe con el nombre de Bathers (Les Grandes Baigneuses). Los grandes bañistas (1906)

“Los jugadores de naipe”
Este lienzo pertenece a la época de madurez (década de 1890) en la que Cézanne produce sus principales lienzos. Ejemplifica los cuadros en los que los personajes están fuertemente anclados en su decorado. Todos los volúmenes están definidos de manera geométrica , lo que confiere a los dos personajes una dignidad clásica. Son dos campesinos que juegan a las cartas, con una botella de vino en medio, en la que se refleja la luz .distorsionando la visión perspectiva, Cézanne logra obtener el máximo grado de centralidad, que resulta increíble en una escena de vida. Toda la tela está construida con tonos de los colores azul, amarillo y rojo. Esta restricción cromática «intensifica la sensación de austeridad formal».Las pinceladas se presentan solitarias y sintéticas, como el reflejo sobre la botella o el simple trazo que describe el ojo del jugador de la derecha. Pinta con la técnica del facetado, lo que es evidente en la cara del jugador de la izquierda. éste lleva un sombrero de forma cilíndrica Los jugadores de naipe (1889 y 1892)

CLAUDE MONET Claude Monet fue un pintor francés a quien a partir de la mitad de su carrera artística se le adjudica el estilo impresionista. Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de un estilo realista. Monet logró exponer algunas de estas obras en el Salón de París. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias de arte, empeoró su situación económica. En la década de 1870 tomó parte en exposiciones de arte impresionista en las cuales también participaron Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. Su carrera fue impulsada por el mercader de arte Paul Durand-Ruel, pero a pesar de esto su situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados de la década de En esta época, Monet desarrolló el concepto de la "serie" en las que un motivo es pintado con distintos grados de iluminación. Al mismo tiempo comenzó a plantar su famoso jardín en Giverny que luego utilizó como motivo para sus pinturas.

OBRAS “Mujeres en el jardín”
Representa un día de verano , con su despreocupado ambiente. Varias mujeres, con vestidos de verano, se divierten en un jardín de flores. Monet tomó a su mujer como modelo para esta obra. Protagonista del cuadro es la luz que se refleja en los cabellos, en la piel, en los vivos colores de los vestidos, las flores y las hojas de los árboles. Los reflejos luminosos y las sombras coloreadas envuelven a los personajes que se presentan en actitudes naturales. El cuadro se encuentra actualmente en Louvre de París , Francia. Mujeres en el jardín (1866)

“Playa de Trouville ” Tomadas directamente del natural, Monet se interesa por captar efectos de luz y color dentro de la dinámica del Impresionismo, empleando sombras coloreadas. Camille y la esposa de Bodin se sitúan en el primer plano de la composición, cubiertas con sus respectivas sombrillas, permitiendo contemplar la playa a sus espaldas. Los colores de los vestidos de ambas damas exhiben un pronunciado contraste, muy relacionado con Manet. En cambio, la pincelada empastada y pesada recuerda a Courbet, quien había sido el padrino de su boda celebrada ese año.

“La urraca” Monet, realizó esta obra durante el invierno de 1868 a 1869, aprovechando una estancia cerca de Étretat en Caux. El pintor, juega con la sombra y la luz sirviéndose de una gama de colores reducida a la mínima expresión: blanco, negro, marrón y azul. Un ejercicio peligroso, pues Monet expresa las distintas densidades de la nieve con efectos de blancos puros o menos coloreados, que confieren al conjunto una luminosidad excepcional. La urraca ( )

Michelangelo Merisi da Caravaggio
Caravaggio fue un pintor italiano activo en Roma , Nápoles , Malta y Sicilia, entre los años de 1593 y Es considerado como el primer gran exponente de la pintura barroca. Michelangelo Merisi hacia se traslada a Roma, aquí pasó calamidades hasta que en 1594 entró en uno de los mejores talleres, el taller del Cavalier d´Arpino, el favorito de la curia papal. Su situación comenzó a mejorar . El taller estaba especializado en la pintura de bodegones. Caravaggio permaneció 8 meses con el Cavalier d´Arpino, luego montó su propio taller. Allí siguió realizando pintura profana de pequeño formato que vendía gracias a un marchante que tenía un negocio próximo a San Luis de los Franceses. El cardenal del Monte ve por primera vez las obras de Caravaggio, quedando impresionado. El cardenal se convierte en el protector de Caravaggio, Entre 1595 y 1596 Caravaggio se traslada a vivir al palacio Madama, residencia del cardenal. A partir de entonces le lloverán los encargos, algunos de la talla de los demandados para decorar San Luis de los Franceses.Pero las envidias de otros pintores comienzan a acecharle. Esto unido a su carácter irascible hizo que tuviera que comparecer en varios procesos. Un homicidio le obligó a huir a Génova, después volvería a Roma con el apoyo de sus protectores, pero pronto sería desterrado de la ciudad por un nuevo homicidio. A partir de entonces lleva una vida errante por diversos puntos de la geografía italiana: Nápoles, Malta, Sicilia, Mesina, Palermo... . A los 37 años muere en 1610 en Porto Ercole.

OBRAS “Virgen delos Palafreneros”
Llamada también Virgen de la sierpe por la serpiente representada en ella. Se hizo por encargo de la Confraternidad de los Palafreneros, mozos de caballerizas que tenían por patrona a Santa Ana. Es del año 1606, realizada justo antes de la salida de Caravaggio de Roma. La serpiente representa al demonio, y en ella se ensalza la figura de la virgen como parte esencial de la salvación de la humanidad, contra los alegatos de los protestantes. Es un tratamiento sin precedentes, aunque sí se toma en obras posteriores. La composición es en triángulos, aunque no demasiado clasicista.

“La cruzifixión de San Pedro”
Es óleo sobre lienzo, de carácter intencionadamente antiheróico y anti-áulico. La pintura representa el martirio de San Pedro por medio de la crucifixión, si bien Pedro pidió que su cruz fuera puesta al revés para no imitar a su maestro, Cristo. El gran lienzo muestra a tres esbirros romanos, figuras tenebrosas, con el rostro oculto o apartado , luchando por erigir la cruz del anciano pero musculoso san Pedro. Pedro es más pesado de lo que su cuerpo con muchos años sugeriría, y la erección de su cruz requiere los esfuerzos de tres hombres, como si el crimen que perpetran ya les pesara. Su gesto, según Roberto Longhi es más propio de trabajadores ocupados que están ocupados haciendo su trabajo, que de verdugos. Tiran, levantan y hacen palanca contra la cruz, en posiciones feas y banales, como queda en evidencia en el trasero amarillo y los pies sucios del esbirro que queda en la parte izquierda del primer plano . Esta crucifixión no es sangrienta, pero no está ausente el dolor. Es un zigzag de diagonales, que pronostican el inevitable martirio. Es una escena sombría que se desarrolla en un campo pedregoso].En el cuadro, la luz baña a la cruz y al santo, ambos símbolo de la fundación y de la construcción de la iglesia, a través del martirio de su fundador. “La cruzifixión de San Pedro”(1601)

“Niño con cesto de frutas”
Niño con un cesto de frutas es un cuadro de Caravaggio datado en 1593, que se exhibe en la Galería Borghese de Roma. El cuadro muestra a un joven sosteniendo un cesto de frutas, en medio de un panorama tenebrista y desolado. El muchacho es sensual y con unos ojos negros vivos y penetrantes. Este cuadro fue alabado en su tiempo por su viveza y más tarde fue precursor de otros genios universales como Francisco de Zurbarán. Niño con cesto de frutas(1593)

ALBERTO DURERO Alberto Duero es el artista más famoso del Renacimiento alemán, conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte, que ejercieron una profunda influencia en los artistas del siglo XVI de su propio país y de los Países Bajos. Durante Entre 1488 y 1493, el taller de Wolgemut se dedicó a la considerable tarea de realizar numerosas xilografías para ilustrar la Crónica de Núremberg (1493) de Hartmann Schedel, y es probable que Durero recibiera una instrucción exhaustiva de cómo hacer los dibujos para las planchas de maderatoda la época renacentista, el sur de Alemania fue centro de muchas publicaciones y era común que los pintores estuvieran también calificados para realizar xilografías y grabados para ellas.

OBRAS “Fiesta del rosario”
Uno personaje a la izquierda de la Virgen perturba el equilibrio triangular del cuadro. Se trata de santo Domingo de Guzmán , promotor del culto mariano y de la devoción del rosario . Está pintado con colores más oscuros, lo que le hace resaltar . Alberto Durero, se representó a sí mismo, en la esquina superior derecha, a los pies de las montañas y de un paisaje típicamente alemán. Los detalles de la colina se funden en una difuminación atmosférica ; de la verticalidad es importante dentro de la pintura religiosa de su tiempo: está colocado, en la composición, a la misma altura que santo Domingo, ligeramente sobre la Virgen . Junto al artista se encuentra probablemente Leonhard Vilt, fundador de la Fraternidad del Rosario en Venecia. En el extremo de la derecha, vestido de negro y con una escuadra en la mano, está Jerónimo de Augsburgo, el arquitecto del nuevo Fondaco dei Tedeschi, el centro económico de los alemanes en Venecia. Sobre la izquierda, con las manos unidas, Antonio Soriano , patriarca de Venecia y patrón de la iglesia de San Bartolomeo y a su lado estarían Burkhard von Speyer, el capellán de la iglesia del que Durero hizo, durante el mismo periodo, un retrato. Alrededor de la Virgen con el Niño hay ángeles, querubines y putti, cuyo estudio preliminar se conoce. Durero se inspiró aquí mucho en el trabajo de Giovanni Bellini. Fiesta del Rosario (1506)

“Santa Ana , la Virgen , y el Niño”
Durero ha fijado su mirada sobre una íntima visión de Santa Ana, su hija la Virgen María, y el pequeño Jesús. La protagonista de la tabla es Santa Ana, que gozaba de una extensa devoción en Alemania. Su brillante vestido blanco a la moda nuremburguesa atrae la mirada del espectador y está plasmado con gran realismo. La madre apoya su mano en la hija, que está completamente absorta en la adoración de su hijo, conformando ambos una escena diferente, a otro nivel, en el que nos introduce la figura de Santa Ana, tradicional intercesora entre los fieles que le profesaban su devoción y la figura sagrada del hijo de Dios. Santa Ana , la Virgen y el niño (1519)

“Cuatro apóstoles” Es una obra de madurez en la que Durero deja ver la influencia veneciana, tanto en su intenso cromatismo como en la concepción estatuaria de las figuras. Contrasta las tonalidades cálidas e intensas (rojo-azul-oro) con las frías representadas por el blanco y el gris-azulado. Los santos Juan y Pedro (fácilmente reconocible por llevar su atributo más típico: La llave) aparecen en el panel de la izquierda, mientras en el de la derecha aparecen san Marcos y san Pablo . Tanto Juan como Pablo llevan una Biblia en la mano, mientras que Juan y Pedro están los dos leyendo la primera página del propio Evangelio de Juan . Este cuadro es una composición artística por simetría axial.

RAFAELLO SANZIO Sanzio fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Realizó importantes aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos. Ejerció gran influencia en su época; aunque fuera de Roma su obra fue conocida sobre todo a través de la producción que hicieron los talleres de grabado que colaboraban con él. Después de su muerte, la influencia de su principal rival, Miguel Ángel, se intensificó hasta los siglos XVIII y XIX, cuando las cualidades más serenas y armoniosas de Rafael, fueron consideradas de nuevo como un modelo superior. Su carrera se dividió de manera natural en tres fases y tres estilos, descritos así por Giorgio Vasari: sus primeros años en Umbría, el periodo posterior de cuatro años en Florencia ( ), donde absorbió las tradiciones artísticas de la ciudad, y finalmente su último y triunfal período de doce años en Roma, trabajando para los papas y su corte.

“Los desposorios de la virgen”
Toda la representación es muy mecánica, muy calibrada y calcula El sacerdote es el centro focal de la escena, que está entre la Virgen y las mujeres, y san José, y todos los hombres. Estas figuras se inscriben en un semicírculo, forma circular que se reitera en el templo del fondo y en la forma superior de la tabla.Las principales figuras permanecen en pie en el primer plano: José está colocando solemnemente un anillo en el dedo de la Virgen y sosteniendo el bastón florecido, símbolo de que él es el elegido, en su mano izquierda. Ha florecido su báculo mientras que los de los demás pretendientes quedan secos. Dos de los pretendientes, enfadados, rompen sus bastones. Se introduce así el tema de los pretendientes rechazados, pues es uno de ellos que, según un claro uso folclórico de trasfondo sexual, en el momento del matrimonio de ella con otro, demuestra públicamente, con este gesto, que ha cesado toda pretensión en frente de la mujer. Hay toda una serie de figuras detrás del grupo principal que llevan la mirada hacia el templo del fondo. Algunas están en la plaza que precede al templo: una pareja de viandantes a la izquierda, un grupito más numeroso a la derecha; en estos grupos prevalece el color rojo. También aparecen figuras en el exterior del templo: a la izquierda, una figura a contraluz, y a la derecha otros dos individuos. Se consigue equilibrar y marcar la profundidad del cuadro. Captado en el momento culminante de la ceremonia, el grupo que atiende a la boda también repite el ritmo circular de la composición. Los desposorios de la Virgen (1504)

Los vistosos suizos de la guardia del papa.
“La misa de Bolsena” En el cuadro se ve, en la parte izquierda, al sacerdote diciendo misa con la hostia en alto mientras que, frente a él, está representado el Papa Julio II arrodillado, frente al altar, reza apoyándose en un facistol plegable. Viste atuendo guerrero. El retrato con la barba demuestra los estragos que en él han causado los esfuerzos bélicos y la enfermedad. Los vistosos suizos de la guardia del papa. Detrás y por debajo del papa están los suizos de su escolta, vistosamente vestidos. Los suizos rebosan vida y personalidad de prósperos montañeses. La escena está claramente dividida en dos partes: a la izquierda el hecho, a la derecha el papa que reza junto a su corte. No es un milagro que acontece, es un milagro que se repite delante del papa testigo. La misa de Bolsena (1512)

“Liberación de San Pedro”
Representa la liberación de San Pedro de la cárcel de Agripa I el Grande. Se relata en tres escenas distintas: en el centro se ve al ángel despertar al santo y romper sus cadenas, mientras los soldados no pueden hacer nada por evitarlo; a la derecha cómo escapan ambos mientras los soldados están dormidos, y en la izquierda los soldados que se despiertan para perseguirlos. San Pedro tiene las facciones del papa Julio II. Con ello se pretende representar la milagrosa protección concedida por Dios a la Iglesia amenazada la persona del pontífice. Destaca de este fresco la luz : débil aquella de la luna y resplandeciente la del ángel, que se suma a aquella natural que proviene de la ventana (real) inferior. Liberación de San Pedro (1514)

MASSACIO Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai llamado Masaccio fue un pintor cuatrocentista italiano. A pesar de la brevedad de su vida, su obra tuvo una importancia decisiva en la historia de la pintura: generalmente se considera que fue el primero en aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica, desarrolladas por Brunelleschi . Masaccio aporta un elevado interés hacia la perspectiva científica al dotar de un nuevo sentido del espacio a sus composiciones, la expresión de sus personajes y el empleo de la iluminación, que transmiten a sus obras un lenguaje crucial para la evolución de la pintura renacentista , considerándose como el primer maestro del Quattrocento, que influiría en artistas como Botticelli , Fra Filippo Lippio Miguel Ángel.

“Tríptico de San Juvenal”
La pintura se compone de tres tablas: la central representa a la Virgen entronizada con el Niño, flanqueados por dos ángeles. El Niño está comiendo uvas, como un símbolo de la Eucaristía . En los paneles laterales aparecen sendas parejas de santos: San Bartolomé y San Blas en el de la izquierda, y San Juvenal y San Antonio Abad en el de la derecha. Estas tablas laterales muestran una marcada influencia de los modelos del siglo XIV , mientras que la compleja perspectiva del panel central sería algo bastante nuevo para la época. En su introducción a la solidez tridimensional la pintura puede considerarse revolucionaria para la época. La composición está construida de acuerdo con las leyes de la perspectiva : las líneas de fuga del pavimento de los tres paneles convergen en un punto de fuga central, representado por la mano derecha de la Virgen, que sostiene los pies del Niño. Tríptico de San Juvenal (1422)

“La expulsión de Adán y Eva del paraíso terrenal, antes y después de la restauración.”
Esta pintura es famosa por su vívida energía y realismo emocional sin precedentes. El patetismo de la escena se acentúa con el grito doloroso de Eva y el vientre contraído de Adán, que toma aire. La pareja se asienta firmemente sobre el terreno, sobre el que se proyectan las sombras de la violenta iluminación que modela los cuerpos, los gestos están cargados de expresionismo. Adán llorando se cubre los ojos con la mano, en signo de vergüenza mientras que Eva se cubre con los brazos y grita, en señal de dolor. La Expulsión contrasta dramáticamente con la imagen delicada y decorativa que hizo Masolino de Adán y Eva antes de la caída, pintada en el muro opuesto. Mientras que la obra de Masolino pertenece todavía al gótico , en la de Masaccio está ya presente el Renacimiento . “La expulsión de Adán y Eva del paraíso terrenal, antes y después de la restauración.”

“El tributo” Masaccio representa en un solo espacio tres acontecimientos sucesivos. La escena se divide en tres partes: en el centro del fresco el cobrador, de espaldas, con túnica roja, solicita el pago del impuesto, y Jesús ordena a Pedro, con un gesto que el apóstol repite, lo que ha de hacer; a la izquierda de esta escena (no aparece en la imagen) aparece Pedro, esforzándose en sacar la moneda del pez que acaba de pescar; a la derecha, finalmente, Pedro paga el tributo al cobrador ante un edificio en perspectiva. Se ha relacionado esta escena con los nuevos intereses marítimos de Florencia ,la idea que se sugiere, entonces, es la del mar como fuente de ingresos para la República.

PIETER PAUL RUBENS Pieter Paul Rubens fue el pintor barroco más popular de la escuela flamenca. Su destacado estilo enfatizaba el movimiento, el color y la sensualidad. Trató toda clase de temas pictóricos, religiosos, históricos, de mitología clásica, escenas de caza, retratos, así como ilustraciones para libros y diseños para tapicerías. Se calcula que llegó a pintar unos cuadros gracias, en parte, a los miembros de su taller que, al parecer, trabajaban en cadena. Fueron discípulos suyos, entre otros, Jacob Jordaens , Gaspar de Crayer , Theodor van Thulden , Cornelis de Vos , y Antoon van Dyck, que trabajaron completando varios encargos para la Corte Española en Madrid .Rubens dominaba diversas lenguas y llegó a ejercer como diplomático entre distintas cortes europeas.

OBRAS “Rapto de las hijas de Leucipo”
En esta tela se representa un tema mitológico. Cástor y Pólux raptaron a las hijas de Leucipo . No obstante, no se supo que tal era el tema hasta que lo descifró el poeta Wilhelm Heinse en 1777 después de leer los «Idilios» de Teócrito . Es un cuadro del principio de la carrera de su autor, de transición entre el clasicismo y el barroco . La composición, como en el clasicismo, está calculada y equilibrada. Pero el movimiento, ascendente y en diagonal, construido por masas de color, es ya de un dinamismo típicamente barroco. En los opulentos desnudos se nota la influencia de la escuela veneciana . Los colores son cálidos y deslumbrantes. Rapto de las hijas de Leucipo(1616)

“Unión de tierra y agua”
Tras su aparente contenido mitológico se esconde un verdadero manifiesto de alabanza a la pacificación de Amberes durante la Tregua de los Doce Años. La seductora Ceres, diosa de la tierra, coronada por la Victoria y acompañada por la cornucopia de la fertilidad y el león que la preserva, simboliza la ciudad de Amberes. El escultórico Neptuno, dios de los mares, representa al río Escalda, el pulmón de la economía flamenca. Ambos suscriben un pacto de paz uniendo las manos sobre una jarra, de la que emana el agua de la prosperidad. Si duda, Rubens conocía el lema latino ex pace ubertas, esto es, que la abundancia emana de la paz. Unión de tierra y agua (1618)

“Retrato ecuestre del Duque de Lerma“
. Se trata de una obra dentro de la tradición veneciana, cargada de dinamismo y de seguridad, que constituye una reformulación de la manera barroca del retrato ecuestre clásico, teniendo como referencia los retratos de Carlos V en Mülhberg de Tiziano y el San Martín partiendo la capa con el pobre de El Greco , así como las obras de Pordenone y Tintoretto . El duque avanza hacia el espectador, utilizando una perspectiva de "sotto-in-sù" que hace más imponente la figura del valido, nombrado en aquellas fechas gran capitán de la caballería española. La única diferencia respecto al lienzo definitivo la encontramos en el rostro del modelo, joven y barbado -¿un autorretrato?- así como en las condecoraciones que porta el noble -una cadena de oro con la concha de la Orden de Santiago- y el fondo donde se observa un potente ejército de caballería.

HONORÉ DAUMIER Caricaturista , pintor ,ilustrador , grabador , dibujante y escultor francés. Honoré Daumier nació el año 1808 en la ciudad de Marsella . Inició a su carrera de artista realizando trabajos en xilografía y la ilustración de anuncios publicitarios en los que se nota el influjo de Charlet . En 1832 comenzó a trabajar en Le Charivari , periódico humorístico-político dirigido por Charles Philipon particularmente crítico al gobierno de Luis Felipe I de Orleans , allí tuvo como compañeros a otros señalados caricaturistas: Raffet , Devéria y Grandville . Daumier precisamente por haber realizado una caricatura en la cual ese monarca aparecía retratado como Gargantúa(el glotón personaje de Rabelais), sufrió una prisión de seis meses. En 1835 debido a la instalación de la censura en Francia, Daumier se dedicó a ridiculizar las convenciones y costumbres entonces imperantes. A partir de ese mismo año 1848 se apasionó por la pintura, teniendo entonces un estilo muy influido por Delacroix , Corot , Millet , Rousseau y -en sus últimas obras- por Fragonard y los impresionistas .A medida que fue perdiendo vista, tuvo que dejar la litografía y centrarse en la pintura, que abordaba con una técnica directa y apenas retocada.

OBRAS “Los emigrantes”
Después de la revolución obrera de junio de 1848, el gobierno de Luis Felipe reaccionó con una fuerte represión , con penas de muerte , miles de encarcelamientos y deportaciones a Argelia . Estos acontecimientos inspiraron a Daumier este cuadro . Daumier consigue transmitir desesperación y angustia a través de esta sencilla composición en diagonal, de tonalidades amarillas y marrones. Con gruesas líneas negras traza algunos contornos. Un paisaje de dunas es atravesado por una columna de figuras trazadas de forma esquemática, encorvadas. El claroscuro intensifica el dramatismo de la escena. Data del periodo y se trata de un óleo sobre madera de pequeñas dimensiones: 16,2 cm de alto por 28,7 cm. de ancho. Se conserva en el Petit-Palais de París , Francia.

“El melodrama” En esta obra pretende reflejar la reacción del público horrorizado, tenso, incapaz de distinguir la realidad de la ficción. Por un lado está la escena de la obra teatral, en la que un asesino señala a un muerto a una mujer, vestida de blanco y que se mesa los cabellos. Está fuertemente iluminada por las candilejas, en un intenso claroscuro. Contrasta con la masa compacta que forma el público en el patio de butacas, en las que aparecen algunas siluetas perfiladas y se destacan algunos rostros mediante una luz fantasmagórica . Está datado hacia 1860 y se trata de un óleo sobre lienzo que mide 97,5 cm de alto por 90,4 cm. de ancho. Se conserva en la Nueu Pinakothek de Munich , Alemania.

“La lavandera” Es una de las obras que realizó retratando a las clases humildes parisinas durante el segundo imperio. se desprende la impresión de sufrimiento, del trabajo agotador que desempeñan. También puede apreciarse que la lavandera es fuerte, robusta, lo que reflejaría su consideración como una heroína, un «monumento a la honradez», pues así se veía por parte del socialismo de la época romántica. En este sentido, sus representaciones de las clases humildes es parecida a la de Jean-François Millet .Este cuadro se trata de una exaltación de la mujer, trabajadora y madre a la vez. Se representa como centro del cuadro a una mujer solitaria y trabajadora, que ha terminado su jornada y sube las escaleras, desde las orillas del Sena, dando la mano a un niño. Va cargada con un fardo en el que lleva ropa. Detrás de ella se ven las casas brillando esquemáticamente a la luz vespertina Daumier pinta mediante masas compactas, con fuertes contrastes de claroscuro. La lavandera aparece como una oscura silueta, el fondo está iluminado . Data del año 1863 y se trata de un óleo sobre lienzo con unas dimensiones de 49 cm de alto por 33,5 cm de ancho. Se conserva en el Museo de Orsay de París

GEORGES BRAQUE Georges Braque fue pintor y escultor francés. Con Pablo Picasso y Juan Gris fue uno de los tres creadores básicos del cubismo . Existen dos fases en su cubismo. En una primera época pinta cuadros de superficies superpuestas y planos angulares, componiendo a base de cubos; usaba pocos tonos cromáticos. Después pasó por una fase de "cubismo analítico" ( ), en el que los objetos quedaban descompuestos en facetas hasta el punto de ser irreconocibles. En un tercer momento cultiva el "cubismo sintético", es decir, con unidad compositiva. Impulsa más que Picasso esta tendencia del cubismo sintético. A la vuelta de la Primera Guerra Mundial desarrolló un estilo propio, con forma unida al color. Representa figuras de gran tamaño. Pinta algún paisaje. Y realiza, sobre todo, multitud de bodegones de estructura similar. Después de la Segunda Guerra Mundial pinta cuadros de pájaros y de estudios.

Violín y paleta, 1910. Óleo sobre lienzo
En las pinturas del período analítico Braque sustituyó gradualmente los planos y volúmenes y descompone los objetos para presentarlos al espectador desde diferentes puntos de vista. Esta radical fragmentación de las formas dificulta la identificación de los objetos como sucede con esta obra en la que la paleta se haya en la parte superior de la tela y el violín en la inferior. Violín y paleta (1912)

“Casa de l´ estaque” Este cuadro marca el paso de Braque del fauvismo , al que se había adherido durante unos años, al cubismo. además testimonia la deuda del artista con las descomposiciones y las simplificaciones que se advierten en los paisajes de Cézanne . Las casas se reducen a formas geométricas elementales, mientras que los árboles del primer plano pierden por completo su significado naturalista. Tanto Braque como Picasso, que durante esos años trabajaban en estrecho contacto, afirmaron que su interés no se dirigía a una representación fiel de la realidad, sino a su percepción intelectual, que crea no una simple mezcla visual, sino un vínculo espiritual más complejo. Casa de l´ estaque (1908)

“Bodegón: le jour” Esta obra es moderada en color, prácticamente poco festiva y de alguna manera menos exuberante que la obra cubista de Picasso, aunque Braque se recrea en la originalidad de las formas y las texturas. Cuando pintó este cuadro, ambos artistas se habían separado hacía tiempo y sus diferencias innatas habían quedado claras. Bodegón: le jour (1929)

ESCULTORES

ANDREA DEL VERROCCHIO Andrea del Verrocchio era un italiano escultor , orfebre y pintor que trabajó en la corte de Lorenzo de 'Medici en Florencia . Sus alumnos incluidos Leonardo da Vinci , Perugino Pietro y Lorenzo di Credi , pero también influyó en Miguel Ángel . Trabajó en el estilo clásico de serenidad de la florentina temprano Renacimiento .

OBRAS “Cristo y Santo Tomás”
Cristo y Santo Tomás es una estatua de bronce de Andrea del Verrocchio situado en uno de los 14 nichos del Orsanmichele en Florencia , Italia. El trabajo describe la Biblia cuenta de Tomás el Apóstol , que dudaba de la resurrección de Jesús y tuvo que siente las heridas por sí mismo con el fin de convencer ( Juan 20: El nicho de mármol que rodean fue diseñado por Donatello por su San Luis de Tolosa (1413), pero la estatua fue trasladada a Santa Cruz cuando el lugar fue vendido al Tribunale di Mercancía (del gremio de comerciantes), que encargó la obra Verrochio. La interacción entre los personajes de Cristo y Santo Tomás mostrar el resultado de un fuerte sentido de circulación y el diálogo. Las diferencias entre lo mortal y lo inmortal se destacan con pasivos de Cristo, casi actitud regia y la disposición agitado y nervioso de la incredulidad de Santo Tomás. El realismo creado por el artista es un indicativo de la época del arte en la que se hizo, el Renacimiento . Cristo y Santo Tomás ( )

“El bautismo de Cristo”
El Bautismo de Cristo es una pintura terminada alrededor de 1475 en el estudio del italiano del Renacimiento pintor Andrea del Verrocchio y, en general atribuida a él y su discípulo Leonardo da Vinci .. La imagen representa el bautismo de Jesús por Juan el Bautista, según consta en los Evangelios Bíblicos de Mateo , Marcos y Lucas . El ángel de la izquierda es recordado por haber sido pintado por el joven Leonardo, un hecho que ha suscitado tantos comentarios especiales y la mitología, que la importancia y el valor de la imagen en su conjunto y dentro de los oevre de Verrocchio es a menudo pasado por alto Se encuentra en la Galería de los Uffizi en Florencia.

“Tobías y el Ángel” Tobías y el Ángel es una pintura de altar, terminada alrededor de , atribuido al taller de la Italia del Renacimiento pintor Andrea del Verrocchio. Se encuentra en la National Gallery de Londres. Esta pintura es similar a una pintura que representa a principios de Tobías y el Ángel , por Antonio Pollaiolo.

ANTONIO CÁNOVAS Nació en Possagno, Italia. Escultor precoz considerado como el más importante del período Neoclásico. Sus obras más conocidas representan personajes mitológicos y religiosos, sin embargo su calidad artística, le permitió abordar todo tipo de temas. Aun niño (11 años), va a vivir a Venecia y a los 24 a Roma. Para ese entonces Canova ya deslumbraba con sus obras talladas en marmol, tanto así, que aun a su corta edad fue contratado para esculpir la tumba del papa Clemente XIV. En adelante, Cánovas fue requerido en toda Europa y trabajó para un sin número de notables de la época como Napoleón y la emperatriz Catalina de Rusia. El prestigio de Cánovas era inmenso. Ingleses y franceses lo recibieron con honores cuando visitó Londres y París. Al observar sus esculturas es fácil concluir que han sido creadas por un superdotado de las artes. Su estilo y técnica incomparables lo sitúan entre los más grandes maestros de la escultura clásica italiana Nació en Posagnno 1 noviembre de 1757 – y murió en Venecia , 13 de octubre de 1822 )

“Monumento fúnebre de María Cristina de Austria”
La obra escultórica se muestra como una gran pirámide blanca abierta en el centro por una oscura abertura, hacia la cual se dirige una triste procesión. Presenta la rigidez que caracteriza la nueva dirección artística de la escultura funeraria, dejando el movimiento en esta tradición del barroco realizado por Gian Lorenzo Bernini. La pirámide de mármol, tiene sobre la entrada marcada por dos jamba en pendiente y un dintel con la inscripción uxorio optimae Albertus («Alberto a su excelente esposa») y presenta en la parte superior un medallón en relieve con el retrato de María Cristina, con el apoyo de la personificación «La felicidad», acompañados de un angelote en la izquierda: este elemento es el sustituto neoclásico de la estatua visible del difunto en los monumentos barroco. La procesión sale de la parte izquierda por una escalera, todos los personajes están marcados por una expresión triste y la cabeza hacia abajo: la personificación de la «Virtud» sostiene la urna de las cenizas tras dos niñas, la «Caridad» acompaña bajo su brazo a un anciano ciego, que se sostiene con un palo. La procesión es seguida por toda la estela de una alfombra drapeada, que acompaña hasta la oscuridad del vacío interno, símbolo del mundo de los muertos, para subrayar la continuidad entre la vida y la muerte. El monumento funerario de María Cristina de Austria es una obra de escultura del neoclasicismo, que se mantiene en el interior del Augustinerkirche de Viena .

“Psique reanimada por el beso del amor”
La escultura fue elaborada, en 1787 pero no fue terminada hasta 1793, por el considerado mejor escultor neoclásico, Antonio Cánovas (Possagno, Italia , 1 de noviembre de Venecia, 13 de octubre de 1822), por encargo del coronel inglés John Campbell (Lord Lawdor), en 1787 aunque acabó siendo adquirida por el marchante y coleccionista holandés Henry Hoppe en 1800 y después acabó en manos del rey de Nápoles y cuñado de Napoleón, Joaquín Murat , que la adquirió para mostrarla en su castillo. Es una de las seis versiones de la leyenda de Cupido y Psique, inmortalizada por Apuleyo en su Metamorfosis, (El Asno de Oro) que creó Antonio Cánovas. Actualmente la pieza se exhibe en el Museo del Louvre de París, Francia. Psique reanimada por el beso del amor, también llamada El amor de Psique o El beso, es una escultura de mármol de estilo neoclásico que representa a Cupido y Psique.

“Hércules y Licas” El grupo escultórico sigue una precisión geométrica absoluta. El héroe aparece en un momento de máxima tensión muscular, justo en el acto de levantar por el pie al infortunado muchacho, que en vano se resiste, aferrándose al altar que se encuentra detrás de Hércules y a la piel del león abandonada a sus pies. Licas está fuertemente izado y suspendido en el aire un momento antes de ser arrojado a las olas del mar. El grupo, muestra el arco de torsión de los dos cuerpos desnudos, emitiendo una energía intensa, que hace patente el clímax desesperado en la cara del niño y el enojado Hércules, enmarcado por espesa barba rizada, el héroe aparecería completamente desnudo si no fuera por el tenue velo que Canova utilizó para cubrir la masa de los músculos. Hércules y Licas es un grupo escultórico de mármol que ejecutó entre 1795 y 1815 y se encuentra en la Galeria Nacional de Arte Moderno de Roma

CONSTANTIN BRANCUSI Constantin Brâncuşi fue el más famoso escultor rumano , nacido en Hobiţa en 1876 y fallecido en París en 1957 Brancusi estudió en Craiova (Rumania) desde 1894 a Luego continuó sus estudios en la Escuela Nacional militar de Bellas Artes en Bucarest desde 1894 hasta Llegó a Paris en 1904 para perfeccionar sus estudios. Como estudiante de arte fue influido por Auguste Rodin y fue uno de los primeros artistas del arte moderno . Entabló amistad con Amedeo Modigliani , Erik Satie y Marcel Duchamp . Brancusi es el más grande de los innovadores del lenguaje escultórico. En sus obras hasta 1910 se acerca al Cubismo. Pero poco a poco va uniendo formas cubistas con enfoques expresionistas, creando obras como el Beso, donde insufla un aliento espiritual, un ritmo dinámico, vertical .Su obra evolucionó hacia una eliminación de los detalles que le condujo casi a la abstracción. Realizó una serie de esculturas en metal llamadas "Pájaro en el inframundo". Brâncuşi, Roché & Satie . Golf playa , Fontainebleau (1923).

“Maiastra” Es una pieza muy sencilla formada por tres partes: un soporte con figuras, que son cariátides; sobre ellas, un bloque o un plinto y finalmente la figura del pájaro. Brancusi juega aquí con el contraste: frente a las figuras inferiores que son toscas y primitivas en su diseño y acabado, el pájaro es compacto, pulido y dinámico, y prescinde de los detalles para mostrar el juego de volúmenes que se desarrollan verticalmente. El elemento central, casi cúbico, actúa como intermedio entre las figuras inferiores y el ave. Maiastra irá estilizándose hasta convertirse en El Pájaro, pieza de la que Brancusi hará numerosas interpretaciones. Por ejemplo, en Pájaro en el espacio investigará la esencia del vuelo. Maiastra ( )

“La columna del infinito”
La columna fue concebida como un tributo a los jóvenes rumanos fallecidos en la Primera Guerra Mundial y es una estilización de los pilares funerarios usados en el sur de Rumanía. Mide 29,33 metros. Forma parte del Conjunto Escultural Constantin Brâncuşi de Târgu-Jiu, dispuesto en línea recta a lo largo de 1275 m, al que también pertenecen las obras Mesa del Silencio (Masa tăcerii) y Puerta del Beso (Poarta sărutului). En la década de 1950, el gobierno comunista rumano consideró el arte de Brâncuşi un ejemplo de escultura burguesa y planeó su demolición, pero el plan nunca fue ejecutado. Fue restaurada entre los años 1998 y Esta obra fue creada por el escultor rumano Brâncuşi e inaugurada Târgu-Jiu (Rumanía) el 27 de octubre de

“La puerta del beso” La puerta del beso es una escultura de travertino que forma parte del tríptico del Ansamblul Monumental Târgu Jiu .Se encuentra en el callejón de la entrada del parque de la ciudad de Târgu Jiu , está hecha de piedra porosa, extraída de las minas que se encuentran por los alrededores. La escultura está formada por columnas anchas, paralelas, que apoyan una especie de techo de unas dimensiones mayores que las de las columnas, teniendo este la anchura de 6.45m, la altura de 5.13 y el grosor de 1.69m. En las caras de cada una de las columnas se encuentra el símbolo del beso, dos mitades pertenecientes a un círculo muy característico de la obra de Brâncuşi. El techo tiene incrustado otro símbolo, como una especie de filigrana .. Además, en la filigrana misma hay incrustaciones que confieren una especie de techo a la puerta, como si estuviera cubierta de tejas. La bóveda de la puerta tiene una delicada ornamenta lineal: tiene una continuidad con pequeños arcos y, más arriba encontramos la continuación de unos óvalos idénticos, como si fueran el contorno de la cara y de los hombros. La puerta del beso parece un arco del triunfo, simbolizando el triunfo de la vida por encima de la muerte. Esta escultura fue esculpida en la primera mitad del año 1938, y fue finalizada el 20 de septiembre.

GIAN LORENZO BERNINI Nació en Nápoles, el 7 de diciembre del1598.
Fue un escultor, arquitecto y pintor italiano, uno de los artistas más destacados del Barroco. Dominó todas las artes pero sobre todo la escultura. Las obras de Bernini revelaron ya desde un principio su enorme talento. En su primera fase estilística, Bernini demuestra un interés y un respeto absoluto por la escultura helenística, en obras que imitaban a la perfección el estilo antiguo. Son de este período el Ángel con el dragón y el Fauno che scherza con gliAmorini. En cambio, obras creadas en solitario por Gian Lorenzo son La Cabra Amaltea en 1615, y los dos retratos en busto de Santoni y de Giovani Vigevano para sendas iglesias. Entre 1621 y 1625 Bernini realizaría cuatro obras que lo consagrarían como un maestro de la escultura y le darían fama. Se trata de los cuatro Grupos Borghesianos, cuatro grupos escultóricos basados en temas mitológicos y bíblicos encargados por el cardenal Borghese. Falleció en Roma el 28 de noviembre de 1680.

OBRAS “Fuente del tritone”
En la fuente , que Bernini ejecutó en travertino en 1642–43, el dios marino Tritón aparece lanzando un chorro de agua a través de una caracola, sentado sobre una enorme concha sostenida por cuatro delfines que entrelazan la tiara papal con llaves cruzadas y las abejas heráldicas de los Barberini en sus colas escamosas. El Tritón, la primera de las fuentes de Bernini, se erigió para proporcionar agua del acueducto de Acqua Felice, que Urbano había restaurado, en una celebración dramática. Fue el último gran encargo de su gran mecenas. La Fuente del Tritón se erige en el Quirinal (Roma, Italia), cerca de la Fontana de Trevi.

“Capilla Cornaro” La capilla Cornaro es una obra total de Gian Lorenzo Bernini muy característica del arte barroco para conseguir la integración de todas las artes juntas. La capilla pertenece de la familia de Caterina Cornaro y se encuentra en la iglesia de Santa Maria de la Victoria , Roma. Es un altar que en su fornicula se encuentra el grupo escultorio: Éxtasis de Santa Teresa en composición diagonal. A los laterales se abren unos palcos donde están la familia Cornaro presenciando el acto. Como elementos arquitectónicos, destacan las columnas , entaulamientos y frontones que forman el espacio de la capilla. Y por último, hay mucho colorido en los elementos anteriores. También juega un especial papel la luz procedente de la parte superior. La finalidad de esta obra es incentivar a los fieles la piedad frente a ese hecho.

“Sepulcro de Urbano VII”
En esta escultura no se sigue el modelo habitual de sepulcro papal, consistente en un arco triunfal en cuya parte central se sitúa la figura arrodillada del pontífice. La composición es piramidal, dentro de la cual el único motivo de carácter funerario es el sarcófago. Esta obra se halla inspirada en el Sepulcro de Paulo III Farnesio ( ), realizado por Guglielmo della Porta entre 1549 y Este grupo se estructura en una composición piramidal acompañada de alegorías, utilizándose en ella diversos materiales de diferentes colores. Sin embargo aquí no aparece el sarcófago, motivo éste que se halla tomado del Sepulcro de Julio Medici de Miguel Ángel. Bernini sigue estos modelos, utilizando en la realización del sepulcro mármol blanco y de colores, jaspes, bronce y bronce sobredorado... No obstante la figura del pontífice la realiza en bronce, del mismo modo que el sepulcro en pórfido oscuro, colores estos de luto y duelo. ( )

VASCO DE LA ZARZA Vasco de la Zarza fue un escultor renacentista español. Su actividad está documentada entre 1508y 1524, y trabajó sobre todo para la Catedral de Ávila y conventos de la misma ciudad, aunque realizó también obras en Toledo , Ampudia(Palencia) y Olmedo. Es mencionado por primera vez en 1499, cuando se le encarga la talla del sagrario del retablo mayor de la catedral de Ávila, que cobra en Su obra presenta influencias de Domenico Fancelli. Se cree que pudo haber realizado un viaje a Italia en su juventud, lo que le habría posibilitado entrar en contacto con el arte renacentista italiano.

“Estatua sedente de Gutierre de la Cueva”
EL sepulcro Gutierre de la Cueva, obispo de Palencia y conde de Pernía en la iglesia del monasterio de San Francisco de Cuéllar (Segovia). Fueron realizados en alabastro, ya estaban concluídos en 1524 y están considerados como una de las mejores obras del autor.[1] La mayor parte del conjunto se conserva en la actualidad en la Hispanic Society of America(Nueva York), quien presume de poseer uno de los ejemplos más bellos de la escultura renacentista española que se conservan en Estados Unidos. Esculpido por Vasco de la Zarza en el siglo XVI para el monasterio de San Francisco (Cuéllar, Segovia), actualmente en la Hispanic Society of América (Nueva York). Estatua sedente de Gutierre de la Cueva

“Sepulcro de Alonso Fernández de Madrigal”
Está realizado este suntuoso sepulcro en alabastro y su conjunto montado a manera de retablo en el centro del trasaltar mayor de la catedral de Ávila, y en cuyos elementos decorativos se advierte el influjo del arte lombardo, donde se cree que se formó el autor. Tiene un banco con hornacinas avenaradas con figuras de las virtudes y sobre él, entre columnas agrutescadas , la imagen del obispo se encuentra sentado en su cátedra y en actitud de escribir sobre un atril y vestido con una rica capa pluvial y mitra . Como fondo existe en forma circular un relieve con las figuras de la Epifanía, aún con estilo que recuerda el anterior gótico. Sobre este relieve a manera de friso se muestra la cabalgata de los Reyes Magos y por último en el ático, un relieve mayor representa la Natividad. Las calles de ambos lados, entre columnillas, son dos por lado semejantes en su decoración: heráldica y tenantes en el banco; los evangelistas coinciden a la altura del obispo y sobre ellos hay unos medallones o tondos, en el arco intermedio, con representación de santos varones. Los fustes de las columnas y el friso están ornados con ricos grutescos y finalmente, como en el panel central se encuentra un ático sobre el entablamento con escenas de la vida de Cristo. El sepulcro de Alonso Fernández de Madrigal es una obra escultórica del primer renacimiento castellano, efectuada entre los años 1520 y 1524 y se encuentra en la parte trasera del altar mayor de la catedral de Ávila.

“El Tostado , Catedral de Ávila”
El tratamiento clásico de sus figuras se pierda al insertarse entre abundantes motivos decorativos alejados de la sencillez y claridad postuladas por el clasicismo como se pone de manifiesto en el Monumento al Tostado de la catedral de Ávila , la figura sedente del protagonista, plena de resonancias clásicas, se confunde en un conjunto de escenas, pequeñas esculturas y motivos decorativos, más prolijos todavía en el Sagrario de la misma catedral. El acercamiento, por tanto, del estilo de Vasco de la Zarza hacia formas próximas al clasicismo se establece desde un punto de vista puramente formal sin comprender adecuadamente la relación entre espacio y figuración establecida por artistas más clasicistas como Ordóñez. Obra realizada en alabastro por el escultor Vasco de la Zarza

Donatello Nació en Florencia (Italia), en el1386.
Fue el escultor más importante y de mayor influencia en el Renacimiento Temprano. Donatello sentó bases claras respecto a la escultura renacentista y fue el estilo a seguir de todos los escultores posteriores a él. De raíz clásica romana, dejó un legado magnífico puesto que sus obras fueron realizadas utilizando una vasta gama de materiales y técnicas, las que dominó a la perfección. Prolífico como el solo. Donatello dejó un legado de, piezas de estilo original, que hasta su aparición nadie había creado. Esculpe, talla y graba utilizando mármol, metal, madera, terracota y piedras nobles. Falleció en Florencia, el 13 de diciembre de 1466.

“San Marcos” San Marcos está retratado como un antiguo filósofo con la cabeza con barba y vestido con una túnica anudada a la cintura. El rostro está esculpido con una expresión de seriedad digna y de integridad espiritual, que recuerda la del San Juan Evangelista de unos pocos años atrás. La pierna izquierda de San Marcos, tiene una suave inclinación, en una forma ponderada, pero no quita que la actitud sea recta y solemne. El pequeño giro del cuerpo hace sobresalir ligeramente la figura de la hornacina, evitando la rigidez de una posición estrictamente frontal. La mirada del santo parece perderse en el horizonte. Con la mano izquierda, sujeta un libro abierto, que es el atributo clásico de los evangelistas

“San Jorge” El San Jorge del año 1417, con el tabernáculo obra también de Donatello, fue un encargo del Gremio de fabricantes de armaduras; el resultado venía condicionado porque, evidentemente, el gremio quería una obra donde tuviesen protagonismo las armas y armaduras. La figura, ligeramente en rotación alrededor del eje central, se basa en la superposición de tres líneas ovales: la cara con las cejas, el pecho y el escudo. El trazo de la cabeza, en la dirección opuesta a la del torso, es un recurso del artista para dinamizar la obra. El bajo relieve en piedra de la base, probablemente añadido dos años más tarde, fue tallado con la técnica de stiacciato; es uno de los primeros ejemplos de una perspectiva central de punto de fuga, con carácter horizontal y que converge en el grupo central, con la representación de San Jorge salva a la princesa, sacado de La leyenda dorada de Jacobus de Voragine. Las líneas de la capa, la armadura del santo y las alas abiertas del dragón, que captan la atención de la mirada del espectador, están en la línea del estilo gótico tardío. Pero la nueva concepción del espacio, que parece extenderse más allá del marco del bajo relieve, son también punto de referencia. Como lo es la innovadora función de la luz que sobresale del punto focal de la acción.

“San Juan Evangelista”
Donatello, en esta escultura demostró un manierismo gótico tardío, y no sólo con las referencias a la composición de estatuas antiguas, también en la búsqueda de la expresión de una verdadera humanidad y verdad. El santo está representado sentado, con el atributo típico del libro mantenido de pie, sobre una pierna, con la mano izquierda. Las vestiduras crean fuertes efectos de claroscuro, con grandes pliegues, especialmente en la parte inferior, que aumentan el sentido de los volúmenes de las extremidades. Los hombros son curvos con los brazos inertes y abandonados, se simplifica el busto geométricamente por medio de una línea semicircular. Fuerte énfasis le dio a las poderosas manos, talladas con la base de un estudio cuidadoso del natural. La cabeza, con barba y con un espeso pelo rizado, girada hacia la derecha tiene una mirada fija e intensa, creando una sensación de energía, que mantiene en sus mejores obras Donatello, como la del San Marcos y San Jorge, talladas en esos años. Las cejas son gruesas y ligeramente juntas en expresión concentrada, gran relieve tienen también, las profundas arrugas horizontales en la frente y la boca apretada, tal vez inspirado en una cabeza del Júpiter Capitolino. San Juan Evangelista es una escultura de mármol de Donatello esculpida para la antigua fachada del Duomo de Florencia y en la actualidad se conserva en el Museo dell'Opera del Duomo.

Miguel Angel Buonarotti
Miguel Ángel Buonarotti conocido en español como Miguel Ángel, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista , considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas , la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos . Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte de Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina ; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos. Todas sus obras son en mármol de carraca.

“Virgen de la escalera”
La Virgen de la escalera es una escultura en relive de mármol del escultor Miguel Ángel , datada hacia 1491 y que se guarda en la Casa Buonarroti de Florencia . La obra incabada tiene unas medidas de 55,5 x 40 cm. Es una de las primeras esculturas realizadas por Miguel Ángel . La Virgen se encuentra representada sentada, encima de un cubo de piedra, el Niño se encuentra de espaldas sentado sobre suyo y mamando. Una escalera puesta en la parte izquierda, se cree, que hace referencia a un libro publicado en 1477: Libro de la escalera del Paraíso, con la metáfora atribuida a San Agustín por la que la Virgen se convierte en escalera para la bajada de Jesus a la tierra y a la vez por la que pueden subir los moratles, al cielo. También se cree que los cinco escalones representan las cinco letras del nombre de María y, siguiendo con los símbolos, la piedra cuadrada donde está sentada podría referirse a San Pedro , la roca sobre la que la iglesia fue fundada. Regalada al Duque Cosimo en 1566, fue devuelta a la familia Buonarroti en 1617, permaneciendo desde entonces en la Casa Buonarroti. “La virgen de la escalera” ,( 1491)

“David de Miguel Angel”
El David es una de las obras maestras del Renacimiento y una de las esculturas más famosas del mundo. Actualmente se encuentra expuesta en la Galería de la Academia de Florencia , aunque hasta 1910 estuvo ubicada en la Plaza de la Señoría de la capital toscana ; desde entonces en su lugar se erige una copia de la obra a tamaño real realizada también en mármol. El David de Miguel Ángel contrasta con las representaciones previas de Donatello y Verrocchio en las que David aparece con el cuerpo de Goliat asesinado. En la versión de Miguel Ángel, Goliat no aparece, por lo que se interpreta que aún no ha sido vencido. El cuerpo de David es el de un hombre musculoso, no el del muchacho de las obras de Donatello y Verrocchio. En lugar de aparecer victorioso como en las dos versiones antes mencionadas, David aparece en tensión y preparado para el combate. Su cuerpo se encuentra girado con un ligero contrapposto: la pierna izquierda se adelanta a la derecha, el brazo izquierdo se eleva y se curva hasta que la mano casi toca el hombro, mientras que el brazo derecho se deja caer hasta que la mano toca el muslo, el torso se curva sutilmente, la cabeza mira hacia su izquierda, manteniendo los ojos fijos en su objetivo, con el ceño fruncido. El rostro evidencia esta tensión contenida, además, con una mueca de odio y las aletas de la nariz bastante abiertas. El movimiento es contenido, centrípeto con líneas de fuerza que vuelven al bloque. La mirada ha sido interpretada en el sentido de que la escultura muestra el momento en el que David ha tomado la decisión de atacar pero aún no ha comenzado el combate.

“Cruzifijo de Montserrat”
El Crucifijo de Montserrat es una escultura de marfil recientemente atribuida al artista renacentista Miguel Ángel . Se encuentra en el monasterio de Montserrat . Según el historiador Manuel Mundó i Marcet se trata de una imagen de Cristo durante la agonía, con la cabeza inclinada hacia la derecha, la boca abierta y los ojos casi cerrados, está coronado con espinas, el cuerpo es de un hombre joven, con los brazos abiertos, desnudo, protegido con un paño doblado con pliegues irregulares que lo aguanta un cordón doble enlazado. Presenta una buena anatomía muy realista mostrando la herida en la parte derecha de las costillas. Tiene una medida de 58.5 cm de altura.. Desde el año 1959 se encuentra colgado de una gran corona de plata sobre el altar mayor de la basílica de Montserrat,(Barcelona) “Cruzifijo de Montserrat”( )

ALONSO BERRUGUETE Alonso Berruguete es un escultor castellano del Manierismo .Nació en Paredes de Nava en Palencia en Aprendió pintura y escultura en el taller familiar; sus obras de entonces evidencian el contacto con los escultores activos en Castilla, fundamentalmente en Burgos , Ávila , Valladolid y Palencia . Los largos años de estancia en Italia le permitieron conocer profundamente a los maestros del Quattrocento y los modelos de la escultura grecolatina clásica; en su obra hay una admiración profunda por la obra de Donatello , quien le inspira algunos tipos, y, desde luego, Miguel Ángel , por sus volúmenes rotundos y la atormentada terribilitá de su obra final. De Leonardo da Vinci aprendió a individualizar los rostros, pese a lo cual todas las influencias confluyeron en un estilo muy personal y un temperamento fuertemente expresivo, que se refleja en sus figuras de un contorno llameante y anguloso que revive la estética del Gótico.

“Sacrificio de Isaac” Procedente del retablo de San Benito, este grupo constituye un singular exponente de la formulación de los conceptos manieristas aplicados a la escultura con fines devocionales. La gran expresividad de las figuras, sus formas y proporciones estilizadas, y los mecanismos emocionales enfatizados por el uso de la policromía, caracterizan la producción de Alonso de Berruguete donde se combinan, de forma dramática, las más refinadas licencias de manierismo con unas actitudes patéticas, consonantes con los valores más expresivos de la tradición goticista. El San Cristóbal es su compañero. “Sacrificio de Isaac” (1526)

“San Sebastián” Fue esta concepción singular de la imagen en Berruguete la que llevó al escultor a acentuar deliberadamente ciertas deformaciones que, en obras como el San Sebastián del Museo de Valladolid, suponen un intento de sustituir el canon de Vigarny por otro más estilizado y alargado, dando pruebas de su interés por el tema de las proporciones, aunque éste fuera asumido con una intención antinormativa, típicamente manierista.

“San Cristóbal” Grupo escultórico en madera policromada realizado por Alonso Berruguete en 1526 destinado al retablo de San Benito en 1526 que se conserva en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid. El Sacrificio de Isaac es su compañero.

AUGUSTE RODÍN Nació en París, el 12 de noviembre de 1840.
Fue un escultor francés contemporáneo a la corriente Impresionista. Enmarcado en el academicismo más absoluto de la escuela escultórica neoclásica, es el escultor encargado no sólo de poner fin a más de dos siglos en busca de la mimesis en las artes tridimensionales, sino de dar además un nuevo rumbo a la ya obsoleta concepción del monumento y la escultura pública. Es por esto que Rodin ha sido denominado en la historia del arte: «el primer moderno». Falleció en Meudon, el 17 de noviembre de 1917.

Es una de las más famosas esculturas en bronce de Auguste Rodín.
“El pensador” Es una de las más famosas esculturas en bronce de Auguste Rodín. La pieza, denominada originalmente El poeta, formaba parte de una comisión del Museo de Artes Decorativas de París para crear un monumental portal basado en La Divina Comedia de Dante El pensador, en su origen, buscaba representar a Dante frente a Las Puertas del Infierno , ponderando su gran poema. La escultura es un desnudo, ya que Rodin deseaba una figura heroica al estilo de Miguel Ángel para representar tanto el pensar como la poesía. Existen más de veinte versiones de la escultura en diferentes museos alrededor del mundo. Algunas son versiones ampliadas del original; otras, de diferentes proporciones. El Pensador está fundido en bronce y fue terminado en 1880.

“Las puertas del infierno”
Las puertas del infierno es un monumental grupo escultórico creado por el artista francés Auguste Rodin. Mide 6,35 m de alto, 4 de ancho y 1 de profundidad. Contiene 180 figuras cuyas dimensiones fluctúan entre los 15 cm y más de un 1 m. Fueron encargadas en 1880 por Edmond Turquet a Rodin en nombre del estado, etiquetado como «impresionista», para el futuro Museo de Artes Decorativas de París a fin de desagraviarlo tras su mala acogida inicial, pero el proyecto quedó cancelado y permaneció en el taller del escultor que le fue haciendo añadidos hasta su muerte en Actualmente se encuentran en el Museo Rodin de París, pero no están completas : al escritor Octave Mirbeau , amigo de Rodin, debemos la única descripción del estado inicial, en El material es bronce, aunque no se fundió hasta después de la muerte del artista.

“El beso” El beso: también representada en Las Puertas del Infierno. Es importante el movimiento de las obras de Rodin, los diferentes ángulos y puntos de vista que nos ofrecen nuevos detalles, más información sobre la obra (por un lado parece que se besan, por el otro no). Uno de los métodos de Rodin era llevar modelos desnudos a su taller y hacerles girar y moverse para encontrar la postura ideal que le inspirase. También serán importantes las obras inacabadas, la sensación de dinamismo, de que todo es cambiante, de que la obra no es igual según el lugar desde donde sea apreciada, el ritmo de la composición (formada con las posturas, los brazos, cómo éstos se entrelazan, etc.).

Damián Forment Damián Forment fue un escultor español, considerado el más productivo de la Corona de Aragón y uno de los primeros introductores del Renacimiento en España . Se trasladó a Zaragoza en 1509 para realizar su primer gran encargo en la Basílica del Pilar (Zaragoza), en el retablo del altar mayor que los comitentes le impusieron que tomara como modelo el retablo gótico de la Seo y con temario mariano. Construyó otros dos retablos para la ciudad de Zaragoza, el de la iglesia de San Pablo y el de San Miguel de los Navarros . El segundo encargo catedralicio se lo hicieron entre 1520 y 1534 para la catedral de Huesca muy parecido al de la Basílica del Pilar, con tres escenas principales el Camino del Calvario, la Crucifixión y el Descendimiento. Montó un taller de gran importancia en Zaragoza, con numerosos discípulos y aprendices; en este obrador se realizaron más de veinticinco retablos. Uno de sus mecenas más importantes fue el obispo de Lérida , Jaime Conchillos ,de origen aragonés que le hizo varios encargos de retablos para la ciudad de Zaragoza, entre ellos el de su capilla funeraria en la antigua Capilla de Nuestra Señora del Pilar y además otros en la población natal del obispo: Tarazona . Llegó a tener en marcha a la vez que el taller de Zaragoza, otro dos, uno en Huesca y otro en Tarragona. obra más importante y polémica es el retablo para el monasterio de Poblet (Tarragona), que le encargó el abad Caixal, en alabastro blanco. Murió cuando estaba trabajando en el retablo de la catedral de Santo Domingo de la Calzada contratado en 1537 y realizado en madera. Forment dejó numerosos discípulos y seguidores como Juan de Salas y Gregorio Pardo hijo de Felipe Vigarny.

OBRAS “Nuestra señora del coro”
Se trata de un busto de la Virgen de medio cuerpo con el Niño recostado sobre dos cojines, quien toma con su mano el dedo índice de su madre. En la descripción del padre Faci se dice que María ofrecía al Niño unas flores, y ya se aludía a la mella de la barbilla, que debió ser repuesta posteriormente. La estatua conserva resos de pan de oro original del cabello de la Virgen, aunque en el resto de la imagen se ha constatado que se repolicromó en el siglo XVIII, momento en el que se pintarían de rojo labios y ojos y se añadirían unas florecillas en las vestiduras de la Virgen. Destaca este bulto redondo por la calidad de la textura conseguida en el alabastro, escogido entre los mejores bloques de las canteras del Ebro en Aragón. Estos eran de no muy gran tamaño, lo que explica la finura y las proporciones de la imagen (36 x 40 x 14 cm). La composición se inspira en el Renacimiento escultórico italiano, que tiene paralelos en la Virgen con el Niño de Benedetto da Maiano (Siena, Colección Monte dei Paschi). Nuestra Señora del Coro (c.1515) es una escultura en alabastro policromado y dorado que procede del Convento de Carmelitas Descalzas de Santa Teresa, conocido como “las facetas”, de Zaragoza , (Aragón España)

“Adoración de los pastores”
Destaca la delicadeza del modelado, los dinámicos gestos y líneas compositivas armoniosas típicas del estilo de madurez de Damián Forment. La obra estuvo ejecutada con gran riqueza de medios humanos y materiales, lo que se aprecia en la maestría del policromado y el dorado, que no oculta la ejecución técnica del escultor que le permite conseguir un trabajo excepcional en las texturas adoptadas por el alabastro, que aparece en algunas zonas pulido con apariencia maleable, y en los plegados y cabellos mantiene el fino relieve requerido. Fue expuesta en 2009 y 2010 en la exposición itinerante «El esplendor del Renacimiento en Aragón» en el Museo de Bellas Artes de Bilbao , el Museo de Bellas Artes de Valencia y el Museo de Zaragoza Adoración de los pastores es un relieve escultórico en alabastro policromado y dorado, de 38 x 47 cm, realizado en la década de Este altorrelieve formó parte de un retablo y procede de la iglesia parroquial de Santiago Apóstol de Sobradiel (Zaragoza).

“Piedad” La escena de la Piedad se encontraba en el encasamiento del centro de la predela del retablo y estuvo muy condicionada por el exiguo espacio en el que tenía que desarrollar esta composición, que resolvió con gran destreza. Para compensar el lado derecho, situó a la izquierda del espectador un angelito que sostiene el sudario de Cristo y lo extiende hacia él, de modo que las líneas de los plegados se oponen a la gran diagonal que forman los cuerpos del Redentor y su madre. Los gestos son dinámicos, lo que se observa en el opuesto ladeado de las cabezas de María y su el Hijo exánime, cuya anatomía realista muestra las señales de su pasión en las marcas azules de la flagelación y la sangre de sus llagas, así como un cromatismo más apagado en su carnadura al óleo. La pieza fue expuesta en 2009 y 2010 en la exposición itinerante «El esplendor del Renacimiento en Aragón» en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Museo de Bellas Artes de Valencia y el Museo de Zaragoza Piedad, de entre 1522 y es un relieve escultórico en alabastro policromado y dorado , procedente del retablo de Santa Ana, San Jerónimo y San Martín de la capilla de la Catedral de Huesca que perteneció al canónigo Martín del Santángel.

FOTÓGRAFOS

ANSEL ADAMS Ansel Adams fotógrafo estadounidense, nacido en San Francisco, desarrollador del sistema de zonas. Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional Yosemite en Estados Unidos(entre otros paisajes) y como autor de numerosos libros sobre fotografía como su trilogía de manuales de instrucción técnica (La Cámara, El Negativo y La Copia). Fundó la asociación fotográfica Grupo f/64 junto con otros maestros como Edward Weston , Willard Van Dyke , Imogen Cunningham y otros. En 1930 , Ansel Adams conoció al fotógrafo Paul Strand . Sus imágenes tuvieron un gran impacto en Adams, ayudándolo a alejarse del estilo pictorialista a encaminarse hacia el estilo de “straight photography”, donde la claridad de la lente es lo más importante, y donde la fotografía ha de sufrir el menor número de ajustes y retoques posible. En 1927 Ansel Adams conoció a Edward Weston, con quien entabló una gran amistad. Juntos, Adams, Strand, Cunningham y Weston formaron un grupo llamado "f/64" en Éste grupo promovió y evolucionó “straight photography”. Adams fue destacando cada vez más por su energía y entusiasmo. Visitó por primera vez Nueva York en 1933 y conoció a Alfred Stieglitz, un fotógrafo al que siempre había admirado. Stieglitz le ayudó a hacer su primera exposición.

FOTOGRAFIAS MAS IMPORTANTES
Rose and Driftwood, 1932 Aspens, New Mexico, 1958 Clearing Winter Storm, 1940

EDWARD WESTON Edward Weston fue un fotógrafo estadounidense que se caracterizó por utilizar una cámara fotográfica de placas con un formato de 18 X 24 cm y emplear el primer plano en temas naturales para obtener formas poco corrientes.Fue uno de los fotógrafos más importantes de la fotografía directa y cofundador del Grupo f/64 . Desde temprana edad, destacó por su trabajo artístico en fotografía en blanco y negro, aunque en su comienzos se encuadraba en el pictorialismo. En 1911 abrió un estudio de retratos en Glendale y en 1914 fue miembro fundador de Los Angeles Camera Pictorialist sin embargo en los años veinte evolucionó hacia una fotografía más abstracta. En 1921 conoció a Tina Modotti que se convirtió en su amante y por ello entre 1923 y 1925 mantuvo un estudio en México y se relacionó con los movimientos artísticos del momento. La influencia de su amigo el pintor Diego Rivera supuso un cambio completo en su estilo Margrethe Mather y Edward Weston

FOTOGRAFIAS MAS IMPORTANTES
Composición de rocas y conchas , 1931 Victoria Martín , 1926 Desnudo , 1927

BILL BRANDT Nació en Hamburgo en Comenzó muy pronto a estudiar dibujo con el arquitecto checo K. E. Ort, aunque gran parte de su educación se desarrolla en Viena . Durante su infancia se estuvo desarrollando la primera guerra mundial , por lo que al finalizar ésta adoptó la nacionalidad británica ya que existía desigualdad de oportunidades si se disponía de nacionalidad alemana. Poco después contrajo la tuberculosis por lo que estuvo varios años en cura en un sanatorio de Davos en Suiza. En esta ciudad existía gran ambiente artístico y literario. Al curarse se traslada a Austria con un hermano que le anima a hacer fotografías y le presenta a Ezra Pound que en 1928 fue su primer modelo. Éste quedó impresionado por el talento de Brandt y se lo presentó a Man Ray que le dio un puesto de ayudante en el que estuvo durante tres meses. Al comenzar su trabajo como ayudante del fotógrafo en París quedó muy impresionado por el movimiento surrealista . Tras realizar un viaje con su esposa Eva se instaló en 1931 en Londres , allí comenzó a realizar un trabajo documental sobre las diferencias sociales en la sociedad británica y los contrastes que producían; así como los problemas del paro en la minería. En estas fotos se nota la influencia de Man Ray, André Kertész , Eugène Atget y en las fotos nocturnas de Londres de su amigo Brassaï y su trabajo parisino. Durante la segunda guerra mundial estuvo trabajando para el gobierno británico fotografiando a la vida nocturna de la población londinense durante los bombardeos, en ese momento consigue fotografías de la ciudad sin personas. Al finalizar la contienda su estilo pasa poco a poco del reportaje gráfico a la fotografía de paisajes, desnudos y del cuerpo humano con el empleo de grandes angulares y puntos de vista poco usuales. También se dedicó a realizar retratos de artistas británicos para Lilliput, Picture Post y Harper’s Bazaar. Su trabajo ejerció bastante influencia durante la segunda mitad del siglo XX

FOTOGRAFIAS MÁS IMPORTANTES
Desnudos, Campden Hill, London, 1949

MAY RAY May Ray fue un fotógrafo surrealista ,su verdadero nombre era Emmanuel Radnitzky. Nació en 1980 en Filaderfia en EEUU. Man Ray estudia en la Hihg School y en La Escuela de Bellas Artes del Francisco Social Center de NY. En 1913 pinta su primer cuadro cubista, un retrato de Alfred Stieglitz En 1915 hizo el primer one-man-show, con el que se hizo famoso su nombre por América, como uno de los primeros pintores abstractos. Con Duchamp participa en experimentos fotográficos y cinematográficos y en la publicación del número único de New York Dadá. Impulsado por Duchamp, Man Ray se mudó París en 1921, con la única excepción de 10 años (entre 1940 y 1951) que vivió en Hollywood durante la Segunda Guerra Mundial, pasó el resto de su vida allí. Captó la atención con sus primeras fotos abstractas, a las que bautizó como rayogramas. Erróneamente se consideró inventor de la técnica aplicada para ello, que ya la habían experimentado otros artistas comoTalbot (hacia 1840) y Schad (1918). Publicó 12 de sus rayogramas bajo el título "Champs delicieux". Poseedor de una gran imaginación, y siempre al frente de las vanguardias, trabajó con todos los medios posibles: pintura, escultura, fotografía y películas. Man Ray fallece en Francia en 1976 y es enterrado en el cementerio de Montparnasse.

FOTOGRAFÍAS MAS IMPORTANTES
Les larmes, 1936 Cadeau , 1921 EL enigma de Isidore Ducasse, 1920

ALBERTO RUÍZ LÓPEZ Nace en Madrid en Estudia Imagen y Sonido en la Facultad de Ciencias de la Información de Madrid. Empieza su andadura fotográfica en los años 90 colaborando como fotógrafo con varias productoras de Madrid. En 1995 viaja a Londres, allí se aproxima a las nuevas tendencias fotográficas y audiovisuales. En 1999 vuelve a España donde se forma en diseño gráfico y fotografía digital, cumplimenta sus conocimientos en talleres monográficos, seminarios y ciclos de conferencias. Actualmente trabaja como fotógrafo profesional especializado en paisajismo e interiorismo. Colabora con varias empresas, productoras y agencias de publicidad. Jurado de los premios Lux Sus obras han sido expuestas en Europa y Asia.

FOTOGRAFÍAS MÁS IMPORTANTES
Luz y cielo Fuego en la tierra El abrazo del cielo

5 LIBRES

SANTIAGO CALATRAVA Santiago Calatrava es un arquitecto y escultor español, quien además tiene estudios de ingeniería civil realizados en Zúrich. Calatrava, que se interesaba por las grandes obras de los maestros clásicos y que deseaba ampliar su formación, se trasladó en 1975 a Zúrich , donde estudió durante cuatro años ingeniería civil en el Instituto Federal de Tecnología, en el cual se graduó con un doctorado en En 2007 le fue concedido el Premio Nacional de Arquitectura. La obra de Calatrava supone una auténtica revolución en la arquitectura, caracterizada por la reunión de la arquitectura y la ingeniería, que vienen circulando separadas desde el siglo XVIII. Santiago Calatrava supone un reencuentro con la tradición constructiva de la arquitectura, con influencias de Fernando Higueras , Jørn Utzon , Antonio Gaudí , y las arquitecturas gótica y romana. En un momento en que muchas arquitecturas hacen gala de una gran banalidad, y muchas obras de ingenieria hacen ostentación involuntaria de una gran ordinariez, Calatrava ha producido una gran influencia en la arquitectura contemporánea.

“Ciudad de las artes y las ciencias”
La ciudad de las artes y de las ciencias es un complejo arquitectónico , cultural y de entretenimiento de la ciudad de Valencia (España). Fue diseñado por Santiago Calatrava y Félix Candela e inaugurado el 16 de abril de con la apertura de El Hemisférico. -Los edificios que lo integran son: L'Hemisfèric: con forma de ojo. Sala de proyecciones de cine IMAX, planetario y Láser. Dispone de una superficie aproximada de m². El Museo de las Ciencias Príncipe Felipe : con forma parecida al esqueleto de un dinosaurio, es un museo interactivo de ciencia. Ocupa alrededor de m² repartidos en tres pisos. L'Umbracle : paseo ajardinado con especies vegetales autóctonas de la Comunidad Valenciana (jara, lentisca, romero, lavanda, madreselva, buganvilla, palmeras,...) cubierto por arcos flotantes desde donde se puede ver todo el complejo de la Ciudad de las Artes y las Ciencias. Alberga en su interior El Paseo de las Esculturas, una galería de arte al aire libre con esculturas de autores contemporáneos. (Miquel Navarro, Francesc Abad, Yōko Ono y otros..) El Oceanográfico: es el acuario oceanográfico más grande de Europa con metros cuadrados y 42 millones de litros de agua. Su cubierta en forma de nenúfar es obra del arquitécto Adrián Peláez Coronado nacido en Valencia. Palacio de las Artes Reina Sofía: con cuatro grandes salas: una Sala Principal, Aula Magistral, Anfiteatro y Teatro de Cámara. Sala de Exposiciones. Está dedicado a la música y a las artes escénicas. El Puente de l'Assut de l'Or que comunica la ronda sur con la calle Menorca, y cuyo pilono de 125 metros de altura es el punto más alto de la ciudad. El Ágora : Una plaza cubierta, inaugurada aunque no finalizada, en la que se celebran conciertos y eventos deportivos, como el nuevo gran premio de la Comunidad Valenciana de Tenis. Las Torres Valencia, Castellón y Alicante: forman parte de un proyecto que consiste en la construcción de tres rascacielos de 308 m, 266 m y 220 m. Actualmente el proyecto está parado .

“Auditorio de Tenerife”
El Auditorio de Tenerife es obra del arquitecto Santiago Calatrava Valls. Se ubica en la Avenida de La Constitución de la capital canaria, Santa Cruz de Tenerife (Islas Canarias , España). Su construcción empezó en 1997 y terminó en 2003, siendo inaugurado el 26 de septiembre de ese año con la presencia de Felipe de Borbón, Príncipe de Asturias , y fue también visitado por el ex-presidente de Estados Unidos, Bill Clinton. El edificio se encuadra dentro de los postulados de la arquitectura tardomoderna de finales del siglo XX.

“Llotja de Sant Jordi” La Llotja de Sant Jordi es una sala de muestras y exposiciones de Alcoy (Alicante, España), situada bajo el suelo de la Plaza de España. Es obra del arquitecto Santiago Calatrava. Realizada durante los años Su estructura interior recuerda al costillar de una ballena. También es de destacar los mecanismos que dan acceso a la sala subterránea y la fuente de la plaza. Plaza de España - Fuente y superficie - S. Calatrava Llotja de Sant Jordi - S. Calatrava

ALEJANDRO AMENÁBAR Nació en Madrid , (España) en 1973
Alejandro Fernando Amenábar Cantos es un director de cine español. . Tras estudiar interno en los Escolapios de Getafe, fue alumno de Imagen y Sonido en la Facultad de Ciencias de la Información, carrera que no llegó a finalizar al meterse de lleno en el mundo cinematográfico. En 1991, con 19 años, presentó su primer corto, La cabeza, que obtuvo el primer premio de la Asociación Independiente de Cineastas Amateurs (AICA). Su siguiente realización, en 1992, fue el mediometraje en video Himenóptero que, de nuevo, fue reconocido con el premio al mejor corto en los festivales de Elche y Carabanchel, en Madrid. Tras colaborar en "Antes del beso" y "Soñé que te mataba", en 1994 produjo, dirigió y escribió tanto el guión como la música de "Luna". Este corto también fue galardonado por la crítica, con el Premio Luis García Berlanga al mejor guión y el Premio de la AICA a la mejor banda sonora. En 1995 dirigió su primer largometraje, "Tesis", el cual fue la revelación de la XI Edición de los Premios Goya, al recibir siete estatuillas, entre ellas las de mejor película, guión y dirección novel. De la mano del mismo productor de "Tesis", el también director José Luis Cuerda, en 1997 rodó "Abre los ojos", un filme de intriga psicológica sobre la fina línea que separa realidad y sueño. Nació en Madrid , (España) en 1973

Filmografía como director de cine “La cabeza (corto)
La cabeza es el primer cortometraje de Alejandro Amenábar , fue realizado en 1991 cuando todavía era un adolescente. Sinopsis La cabeza planteada a modo de leyenda urbana, es la historia de una chica que vuelve a su casa del trabajo y se encuentra una nota del marido diciendo que llegará tarde. Cae la noche, y de pronto se da cuenta de que hay alguien más dentro de la casa. Esa persona resulta ser el marido, que no articula palabra. Suena el teléfono, el interlocutor le informa de que el marido acaba de morir en un accidente de tráfico, y la figura inmutable desaparece. Hasta ahí llegaba la historia original, que después ,estimando que no era insuficiente y más bien sosa, ampliaron, de mutuo acuerdo, Mateo y Alejandro. La presencia del marido se mantiene. Se aprecia su cara desfigurada por el accidente, y la mujer, horrorizada, le arranca la cabeza. Ésta, convertida en calavera, comienza a dar botes por toda la casa, al estilo de los cartoons, momento a partir del cual también se modifica el tono de la música, en principio inquietante, y a partir del desenlace digna de ser soporte sonoro de cualquier historia protagonizada por Bugs Bunny.

“Mar adentro” Sinopsis La película se basa en la historia real de Ramón Sampedro marinero, que tras un accidente en su juventud queda tetrapléjico y permanece postrado en una cama durante cerca de 30 años y que desea morir dignamente. Su mundo es su habitación y a ella llegan Julia, su abogada (que padece CADASIL), y Rosa, una vecina que intenta convencerlo de lo interesante que puede ser la vida. La gran personalidad de Ramón cambia por completo los principios de las dos. Críticas La película ha tenido muchas críticas favorables aunque algunas negativas , como la de Antonio Gasset , responsable del programa Días de cine de TVE , que la tachaba de "mediocre y empalagosa". No fueron las únicas; algunas personas con tetraplejia, expresaron su disconformidad con la película y la actitud vital de Sampedro. Premios Goya Mar adentro ganó un Goya en casi todas las categorías a la que fue nominada: catorce Goya de quince nominaciones. Se convertiría así, junto a ¡Ay, Carmela! en la película más galardonada de los Goya .

“Ágora” Ágora es una película española dirigida por Alejandro Amenábar estrenada en España el 9 de octubre de Ágora, quinta película de Amenábar y la segunda rodada íntegramente en inglés . es un drama histórico que se desarrolla en la ciudad de Alejandría , Egipto , a partir del año 391 d. C. La protagonista, interpretada por Rachel Weisz , es la matemática , filósofa y astrónoma Hipatia de Alejandría -- que fue asesinada , descuartizada e incinerada por los seguidores del obispo y Santo cristiano copto Cirilo de Alejandría en el año 415 d. C. La película ganó 7 Premios Goya , incluyendo Mejor Guión original para Alejandro Amenábar y Mateo Gil , lo que la convirtió en la segunda película más premiada de la XXIV edición de los Premios Goya de la academia de cine español.

ANDRÉ FRANQUÍN Nació en Etterbeek (Bélgica), 3 de enero de Fue uno de los autores de cómic más importantes de todos los tiempos. Está considerado como el mejor representante de la llamada "escuela de Marcinelle" o "escuela Spirou", su trabajo ha influenciado a varias generaciones de dibujantes. Franquin es conocido sobretodo por su brillante etapa en Spirou y Fantasio, en la que estuvo trabajando 22 años (entre 1946 y 1968) y para la que creó al popular personaje Marsupilami. Falleció en Saint-Laurent-du-Var (Francia), el 5 de enero de 1997.

Modeste et Pompon (1955) Spirou et fantasio. (1938). Marsupilami (1952)

ANTONIO GAUDÍ Antoni Gaudí i Cornet fue un arquitecto español, máximo representante del modernismo catalán. Gaudí fue un arquitecto con un sentido innato de la geometría y el volumen, así como una gran capacidad imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la mayoría de sus obras antes de pasarlas a planos. Dotado de una fuerte intuición y capacidad creativa, Gaudí concebía sus edificios de una forma global, atendiendo tanto a las soluciones estructurales como las funcionales y decorativas. Estudiaba hasta el más mínimo detalle de sus creaciones, integrando en la arquitectura toda una serie de trabajos artesanales que dominaba él mismo a la perfección: cerámica , vidriería, forja de hierro , carpintería , etc. Asimismo, introdujo nuevas técnicas en el tratamiento de los materiales, como su famoso “trencadís” hecho con piezas de cerámica de desecho. Después de unos inicios influenciado por el arte neogótico Gaudí desembocó en el modernismo ,entre finales del siglo XIX y principios del XX.,.Fue más allá del modernismo ortodoxo, creando un estilo personal basado en la observación de la naturaleza, fruto del cual fue su utilización de formas geométricas regladas, como el paraboloide hiperbólico, el hiperboloide, el helicoide y el conoide. La arquitectura de Gaudí está marcada por un fuerte sello personal, caracterizado por la búsqueda de nuevas soluciones estructurales, que logró después de toda una vida dedicada al análisis de la estructura óptima del edificio, integrado en su entorno y siendo una síntesis de todas las artes y oficios. Mediante el estudio y la práctica de nuevas y originales soluciones, la obra de Gaudí culminará en un estilo orgánico, inspirado en la naturaleza, pero sin perder la experiencia aportada por estilos anteriores, generando una obra arquitectónica que es una simbiosis perfecta de la tradición y la innovación. Asimismo, toda su obra está marcada por las que fueron sus cuatro grandes pasiones en la vida: la arquitectura, la naturaleza, la religión y el amor a Cataluña Nació en Reus , el 25 de junio de 1852 y murió en Barcelona , 10 de junio de 1926)

OBRAS DE GAUDÍ “El capricho”
El Capricho es un edificio proyectado en 1883 por el arquitecto español Antoni Gaudí y construido bajo la dirección de su ayudante Cristòfor Cascante i Colom en la localidad cántabra de Comillas . Su nombre real es Villa Quijano, pero se le aplicó el nombre de Capricho por tratarse de un encargo de Máximo Díaz de Quijano, cuñado del Marqués de Comillas , que deseaba una residencia de verano de tipo oriental. Las obras se realizaron entre 1883 y Gaudí realizó un proyecto de estilo orientalizante, en paralelo a su obra contemporánea en la Casa Vicens de Barcelona; probablemente se inspiró en un proyecto para un embarcadero que había hecho durante sus estudios universitarios, en El Capricho tiene planta alargada, con una superficie de 15 x 36 metros; contiene sótano, planta y desván, con una torre cilíndrica en forma de alminar persa, revestida completamente de cerámica. El acceso presenta cuatro columnas y arcos adintelados, con capiteles decorados con pájaros y hojas de palmito, como en la Casa Vicens. El salón principal destaca por un amplio ventanal con ventanas de guillotina, y dispone de un fumadero cubierto por falsas bóvedas de estuco de estilo árabe . En la decoración repite el tema del girasol y se combinan la sillería, el ladrillo, el hierro y la cerámica con las formas lúdicas y orgánicas que caracterizan al arquitecto catalán. Cabe destacar el vivo colorido que Gaudí aplicó al Capricho, combinando la cerámica verde con la piedra y el ladrillo en tonos rojos y amarillos.

“Colegio Teresiano de Barcelona”
El Colegio Teresiano o Colegio de las Teresianas es una obra del arquitecto modernista Antoni Gaudí . Situado en la antigua localidad de Sant Gervasi de Cassoles , c/ Ganduxer, 85, fue concebido por San Enrique de Ossó para alojar un colegio y el convento de la Congregación de Religiosas Teresianas, que él mismo había fundado. En Los ángulos de la fachada figuran unos pináculos de ladrillo con una columna helicoidal culminada con la cruz de cuatro brazos, típica de las obras de Gaudí, y con unos escudos de cerámica con diversos símbolos definitorios de la orden teresiana: el monte Carmelo coronado por la cruz, el corazón de la Virgen coronado por espinas y el de Santa Teresa atravesado por una flecha. Originalmente, las almenas estaban rematadas por unos birretes doctorales de cerámica roja en alusión al Doctorado de la Iglesia de Santa Teresa, pero fueron destruidos en 1936 durante el transcurso de la Guerra Civil. También figuran anagramas de Jesús (JHS) y de Santa Teresa (T). En el interior existe un pasillo que es famoso por la sucesión de arcos catenarios que contiene. Estos arcos de líneas elegantes no son meramente decorativos, sino que tienen la función de sostener el techo y la planta superior. Gaudí utilizó el arco en parábola como elemento constructivo idóneo, capaz de aguantar pesos elevados mediante perfiles poco gruesos. Durante la construcción , Gaudí realizó dos curiosos elementos constructivos: en la columnata del primer piso dejó en medio de las columnas un pilar de un metro de altura, sin ningún remate ni decoración; al ser preguntado, dijo que representaba a Dios, por lo que no necesitaba ningún adorno. A continuación, dejó la escalera que en ese punto subía al segundo piso interrumpida, colocando el acceso al piso superior en otro lado; desde entonces hay una escala de catorce peldaños que no conduce a ninguna parte.

“Casa Vicens” La Casa Vicens es un edificio modernista, siendo el primer proyecto de importancia del arquitecto Antoni Gaudí tras su licenciatura como arquitecto en Se halla ubicado en la calle Carolines, número 24, del barrio de Gracia de la ciudad de Barcelona, en España. Gaudí proyectó el inmueble adosado a la pared medianera de un convento vecino ,logrando obtener un jardín amplio y espacioso, otorgando tres fachadas a la casa. Al otro lado del jardín diseñó una fuente monumental de ladrillo de obra vista, formada por un arco parabólico encima del cual había un paso entre columnas. Gaudí diseñó igualmente el mobiliario de la casa. Una de las estancias más originales es el fumador, donde destaca el techo en forma de cielo raso decorado con mucarnas árabes, que recuerdan el Generalife de la Alhambra de Granada. La casa Vicens se construyó entre 1883 y 1888.

“WALTER ELÍAS DISNEY” Walter Elias Disney dibujante, productor, y director de dibujos animados nacido en Chicago, Estados Unidos, el 5 de diciembre de Estudió primero en la escuela de Bellas Artes y, más tarde, aprendió en una agencia de publicidad todos los trucos técnicos del dibujo. Cuando tuvo un dinero ahorrado, montó un estudio con otros dibujantes en el que realizó las primeras versiones cinematográficas de cuentos famosos. Mientras tanto, buscaba algo nuevo que causara un impacto especial en el público, un personaje destinado a ser conocido en todo el mundo. Después de algunos intentos infructuosos con el personaje Osvaldo el conejo (1926) y una rata llamada Mortimer (1928), Walt Disney buscó un animal susceptible de convertirse en un héroe de dibujos animados, ese género antiguo, como la propia cinematografía, en el cual el dibujante había adquirido cierta notoriedad a mediados de la década de Ya era Tras enrolarse a la edad de dieciséis años como enfermero de ambulancia en la Cruz Roja durante la Primera Guerra mundial y realizar algunas películas publicitarias para una fábrica de máquinas agrícolas en Kansas City, el joven captó astutamente la importancia que tendría en los años venideros la industria del cine. A sus primeros personajes les faltaba algo de desenfado y picardía. El éxito vino con Mickey, cuya tercera aparición en una comedia musical intitulada Steamboat Willie (Willie, el buque de vapor), atrajo multitudes considerables a Broadway en noviembre de En año 1955, Walt Disney inaguro Disneyland, el primer parque temático de la factoría Disney basado en el mundo de sus películas. Con los años se han creado parques temáticos en Florida, Paris y Japón. Sus reconstrucciones de carácter histórico y sus espectaculares atracciones lo convirtieron en un foco turístico de primer orden. la compañía abordó la producción de documentales como El desierto vivo (1953), o Los secretos de la vida (1956), y también a comienzos de los cincuenta películas de aventuras con actores reales, como La isla del tesoro (1950), Robin Hood (1951), El extraño caso de Wilby (1959), Un sabio en las nubes (1961), y Mary Poppins (1964). Las películas de dibujos animados más destacadas de este periodo fueron Peter Pan (1953), Merlín el encantador (1963) y más recientemente Aladdin (1992), El rey león (1994), Pocahontas (1995) Toy Story (1995) , El Jorobado de Notre Dame (1996), Hércules (1997), Mulan (1998), Bichos (1998),Tarzan (1999) y Dinosaurios (2000).También han producido para televisión las series "Davy Crockett", "El club Mickey" y "El Maravilloso mundo de Walt Disney".

Pluto (1932) Minnie (1928) Mickey (1928)

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