PRINCIPIOS DEL ARTE APLICADOS AL DISEÑO Proyecto Primer Semestre INSTITUTO AIEP.

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3 PRINCIPIOS DEL ARTE APLICADOS AL DISEÑO
Proyecto Primer Semestre INSTITUTO AIEP

4 PRINCIPIOS DEL ARTE APLICADOS AL DISEÑO LA COMPOSICION EN EL ARTE
“La Composición debe ser el resultado de la emoción, previo dominio absoluto de la técnica”, expresa Pedro Humberto Allende, músico chileno.

5 PRINCIPIOS DEL ARTE APLICADOS AL DISEÑO
Se puede escoger entre muchos tipos de Composición adecuándolas a las necesidades de cada tema. A veces una idea exige que la respuesta emocional ante la obra terminada sea de calma y dignidad, como la sensación que evoca la fachada de un edificio clásico.. Pero existen otros temas que exigen una asimetría o aparente desequilibrio de la composición. En otros casos se trata de sugerir una sensación de energía y movimiento. Y todo ello exige al artista considere el mejor modo de expresar dichos efectos.

6 PRINCIPIOS DEL ARTE APLICADOS AL DISEÑO
La Composición se adecua a las necesidades de cada tema. A veces una idea exige que la respuesta sea emocional ante la obra terminada Van Gogh entendía la pintura como vía de modificar la sociedad y como vehículo de salvación personal Autorretrato Van_Gogh

7 PRINCIPIOS DEL ARTE APLICADOS AL DISEÑO
Edvard Munch ( ) El estímulo más importante lo encuentra Munch en las imágenes simplificadas de las obras de Gaugain, que le servirán para transmitir la angustia y la soledad. Vivió angustiado, tuvo problemas psíquicos y esos sentimientos son los que volcará en su pintura. En él la expresión surge como resultado de su vida atormentada. Siente predilección por la figura humana y las relaciones personales. Le obsesiona la impotencia del ser humano ante la muerte y la identifica con la mujer. Tiene una visión negativa de la vida, de la indefensión, de la soledad humana y del sexo. El grito es la expresión de su miedo personal, pero en este cuadro Munch logra expresar el desfallecimiento del hombre ante una realidad cada vez más compleja y confusa.

8 PRINCIPIOS DEL ARTE APLICADOS AL DISEÑO
    Salvador Dalí (1904- Genial artista catalán, uno de los máximos exponentes  del surrealismo que desarrolló en multitud de facetas: pintura, grabado,  orfebrería y decoración. Como buen "catalán universal" difundió sus ideas por medio mundo, manteniendo sin embargo un profundo apego a su tierra natal. Su obra se ha relacionado con frecuencia con el subconsciente y el psicoanálisis ya que acostumbraba a plasmar en ella sus obsesiones. Iconoclasta impenitente se auto-proclamó "El Divino". Crucifixión (1954) Suspendido en el espacio cobra un aspecto inmaterial y ultra-terrestre. Este efecto se potencia con el hecho de que Cristo esta flotando inmerso en él, sin sujeción alguna.

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La persistencia de la memoria Pareciera que manipulando el medio de control del tiempo lo estuviera doblegando, como si uno pudiera escapar al paso del tiempo sólo por desfigurar sus instrumentos de medición

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El Cristo de San Juan de la Cruz (1951) Galatea de las esferas (1952)

11 PRINCIPIOS DEL ARTE APLICADOS AL DISEÑO LA COMPOSICION EN EL ARTE
Los elementos básicos de la plástica: el punto, la línea, la textura, el plano, y el color, se organizan según ciertas leyes, conformando una estructura que los ordena.

12 PRINCIPIOS DEL ARTE APLICADOS AL DISEÑO
Cuando un artista plantea su obra, considera varios aspectos. Entre ellos esta la composición o distribución de los elementos que la configurarán.. Por ejemplo, debe determinar que áreas van a ser más importantes y cuales menos destacadas; esto significa que está decidiendo cuál será “el centro de interés” de la obra, el que le dará más significado al trabajo. Además, tiene que resolver otros problemas vinculados con los principios de unidad, variedad, proporción, equilibrio y la relación figura-fondo. Cada uno de estos factores, intervienen en la obra para ayudar a la expresión. La composición es entonces, formar un todo con las partes, de acuerdo a estos principios.

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Sergio Montero, afirma: “Entendemos por composición, el organizar expresivamente el espacio, sea éste pictórico, escultórico o arquitectónico.” En general los seres humanos, por naturaleza, nos sentimos atraídos hacia la “unidad” ; esto es, hacia lo que nos transmite una sensación de coherencia, equilibrio, orden y totalidad. “Toda obra artística posee una estructura, y ésta se experimenta como una UNIDAD.”

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Siete Volcanes OBRA DENEMESIO ANTÚNEZ

15 PRINCIPIOS DEL ARTE APLICADOS AL DISEÑO
El sentido de unidad puede ser alcanzado de muchas maneras. Por ejemplo, a través de la búsqueda de formas similares dentro de la obra, colores parecidos, a través de la repetición de líneas, espacios y movimientos; es decir, el “RITMO”. El ritmo es un factor esencialmente estructurante, y ha sido definido como “la repetición de elementos análogos, sin que ello sea idénticos, en intervalos de tiempo o espacio”. La palabra ritmo, tiene su origen en la palabra griega rhein, que significa fluir. El RITMO, es utilizado por los artistas para dar un movimiento ordenado a la obra, y así lograr que nuestro ojo se mueva sobre ella, controlando el camino de nuestras observaciones.

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Café - Van Gogh

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La “VARIEDAD” es un elemento compositivo de enorme fuerza, que puede ser explotado de distintas formas. Por ejemplo, puede darse variedad de líneas, colores o texturas, para dar mayor interés a la obra y romper la monotonía. Mirar continuamente un tablero de ajedrez, nos aburriría; la incorporación de la variedad de tamaños, en este caso, mantendría por mayor tiempo nuestra atención. A fin de crear una obra interesante, debemos variar sus cualidades visuales y espaciales, las que nos ayudarán a expresar nuestros sentimientos e ideas.

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Piet Mondrian, Composition with Yellow, Blue, and Red, ,

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La “PROPORCION” es la relación de las partes entre sí entre éstas y el contorno envolvente. Las relaciones de tamaño desempeñan un papel importante en la expresividad de la obra y en el efecto que ella produce en el espectador. Una de las características de la proporción es su estrecha vinculación con las medidas, y estudios matemáticos acerca de esta relación.

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El “EQUILIBRIO” corresponde a un estado de contrapeso entre las partes que configuran la obra. Si, por ejemplo, todas las figuras se agrupan en un solo lado y en el otro no hay nada, sentimos un vacío. Lo mismo sucede con el equilibrio de los colores; cuando en una parte del cuadro hay un color y no encontramos en el mismo cuadro un color igual o similar, sentimos un desequilibrio visual. La simetría, es un principio de equilibrio que ofrece una situación de pesos visuales, repartidos equitativamente alrededor de un eje. Se puede entonces afirmar, que la simetría es la igualdad de los lados divididos por eje. En la naturaleza, hay gran cantidad y variedad de elementos simétricos.

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Desde la antigüedad, se ha empleado la simetría para estructurar la composición, y muchos ornamentos han sido diseñados basándose en ella. Por ejemplo, la decoración de la cerámica diaguita presenta organizaciones simétricas, especialmente en los platos. En la arquitectura, a menudo encontraremos simetría, tanto en la decoración como en la distribución y el diseño de la construcción. La típica casa colonial chilena, conformada en torno a patios, es un ejemplo de la aplicación de esta ley plástica.

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Cerámica Diaguita Fase II.

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Desnudo Azul Henri Émile Benoît Matisse

25 PRINCIPIOS DEL ARTE APLICADOS AL DISEÑO
En una obra plástica, intervienen otro fenómeno que es necesario conocer; se trata de la percepción de “FIGURA-FONDO”. Cuando nuestra vista vaga por una habitación y se detiene en un objeto, por ejemplo, una silla, ésta pasa a ser la figura y el resto de la habitación el fondo, pero si focalizo mi atención en el libro que se encuentra sobre la silla, ésta pasa a ser fondo y el libro figura. Como se puede apreciar entonces, existe entonces, una relación que es relativa y que varía dependiendo del foco de atención. En general, la forma que posee mayor importancia o tiene más movimiento, es la que asume el rol de figura y la menos sobresaliente o de menor significado, asumirá el rol de fondo. Esta relación figura-fondo, juega un destacado papel en toda composición.

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El artista europeo Maurits Cornelis Escher, ha creado la gran mayoría de sus obras basándose en le juego de la figura-fondo, logrando composiciones en las que el espectador puede, a voluntad, convertir la figura en fondo y viceversa.

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“Quien forma las conexiones, quien ahonda y organiza los medios de creación, engendra nueva vida y abundancia”

29 DESARROLLO DE LA COMPOSICIÓN
Una estructura planificada produce una sensación de estabilidad y unidad en el diseño, dejando al artista libre para expresar su creatividad. Habiendo decidido el tamaño y la forma del soporte más adecuado al tema podemos empezar a trabajar en la composición. LA SECCIÓN ÁUREA Se llegó a pensar que siguiendo formulas matemáticas podía garantizarse el logro de la auténtica belleza en una obra de Arte.. Así nació una norma para regular la división proporcional de la superficie del cuadrado. Esta Sección Áurea o media Dorada apareció formulada en el tratado De Architectura, de Vitruvio, escrito en el siglo I. A. de C. Se aseguraba que podía obtenerse una relación armoniosa entre partes desiguales de un todo si la proporción entre la parte mas pequeña y la mas grande era igual que entre la más grande y el total

30 DESARROLLO DE LA COMPOSICIÓN
LA SECCIÓN ÁUREA

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COMPOSICIÓN GEOMÉTRICA Muchos de los cuadros más fascinantes que adornan las paredes de museos e iglesias están construidos de manera que la vista se pase de un lado a otro de la superficie. Lo que mucha gente no sabe es que estas composiciones tienen una infraestructura geométrica, basada a veces en el triángulo, pero generalmente más complicada, construidas con gran cuidado para evocar una sensación de estabilidad..

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Consideremos en primer lugar la estructura geométrica más sencilla, un triángulo equilátero colocado simétricamente dentro de un rectángulo.

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EL RITMO EN LA COMPOSICIÓN Otro modo de estructurar la composición es por medio de Ritmos. Para desviar la vista de cualquier punto del cuadrado, se necesita una línea de interés y con fuerza interior, no una línea flácida y débil.. y una línea así deber estar relacionada con todas las demás líneas. Se pueden combinar todos los métodos citados - estructuras geométricas, líneas rítmicas y marcas de puntuación – en una sola composición, con resultados perfectos.

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TONO Y COLOR Un buen cuadro debe ser autosuficiente, es decir, formar una unidad total dentro del marco. Para ello el artista debe de tomar decisiones acerca de cada aspecto de la composición y sus interrelaciones de línea, color y tono.

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RETRATOS. Se podría decir que el retrato es cuestión sencilla, esto no es así en modo alguno.. para empezar cada modelo es diferente y hay que conocer el carácter de la persona. De ahí pueden surgir ideas del sobre tamaño y la forma del soporte, la planificación del los colores y la postura.. Algunas personas ganan al retratarse en cuerpo entero, otros en primerísimo primer plano, medio cuerpo, tres cuartos, o cuerpo entero dentro de un paisaje. El modelo puede estar de pié, sentado o de costado y se le puede ver de frente, de perfil o de una postura intermedia.

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ARMONIA DE COLORES Armonía, quiere decir constancia, acuerdo, agrado, avenimiento de los elementos. Esto es también aplicable al color entendiéndose como un efecto de agradabilidad por la afortunada interacción entre los tonos. Sin embargo esto, se debe tener en cuenta que se alude directamente al gusto, por lo tanto no siempre lo que gusta a unos debe gustar a otros. Pero se puede alcanzar un consenso mediante un atinado uso de tonos que armonizan mejor entre ellos. Se puede hablar de dos tipos de armonías: armonías por analogía y analogía por contraste.

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ARMONÍAS POR ANALOGÍA. Corresponde a aquellas en la que los colores se parecen entre sí; son como una familia, los colores son similares: dos ejemplos a) azul, azul verdoso, verde, azul celeste, azul oscuro, azul violáceo, violeta, lila; b) amarillo, amarillo anaranjado, naranja. Generalmente estos colores están cercanos en el Diagrama Cromático Circular.”

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ARMONÍAS POR CONTRASTE. Corresponde a aquella en que los colores son opuestos. Se llaman opuestos o complementarios a los colores que se encuentran frente a frente en el Diagrama Cromático Circular. Cada color tiene su correspondiente color complementario. Por ejemplo el rojo es el complementario del verde, el azul es el complementario del naranja, el amarillo es el complementario del violeta.

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GAMAS DE COLORES También a los colores se les clasifica en colores fríos o colores cálidos. A todo color cuyo componente principal es el azul o el verde, se le denomina color frío, y a todo color cuyo componente principal es el amarillo o el rojo, se le denomina color cálido. Por ejemplo, podemos ayudar a generar un ambiente acogedor, al pintar una habitación de colores cálidos. El color está en todo el Universo, en la naturaleza y también en ti, en cada rincón de tus vivencias y sentimientos hay un arco iris que llena tu vida de tonalidades, matices o simplemente de colores fríos o cálidos.

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ABSTRACCIÓN La Abstracción es un proceso mental, que permite al individuo comprender un concepto de un objeto sin tener al objeto de manera tangible La abstracción es la capacidad mental superior que tiene todo ser humano para poder deducir la esencia de un concepto o situación determinada

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En los años 191… Vassily Kandinsky Su idea es que un cuadro puede ser bello independientemente de toda representación por el simple acomodo de las formas y de los colores.

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EL CROQUIS DE OBSERVACIÓN DIRECTA El objetivo fundamental de la práctica del CROQUIS DE OBSERVACIÓN DIRECTA es el establecimiento de un diálogo entre el observador y el objeto que permita al primero: 1.- llegar al conocimiento del objeto mediante su percepción y su registro gráfico 2.- registrar gráficamente las características, las cualidades que identifican al objeto según las consideraciones selectivas del observador - dibujante 3.- dar a conocer, comunicar a otras personas las características del objeto registradas gráficamente 4.- sensibilizar su percepción, en especial su visión y su capacidad motriz, mediante el ejercicio de la observación alternativa del objeto y del dibujo 5.- desarrollar su capacidad de abstracción y de síntesis con respecto a los atributos del objeto, descubriendo y practicando el uso de los códigos que permiten representarlos gráficamente, sin pretender la representación detallada de todos esos atributos

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De la realidad compleja de un espacio urbano podemos seleccionar la totalidad del espacio definido por la calle y ambas fachadas, o tomar una de ellas

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50 PRINCIPIOS DEL ARTE APLICADOS AL DISEÑO
La sucesión de croquis exploratorios nos muestra los pequeños movimientos de la visual del observador que definen diferentes encuadres posibles. En cada uno de ellos las partes visibles del objeto adoptan diferentes posiciones en el dibujo o aparecen total o parcialmente registradas, adquiriendo una importancia y un énfasis distinto en cada caso.

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En un caso, la torre es protagonista, se dibuja totalmente y se ubica en la parte central del dibujo. En el otro caso la torre pasa a un segundo plano frente al énfasis notorio que adquiere el importante alero que rodea perimetralmente el sector visible del edificio.

52 PRINCIPIOS DEL ARTE APLICADOS AL DISEÑO
La utilización del cuadro rectangular dispuesto verticalmente es adecuada para objetos o espacios con una marcada y predominante dirección vertical.

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Sucesión de croquis de diferente tamaño y grados de simplificación

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La síntesis expresiva intenta reforzar los contrastes entre las diferentes caras del objeto para destacar las articulaciones de la forma, principalmente cuando la expresión recurre exclusivamente a la representación de la mancha.

55 PRINCIPIOS DEL ARTE APLICADOS AL DISEÑO
El contraste se logra a través de la diferencia apropiada de valores asignados a cada superficie y sin recurrir a la expresión del trazo. Perfil de Gaudí y catedral de San Marcos

56 PRINCIPIOS DEL ARTE APLICADOS AL DISEÑO
Obsérvese como no es necesario “pintar” todos los elementos representados en el dibujo; la reserva del blanco para el viaducto, en primer plano, hace que éste se destaque con más fuerza que si se hubiera agrisado, debido al aumento del grado de contraste entre las diferentes superficies.

57 PRINCIPIOS DEL ARTE APLICADOS AL DISEÑO
Las siluetas de las viviendas vecinas a la representada, que constituye el tema del dibujo, se visualizan aunque éstas no hayan sido dibujadas.

58 PRINCIPIOS DEL ARTE APLICADOS AL DISEÑO
La expresión de los componentes especiales del ambiente como automóviles, personas, además de aquellos elementos estables como los de equipamiento urbano, demuestran que el objetivo del dibujante, en estos casos, es la expresión de una situación ambiental que puede ser circunstancial y momentánea.

59 PRINCIPIOS DEL ARTE APLICADOS AL DISEÑO
El tratamiento diferenciado de los sucesivos planos mediante manchas degradadas, no sólo facilita la clara representación del espacio que media entre el observador y el ‘fondo’, sino que permite entender las diferentes situaciones secuenciales – techado, cerrado, abierto, descubierto – que caracterizan al objeto.

60 PRINCIPIOS DEL ARTE APLICADOS AL DISEÑO
La expresión de los componentes especiales del ambiente como automóviles, personas, además de aquellos elementos estables como los de equipamiento urbano, demuestran que el objetivo del dibujante, en estos casos, es la expresión de una situación ambiental que puede ser circunstancial y momentánea.