El cinquecento: Escultura

Predominio de Roma frente a Florencia. Escultura: Características generales propias de la primera mitad del XVI. Predominio de Roma frente a Florencia. La delicadeza del cuattrocento deja paso a una grandiosidad monumental y simplificadora. Desaparece el relieve plano y sutil y se prefiere el bulto redondo y el tamaño superior al natural. Figura máxima: Miguel Ángel Buonarotti.

Características generales del Manierismo (2ª mitad del XVI) El manierismo es subjetivo, inestable. Los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción. Se prefiere, en escultura sobre todo, la línea o figura serpentinata, en que las figuras se disponen en sentido helicoidal ascendente. Entre los principales escultores manieristas podemos citar a Benvenuto Cellini, Juan de Bolonia y la Familia Leoni

Miguel Ángel: Su obra escultórica Miguel Ángel Buonarotti era ante todo escultor. Antes de comenzar una obra dibujaba un esbozo a escala reducida, después resolvía los detalles y dibujaba diferentes ángulos. Después ejecutaba una maqueta en arcilla, cera o escayora. El siguiente paso consistía en ir a la cantera a elegir el bloque más adecuado. Comenzaba el trabajo por la parte frontal, esbozando los contornos y esculpiendo las extremidades que solían sobresalir. Pensaba que había que extraer la figura que estaba dentro de la piedra. Había que sacar no añadir.

Características de su escultura Grandiosidad de las figuras. Las facciones reflejan interiores apasionados. Gran tensión vital y dinamismo contenido. Gestualidad expresiva hasta el dramatismo: “Terribilitá”

Principales Obras La Piedad del Vaticano o Pietà es un grupo escultórico en mármol realizada por Miguel Ángel entre 1498 y 1499. Sus dimensiones son 174 por 195 cm. Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano. Fue la primera vez que el artista aborda este tema iconográfico, luego repetido a lo largo de su vida con diversos tratamientos, que ponen de manifiesto su evolución artística y espiritual. La última de esta serie de Piedades sería la denominada Piedad Rondanini, que dejó inacabada al caer enfermo y morir, y cuyo patetismo, que anticipa el barroco, nada tiene que ver con la serenidad clásicamente renacentista de esta obra de juventud.

Aspecto juvenil más adecuado a la pureza de la Madre de Dios. Una Virgen joven, bella y piadosa cuyas vestiduras se expanden con numerosos pliegues, sostiene al Hijo muerto que, intencionadamente, aparenta mayor edad que la Madre, en una composición triangular sosegada y llena de ternura. La juventud de la Virgen es muestra del idealismo renacentista: se trata de representar el ideal de belleza y juventud, una Virgen eternamente joven y bella.

La Piedad Rondanini se encuentra en el castillo de los Sforza en Milán, es considerada la última obra esculpida por Miguel Ángel En agosto de 1561 Miguel Ángel regaló la figura, aún en ejecución, a su criado Antonio del Francese, a pesar que continuó trabajando en ella hasta su defunción. Más tarde, fue adquirida por el marqués de Rondanini, permaneciendo en su palacio durante mucho tiempo, finalmente en 1952 fue adquirida por el ayuntamiento de Milán, que la destinó al museo Cívico del castillo de los Sforza El grupo escultórico, se encuentra sin acabar, y el trabajo se ve claramente que fue realizado en diversas etapas, tiene partes completamente acabadas y otras aún en elaboración como el rostro de la Virgen. Desde un punto ideológico la escultura se ha relacionado con el momento de la cultura reformista que rodeaba a Vittoria Colonna y donde participaba el escultor.

Cronología 1501-1504. Mármol (4,34 m de alto) Miguel ángel recibió el encargo de tallar un bloque de mármol de extraordinaria altura y muy estrecho. Representa a David como un joven atleta con la mirada penetrante y fija a la espera de divisar a Goliat. En la mano derecha sostiene la piedra y con la derecha sujeta la honda. Los detalles que muestran vitalidad y tensión son: La cabeza sobredimiensionada; la mirada expectante y segura; el vigor concentrado en su mano robusta; disposición en zigzag del curpo. Recursos todos ellos de su “Terribilitá” que le alejan de los cánones clásicos a favor de la expresividad. Tuvo un éxito clamoroso y fue colocado en la Plaza de la Signoría.

Miguel Ángel sorteó la frontalidad al dar un leve giro a la cabeza, que invita al observador a rodear la figura.

Cronología 1513-1516; mármol, 2,35 m Originariamente concebida para la tumba del papa Julio II en la Basílica de San Pedro, el Moisés y la tumba se colocaron finalmente en la iglesia menor de San Pietro in Vincoli, en la zona del Esquilino, tras la muerte del papa. La familia della Rovere, de la que el papa procedía, fueron los mecenas de esta iglesia, y el mismo papa había sido cardenal titular antes de su nombramiento como representante del Vaticano. La estatua representa a Moisés con cuernos en su cabeza. Se cree que esta característica procede de un error en la traducción por parte de San Jerónimo del capítulo del Éxodo, 34:29-35. En este texto, Moisés se caracteriza por tener "karan ohr" ("rayos de luz") que salen de su cabeza, lo que San Jerónimo en la Vulgata tradujo por "cuernos". El error en la traducción es posible debido a que la palabra "keren" en hebreo puede significar "rayo" o "cuerno".

La tumba de Julio II, una estructura colosal que debía dar a Miguel Ángel el suficiente espacio para sus seres superhumanos y trágicos, se convirtió en una de las grandes decepciones de la vida del artista cuando el papa, sin ofrecer explicación alguna, interrumpió las donaciones, posiblemente desviando dichos fondos a la reconstrucción de San Pedro por parte de Donato Bramante. El proyecto original estaba formado por una estructura independiente, sin apoyo, de tres niveles, con aproximadamente 40 estatuas. Tras la muerte del papa en 1513, la escala del proyecto se redujo paulatinamente hasta que, en 1542, un contrato final especificó una tumba con un muro sencillo y con menos de un tercio de las figuras incluidas en el proyecto original.

Tumbas de Lorenzo y Giuliano de Médici (1521-1534) Sepulcro de los Medici (1520-1534): Sincronización perfecta entre arquitectura y escultura. El sepulcro de Lorenzo, duque de Urbino “il Pensieroso” con dos alegorías de la noche y el día, ambas con el rostro “non finito”, técnica que seguirían importantes escultores en el futuro (Rodin). En la pared de enfrente el sepulcro de Giuliano de Medici, duque de Nemours, muerto en 1536, hijo de Lorenzo y sostiene en la mano izquierda un bastón símbolo del mando de las tropas pontificias. El sepulcro se encuentra en la llamada Capilla Medicea de la Basílica de San Lorenzo de Florencia

Giuliano de Medici, duque de Nemours, muerto en 1536, hijo de Lorenzo, sostiene en la mano izquierda un bastón símbolo del mando de las tropas pontificias. Nació en Florencia. Sus hermanos fueron Pedro y Juan. Su hermano mayor Pedro fue durante breve tiempo el dirigente de Florencia después de la muerte de Lorenzo, hasta que la facción republicana expulsó a los Médicis en 1494. Juliano se trasladó entonces a Venecia. Después de que la Liga Santa, encabezada por España, expulsó de Italia a las fuerzas francesas que habían apoyado a los republicanos florentinos, la familia Médicis quedó restaurada en el poder. Juliano dirigió Florencia desde 1512 hasta 1516.

Tumba de los Médici (Iglesia de San Lorenzo en Florencia) Planteados como sepulcros retablo, exhiben una estructura piramidal con dos figuras alegóricas sobre cada sarcófago y la imagen del difunto encima. Los duques, cuyos rostros no son retratos, están idealizados como generales romanos. Lorenzo está sentado y le acompañan las horas de transición, Aurora y Crepúsculo. Giuliano se muestra gallardo y aparece flanqueado por las alegorías que simbolizan las horas positivas, Noche y Día. La condición de inacabadas (non finito) de las alegorías masculinas y la distorsión de sus cuerpos a causa de las complejas posturas se alejan de los ideales renacentistas y presagian el manierismo.

A Giuliano lo acompañan "La Noche" y "El Día", estados bien definidos y contrastantes, que coinciden con la idea de la vida activa.

La Piedad florentina, llamada así porque se encuentra en el Duomo de Florencia, se cree que fue empezada a partir del año 1550. En 1561fue vendida a Francesco Bandini, que colocó la escultura en los jardines romanos de Montecavallo, donde permaneció hasta su traslado a la basílica de San Lorenzo de Florencia por parte de Cosme III en 1674; finalmente el año 1722 se colocó en Santa Maria del Fiore y desde 1960 se encuentra en el museo de la catedral. El grupo escultórico de la Piedad florentina consta de cuatro personajes: el Cristo muerto que está sostenido por la Virgen, María Magdalena y Nicodemo, los rasgos del cual son un autorretrato de Miguel Ángel. La estructura es piramidal, con Nicodemo como vértice, y el Cristo se muestra como una figura serpentinata propia del manierismo.

Otros autores del cinquecento: Benvenuto Cellini. Benvenuto Cellini (Florencia, 1500 -1571) fue un escultor, grabador y escritor florentino. Se convirtió en uno de los orfebres más importantes del Renacimiento italiano y realizó monedas labradas, joyas, floreros y adornos exquisitos. A lado su obra “Perseo” (1545-1554) Bronce, 3,20 m incluido el pedestal. La figura se erige sobre un pilar de mármol cuadrangular, decorado con pequeñas estatuas de bronce dentro de hornacinas.

Perseo Dánae había sido encerrada por su padre, Acrisio, en una torre, para impedir que tuviera trato con un varón, ya que un oráculo había anunciado a Acrisio que moriría a manos de su nieto. Sin embargo, Zeus se metamorfoseó en lluvia de oro y consiguió acceder a la estancia de Dánae y dejarla encinta. Dánae engendró a Perseo y, al enterarse, Acrisio los arrojó al mar en un cofre. Tras vagar durante mucho tiempo a la deriva, llegaron al reino de Sérifos, donde fueron recogidos por Dictis, hermano del gobernante de la isla, el tirano Polidectes. Dictis fue para Perseo como un padre.

Jean Boulogne (Douai, 1529 - Florencia 1608), conocido en Italia como Giovanni Da Bologna o abreviadamente Giambologna y en España como Juan de Bolonia, fue un escultor francés que trabajó en la Italia de finales del Renacimiento. Fue autor de varias de las esculturas más famosas, en mármol y bronce, sobre temática mitológica. Ocupa asimismo un puesto clave en la historia de la escultura europea, como puente entre el Renacimiento de Miguel Ángel y el Barroco de Bernini.

Hércules luchando con Nesso (1599)