Educación artística y su didáctica Melissa Caro Huerta 1º Primaria

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1 Educación artística y su didáctica Melissa Caro Huerta 1º Primaria
“40 PRINCIPALES” Educación artística y su didáctica Melissa Caro Huerta 1º Primaria

2 20 PINTORES FAMOSOS

3 Claude Monet ( ) Nació en París, Francia. Gran maestro del arte impresionista y sin duda uno de los connotados en la pintura de este estilo. A sus 18 años conoció al pintor Boudin, quien gustaba de trabajar al aire libre, característica que también acompañó a Monet toda su vida. Más adelante conoció a Pissarro,Sisley, Renoir y Bazille con los cuales formó el grupo de disidentes de la época, que impulsaron las artes francesas a una posición de vanguardia. En algunos de sus cuadros, Monet rompe la barrera entre realismo y expresionismo puesto que teniendo mucho de lo último no carecen de lo primero. A medida que ganamos distancia de observación, sus pinturas sumergen en un realismo mágico y cristalino, difícil de encontrar en otros pintores del mismo estilo. Ciertamente que el gran Manet era su ídolo. Al final de su carrera Monet incursionó en la pintura abstracta.

4 “Amapolas”

5 “Blanca y Susana”

6 “En el café”

7 “Sol naciente”

8 “Mujer con parasol”

9 Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682)
Nació en Sevilla, España. Pintor Barroco, post-renacentista de escenas costumbristas y religiosas. Seguidor y admirador de su contemporáneo Diego Velázquez. Recibió influencias de maestros que pintaban al estilo de Caravaggio, como también de pintores flamencos y venecianos. A la hora de retratar personajes de la vida diaria, la pintura de Murillo destaca por el logro de una luminosidad íntimamente cómplice con la escena que muestra. En este sentido fue un gran innovador para su época. Muy preciado entre algunos famosos pintores ingleses, fue él quien les influenció marcadamente el estilo. Entre otros, se puede mencionar a Constable y a Reynolds. Aunque los trabajos de Murillo, fueron los primeros de un pintor español, que lograron fama en toda Europa, el paso del tiempo dio a Velázquez una popularidad superior.

10 “Rebeca y Eliezer”

11 “Adoración de los reyes magos” “Dos mujeres en la ventana”

12 “Niño con un perro”

13 Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599 -1660)
Nació en Sevilla, España. Pintor naturalista del período Barroco, dedicado a los retratos, paisajes, escenas de la vida diaria, cuadros religiosos y mitológicos. A sus 21 años Velázquez ya es un artista bien reconocido en su ciudad. Como referente para alcanzar el estilo y técnica deslumbrante que lo caracterizan, estudió pintando réplicas de cuadros de El Greco, adoptando el alto contraste entre luz y sombra empleada por este último, característica que mantiene a lo largo de su carrera. Conoció de cerca a Rubens y compartió con él por varios meses en Madrid. Luego cuando visitó Italia a sus 29 años, realizó réplicas de El Tintoretto en Venecia y posteriormente en Roma lo hizo con obras de Rafael y Miguel Ángel. En España fue pintor de la corte del rey Felipe IV, del cual pintó muchos retratos, cosa que también hizo con otros miembros de la familia real. El naturalismo de Velázquez es único. Su coloración a veces platinada, otras diamantinas, nos ofrece una apariencia fotográfica difícil de imitar. Sin duda la maestría de Velázquez influenció notoriamente a varias generaciones de pintores tanto españoles como extranjeros.

14 “Cocinando huevos”

15 “Mujer con abanico” “Las meninas”

16 “El enano de Vallecas”

17 Leonardo da Vinci ( ) Nació en Anchiano, Toscana, Italia. Arquitecto, inventor, y pintor del alto renacimiento italiano. A los 5 años se mudó con el padre al pueblo de Vinci y luego a los 15 a Florencia donde ingresó al estudio de un gran artista escultor de la época: Andrea del Verrocchio, maestro del cual recibió la influencia más importante. Allí trabajó junto a Botticelli, el Perugino y otros famosos. En sus primeras pinturas, Leonardo ya mostraba las dotes de un genio y se puso a la cabeza de otros de su época, innovando con su estilo subliminal. Dibujaba la perspectiva y los entornos como nadie lo hiciera antes. En 1503, un mercader florentino llamado Francesco del Giocondo, encargó a Leonardo el retrato de su tercera esposa de 24 años de edad: Lisa di Noldo Gherardini. Esta obra hoy la conocemos como “La Gioconda" o "Mona Lisa" y es la obra pictórica más conocida de todos los tiempos.

18 “La Mona Lisa” “Madonna Lita”

19 “La última cena”

20 Sandro Botticelli ( ) Nació en Florencia, Italia. Pintor líder del renacimiento florentino que desarrolló un estilo personal caracterizado por línea marcada y elegante. Botticelli pasó su vida pintando retratos y cuadros por encargo de las familias prominentes de Florencia. También realizó obras religiosas, de las cuales destacan sus madonnas y pinturas al fresco realizadas en la Capilla Sixtina del Vaticano.

21 “El nacimiento de Venus”
“Venus y Marte”

22 “Mujer joven” “La primavera”

23 Miguel Ángel, (Michelangelo Buonarroti) 1475-1564
Nació en Caprese, Florencia, Italia. Insigne pintor, escultor, arquitecto y poeta del renacimiento italiano. Maestro destacado por su colaboración en el desarrollo del arte occidental. Sin duda es este el artista al cual todos sus contemporáneos y siguientes quieren emular. Sus primeros pasos serios en la pintura, fueron en el estudio de Ghirlandaio, otro de los maestros superdotados italianos, quien quedaba estupefacto al ver las creaciones de Miguel Ángel, las cuales no imitaban las suyas como otros discípulos de su academia. A los 22 años Miguel Ángel esculpe para el Vaticano: La Pieta (La Piedad, mármol de 174 centímetros de alto y ancho de 195), en la Basílica de San Peo, obra incomparable en la historia del arte europeo. A esto se suman los frescos que pinta en la Capilla Sixtina, admirados desde su creación. Los maestros insuperables de esa época y que establecen las reglas del arte pictórico son: El Giotto y Leonardo. Nadie esperaba la aparición de algo superior. Sin embargo las obras de Miguel Ángel van más allá de toda expectativa.

24 “Creando Luna y Sol” “Delfos y Sílfide”

25 “La capilla sixtina”

26 “Estudio de cabeza”

27 Picasso, (Pablo Ruiz Picasso) 1881-1973
Nació en Málaga, España. Pintor y escultor cubista que revolucionó el arte durante la primera mitad del siglo XX. Sus primeros pasos en la adquisición de identidad pictórica los realiza observando las obras de impresionistas franceses como Manet, Courbet, Toulousse-Lautrec, más adelante el fauvinismo, (fovismo) de Henri Matisse y la pintura plana de Henri Rousseau. Si bien Picasso empleó, a comienzos de su carrera, diversos estilos de pintura que van desde el realismo clásico, la caricatura y hasta esbozos de surrealismo (pintura ecléctica), no bastó mucho tiempo, para que junto a su amigo Georges Braque, lanzaran en 1909 el cubismo, que sin ser estilo abstracto, rompía las márgenes del concepto clásico de pintura hasta ese momento conocido. Esta búsqueda incesante de nuevas fronteras en el mundo de la percepción y la gráfica establecen al innovador Pablo Picasso como maestro célebre de las artes modernas.

28 “Ciencia y caridad”

29 “Hombre durmiendo” “Dora Marr”

30 “Mujer con mantilla”

31 Rembrandt Harmenszoon van Rijn, 1606-1669
Nació en Leiden, Holanda. Pintor barroco de retratos y dibujante superdotado. En un principio siguió a el Caravaggio que era gran maestro de la técnica del claroscuro, a Rubens por su brillosidad y colorido vigoroso y a Tiziano por la forma libre de utilizar el pincel. Ya a los 25, Rembrandt aplica en sus obras un estilo personal revolucionario que se aleja de la forma suave de pintar de los maestros holandeses contemporáneos y se sumerge en la técnica de los maestros italianos. Su pincelada gruesa, a veces sobrecargada de pintura, agrega a sus obras una textura inédita hasta ese momento. En vez de reflejar con exactitud las escenas, Rembrandt se inclina por retratar sugestivamente lo que ven sus ojos. Por otra parte, sin haber conocido Italia, aplica el estilo de pintar de los venecianos, que muestra un entorno obscuro para terminar con máximo fulgor en la imagen. En esa época los colores apropiados para una pintura eran limitados por los estándares académicos, sin embargo Rembrandt innovó con nuevos extremos de colorido y a la vez logró un equilibrio exuberante entre esos extremos. Su técnica de aplicación de capas, desde el fondo hacia adelante, con una transición imperceptible de colores y tonos (esfumado), lo sitúan entre los capaces de dar transparencia con la calidad que lo hacen Leonardo y Miguel Ángel.

32 “Noble eslavo” “Rosalba Peale” “Hendrickje en el río”

33 Pierre Auguste Renoir (1841-1919)
Nació en Limoges, Francia. Pintor impresionista de retratos, panoramas citadinos y escenas de la vida diaria. Formó parte del selecto grupo de maestros que revolucionaron el arte pictórico al introducir el impresionismo como estilo de pintura, que más allá de pretender el perfeccionismo de las formas como normalmente se acostumbraba, apunta a retratar las escenas como el ser humano las ve. En este estilo donde se combinan el temperamento del pintor y la impresión ocular que tiene de la escena, logra la atención del observador de la obra, quien se identifica con la impresión que se lleva de lo que observa y no con la realidad absoluta difícil de recordar. Generalmente un maestro impresionista no requiere de un modelo estático para realizar sus cuadros, si no que pinta lo que su memoria a registrado. Esto le permite introducir elementos subjetivos y a veces ajenos a la escena, en la cual se ha inspirado. Para lograr este tipo de pintura, los artistas franceses dieron un golpe a la cátedra y desarrollaron una técnica de pinceladas libres, que sin bien se asemejan a manchas de color, en la práctica, al tomar distancia de la obra, se transforman en componentes reales. Si bien Renoir no fue el fundador de la escuela impresionista (Pissarro), sin duda contribuyó con su maestría a la difusión de esta escuela de pintura. Entre sus camaradas de profesión y amistad están el mismo Pissarro, Monet, Sisley, Cézanne, Degas, Caillebot y Bazill. A través de su carrera Renoir experimentó cambios evolutivos en su pintura. Pasó por tres períodos de impresionismo: el primero como tal el segundo llamado período seco o "ingresque" , acercándose a Ingres, dando mayor definición de las figuras, emulando la técnica veneciana de Rafael y finalmente, el estilo anacarado (tornasolado, iridiscente),

34 “En la terraza”

35 “Joven con margaritas”
“Juanito dibujando” “Joven con margaritas”

36 Vincent van Gogh ( ) Nació en Groot-Zundert, Holanda. Pintor de estilo postimpresionista de cuadros al óleo, dedicado a este arte los 10 últimos años de su vida. Trabajando en Bélgica como pastor evangelista decidió iniciar su carrera. Allí conoció las obras de Daumier y Millet, donde asistió a una academia de arte en Antwerp, cerca de Bruselas. Posteriormente radicado en Francia, junto a su hermano Theo quien trabajaba para una galería de arte, conoció de cerca a Degas y Pissarro. Este último influenció la coloración que Van Gogh utiliza. Trabajó por períodos con Signac (puntillismo) y Gauguin (influenciador del fovismo). La demencia que le sobrevino a Van Gogh le impidieron mantener relaciones personales duraderas, y por ello, no logró disfrutar en vida la fama que gozaban los postimpresionistas clásicos. Sin embargo a los pocos años de fallecido sus obras alcanzaron celebridad y un valor inesperado en el mercado de la pintura.

37 “Café en Montmartre” “Doce girasoles”

38 “Mujer en el café de Tambourín”
“Granja en Provenza” “Mujer en el café de Tambourín”

39 Rafael (Raffaello Sanzio) 1483-1520
Nació en Urbino, junto a la frontera sur de la república de San Marino, en territorio italiano. Uno de los tres grandes maestros de la pintura del alto renacimiento, famoso por sus madonnas y obras religiosas en el Vaticano. Su primer paso fue el contacto con los trabajos de Signorelli y Uccello entre otros. A los 17 años se transforma en pupilo de El Perugino, del cual hereda la simpleza que evita retratar los detalles en exceso. Rafael, sorprende con la claridad de sus formas, es sencillo y directo. Poco a poco, alejándose de la influencia del maestro, se inclina hacia la manera de pintar de sus compañeros Leonardo y Miguel Ángel, con quienes se une en Florencia alrededor en Los tres son llamados a decorar la capilla Sixtina en Roma, hoy en el Vaticano. Los frescos de Rafael gozan de estilo personal, distante del detallismo florentino desarrollado en ese mismo lugar por Botticelli, Ghirlandaio y della Francesca. Sin embargo, en sus obras de pintor ya maduro, si se trata de influencias, asoma la mano del más talentoso de todos los tiempos: Miguel Ángel.

40 “Madona connestabile”
“La disputa” “Madona connestabile”

41 “Dama con unicornio”

42 “La escuela de Atenas”

43 Jean Honoré Fragonard (1732-1806)
Nació en Grasse, Francia. Pintor de escuela post Barroco, estilo Rococó. A sus 24, viaja a Italia por 5 años donde es reconocido por sus pares. De ahí también nace la admiración por el gran maestro Tiepolo del cual recoge la forma en que se aplica la luminosidad a la escena, cosa presente en algunas de sus obras. La técnica de Fragonard es impecable y va más allá del colorido rococó que utiliza con maestría. Su realismo es mágico. No hace falta ser experto para saber que una obra de estas las tiene que haber pintado un genio.

44 “La joven”

45 “La inspiración” “robo del beso”

46 Doménikos Theotocópulos, “El Greco” (1541-1614)
Pintor manierista español, considerado el primer gran genio de la pintura española. Pintó en un estilo bizantino tardío. El Greco era un hombre de gran erudición, aficionado a la literatura clásica. Alrededor del año 1566, se trasladó a Venecia, donde permaneció hasta Recibió una gran influencia de dos de los grandes maestros del renacimiento. Asimilando el colorido de Tiziano, y la composición de las figuras y la utilización de espacios amplios y de gran profundidad, de Tintoretto. La influencia de la obra de Michelangelo Buonarroti es evidente en su Piedad (1572). El estudio de la arquitectura romana reforzó el equilibrio de sus composiciones, que con frecuencia incluyen vistas de edificios renacentistas.

47 “Adoración de los pastores”
“La anunciación”

48 “Entierro del conde Orgaz”

49 “La Trinidad” “La dama del armiño”

50 Dalí Domenech, Salvador (1904-1989)
Pintor surrealista español nacido en Girona. En 1921 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid). En esa época se relacionó con Federico García Lorca, Luis Buñuel, Rafael Alberti, José Moreno Villa y otros artistas. En 1929, instalado en París, donde conoció a Pablo Picasso, se adhiere al surrealismo, aunque los miembros principales del movimiento expulsarían finalmente a Dalí por sus tendencias políticas derechistas. La producción de Dalí de este periodo se basa en su método "paranoico-crítico", inspirado en buena parte en las teorías de Freud: representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes. La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso.

51 “La persistencia de la memoria” “Bodegón al claro de luna”
“Galatea de las esferas”

52 “Muchacha en la ventana”

53 Daniel Vázquez Díaz (1882-1969)
Fue un pintor español. Considerado un artista a medio camino entre el realismo y el cubismo (también denominado por otros como neocubismo); fue un retratista y paisajista sobresaliente y reconocido por la decoración mediante frescos de unas salas del Monasterio de La Rábida (Palos de la Frontera) como una alegoría de carácter muy personal del Descubrimiento de América. Considerado una figura clave en la pintura española de mediados del siglo XX es una referencia para los pintores renovadores o vanguardistas de la época y para muchos investigadores actuales.

54 “Murales de la Rábida”

55 “La partida de las naves”
“Las bañistas”

56 “Retrato de Eva” “Desnudo de pie”

57 Francisco José Goya (1746-1828)
Pintor y dibujante innovador, uno del triunvirato de los grandes pintores españoles, con El Greco y Velázquez. Una gran parte del arte de Goya se deriva de Velázquez, como una gran parte del arte del francés Manet o del español Picasso se deriva de Goya. Su formación artística empezó a los 14 años como aprendiz de José Luzán. En 1763 fue a Madrid, y conoció a Francisco Bayéu, quien tuvo una gran influencia en la formación de Goya. En 1771 Goya fue a Italia por un año, a su regreso participó en varios proyectos al fresco y en 1786 trabajaba en calidad de pintor oficial de Carlos III, el más ilustrado de los monarcas españoles del siglo XVIII. Sus dibujos para tapices, ejecutados entre 1785 y 1795 fueron muy bien recibidos por su descripción de la vida cotidiana española. Con esos dibujos Goya revolucionó la industria del tapiz, que hasta entonces se había limitado a reproducir escenas flamencas del pintor David Teniers. Los cuadros de humor negro, como las escenas de brujas y otras actividades bizarras, figuran entre las más extraordinarias de sus últimos años.

58 “La maja vestida” y “La maja desnuda”

59 “Autorretrato” “Asalto de ladrones”

60 “El coloso”

61 Joan Miró ( ) Pintor español que estudió en la Escuela de Bellas Artes y en la Academia Galí. Sus obras recogen motivos extraídos del reino de la memoria y el subconsciente con gran fantasía e imaginación, y que se hallan entre las más originales del siglo XX. Su obra anterior a 1920 muestra una amplia gama de influencias, entre las que se cuentan los brillantes colores de los fauvistas, las formas fragmentadas del cubismo y las bidimensionales de los frescos románicos catalanes. En 1920 se trasladó a París, encontrándose con Pablo Picasso, donde, bajo la influencia de los poetas y escritores surrealistas, fue madurando su estilo. Miró arranca de la memoria, de la fantasía y de lo irracional para crear obras que son transposiciones visuales de la poesía surrealista. Posteriormente, Miró produjo obras más etéreas en las que las formas y figuras orgánicas se reducen a puntos, líneas y explosiones de colorido abstractos. También experimentó con otros medios artísticos, como grabados y litografías, a los que se dedicó en la década de También realizó acuarelas, pasteles, collages, pintura sobre cobre, escultura, escenografías teatrales y cartones para tapices.

62 “Mujer, pájaro y estrella”
“La masía” “Interior holandés”

63 Joaquín Sorolla  ( ) Pintor y artista gráfico. En 1874 empezó a estudiar en la Escuela Normal Superior donde le aconsejaron que también se matriculase en las clases nocturnas de dibujo en la Escuela de Artesanos. En ésta última recibió, en 1879, una caja de pinturas y un diploma como premio "por su constante aplicación en el dibujo de figura". Ese mismo año ingresó en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos a la par que trabajaba en el taller de su tío. En 1880 consiguió una Medalla de Plata por su obra Moro acechando la ocasión de su venganza en la exposición de la sociedad El Iris. Al acabar su formación, comenzó a enviar sus obras a concursos provinciales y exposiciones nacionales de bellas artes, como la de Madrid en mayo de 1881, donde presentó tres marinas valencianas que, aunque formidables, pasaron sin pena ni gloria pues no encajaban con la pintura oficial, de temática histórica y dramática. Al año siguiente, estudió la obra de Velázquez y otros autores en el Museo del Prado. Por fin, en 1883, consiguió una medalla en la Exposición Regional de Valencia y, en 1884, alcanzó la gloria al conseguir la Medalla de Segunda Clase en la Exposición Nacional gracias a su obra Dos de Mayo, obra melodramática y oscura hecha expresamente para la exposición.

64 “Paseo a orillas del mar”
“Niños en la playa” “Paseo a orillas del mar”

65 “Clotilde con traje de noche”

66 Francisco de Zurbarán (1598-1664)
Zurbarán fue un genial pintor de la época barroca española. Vivió durante el siglo XVII, es decir, en el primer Barroco. Fue coetáneo de los grandes pintores del Siglo de Oro, como Velázquez, Murillo, Ribalta y Ribera. Su estilo se mantuvo prácticamente invariable, mientras que el de los anteriores iba evolucionando. La orden de los Dominicos deseaba una serie de cuadros acerca de la vida monástica para su convento de San Pablo, convirtiéndose la buena realización de los mismos en el detonante para la consecución de otro encargo más, proveniente en este caso del convento de la Merced en 1628, transmitiendo el Ayuntamiento de Sevilla al pintor, un año más tarde, su deseo de que se instalara de forma definitiva en la ciudad, siendo aceptada la propuesta por éste. Lo cierto es que Zurbarán gozó de fama en su época, algo que propició que nunca le faltaran los encargos, en mayor o menor medida, los cuales se sucedieron a lo largo de los años en forma de peticiones de grandes series pictóricas por parte de diversas órdenes religiosas (Jerónimos, Cartujos…), aunque también llegará a enfrentarse al tema mitológico durante la breve estancia que pase en Madrid participando en la decoración del Palacio del Buen Retiro, no saliendo demasiado airoso de esta prueba, y al género del bodegón, del que se revelará maestro. Es el máximo representante del Naturalismo tenebrista en el Barroco español.

67 “La anunciación”

68 “San Hugo en el refectorio” “Aparición del apóstol San Pedro”

69 José de Ribera ( ) Ribera es un pintor destacado de la escuela española, aunque su obra se hizo íntegramente en Italia y de hecho, no se conocen ejemplos seguros de sus inicios en España. Ribera decidió marchar a Italia y seguir las huellas de Caravaggio. Así inició con unos 17 años su viaje, primero al norte, a Cremona, Milán y a Parma, para ir luego a Roma, donde el artista conoció tanto la pintura clasicista de Reni y Ludovico Carracci como el áspero tenebrismo que desarrollaban los caravagista holandeses residentes en la ciudad. El uso del dramatismo de Caravaggio fue su punto fuerte. Evolucionó del tenebrismo inicial a un estilo más luminoso y ecléctico, con influencias del renacimiento veneciano y de la escultura antigua, y supo plasmar con igual acierto lo bello y lo terrible.

70 “Sileno ebrio”

71 “El martirio de San Felipe”

72 “La cara de María” “María von Ägypten”

73 10 ESCULTORES

74 Gian Lorenzo Bernini (1598-1680)
 Fue uno de los artistas más sobresalientes del barroco italiano. Su gran habilidad para plasmar las texturas de la piel o de los ropajes, así como su capacidad para reflejar la emoción y el movimiento, eran asombrosas. Bernini introdujo cambios en algunas manifestaciones escultóricas como los bustos, las fuentes y las tumbas. Su influencia fue enorme durante los siglos XVII y XVIII, y puede comprobarse en la obra de maestros como Pierre Puget, Pietro Bracci y Andreas Schlüter. Toda su vida la dedicó al trabajo y su trayectoria se caracteriza por el gran número de proyectos que emprendió. Desarrolló su carrera casi por completo en Roma, aunque había nacido en Nápoles.

75 “Fontana del moro”

76 “Apolo y Dafne” “María Magdalena”

77 Donatello, (Donato di Betto Bardi) 1386-1466
Escultor célebre, preferentemente de temas religiosos, considerado el máximo exponente de su disciplina en el Renacimiento italiano. Donatello sentó bases claras respecto a la escultura renacentista y fue el estilo a seguir de todos los escultores posteriores a él. De raíz clásica romana, dejó un legado magnífico puesto que sus obras fueron realizadas utilizando una vasta gama de materiales y técnicas, las que dominó a la perfección. Contemporáneo del gran escultor y también innovador Della Robbia, la historia sitúa a Donatello sobre este, y se basa en el aporte realizado al movimiento de renovación artística que desterró los estilos medievales. Prolífico como el solo, el inigualable Donatello dejó un legado de, piezas de estilo original, que hasta su aparición nadie había creado. Esculpe, talla y graba utilizando mármol, metal, madera, terracota y piedras nobles.

78 “El Gattamelata” “Tumba de Juan XXIII”

79 “Magdalena penitente”

80 François Joseph Bosio (1768-1845)
Escultor francés del período neoclásico europeo que realizó sus estudios en Francia e Italia. Creador de estatuas monumentales de metal y mármol como también de bustos para nobles, que lo hicieron famoso en su patria. Luis XVIII y Carlos X monarcas de Francia lo honraron en vida nombrándolo escultor oficial de sus respectivas cortes.

81 “Hércules y la serpiente”
“Luis XV” “Hércules y la serpiente”

82 “Ninfa de Salmacis”

83 “Arco de Triunfo del Carrusel”

84 Antonio Cánova  ( ) Escultor italiano que, fue uno de los exponentes máximos de la escultura neoclásica. Conoció el arte clásico en sus visitas a Roma y Nápoles y, después de instalarse en Roma en 1781, fomentó activamente la recuperación del gusto por los estilos romano y griego antiguos. Obras tales como las tumbas del papa Clemente XIV (que comenzó en 1784, iglesia de los Santos Apóstoles, Roma) y la del papa Clemente XIII (que comenzó en 1787, San Pedro, Roma) y su Perseo (1801, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), significaron su reconocimiento como el escultor neoclásico más importante de la época. Recibió encargos de Napoleón, entre los que se cuenta la famosa Paulina Bonaparte Borghese como Venus ( , Galería Borghese, Roma), estatua de su hermana, reclinada en un diván con una serena sensualidad. Después de la caída de Napoleón, Canova fue enviado por el Papa a París para recobrar los tesoros artísticos arrebatados al patrimonio italiano, gestión que le valió el título de marqués de Ischia. También realizó encargos en Inglaterra.

85 “Psique reanimada por el beso del amor”
“Paulina Bonaparte” “Psique reanimada por el beso del amor”

86 “Venus y Marte”

87 Auguste Rodin ( ) Escultor francés contemporáneo a la corriente Impresionista. Enmarcado en el academicismo más absoluto de la escuela escultórica neoclásica, es el escultor encargado no sólo de poner fin a más de dos siglos en busca de la mimesis en las artes tridimensionales, sino de dar además un nuevo rumbo a la ya obsoleta concepción del monumento y la escultura pública. Es por esto que Rodin ha sido denominado en la historia del arte: «el primer moderno». El proceso por el cual están hechas sus esculturas es el vaciado, y aunque en la actualidad conocemos estas piezas trabajadas en bronce, en su época Rodin elaboraba estas piezas en yeso.

88 “El pensador”

89 “Las puertas del infierno”
“Mujer agachada” “Las puertas del infierno”

90 Benvenuto Cellini ( ) Escultor, grabador y escritor florentino. Se convirtió en uno de los orfebres más importantes del Renacimiento italiano y realizó monedas labradas, joyas, floreros y adornos exquisitos. Fue discípulo de Miguel Ángel durante corto tiempo. Cellini ha sido considerado como un prototipo del hombre del Renacimiento y uno de los más conspicuos escultores del Manierismo tanto en mármol, como sobre todo en bronce.

91 “Relieve en la base del Perseo”

92 “Musa de Founteinbleu”

93 Fidias ( a.C.) Artista que por sus obras es considerado representante emblemático de la escultura griega. Sus trabajos más importantes y conocidos fueron realizados para formar parte del templo Partenón cuya construcción fue ordenada por Pericles. Fidias fue el arquitecto y decorador a cargo de este proyecto y para ello esculpió varias obras que en nuestros días aun son ejemplo de escultura helénica clásica. Fidias es un perfeccionista innato y la gracia presente en sus figuras consigue inmortalizar el sentimiento filosófico y espiritual en el arte de su época cuyo propósito principal era plasmar los aspectos imperecederos y permanentes de la belleza humana más que los detalles inherentes del modelo específico.

94 “Bajorrelieve estilo jónico”
“atenea” “Fidias” “Bajorrelieve estilo jónico”

95 Edmé Bouchardon ( ) Escultor, grabador y pintor francés de estilo clásico antiguo dedicado a la creación de estatuas metálicas, fuentes, piletas, esculturas religiosas y mitológicas en mármol. Antes de ser reconocido en su país estudió y esculpió en Roma por más de 10 años donde recibió la influencia que muestra en sus obras. De padre y hermano escultores, Bouchardon fue exponente emblemático de la corriente artística que retomaba la forma y pureza del estilo italiano antiguo en contraposición del recargado Rococó reinante.

96 “Cupido fabricando su arco”
“Flagelo de Cristo”

97 “Luis XV de Francia”

98 Luca della Robbia ( ) Nació en Florencia, Toscana, Italia. Escultor religioso de escuela florentina, impulsor de cambios a principios de la era renacentista. La historia no guarda información de su juventud. Ya maduro fue un vanguardista de su época y destaca por la originalidad y frescura de sus obras que encantan a primera vista. Della Robbia realiza trabajos en terracota (arcilla al horno), cubierta con barniz (vitrificado). La técnica utilizada para generar el material básico, la cocción y el brillo de sus lacas era exclusivo y provenía de una receta desarrollada por su misma familia, dedicada por generaciones al uso artístico de la arcilla. Una vez terminada la escultura, se pintaba de color blanco para simular mármol y finalmente se sellaba con esmalte incoloro. Contemporáneo de Donatello, igualmente brilló con estilo separado del gran maestro del Renacimiento. La perfección de las formas que logra Della Robbia lo sitúan en la historia de la escultura como uno de los mejores. Su figura representa a aquellos que el arte les conmueve para actuar con heroísmo. Della Robbia, como buen pionero, arriesgó todo por innovar los estilos medievales reinantes. La expresión de sus obras comprueban que valió la pena, otorgándole sobradamente, un lugar de privilegio en la historia de la escultura europea.

99 “Virgen, niño y tres querubines”

100 “Niño con una vela”

101 “Tabernáculo”

102 Eduardo Chillida Juantegui (1924-2002)
Escultor español. Para Chillida "lo que es de uno es casi de nadie", por ello realizó numerosas obras públicas, así como esculturas, para museos de todo el mundo. Sus esculturas dialogan con el entorno, por lo que muchas de ellas son consideradas ya lugares emblemáticos para sus ciudadanos. Su talento, equiparable al de Brancusi o Giacometti fue pronto reconocido internacionalmente, quedando su obra repartida entre los mejores museos y colecciones públicas y privadas. Una gran parte de la producción artística de Eduardo Chillida está constituida por obras monumentales destinadas a espacios públicos. Su obra escultórica es de una gran fortaleza y belleza plástica y juega con el espacio donde se ubican y, sobre todo, sirve de ejemplo para nuevos artistas.

103 “Chillida-Leku”

104 “Elogio del horizonte”

105 “Yunque de sueño”

106 5 FOTÓGRAFOS

107 Henri Cartier Bresson (1908-2004)
Nacido en el año 1908 en Chanteloup, en Francia, no fue sino hasta cumplir los 23 años cuando empezó con la fotografía. Una Kodak Box Brownie fue su primera cámara fotográfica, y fue un año después cuando adquirió la que le hizo famoso: una Leica. Empezó con la fotografía deportiva, que le encantaba, pero pronto se dedicó al foto reportaje, y así, junto al también famosísimo Robert Capa, fundó la agencia Magnum Photos. Tuvo el honor de ser el primer fotógrafo que vio expuesta su obra en el Museo del Louvre, en París. Y es que fue un artista en el arte de saber captar el instante preciso. El “momento decisivo” como él lo llamaba. Nunca recortó los negativos, siempre los utilizaba completos y viajó por todo el mundo para hacer muchas de sus maravillosas fotografías. Cartier-Bresson fue uno de los mejores fotógrafos del siglo XX; incluso llegó a ser llamado “El ojo del siglo” por uno de sus biógrafos.

108 “Niños jugando en las ruinas”
“Au bord de la Marne” “Niños jugando en las ruinas” “Un clásico mirón”

109 Robert Capa (Andrei Fiedmann, 1913-1954)
Fotógrafo y corresponsal de guerra nacido en Budapest, Hungría. Fue Parías la ciudad que le marcó el futuro, y es que aquí, conoció a los que más adelante fundarían la Agencia Magnum con él. Allí, en Francia, trabajó durante unos años para la revista Vú. Fue en estos años, en 1936, concretamente, cuando con su primer foto-reportaje, tomó una de las fotografías que le han hecho famoso, aunque al mismo tiempo polémico. Esta foto fue “Muerte de un miliciano“. Aquel reportaje sobre la Guerra Civil española le reportó importantes beneficios y fama y le llevó a cubrir también la Segunda Guerra Mundial para la revista Life. Él, intrépido donde los hubiera, estuvo en el ataque japonés sobre la China, en el Norte de África y en el Desembarco de Normandía. En 1946 Robert Capa se nacionalizó estadounidense y poco después, junto a Henri Cartier-Bresson, Rodger, Vandivier y David Seymour, fundó la Agencia de Fotografía Magnum, referente en el mundo de la fotografía periodística independiente.

110 “Muerte de un miliciano”
“Madrid 1936” “Muerte de un miliciano”

111 “Niños jugado a la guerra”

112 Alberto Ruíz López (1968…) Nace en Madrid y estudia arte y sonido en la Facultad de Ciencias de la Información de Madrid. Empieza su andadura fotográfica en los años 90 colaborando como fotógrafo con varias productoras. En 1995 viaja a Londres, donde vive más de 4 años, aproximándose aquí a las nuevas tendencias fotográficas y audiovisuales. En 1999 vuelve a España donde se forma en diseño gráfico y fotografía digital, cumplimentando sus conocimientos en talleres monográficos, seminarios y ciclos de conferencias. Actualmente trabaja como fotógrafo profesional especializado en paisajismo e interiorismo. Colabora con varias empresas, productoras y agencias de publicidad. Sus obras han sido expuestas en Europa y Asia

113 “Escocia” “El día más triste” “picnic”

114 Víctor Cucart (1965…) Comenzó su andadura en su Valencia natal. A los pocos años se trasladó a Madrid y empezó a trabajar para importantes agencias de publicidad y moda. Su trayectoria profesional y artística ha llevado un ritmo ascendente y es patente su colaboración en las más importantes revistas españolas como Hola, Semana, Lecturas, Diez Minutos, Man, Mía y Arte de Vivir, entre otras muchas. A raíz de la publicación de su libro ‘Desde el interior’ en 2004 ha expuesto en Madrid y en diferentes lugares de la geografía española.

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117 Berenice Abbot ( ) Nace en Springfield. Tras realizar sus estudios de escultura en New York y París, descubre su verdadera vocación fotográfica debido a la fuerte influencia de Man Ray. En 1925 instaló su propio estudio e hizo retratos de expatriados parisinos, artistas, escritores y coleccionistas. Rescató y catalogó estampas y negativos de Atget después de su muerte. En los años 1930, fotografió los barrios de Nueva York para el Proyecto Artístico Federal de la WPA, documentando su arquitectura cambiante y siendo publicadas muchas de esas fotografías en Changing New York en 1939.

118 “Vista de noche”

119 “Tiempo en la ciudad”

120 5 DISEÑADORES GRÁFICOS

121 David Carson (1956…) Sociólogo norteamericano que empezó a diseñar por gusto propio, nació en Texas en el año de David Carson fue el pionero del diseño estrafalario y alternativo en el diseño editorial, fue director de arte de la revista Ray Guy, sus trabajos más famosos resultaron de la dirección artística en las revistas Transworld Skate Boarding ( ), Musician (1988), Beach Culture ( ), Surfer ( ),en 1993 funda GarageFonts digital typefoundry como vehículo para distribuir las fuentes usadas en Raygun Magazine. En 1993, se convirtió en consultor de diseño, entre sus clientes se incluyen; Burton Snowboards, GameNet Outdoors, Gotiche Clothing, Hallmark Corporation, Levis, Nike y Pepsi. En 1994 y 1995 realizó tareas como director fílmico de comerciales publicitarios para empresas como American Express, Citybank, Coca-Cola, Hardees, MCI, Norton Bank, Ryders Trucks, Sega, Tv Guide, Vans y Microsoft.

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123 Juan Gatti (1950…) Nacido en Buenos aires, trabajó hasta 1980 como diseñador gráfico y director de arte en Nueva York hasta que en 1980 se estableció en Madrid donde abrió su propio estudio de diseño en Ha trabajado para diseñadores como Jesús del Pozo, Loewe, Elena Benarroch… En 1988 hizo diseños gráficos para Almodóvar y otros cineastas. Ha sido también director de arte del calendario “Pirelli 2002” y autor del diseño del cartel para el 34th New York film festival.

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125 Isidro Ferrer Isidro Ferrer es un ilustrador y diseñador gráfico español. Formado en Barcelona , trabajó y vivió tanto en Zaragoza como en Huesca. Se le conoce por sus diseños para el diario El País y para las editoriales Santillana y Alfaguara, por pequeñas animaciones para Canal Plus, por la imagen gráfica del centenario de Luis Buñuel o por anuncios televisivos, como el del nuevo escarabajo de Volkswagen.

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127 Astrid Stavro (1972…) Nació en Italia. Estudió diseño gráfico en el Central Saint Martins College of Art & Design (BA Hons) y en The Royal College of Art (MA). En 2004 se mudó de Londres a Barcelona, donde fundó el Estudio Astrid Stavro. Desarrolla trabajos de diseño editorial, identidad y exposiciones. Ha ganado varios premios de diseño nacionales e internacionales y escribe artículos para las revistas Grafik, Visual y Étapes.

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129 Daniel Gil ( ) Nació en Cantabria. Desde muy joven sintió inclinación hacia las artes plásticas lo que le llevó a estudiar Artes y Oficios en Santander y realizar posteriormente estudios de Bellas Artes en Madrid, carrera que abandonó para regresar a su ciudad natal. De regreso en Santander, se incorpora a los círculos artísticos y literarios de la época, en compañía de su hermano Francisco. En 1951 realiza su primer diseño de cubierta, es para el libro de Manuel Arce Carta de paz a un hombre extranjero, editado en Santander, en la colección "Flor". En los años cincuenta estudió en la Escuela de Ulm, dirigida entonces por Otl Aicher. Una vez en España se dedicó al diseño de discos, pero en 1966 comenzó a trabajar para Alianza Editorial, de la mano de Javier Pradera, donde desarrolló su obra más conocida como diseñador gráfico: las portadas de la colección “El Libro de Bolsillo”. Gil rompió con una estética editorial excesivamente convencional para introducir un nuevo lenguaje gráfico más innovador y experimental. Durante años contribuyó a crear una de las imágenes más sólidas y atractivas del diseño gráfico español y se convirtió en un referente para todas las nuevas generaciones de creadores gráficos.

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131 LA MUJER EN EL ARTE…

132 El arte y las diferentes manifestaciones plásticas son una fuente realmente interesante para llevar a cabo la tarea de desvelar y completar, al mismo tiempo, la imagen de la mujer. Desde el origen de las representaciones artísticas, la mujer ha estado presente en ellas, pero desde el siglo XVIII, se incrementó la presencia de las mujeres vistas desde una perspectiva más realista, mujeres más “reales”. Ha ido desapareciendo poco a poco la mujer plasmada bajo la imagen de María, heroína o santa para ser sustituida por imágenes o reproducciones de situaciones de la vida cotidiana. Se ha pasado de hacer en las obras grandes diferenciaciones entre hombres y mujeres, a representarse una igualdad de género incluso en la temática sexual. Se ha dado a la vez, mucha más importancia al hecho de intentar plasmar sentimientos y sensibilidad a través del arte en los diferentes campos (pintura, escultura, fotografía…), dejando atrás la temática religiosa.

133 a.C …

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141 1917…

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