El rococó.

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1 El rococó

2 El Rococó es un movimiento artístico nacido en Francia, que se desarrolla de forma progresiva entre los años 1730 y 1760 aproximadamente. El Rococó es definido como un arte individualista, antiformalista y cortesano. Se caracteriza por el gusto por los colores luminosos, suaves y claros. Predominan las formas inspiradas en la naturaleza, la mitología, la representación de los cuerpos desnudos, el arte oriental y especialmente los temas galantes y amorosos. Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida diaria y las relaciones humanas, un estilo que busca reflejar lo que es agradable, refinado, exótico y sensual.

3 Historia de la palabra El término «rococó» fue inventado en torno al año como una broma por PierreMaurice Quays, alumno de Jacques-Louis David. Supuestamente se trataría de una asociación de las palabras francesas "rocaille“(rocas) y “coquille" (concha), la primera de las cuales designa una ornamentación que imita piedras naturales y la segunda se refiere a ciertas formas curvadas de conchas de moluscos. El término rococó tuvo durante mucho tiempo un sentido peyorativo, antes de ser aceptado a mediados del siglo XIX como un término propio de la historia del arte.

4 Contexto histórico y social del rococó
Inicio: Estilo regencia primeras décadas del siglo XVIII( ) coincidiendo con la regencia de Felipe de Orleans por Luis XV (biznieto de Luis XIV)  Estilo Luis XV empezó hacia 1720 Final: Las excavaciones entre 1738 y 1748 de Pompeya y Herculano y su divulgación despertaron una verdadera fascinación por el «gusto a la griega», embrión del que, una vez consolidado, conoceríamos como Neoclasicismo y que coincide con el reinado de Luis XVI. Felipe de Orlean, sobrino de Luis XIV y regente de Luis XV Luis XV retratado por Maurice Quentin de La Tour en 1748

5 Expresión del rococó El estilo se expresa sobre todo en la pintura, la decoración, el mobiliario, la moda y en el diseño y producción de objetos. Su presencia en la arquitectura y la escultura es menor, puesto que su ámbito fundamental son los interiores y, en menor grado, las composiciones monumentales.

6 Evolución del barroco al rococó
Si lo Barroco estaba al servicio del poder absolutista, el Rococó está al servicio de la aristocracia y la burguesía. El artista pasa a trabajar con más libertad y se expande el mercado del arte. El Rococó se presenta como un arte al servicio de la comodidad, el lujo y la fiesta. Las escenas de su pintura recogen este nuevo estilo de vida. Con respecto a la vertiente social, se inicia un cambio en el papel de la mujer, que se convierte en organizadora de reuniones para hablar de literatura, política, juegos de ingenio o para bailar. Este entorno de alta actividad social dentro de la alta burguesía es el lugar adecuado para que los artistas se promocionen y hagan clientes. Los motivos del Rococó buscan reproducir el sentimiento típico de la vida aristocrática, libre de preocupaciones, o de novela ligera, más que batallas heroicas o figuras religiosas

7 Diferencias entre la pintura barroca y rococó
Barroco Rococó Centros artísticos relevantes España e italia Francia Luz Contrastes de luz Luminosa Color Contrastes dramáticos Colores pastel Claros delicados Temática religiosa mundana Protagonistas Personajes populares, Reyes Personajes de la Biblia Personas de la clase alta Personajes mitólogicos Carácter de la pintura, sentimientos que provoca Emociona, sobrecoge, impresiona Sensual, agradable Clientes La Iglesia Los Reyes La clase alta

8 Artistas destacados en la pintura rococó
Jean-Antoine Watteau (1684–1721) es considerado el más importante pintor rococó, creador de un nuevo género pictórico: las «fêtes galantes» (fiestas galantes), con escenas impregnadas con un erotismo lírico. Watteau, a pesar de morir a los 35 años, tuvo una gran influencia en sus sucesores. Antoine Watteau, en un retrato al pastel realizado por Rosalba Carriera (1721). La canción de amor, h

9 Artistas destacados en la pintura rococó
Thomas Gainsborough (Sudbury, bautizado el 14 de mayo de Londres, 2 de agosto de 1788) fue un pintor de paisajes y retratista inglés. considerado como uno de los grandes maestros del retrato y del paisaje. Autorretrato, (1759) Paisaje en Suffolk (1748)

10 Artistas destacados en la pintura rococó
Jean Siméon Chardin, llamado sin razón, incluso en vida, Jean-Baptiste-Siméon (París, 2 de noviembre de – 6 de diciembre de 1779), está considerado como uno de los más importantes pintores franceses del siglo XVIII. Se le conoce principalmente por sus naturalezas muertas y sus retratos. Autorretrato con gafas 1775 (pastel, 46 × 38 cm) Museo del Louvre, París Naturaleza muerta con jarrón y frutas 1750 Óleo sobre tela. Karlsruhe.

11 Artistas destacados en la pintura rococó
François Boucher (1703–1770) Fue famoso por sus pinturas idílicas y voluptuosas de temas mitológicos, alegorías sobre pastores y por varios retratos de Madame de Pompadour. Uno de sus cuadros más conocidos es el Desnudo recostado (Alte Pinakothek de Múnich) cuya modelo se identifica como Mademoiselle Louise O'Murphy, de catorce años, una amante del rey Luis XV. Muchacha tumbada (Marie-Louise O'Murphy( ), de François Boucher Diana después del baño Óleo sobre lienzo 57 cm × 73 cm Museo del Louvre, París de François Boucher

12 Artistas destacados en la pintura rococó
Jean-Honoré Fragonard (Grasse, 5 de abril de París, 22 de agosto de 1806) fue un pintor y grabador francés cuyo estilo rococó se distinguió por la exuberancia y el hedonismo. Uno de los artistas más prolíficos activos en las décadas del Antiguo Régimen, Fragonard fue autor de más de 550 pinturas (además de dibujos y aguafuertes), de las cuales solamente cinco están fechadas. Entre sus obras más populares están las pinturas de género, que reflejan una atmósfera de intimidad y velado erotismo. Inspiración (autorretrato, fragmento), 1769 Versión temprana de El columpio (entre 1750 y 1755), Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.

13 "El columpio" de Jean-Honoré Fragonard.
Un rico barón encargó este cuadro a Fragonard, como homenaje a su amante. Se cuenta que inicialmente el encargo era para François Boucher, quien lo rechazó por su atrevimiento. Representa una escena galante en un ambiente idílico. Una joven se balancea en el columpio que empuja un hombre mayor (seguramente su marido) mientras que abajo, a la izquierda, aparece un joven que mira debajo de su falda. El marido queda relegado a la sombra, mientras que el joven (amante de la mujer) luce en primer plano, entre vegetación y flores. El adulterio, un pecado duramente criticado en las clases proletarias, era aceptado como algo natural en las clases altas. El joven se encuentra tumbado a los pies de una escultura de Cupido. Dicha figura esconde una pista: pide silencio con un dedo en sus labios, lo que alude a un secreto. El amante muestra una expresión de arrebato, como si hubiese recibido una revelación, de carácter en este caso puramente terrenal. La muchacha le corresponde mirándole fijamente. Se ha captado el momento del máximo balanceo del columpio, pues un instante después éste volverá hacia atrás, hacia el hombre de mayor edad, representando así «un segundo de arrebatamiento erótico, tan voluptuoso y frágil como el Rococó mismo» Eva-Gesine Baur, «El rococó y el neoclasicismo» en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, pág. 360 Jean-HonoreFragonard, 1767 Óleo sobre lienzo 81 cm × 65 cm. Colección Wallace, Londres.

14 Artistas destacadas en la pintura rococó
Pintó los retratos de muchos de los miembros de la nobleza francesa y conforme avanzaba su carrera, a la edad de 23 años fue invitada a Versalles para pintar a la reina María Antonieta. ​ El primer cuadro lo pintó en La reina quedó tan complacida con el trabajo de Vigée-Lebrun, que recibió el encargo de pintar más retratos de ella, así como de los príncipes y de numerosos nobles. Marie Louise Élisabeth Vigée Lebrun (París; 16 de abril de Louveciennes; 30 de marzo de 1842) fue la pintora francesa más famosa del siglo XVIII y una de las retratistas más demandadas de su época. Su pintura está presente en un centenar de museos de 20 países. Su obra incluye 900 pinturas, entre ellas 700 retratos - muchos autorretratos, 30 retratos de su amiga María Antonieta y 67 retratos realizados durante los seis años de exilio en Rusia-. Durante sus viajes se convirtió en miembro de las Academias de Florencia, Roma, Bolonia, San Petersburgo y Berlín. Retrato de María Antonieta, 1783. Autorretrato, pintado en 1782 (National Gallery de Londres).

15 Artistas destacadas en la pintura rococó
Marguerite Gérard ( ) Marguerite Gérard nació en Grasse, en la Provenza, el 28 de enero de 1761 en el seno de una familia burguesa acomodada. Su padre, Claude Gérard, era fabricante de perfumes. Tenía poco más de 8 años cuando la pequeña Marguerite se trasladó a vivir a París con su hermana Marie-Anne y el marido de ésta, el famoso pintor rococó Jean-Honoré Fragonard. Marguerite no había recibido una educación formal pero pronto supo aprovechar la oportunidad de tener en su propia familia a un pintor de la talla de su cuñado. Fragonard se convirtió en su profesor con el que empezó a colaborar en su taller con tan sólo 14 años. llo-rococo-marguerite-gerard-1761.html Marguerite Gérard Lección de piano

16 Artistas destacadas en la pintura rococó
Adélaïde Labille-Guiard (París, 11 de abril de 1749 – 24 de abril de 1803) fue una pintora francesa, dedicada a temas de historia y retratos. El 31 de mayo de 1783, Labille-Guiard fue aceptada como miembro de la francesa Real Academia de Pintura y Escultura. Otras tres mujeres, entre las que estaba Vigée-Le Brun, fueron admitidas como miembros ese mismo día, con cierta consternación por parte de algunos miembros masculinos. La aceptación de las mujeres juntas creó una comparación entre su obra más que con la obra de los miembros precedentes, aliviando así las preocupaciones de los miembros antiguos. Las pinturas de Labille-Guiard y Vigée-Le Brun a menudo fueron comparadas por los críticos, siendo las opiniones más favorables, usualmente, a Vigée-Le Brun. La obra maestra temprana de Labille- Guiard, Autorretrato con dos alumnas, se expuso en el Salón de París en 1785, fue influida por el estilo de Vigée-Le Brun. La obra de Adélaïde Labille-Guiard se considera actualmente de igual valor. Autorretrato con dos alumnas 1785 las dos alumnas son Marie Gabrielle Capet y Marie Marguerite Carreaux de Rosemond

17 Pintoras de los siglos XVIII y XIX ninguneadas por ser mujeres
Una exposición rescata del olvido a autoras que dependieron del beneplácito de los hombres para poder darse a conocer. Ser hija o esposa de un pintor o académico del arte era hasta el siglo XIX la única vía para que las mujeres fuesen reconocidas como artistas. Con trabajos de Suzanne Giroust, Anne Vallayer-Coster y Ulrika Pasch, la muestra repasa obras de 1750 a 1860, un periodo de revoluciones sociales. La francesa Suzanne Giroust ( ), esposa del pintor rococó sueco Alexander Roslin, consiguió ser una figura reconocida en vida y fue uno de los pocos miembros femeninos de la Real Academia de Pintura y Escultura de Francia, a pesar de los recelos de los otros académicos, que impusieron entonces una norma con la que no podía haber más de cuatro mujeres a la vez en la institución. Marie-Suzanne Roslin de Alexander Roslin

18 la obra de Antón Rafael Mengs y los pintores europeos de su tiempo.
Anton Raphael Mengs (Aussig, Bohemia, Roma, 1779) fue un pintor y teórico1​ neoclásico. De origen checo, gozó de éxito internacional y trabajó para diversas cortes europeas: Dresde, Madrid y Viena, entre otras. Fue el pintor más famoso y mejor considerado de su tiempo, y ejerció en sus coetáneos una influencia notable. En la actualidad, más que sus obras históricas y alegóricas se valoran los retratos que realizó para numerosas cortes europeas. Su repercusión en el arte español fue notable, especialmente en la corte de Madrid. A su sombra despuntaron los Francisco Bayeu, Mariano Salvador Maella y Francisco de Goya, también intervino para que Goya obtuviese un primer empleo en la capital. Su difícil carácter hizo que se enemistara con muchos personajes de la corte, lo cual le hizo acortar su estancia. Durante su estancia en Nápoles competía como retratista con el máximo exponente rococó del momento, Pompeo Batoni. Del estrecho contacto con el rococó tomó la vitalidad y la frescura, que serían una constante en sus retratos. En 1761 pintó el fresco de El Parnaso en el techo de la Villa Albani, en Roma, que se convirtió en un manifiesto del neoclasicismo por su evidente empleo de soluciones tomadas de los maestros del Renacimiento y en particular de Rafael. Sus frescos fríos, de colores desvaídos y desprovistos de emoción según el gusto de la época, triunfaron sobre los de Tiépolo, a quien Mengs consiguió arrinconar Anton Raphael Mengs, autorretrato de madurez (1775).

19 Influencia de Mengs en Goya
Comparación retratos Mª Luisa de Parma Mengs y la Duquesa de Osuna Goya: La atmósfera empolvada de finura francesa se percibe en ambos retratos: en el primero el pelo grisáceo recogido elegantemente y la delicada gorguera del mismo tono rosáceo de las mejillas, sirven para destacar la belleza juvenil de los ojos vivaces y de la boca rojiza de una mujer que, algunos años más tarde, daría de qué hablar por su relación escandalosa con el Ministro Godoy. La Duquesa de Osuna, representada con los mismos tonos pasteles utilizados por Mengs, lleva un peinado a la moda que imita el juego de los volantes del vistoso sombrero. El brillo de los ojos completa la re nada y bella representación del rostro. Se apoya en la sombrilla que, aunque frágil, no parece «sufrir» por su peso. El detalle del abanico que sujeta en la otra mano nos lleva otra vez al terreno de Mengs. la Duquesa de Osuna de Francisco de Goya y Lucientes.1785. 104 x 80 Oleo sobre lienzo María Luisa de Parma, princesa de Asturias [Mengs]

20 Francisco Salzillo Francisco Salzillo y Alcaraz (Murcia, 12 de mayo de 1707-ibídem, 2 de marzo de 1783) fue un escultor barroco español, considerado como el más representativo imaginero del siglo xviii español y uno de los más grandes del Barroco. Salzillo se dedicó en exclusiva a la temática religiosa y supo plasmar en su estilo los cambios que se fueron produciendo durante el siglo xviii, lo que se vio plasmado en una escultura de transición hacia el rococó y el neoclasicismo. Influencias: Por medio de su padre Nicolás recibió la influencia de escultores italianos como Bernini y Andrea Bolgi. Del escultor francés Antonio Dupar la tradición española La Oración del Huerto. Obra maestra de Salzillo (1754) La disposición de las manos en algunas de sus obras fue un rasgo significativo que heredó de su padre: la izquierda sobre el pecho y la derecha extendida, a veces invertidas. El estilo personal de Francisco que caracterizaría sus obras destacó desde muy pronto, con técnicas como el terminado del cabello a punta de cincel o su labrado en forma de estrías muy finas. A diferencia de los grandes autores del siglo XVII, como Montañés o Gregorio Fernández, Francisco Salzillo no profundizaría en los aspectos dramáticos de las escenas, ahondando en conceptos naturalistas y de idealizada belleza que serán ya transición del final del Barroco al Rococó y al Neoclasicismo

21 Comparando a Gregorio Fernández y Salzillo.
Francisco Salzillo Telas con grandes arrugas. Dramatismo en la representación de la sangre y heridas Combina telas talladas con figuras con trajes reales, hay más riquezas en los ropajes y más brillo en las figuras. Interés por representaciones anatómicas Belleza idealizada. Interés por representar los detalles del cabello y barba. La Caída, de 1752, Museo Salzillo en Murcia. Detalle de la Piedad de La sexta angustia, Museo Nacional de Escultura, Valladolid.

22 Mobiliario y decoración de interiores. El estilo Luis XV
Mobiliario y decoración de interiores. El estilo Luis XV. Indumentaria y artes decorativas

23 Características: • Todos los muebles están hechos con gran atención a la comodidad • Rechazo a todos los elementos estructurales como: simetría, líneas rectas. • Objetos finamente pulidos, tratados con lacas de colores, tallados dorados, elegancia decorativa y frívola. • Reflejan una vida sin preocupación. • Formas Curvas y femeninas. • Patas largas, con solapa oblicua y compartimientos ocultos

24 Estilo Luis XV Ebanistería francesa Meissonier: superficies de madera barnizada complementadas con bronce. Ornamentos con motivos florales, escenas de máscaras, incrustaciones en piedra. Estilo Inglés Chippendale: La curva en S era la base de la belleza presente en el arte y en la naturaleza. Las La curva en s de las patas de las sillas nos sirve para identificar el Mobiliario Luis XV.

25 Estilo Luis XV

26 Estilo Luis XV Porcelana de Sèvres El primer color y el más célebre fue el azul intenso, utilizado por primera vez en El segundo color fue el azul celeste que reproducía algunas porcelanas chinas. En 1756 se introdujo el color verde prado, que se combinada con el azul o el rosado. Este último color, fue llamado el «rosa Pompadour» o «rosa Du Barry» nombres de las dos favoritas de Luis XV. Este rosa fue elaborado en 1757 por el químico Jean Hellot y se empleó con frecuencia durante una década y raramente después. se combinó la decoración con oro de 24 quilates

27 Vestimenta Rococó en el rococo los rasgos que predominan son: el lino, la seda, los brocados y damascos, los textiles gruesos de seda entrelazados con hilos de oro y plata, los terciopelos, los colores pastel, tonos neutros y suaves, estilo vintage.

28 Vestimenta Rococó Colocación del corsé, se necesitaban mas de dos asistentes para vestir el corsé y todas las prendas Vestido en el cual es visible la falda o el vestido interno (en la parte central) estampados recargados, encaje, colores pasteles y accesorios diversos Abanico Guarda infantes 

29 Vestimenta Rococó Manga Pagoda
se va ensanchado desde el comienzo y va formando capas sobrepuestas a modo de las pagodas, templos que existen en algunas zonas de Asia, a cierta altura se deja suelta sobresaliendo el brazo con la prenda que se lleva debajo . Vestimenta masculina: pantalones hasta las rodillas, camisa, chaqueta y casaca