Malevich Richter Poons

Presentación del tema: "Malevich Richter Poons"— Transcripción de la presentación:

1 Malevich Richter Poons
Kasimir Malevich Gerhard Richter Larry Poons LA CONTEMPORANEIDAD COMPARTIDA Planteamientos Formales Y De Contenido En Tres Trayectorias Prominentes

2 Kasimir Malevich_ en resumen
Nació cerca de Kiev en Ucrania . 23 de febrero, 1879 Murió en Leningrado, Rusia. 15 de mayo, (56) Trayectoria del artista 1890 – (45) Su carrera coincide con la Revolución Bolchevique de 1917 y con su desenlace social y cultural. Su mayor contribución en la evolución del arte moderno consiste en establecer que las formas geométricas básicas, abstractas por definición, pueden ser constituyentes independientes y significativamente válidas en la composición pictórica.

3 Kasimir Malevich_ en resumen
Comienza desde los doce años y por cuenta propia su interés en el dibujo. Se educó en las técnicas impresionistas y post-impresionistas. Influencias del simbolismo y el art noveau también son significativas en sus primeras obras. Se familiarizó con artistas como Kandisky, Burlyuk y Larionov. Participó de la exhibición colectiva titulada “Jack of Diamonds” y junto con el grupo llamado “Donkey’s Tail” enfocó su atención en las filosofías Primitivistas, Cubistas y Futuristas. Aunque el tema recurrente en sus obras en este período se basaba en escenas de la vida campesina e incluía influencia de Cézanne y los Fauvistas sus trabajos tenían una interpretación independiente: las figuras en sus trabajos de arte estaban construidas por formas cónicas y cilíndricas saturadas de colores primarios. Malevich adoptó este sistema de composición de la tradición de pintura icónica Bizantina y Rusa. Con la combinación de elementos esenciales del cubismo sintético y el futurismo italiano trabajó un estilo que tuvo como resultado una dinámica deconstrucción geométrica de figuras en el espacio. Llegando eventualmente al Suprematismo.

4 Kasimir Malevich_ ideas clave
Para el año 1915 abandona el elemento figurativo en su pintura hacia la exploración de formas geométricas puras (cuadrados, triángulos y círculos) y su relación entre ellos dentro del espacio pictórico libre de cualquier referencia iconográfica. Llamando al nuevo arte Suprematismo reclamaba literalmente un esfuerzo supremo que se eleva por encima del significado tradicional y la compresión racional de las formas pictóricas. Su filosofía estaba puramente interesada en las emociones y no en un razonamiento lógico. La base conceptual de su teoría aparece en su publicación titulada “Del Cubismo y Futurismo hacia el Suprematismo”. La distribución pública del texto coincidió con la exhibición, por primera vez, de el ahora famoso e icónico “Cuadrado Negro” (1915).

5 Kasimir Malevich_ ideas clave
Luego realizó las obras “Círculo Negro” y “Cruz Negra”. Malevich describía estas pinturas como “íconos nuevos” o imágenes sagradas para la estética nueva del arte abstracto. La serie negra fue seguida por pinturas de “Blanco sobre Blanco” con las cuales exploraba la relación entre formas puras hacia espacios despejados, sin el contraste extremo del blanco y el negro. Revolución Bolchevique: Inicialmente se integró y promovió su filosofía en el proceso revolucionario. Durante este período se desempeñó como académico y director en varios centros de eseñanza. Logró exportar sus ideas hacia occidente (Polonia y Alemania). Para los años treinta el panorama político no le favoreció y le fue negada su participación tanto en la enseñanza como en exhibiciones. Siendo considerado su arte como degenerado y anti-soviet.

6 Kasimir Malevich_ citas
“Para el suprematista el fenómeno visual del mundo objetivo no tiene, en sí mismo, importancia; lo importante es el sentimiento, tanto que se distancia del entorno al cual pertenece.” “El Naturalismo académico, el naturalismo de los Impresionistas, el cezaneismo, el cubismo etc., todo esto de alguna manera son nada más que métodos dialécticos los cuales, como tal, de ninguna manera determinan la importancia genuina de una obra de arte.” “El Suprematismo es el redescubrimiento del arte puro, el cual con el transcurso de el tiempo, se ha obscurecido por la acumulación de cosas.” “El cuadrado negro sobre el campo blanco fue la primera forma por la que la emoción no figurativa fue expresada. El cuadrado igual a la emoción, el campo blanco igual al vacio más allá de la emoción.”

7 Kasimir Malevich_ obras
Title: The Reaper Description: In The Reaper Malevich explored the human figure through a pictorial vocabulary reminiscent of Fernand Léger. The body and the dress of the peasant are rendered in conical and cylindrical forms adopted by Malevich from the Cubist school. The vibrant palette of the painting is unabashedly Futuristic, indicating Malevich's exposure to the dominating artistic styles of his time. The peasant theme is reinterpreted from the traditional folk motif, known as Lubok, which was in vogue with the Russian avant-garde milieu. While still clearly figurative, this composition anticipates the move toward abstraction by the employment of abbreviated and stylized forms. Year: Materials: Oil on canvas Collection: The Fine Arts Museum, Nizhnij Novgorod, Russia.

8 Kasimir Malevich_ obras
Title: Woman With Pails: Dynamic Arrangement Description: In this composition Malevich moved decisively toward abstraction by dissecting the figure and picture plane into a variety of interlocking geometric shapes. The figure is still identifiable, as are the pails that she carries; Malevich has not yet abandoned representation entirely. The general palette is comprised of cool colors dominated by blues and grays, though the accents of red, yellow, and ochre add to the visual dynamic of the composition. The few identifiably figurative elements, such as the figure's hand, seem to be lost inside the whirlpool of completely abstracted forms that structure the canvas. Year: Materials: Oil on canvas Collection: The Museum of Modern Art, New York

9 Kasimir Malevich_ obras
Title: Black Square Descrition: The iconic Black Square was shown by Malevich in the 0.10 exhibition in Petrograd in This piece epitomized the theoretical principles of Suprematism developed by Malevich in From Cubism and Futurism to Suprematism: The New Realism in Painting. The purely abstract shape of the square is the single pictorial element in the composition. According to Malevich, the perception of such forms should always be free of logic and reason, for the absolute truth can only be realized through pure feeling. Black Square was to become the new holy image for non-representational art. Even at the exhibition it was hung in the corner where an Orthodox icon would be traditionally placed. Year: 1915 Materials: Oil on canvas Collection: The Russian Museum, Saint Petersburg, Russia.

10 Kasimir Malevich_ obras
Title: Airplane Flying Description: In Airplane Flying Malevich further explored the pictorial potential of pure abstraction. The rectangular and cubic shapes are arranged in a solid, archtectonic composition. The yellow contrasts starkly with the black, while the red and blue lines add dynamic visual accents to the canvas. The whiteness of the background remains unobtrusive to the interplay of shapes. Malevich believed that emotional engagement is required from the viewer in order to appreciate the composition, which constituted one of the key principles of his theory of Suprematism. Year: 1915 Materials: Oil on Canvas Collection: The Museum of Modern Art, New York.

11 Kasimir Malevich_ obras
Title: White on White Description: In the White on White series, Malevich took his experiments with abstraction to a previously unexplored level. By minimizing coloristic effects, the artist put additional emphasis on abstract geometric formation and compositional structure. The slight change in tonality, however, distinguishes the abstract shape from the background of the canvas, and encourages close viewing. Once again, the artist is striving to portray the absolute by eliminating any unnecessary details that may hinder true feeling. Year: 1918, Materials: Oil on canvas Collection: The Museum of Modern Art, New York.

12 Kasimir Malevich_ obras
Title: Complex Presentiment: Half-Figure in a Yellow Shirt Description: In the late years of his life Malevich returned to exploring motifs prominent in his early work. This late painting could be compared to The Reaper (c.1912). The earlier example was obviously based on borrowed pictorial techniques (Fernand Léger, Pablo Picasso). In the later example, however, it is clear that Malevich has arrived at his own unique style. The primary colors are luminously juxtaposed and are reminiscent of Suprematist rectangles and cubes floating on the canvas surface. The figure is constructed from cylindrical shapes, abstracted and abbreviated, yet clearly indicating body parts. By returning to an old subject at a time of oppression from the Soviet state, Malevich seems to be nostalgic for an earlier time when his career was on the rise. Year: Materials: Oil on canvas Collection: The Russian Museum, Saint-Petersburg, Russia.

13 Gerhard Richter_ en resumen
Nació cerca de Dresde, Alemania . 9 de febrero, 1932 Vive al presente Colonia, Alemania 15 de febrero, (80) Trayectoria del artista 1951 – (61) Nació durante la época de dominio del Partido Nacionalsocialista Obrero Alemán. Vivió el desenlace de la Segunda Guerra Mundial y la división de Alemania entre este y oeste . Ha producido simultáneamente pinturas abstractas y fotorealistas como también fotografía y piezas en cristal erosionando así el concepto del artista obligado a mantener un estilo individual coherente.

14 Gerhard Richter_ en resumen
Es un pintor alemán que en su inicio se entrenó en un estilo realista y posteriormente desarrolló interés por los trabajos más progresivos de sus pares contemporáneos americanos y europeos. En su pintura ha explorado continuamente como las imágenes que aparentan capturar la verdad a menudo prueban , en una mirada amplia , que son mucho menos objetivas o con un significado inseguro, que como originalmente se asumió. El otro tema común en su trabajo es el de la casualidad o lo espontáneo y su juego entre lo realista y lo abstracto. Su trabajo se ha desarrollado paralelo a las últimas tendencias en el arte del siglo XX tales como el Expresionismo abstracto, ArtePop, Minimalismo, Conceptualismo pero sin abrazar a ninguna de ellas. Absorbiendo muchas de sus ideas mientras se mantiene exéptico a cualquier postura artística y filosófica.

15 Gerhard Richter_ ideas claves
Richter ha conservado una fascinación sobre el poder de las imágenes y sobre la larga y recelosa relación entre la pintura y la fotografía: mientras cada medio reclama reflejar o expresar fielmente la realidad, en última instancia cada uno sólo pueden sugerir una visión parcial o incompleta de un tema. Richter toma prestada la imaginería de su pintura de los periódicos o hasta de su propio albúm familiar. A menudo comienza por mecánicamente proyectar una de esas imágenes al lienzo, con esta técnica nos hace pensar acerca de como las imágenes frecuentemente parecen tener vida propia. Este acto de comprensión visual, en donde la fotografía, la proyección y la pintura se fusionan para completar una obra de arte, sugiere que toda visión es un tipo de conversión entre lo “real” hacia lo “imaginario”. Richter frecuentemente nubla sus temas y adopta en su proceso de pintar la casualidad. Con el propósito para demostrar la imposibilidad de cualquier artista para transmitir la verdad completa de un tema en su condición original. Tales recursos dan a entender entonces que algo esencial para el modelo se ha “perdido en la traducción” guiando a menudo al espectador hacia la naturaleza del intenso pigmento aceitoso, por lo tanto demostrando ambas expresiones, las fortalezas y las deficiencias.

16 Gerhard Richter_ ideas claves
En las pinturas totalmente abstractas de Richter, están ausentes cualquier rastro autobiográfico así como también sus emociones personales. En su pintura las numerosas capas, trazos y raspes de color llegan a considerarse tan “bellas”, como cualquier cosa encontrada en la naturaleza que existe conforme a una estructura predeterminada, (como lo es el DNA), así también por la via de momentos impredecibles de pura casualidad y por la acción de fuerzas externas. En un momento donde la “muerte de la pintura” era la proclama en ascenso entre una nueva generación más interesada en el potencial del arte conceptual que en dominar longevas tradiciones artesanales. Richter demostró que el medio de la pintura todavía puede vigorosamente cuestionar toda imagen por su verdadero potencial, sin importar que su origen sea en los medios noticiosos, el cinema, el Internet, el omnipresente dominio de la publicidad comercial o inclusive del albúm fotográfico familiar. También le ha dado nuevo vigor a la idea de que desear “belleza” en un trabajo propio es una ambición perfectamente aceptable. Particularmente en el tiempo donde muchos de su generación presumen que cualquier deseo por placer estético es algo de que avergonzarse o ciertamente aplicado solo en la distancia y presumiblemente a gente menos sofisticada en la historia.

17 Gerhard Richter_ citas
“La fotografía alteró la manera de ver y pensar. Las fotografías fueron consideradas como reales mientras que las pinturas como artificiales. La imagen pintada ya no era creíble; su representación congelada a la inmobilidad, por que ya no era auténtica sino inventada”. “Lo que intento hacer en cada una de las imagénes no es otra cosa más que… unir de una manera viva y viable, los elementos más contradictorios y diferentes con la mayor libertad posible.” “Deseo dejar todas las cosas como son. Por consiguiente yo ni planifico ni invento; Yo no añado nada ni omito nada. De igual manera sé que inevitablemente planificaré, inventaré, haré y manipularé. Pero eso no lo sé”. “Todavía estoy muy convencido que la pintura es una de la más básicas capacidades humanas, igual que bailar y cantar”.

18 Gerhard Richter_ obras
Title: Mund(Mouth)(Brigitte Bardot's Lips) Description: Mund is one of Richter's first paintings completed from a photograph. The painting is sexually suggestive, depicting Brigitte Bardot's open mouth adorned with red lipstick. Blurred flesh tones hint at Richter's painting process, beginning with a realist rendering and incorporating rollers, squeegees, and dry brush techniques to mask the surface. The work suggests the artist viewing reality from a detached perspective, as he resists any moment of clear focus on the overall image. Year: 1963 Materials: Oil on canvas Collection: Private collection

19 Gerhard Richter_ obras
Title: Farbschlieren (Colour Streaks) Description: In this example of one of his early grey paintings, Richter allows structure and color to compose the "picture." The painting is void of figuration and recognizable imagery, revealing Richter's indifference toward any "model" as serving as his subject matter. Richter employs thick brushstrokes and monochromatic color, thus sweeping across the canvas in a fluid, entirely fused motion. This powerful gesture suggests a consideration of how abstract forms may well serve as a painter's subject just as effectively, for their visual or optical interest, as any photographic or "realistic" scene derived from nature, or the "everyday world" around us. Year: 1968 Materials: Oil on canvas

20 Gerhard Richter_ obras
Title: 1024 Farben(1024 Colours) Description: Richter employs a systematic approach to the canvas in his color-chart-based painting 1024 Farben (1024 Colours). Superficially reminiscent of the neo-Dadaist, 1950s "Hard Edge" abstraction of Ellsworth Kelly, Richter chooses here to systematically paint squares of colors based on the predetermined structure of the color wheel. The only intervention of the artist in an otherwise mechanical process seems to be his control of the scale of the canvas itself, the artist's having arranged the color combinations via reference to an apparently logical, Predetermined schema. Year: 1973 Materials: Enamel on canvas Collection: Daros Collection, Zurich, Switzerland

21 Gerhard Richter_ obras
Title: Abstraktes Bild(Abstract Painting) Description: In 1976, Richter first employed the term "Abstract Painting" as a formal title for many of his works, such as this example. Cool tones of purple and blue create a hazy, shallow atmospheric perspective. The composition is structured with geometric shapes and lines that might at first appear as fractured icebergs emerging from the painted surface, only to settle down, as it were, into pure abstraction. Richter did not want to offer a definitive explanation for his abstract work, stating only that he was "letting a thing come, rather than creating it.“ Standing in relation to such work, a viewer begins to question whether what he/she perceives is fact or fiction, the real or the artificial, as though slowly being trained in a new school of visual philosophy. Year: 1976 Materials: Oil on canvas Collection:

22 Gerhard Richter_ obras
Title: Clouds Description: Clouds is an example of how Richter frequently alternates between realist and abstract styles in various series of work, as well as on a single canvas. In this instance, even the title bears an ambiguous relation to the entire composition. In the lower region of the canvas, for instance, Richter suggests that the viewer is having a perceptual experience of looking through a window; nevertheless, the bold tracks, scrapes, smudges, and layerings of paint above playfully cancel that optical illusion. Thus Richter is frequently fascinated by how a viewer's desire to extract "meaning" from a given work of art often proves utterly futile. He suggests that we might instead relish a simple experience of visual pleasure, or the discovery of "beauty" by way of studying abstract forms for their own sake. Year: 1982 Materials: Oil on canvas (two panels) Collection: Museum of Modern Art

23 Gerhard Richter_ obras
Title: Erschossener 1 (Man Shot Down 1) Description: For most of his career, Richter avoided political motifs in his work. A notable exception is the series October 18, 1977, in which he depicts radical Baader-Meinhof terrorists who inexplicably died in jail (it remains unclear to this day whether these young radicals committed suicide or were murdered by the police). In Erschossener 1 (Man Shot Down 1), Richter has used a photographic reference to create a blurred, monochromatic painting of a dead inmate. The morbid scene might be said to exemplify the vanity behind the terrorists' actions; at the same time, the persistent obscurity of the image replicates the eternal mystery behind the inmates' deaths, as well as the impossibility of securely capturing truth in any one canvas. Year: 1988 Materials: Oil on canvas Collection: The Museum of Modern Art

24 Gerhard Richter_ obras
Title: Moritz (2000) Description: Ostensibly a painting of his young son, Mortiz exemplifies Richter's affinity for striking a tense balance between abstraction and figuration. This painting is a hybrid, seemingly fluctuating between two contrasting, unfinished areas, one section realistically rendered (in part harking back to Richter's Social Realist education), the other fading off into ethereal "white noise." Mortiz is reminiscent of Andy Warhol's combination of appropriated imagery and painted silkscreen techniques; a hazy glow seemingly emanates from the young boy, thus providing a powerful contrast to the material reality of the painted surface. Year: 2000 Materials: Oil on canvas Collection: De Pont Museum voor hedendaagse kunst, Tilburg, The Netherlands

25 Gerhard Richter_ obras
Title: Abstraktes Bild (Abstract Picture) Description: In a series of completely abstract works of the early 1990s, Richter challenges the eye of the viewer to detect anything in the field of vision other than the pure elements of his art: color, gesture, the layering of pasty materials, and the artist's impersonal raking of these concoctions in various ways that allow chance combinations to emerge from the surface. Richter suggests only a shallow space akin to that of a mirror. The viewer is finally coaxed to set aside all searches for "content" that might originate from outside these narrow parameters and find satisfaction in the object's beauty in and of itself, as though one were relishing a fine textile. One thus appreciates the numerous colors and transitions that occur in this painting, many having been created outside the complete control of the artist much as nature often creates wondrous optical pleasures partly by design, and partly by accident. Year: 1994 Materials: Oil on canvas Collection: Tate, London and National Galleries of Scotland, Edinburgh

26 Larry Poons_ en resumen
Nació en Tokio, Japón. 1 de octubre, 1937 Vive en Nueva York, E.U. 20 de febrero, (75) Trayectoria del artista 1959 – (53) Adquirió prestigio en los años 1960 con pinturas de círculos y óvalos sobre fondos sólidos y frecuentemente de colores brillantes. Estas pinturas transmiten una sensación de movimiento y fueron catalogadas como Arte Optico.

27 Larry Poons_ en resumen
Pintor estadounidense, se interesa primero por la música. Luego estudia pintura en la Boston Museum School Tuvo su primera exposición individual en 1963 a la edad de 26 años en la “Green Gallery” de Richard Bellamy en Nueva York. En este período se le asocia a la escuela de “Color field painting” Sus pinturas de puntos geométricos fueron reconocidas por el MoMA en 1965 en su exhibición de Arte Op, “The Responsive eye”. Aquí se le ubica por un breve período. En el 1967 exhibió en la galería Leo Castelli junto a Dan Flavin, Andy Warhol y Roy Lichtenstein. A finales de los años sesenta, pierde interés en los puntos. Cambió los aspectos ópticos y científicos de su trabajo por una dirección más poética. El color, más áustero y diluído, le hace ganar en profundidad y en efectos atmósfericos, lo que afirma su interés por la experiencia visual del color. Se le considera famoso por haber sido famoso joven. Actualmente enseña en Art Students League, Nueva York.

28 Larry Poons_ ideas claves
La obra de Poons es una pendiente de revisión. Condenado al olvido por un sector de la crítica que desde muy joven le había encumbrado, Poons ha avanzado en solitario, silenciosamente, durante tres décadas. Su obra es, ante todo, una pintura contundente, de extraordinario impacto visual, acentuada por el gigantesco formato de algunas de las obras. Se le ubica por un breve periodo en el Arte Op, en razón de los efectos ópticos producidos por sus obras: pequeños puntos circulares y ovoidales, repartidos sobre toda la superficie de una tela, a menudo monocroma, de acuerdo a un orden difícil de adivinar y que destacan violentamente sobre el fondo, mientras parecen agitarse, dejando una imagen persistente en la retina. Luego abandona estos violentos contrastes así como la nítidez de los contornos, y sus puntos se agrandan o bien se vuelven más vagos- como paramecios vistos en un microscopio- interesándose por los efectos atmosféricos de un color más resbaladizo y diluído.

29 Larry Poons_ ideas claves
Actualmente presenta en sus obras más recientes una amalgama de color, ya sea en capas planas, drippings o rotundos empastes. También incorpora elementos ajenos a la pintura creando líneas y grafismos de gesto enérgico. Proyecta la pintura sobre el lienzo vertical para controlar sus deslizamientos y acumulaciones, pegando sobre el soporte materiales diversos que multiplican los accidentes superficiales: así el color que cae produce, paradójicamente, superficies en suspenso.

30 Larry Poons_ citas “La pintura es color, y el color es luz… la luz manipula al pintor”.

31 Larry Poons_ obras Title: Untitled #1 Description: 40 x 40 inches
Signed, dated, and inscribed verso: "Larry Poons / December 1960 / #1 Year: 1960 Materials: Oil on canvas Collection:

32 Larry Poons_ obras Title: Sunnyside Switch Description: Larry Poons painted the deceptively ingenious and visually afferent Sunnyside Switch in By introducing an illusion of movement, Poons reconsiders the tradition of colorfield painting, one of the dominant styles in American art since the mid 1940s. Thus, Poons’ work is an early example of “Op Art.” Sunnyside Switch is a clear example of a work that uses both color and patterns to play with human perception and produce the illusion of movement within a painting. Year: 1963 Materials: Collection:

33 Larry Poons_ obras Title: Orange Crush Description: The painting is spotted all over for impact. In Op Art paintings, artists often put colors next to each other in order to make the eyes of the viewer jump around, from one color to the next. It made the painting look like it was vibrating. Op Art artists invented all sorts of tricks for the eye...wavy lines, cris cross patterns, bright colors. Their goal was to make a design that felt like it was moving and shifting all the time. Year: 1963 Materials: Collection:

34 Larry Poons_ obras Title: English fields
Description: Size  110.4 x 87 in. / x 221 cm Sale Of  Sotheby's New York: Wednesday, May 9, 1990 [Lot 201] CONTEMPORARY ART, PART II Estimate 150, ,000 USD Year: 1968 Materials: Acrylic on Canvas Collection:

35 Larry Poons_ obras Title: Wiseman Description: 108 x 61 inches In the early 1970s, Poons began experimenting with various techniques including the pouring and throwing of paint. Year: 1975 Materials: Acrylic on canvas Collection:

36 Larry Poons_ obras Title: The What Sonata, Description: 87 x 118 inches Year: 1989 Materials: Acrylic on canvas Collection:

37 Larry Poons_ obras Title: Could You Love me One More Time Description: In his new body of work, Mr. Poons seems to enjoy some measure of equilibrium. There is thickly churned swirls of paint, but there is also a new-found lyricism that recalls the seductive charm of his early flat abstraction. The title of one of the works, “Could You Love Me One More Time,” (2005) almost seems an appeal to early formalist enthusiasts to forgive the romantic excesses of the intervening years. The palette and brushstroke are consistent through this exhibition of generally large, busy canvases. There is an underlying range of organic hues – browns and greens – accentuated by generous dolops of contrastive pink and blue. 68 x 68-1/2 inches Year: 2005 Materials: Acrylic on canvas Collection:

38 Larry Poons_ obras Title: Calling You Description: Poon's latest show is rooted in the tradition of Abstract Expressionism . The works are all large, all-over, tactile, almost scultped, and best viewed from that sweet spot where the painting just fills your field of view. Stand there and the world of the painter opens up to you. It's a world, in this case, filled with tentative marks, mostly right-handed dabs and strokes, mostly low chroma, fleshy colors. The texture varies from mere stains on the canvas all the way up to thick oozing strokes, from grainy crumbles of nearly pure pigment to gluey translucent strands of almost pure acrylic gel. Every so often Larry dips into the brighter hues, whipping out a pink close to fluorescence or a deep sapphire blue x114 inches Year: 2009 Materials: Acrylic on canvas Collection:

39 LA CONTEMPORANEIDAD COMPARTIDA Planteamientos Formales Y De Contenido En Tres Trayectorias Prominentes “Everything in the current world of art and design seems to want to be what is not, or at least not what it used to be.” Glen Gordon El presente trabajo investigativo reseña brevemente la trayectoria de tres prominentes artistas contemporáneos: el ruso Kasimir Malevich, el alemán Gerhard Richter y el estadounidense Larry Poons. Partiendo desde Malevich hasta continuar con Richter y Poons, el período de tiempo comprendido, entre los tres, se extiende desde finales del siglo XIX, atravesando el siglo XX, hasta nuestro recién estrenado siglo XXI . Aún viviendo en momentos y circunstancias distintas todos ellos ofrecen planteamientos e ideas vigentes en la actualidad.