Vanguardias artísticas El término implica la idea de lucha, de grupo que avanza, que se sitúa por delante. La vanguardia artística se manifestó como una acción de grupo reducido, una élite que se enfrentaba, incluso con violencia, a unas situaciones más o menos establecidas y aceptadas por la mayoría. Por esta razón acostumbraba ser rechazada socialmente, aunque con el tiempo alcanzó reconocimiento y se asimilaron sus ideas. Se puede considerar estos movimientos como una revolución del arte porque produjeron cambios profundos en el lenguaje de las artes. La constante búsqueda de lo nuevo y de ruptura con el pasado dio como resultado la renovación total del concepto de arte y sus límites. Estos movimientos artísticos renovadores, se produjeron en Europa en las primeras décadas del siglo XX, desde donde se extendieron al resto de los continentes, principalmente hacia América.

Características de las vanguardias históricas Una de las características visibles de las vanguardias fue la actitud provocadora. Se publicaron manifiestos en los que se atacaba todo lo producido anteriormente, que se desechaba por desfasado, al mismo tiempo que se reivindicaba lo original, lo lúdico, desafiando los modelos y valores existentes hasta el momento. Surgen diferentes ismos (futurismo, expresionismo, dadaísmo, cubismo, constructivismo, surrealismo, suprematismo, etc.), diversas corrientes vanguardistas con diferentes fundamentos estéticos, aunque con denominadores comunes: la lucha contra las tradiciones, procurando el ejercicio de la libertad individual y la innovación. audacia y libertad de la forma. el carácter experimental y la rapidez con que se suceden las propuestas, unas tras otras. En la pintura ocurriría una huida del arte figurativo en favor del arte abstracto, suprimiendo la personificación. Se expresaría la agresividad y la violencia, violentando las formas y utilizando colores estridentes. Surgieron diseños geométricos y la visión simultánea de varias configuraciones de un objeto.  El poeta/artista/arquitecto vanguardista no estaba conforme. Como el pasado no le servía, tenía que buscar un arte que respondiera a esta novedad interna que el individuo estaba viviendo, apoyándose en la novedad original que se lleva dentro. Tenían que abandonarse los temas viejos, carentes de sentido y sin respuestas para el individuo nuevo. Una conciencia social los llevaba a tomar posiciones frente al individuo y su destino. Dentro de las corrientes vanguardistas, los ismos surgieron como propuesta contraria a supuestas corrientes envejecidas y propusieron innovaciones radicales de contenido, lenguaje y actitud vital. Entre ellos se encuentran los siguientes:

Impresionismo El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la representaba. Su principal aporte a las vanguardias fue la liberación del poder expresivo del color. Los impresionistas manejaron la pintura más libre y sueltamente, sin tratar de ocultar sus pinceladas fragmentadas, y la luz se fue convirtiendo en el gran factor unificador de la figura y el paisaje. En 1874, fue la primera exposición de pinturas Impresionistas. Los pintores impresionistas más destacados fueron: Paul Cezanne (que luego se consideraría precursor del Cubismo), Edouard Manet, Edgar Degas, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Sorolla (español).

“Impresión, sol naciente” Claude Monet

“Autorretrato”, Paul Cezanne. 1874. “Bailarinas” Edgar Degas

“Campo de trigo con cuervos”. Van Gogh

“Paisaje serrano” Fernando Fader (1882 -1935)

“Un día” Serie de 4 pinturas. Fernando Fader.

Fauvismo El fauvismo, en francés fauvisme, (aprox. 1905-1908) fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color. Su nombre procede del calificativo fauve, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en el Salón de Otoño de París de 1905. Para los fauvistas el cuadro debía ser expresión, no composición y orden. El fundamento de este movimiento es la liberación del color respecto al dibujo exaltando los contrastes cromáticos. Los artistas fauves van a trabajar con la teoría del color interpretando qué colores son primarios, cuáles son secundarios y cuáles son complementarios. Mediante este planteamiento consiguieron una complementariedad entre colores, lo que producía un mayor contraste visual y una mayor fuerza cromática. En esta búsqueda tan dirigida hacia el color se olvidan otros aspectos como el modelado, el claroscuro o la perspectiva. La técnica pictórica fauvista emplea toques rápidos y vigorosos, trazos toscos y discontinuos, aunque se cree distorsión en las figuras: se persigue dar una sensación de espontaneidad. Otra característica de esta pintura es su intención de expresar sentimiento. Esto hizo que percibieran la naturaleza y lo que les rodeaba en función de sus sentimientos. El dibujo será un aspecto secundario para estos artistas. También se destacaba la función decorativa y se empleaban las líneas onduladas. Defendían una actitud rebelde, un intento de transgresión de las normas con respecto a la pintura. Pintaban gran variedad: de temas, algunos pintaron el mundo rural y otros el ámbito urbano. Algunos realizaron desnudos e interiores, mientras otros preferían la pintura al aire libre , otros mostraban la importancia de sentir la alegría de vivir.

Henri Matisse

“La danza” Henri Matisse

André Derain

Expresionismo El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania entre 1905 y 1925 Movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas. Arte más personal e intuitivo, donde la visión interior del artista –la “expresión”– es más importante que la plasmación de la realidad externa. Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939). El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido–. Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de los medios plásticos (el color, la pincelada). Reveló el lado pesimista de la vida, la angustia existencial del individuo, que en la sociedad moderna, industrializada, se ve alienado, aislado. Así, mediante la distorsión de la realidad pretendían impactar al espectador, llegar a su lado más emotivo e interior. Artistas: Munch, Rouault, Die Brücke (movimiento llamado “El puente”) Kandinsky, etc. Aunque su mayor centro de difusión se dio en Alemania, también se percibe en otros artistas europeos (Modigliani, Chagall, Soutine,) y americanos (Orozco, Rivera, Siqueiros, Portinari).

“El grito” Edward Munch.

Ernst Ludwing Kirchner “Mask” Nolde

Cubismo El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris El cubismo rompe con la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional y adopta la “Perspectiva Múltiple” Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Ya no existe un punto de vista único, se muestran múltiples puntos de vista al mismo tiempo. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen. Los temas no son nuevos: bodegones, paisajes y retratos. Utiliza tonos apagados como los grises, verdes, beiges y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta. Colores desaturados con negro, blanco y su complementario. Uso del Collage. Exponentes: Pablo Picasso y Juan Gris (españoles) y los franceses Georges Braque y Fernand Léger, el argentino Emilio Pettoruti.

“Las señoritas de Avignon” Pablo Picasso. 1907

Pablo Picasso Georges Braque

Juan Gris

Emilio Pettoruti

“Naturaleza muerta sobre silla de rejilla” Pablo Picasso 1912

Dadaísmo o Dadá Surgió en 1916 hasta 1922 en Suiza. Para los miembros del Dadaísmo, este era un modo de vida que hacían presente a través de los gestos y actos dadaístas: acciones que pretendían provocar a través de la expresión de la negación dadaísta. Al cuestionar y retar el canon literario y artístico, el Dadaísmo crea una especie de antiarte, es una provocación abierta al orden establecido. Se burlaban del artista burgués y de su arte cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. De hecho, por definición, cuestiona al propio Dadaísmo. El Dadaísmo se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. El Dadaísmo se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los conceptos abstractos. Propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, actual y aleatorio, la contradicción. Sus formas expresivas son el gesto, el escándalo, la provocación. Utilizaban métodos artísticos y literarios deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional. Sus representaciones teatrales y sus manifiestos buscaban impactar

El Ready – made (objeto encontrado) El artista francés Marcel Duchamp expuso como obras de arte objetos industriales —un secador de botellas y un urinario— a los que denominó ready-mades (arte encontrado u objeto encontrado). En 1913 Duchamp ensambló su primer readymade: Rueda de bicicleta. En 1917 su Fuente o Urinario, firmado con un seudónimo «R. Mutt», su “secador de botellas”

“Rueda de bicicleta” y “Urinario” Ready-mades de Marcel Duchamp

Litografía . Man Ray Fotografía de Man Ray

Bauhaus Escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por los nazis en el año 1933. Planteaban la reforma de las enseñanzas artísticas como base para la transformación de la sociedad burguesa de la época. La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones del diseño industrial y gráfico. Uno de los principios establecidos por la Bauhaus: "La forma sigue a la función“ Buscaba recuperar los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes. Para sus diseños se basaba en las formas elementales de las que se derivan todas las demás. El arte debía descubrir esas formas, desvelarlas, hacerlas visibles. Algunos de sus miembros (profesores): Paul Klee, Theo Van Doesburg, Kandinsky, Gropius, Mies Van der Rohe, László Moholy Nagy, Tatlin, Tomás Maldonado (argentino).

Diseños Bauhaus

Surrealismo surréalisme; sur [sobre, por encima] más réalisme [realismo]) es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920 , en torno a la personalidad del poeta André Breton. Automatismo psíquico puro, por cuyo medio se intenta expresar el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral.“ propone trasladar las imágenes oníricas al mundo del arte por medio de una asociación mental libre, sin la intromisión censora de la conciencia, dejando así que el inconsciente se exprese. Imágenes ambiguas. Extendieron el principio del ready made (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes. Max Ernst inventó el frottage. Importancia del azar: frottage, decalcomanía, Cadáver exquisito. Artistas: Buñuel, Dalí, Paul Éluard, Max Ernst, Yves Tanguy y Tristan Tzara, Jean Arp, Miró, Magritte, Giacometti, Matta (pintor chileno), Wilfredo Lam (cubano).

Salvador Dalí

“La metamorfosis de Narciso” S. Dalí

S. Dalí

Rene Magritte

Max Ernst

“Eye of silence” Max Ernst

“Divisibilidad indefinida” Ives Tanguy

“Carnival of harlequin” Joan Miró. 1924

Arte Cinético La expresión arte cinético es adoptada hacia 1954, para designar las obras de arte puestas en movimiento por el viento, los espectadores y/o un mecanismo motorizado. El arte cinético fue una corriente muy en boga desde la mitad de los 60 hasta mediados de los 70.  Búsqueda de movimiento real. Para realizar la obra el artista se plantea y sigue una estructura planificada. La mayoría de las obras cinéticas son tridimensionales, se despegan del plano bidimensional. Los recursos para crear movimiento son variados: tales como el viento, el agua, motores, luz, electromagnetismo. Busca la integración entre obra y espectador. Artistas más representativos: Julio Le Parc (argentino, contemporáneo), Alexander Calder creador de los móviles, Jesus Soto (Venezuela) y sus Penetrables.

Pop Art Surge a fines de los años 50 en Reino Unido y en 1961 en E.E.U.U. Es la manifestación de la cultura popular caracterizada por el consumo, la tecnología y la moda. Utiliza imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, (anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine). Busca imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, Resalta el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía. Un evento crucial fue la exhibición The American supermarket, una muestra celebrada en 1964 , la exposición estaba organizada como el típico pequeño supermercado estadounidense allí expusieron: Mary Inman, Robert Watts, Billy Apple. Andy Warhol hizo una torre de latas de sopa Campbell, valorada en 1500 dólares.

Andy Warhol

Roy Lichtenstein

Jasper Johns

Arte Óptico (Op Art) Surge en Estados Unidos a finales de la década de los '50, para asentarse en los años '60. Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real. Crea efectos ópticos de vibración y movimiento, utilizando Ilusiones ópticas que confunden al ojo. El observador participa activamente desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente. Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colores, luces y sombras, logran dar amplios efectos de movimiento y un total dinamismo a superficies planas, las cuales terminan siendo ante el ojo humano espacios tridimensionales llenos de vibración. Efecto Moiré. Los elementos dominantes del arte óptico son: líneas paralelas rectas o sinuosas, los contrastes cromáticos marcados (poli o bi-cromáticos), los cambios graduales de forma o tamaño, la repetición de formas o figuras geométricas simples como rectángulos, cuadrados, triángulos o círculos. Artistas: Víctor Vasarely, Yaacov Agam, Bridget Riley, Jeffrey Steele, Richard Anuszkiewicz, Michael Kidner, Artistas latinoamericanos: Jesús-Rafael Soto (Venezuela), Carlos Cruz Diez (Venezuela), Julio Le Parc (Argentina)

Victor Vasarely

Bridget Riley Bridget Riley

Victor Vasarely

Carlos Cruz Diez

Julio Le Parc

Arte Conceptual Surge a mitad de los años 60 en Nueva York. La idea dentro de la obra es lo más importante, la Idea prevalece sobre sus aspectos formales (formas, colores, materiales, los aspectos estéticos y sensoriales de la obra); en muchos casos la idea es la obra en sí misma. Emplea materiales como la fotografía, mapas y vídeos. En ocasiones se reduce a un conjunto de instrucciones para crear una obra, pero sin llegar a crearla realmente. De este movimiento han surgido formas artísticas como fluxus, (Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik) y el mail art.

Algunas Obras Conceptuales 1961: Robert Rauschenberg envió un telegrama a la Galería Iris Clert que decía: 'Este es un autorretrato de Iris Clert si yo lo digo.' como su contribución a la exposición de retratos que se estaba convocando en la galería. 1962: Christo y Jeanne-Claude exhiben Cortina de Hierro. Esta consiste en una barricada de barriles de petróleo en una calle estrecha de París que causó mucho desorden de tráfico. El trabajo no era la barricada en sí sino el tráfico provocado. 1962: FLUXUS Internationale Festspiele Neuester Musik en Wiesbaden con,George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik y otros. 1964: Yoko Ono publica Uvas: Un libro de Instrucciones y Dibujos. Un ejemplo de arte heurístico, o una serie de instrucciones acerca de como obtener una experiencia estética. 1965: Joseph Kosuth expone Una y Tres Sillas en el año de 1965. La presentación del trabajo consiste en una silla, su foto a tamaño real y una definición de la palabra "silla". Kosuth escogió la definición de un diccionario. Cuatro versiones de esta obra, con diferentes sillas y diferentes definiciones son las que se conocen. Films de Fluxus: UBUWEB

“Una y tres sillas” Joseph Kosuth

Ives Klein 1957: Escultura Aerostática (París) Ives Klein 1957: Escultura Aerostática (París). Esta estaba compuesta de 1,001 globos azules que fueron liberados hacia el cielo desde la Galería Iris Clert para promover su Proposición Monocromo; Época Azul. Klein también exhibió Pintura de Fuego de un Minuto, que era un panel azul en el cual 16 petardos fueron colocados. Para su importante exhibición El Vacío en 1958, Klein declaró que sus pinturas eran ahora invisibles y para probarlo exhibió una sala vacía.

Arte Minimalista. (Minimal Art) En 1965 el término “Minimal” para referirse a las pinturas y a otros objetos de muy alto contenido intelectual pero de bajo contenido formal o de manufactura. Se reducen las obras a lo esencial, despojadas de elementos sobrantes y ornamentos. Eliminan el “gesto” . Producción y estandarización industrial. Abstracción Economía de lenguaje y medios, colores puros, formas geométricas simples. Uso literal de los materiales. Austeridad con ausencia de ornamentos Purismo estructural y funcional Orden Geometría elemental rectilínea Precisión en los acabados Reducción y síntesis Sencillez Concentración. Artistas: escultores: Donald Judd, Sol LeWitt, Carl Andre, Dan Flavin y Robert Morris. La pintura minimalista tiene influencias del constructivismo , algunos pintores son: Robert Ryman, Robert Mangold, Agnes Martin.

Sol Le Witt Sol Le Witt. “Seis torres invertidas”

Sol Le Witt

Robert Ryman

Agnes Martin

Dan Flavin

Robert Mangold