Unidad 2: Referentes para crear ARTE MODERNO Y VANGUARDIAS ARTÍSTICAS SIGLO XX Artes Visuales - Tercero Medio.

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1 Unidad 2: Referentes para crear ARTE MODERNO Y VANGUARDIAS ARTÍSTICAS SIGLO XX Artes Visuales - Tercero Medio

2 ARTE MODERNO

3 No hay una fecha en la que todo el mundo coincida. Es más, que no haya una fecha es en sí mismo un dato importante: la modernidad no sucede de un día para el otro, sino que su llegada es un proceso donde hay varios momentos importantes. Lo primero que hay que tener en cuenta es un concepto básico: lo habitual es que lo moderno se considere en oposición a lo clásico. Lo moderno tiene que ver con el mirar hacia el futuro rechazando todo lo que ha sido enseñado hasta el momento. Por eso la modernidad empieza cuando hay una ruptura con la “academia” (una palabra que habla de la tradición, de la enseñanza rígida de las normas clásicas de la representación). El primer quiebre sucede cuando el artista sale en busca de la “experiencia directa”, quiere tener su propia experiencia (no la que le imponen en la academia). Y cuando empieza a importar el artista (lo que él mismo ve, lo que él mismo siente) más que la cosa representada (que hasta ahora se representaba según como se enseñaba en la academia) empieza entonces a nacer el arte moderno. El artista ya no es sólo un talentoso, sino que empieza a poner mucho de sí en la obra. El artista empieza a ser lo que hoy consideramos un “artista”. ¿Cuándo empieza el arte moderno?

4 No hay una fecha en la que todo el mundo coincida. Es más, que no haya una fecha es en sí mismo un dato importante: la modernidad no sucede de un día para el otro, sino que su llegada es un proceso donde hay varios momentos importantes. Lo primero que hay que tener en cuenta es un concepto básico: lo habitual es que lo moderno se considere en oposición a lo clásico. Lo moderno tiene que ver con el mirar hacia el futuro rechazando todo lo que ha sido enseñado hasta el momento. Por eso la modernidad empieza cuando hay una ruptura con la “academia” (una palabra que habla de la tradición, de la enseñanza rígida de las normas clásicas de la representación). El primer quiebre sucede cuando el artista sale en busca de la “experiencia directa”, quiere tener su propia experiencia (no la que le imponen en la academia). Y cuando empieza a importar el artista (lo que él mismo ve, lo que él mismo siente) más que la cosa representada (que hasta ahora se representaba según como se enseñaba en la academia) empieza entonces a nacer el arte moderno. El artista ya no es sólo un talentoso, sino que empieza a poner mucho de sí en la obra. El artista empieza a ser lo que hoy consideramos un “artista”. ¿Cuándo empieza el arte moderno?

5 Hay quienes consideran el Almuerzo como la primera obra de la modernidad, ya que escandaliza a casi todo París y a su vez deslumbra a los jóvenes que iniciarán el impresionismo (por ser algo completamente nuevo y que muestra algo decididamente “real”, muy diferente de lo “ideal” que se enseña en la academia”). Tengamos en cuenta que el impresionismo es considerado por muchos como el primer movimiento decididamente moderno.

6 Presentada al salón de 1863 la obra fue rechazada por escandalosa ya que el desnudo no estaba dentro de una iconografía mitológica, sino que se encontraba entre dos hombres vestidos a la moda de la época celebrando un picnic. Las obras rechazadas se expusieron en el "Salón des Refusés" ( de los rechazados) FIESTA CAMPESTRE Existe una influencia en la iconografía de la "Fiesta campestre“ de Tiziano o Giorgione y también de las Hilanderas en la composición. Iconografía. En un zona clara del bosque aparecen cuatro personajes que han ido a almorzar. Dos hombres jóvenes elegantemente vestidos siguiendo la moda hablan con una mujer sentada sobre una tela azul ( Victorine Meurent también modelo en Olimpia) que mira fija y descaradamente al espectador. Una cuarta protagonista, una bañista con camisa sale del río. Esta figura parece grande para el plano que ocupa en la profundidad, debería ser más reducida según el sentido de la profundidad. En el primer plano encontramos una naturaleza muerta una cesta con frutas, un pan ( el desayuno ) y la ropa azul que se interpone entre los protagonistas y el espectador. En el ángulo de la esquina izquierda una rana símbolo de la lujuria.

7 Propio del arte occidental. El arte moderno surge en Europa como consecuencia de la Revolución industrial y se extiende hasta Estados Unidos manteniéndose como un fenómeno occidental. Contraposición al arte académico entendido como la tradición artística clásica occidental. Interés por otras culturas. Si bien el arte moderno se opone a las tradiciones occidentales del arte académico, una de sus fuentes de inspiración y experimentación son las tradiciones artísticas de otras culturas. Innovación constante. Se experimenta con nuevos temas, materiales, técnicas y procesos. Desarrollo del comercio del arte. Conceptos como el marchante o la galería de arte nacen y se desarrollan junto al arte moderno. Mecenazgo burgués. El rol de los artistas cambia a medida que la burguesía intelectual sustituye a las instituciones políticas y religiosas como principal cliente. Nuevo concepto de arte. Se cuestionan los límites y funciones del arte ampliándose el concepto de lo que es arte. Características de arte moderno

8 El arte por el arte. La función principal del arte deja de ser la de transmitir los mensajes políticos y religiosos oficiales. Los artistas procuran crear obras cuyo valor resida en sí mismas. Independencia de la naturaleza. Con la aparición de la fotografía los artistas plásticos van abandonando gradualmente la imitación de la naturaleza y la representación figurativa. Intención artística. Se producen deformaciones deliberadas. No se trata de faltas técnicas, sino de decisiones artísticas consecuencia de la introspección estética del artista. Abierto a múltiples interpretaciones. Una vez que las obras se alejan de la representación figurativa y el observador no puede reconocer las figuras, estas introducen al observador a un plano más imaginativo y espiritual. Prolífico. Como consecuencia de la experimentación constante surgen multitud de movimientos artísticos y vanguardias. Diversidad. Lo único que tienen en común todas estos nuevos movimientos del arte moderno es que no existe una tendencia general ni temática, ni técnica, estética que los unifique. Profundamente revolucionario y a consecuencia de ello a menudo impopular y rechazado por las instituciones oficiales y el público general. Características de arte moderno

9 LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS DEL SIGLO XX Vanguardia es un término de origen militar, usado para referirse a la parte más adelantada de un ejército. Se señala el origen de la palabra vanguardia en la voz francesa avant-garde, que, por su parte, pasó al español antiguo como “avanguardia”, conformada por “aván”, (de avante), y “guardia”.

10 El término vanguardia hace alusión a las corrientes artísticas que plantean una ruptura con las formas establecidas Comienzan en 1905 hasta el año 1945 con la finalización de la segunda guerra mundial Desarrolladas desde 1905 hasta el final de la II Guerra Mundial (1945). Movimientos surgidos en Europa. Tras la I Guerra Mundial (1914-18) se alcanza el momento clásico de las vanguardias. – Fuerte conmoción intelectual en toda Europa, sobre todo en Francia y en Alemania. LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS DEL SIGLO XX

11 Transformación técnica y económica producto de los efectos de la Segunda Revolución Industrial: electricidad y petróleo. Surgimiento de nuevas potencias: Estados Unidos, Alemania, Gran Bretaña, Japón. Nuevos medios de transporte: el automóvil. Desarrollo del comercio y de la economía. Revolución en el campo del saber: Freud y el psicoanálisis. Tras la guerra del 14, la sociedad occidental se cuestiona los valores sobre los que se ha asentado tradicionalmente. Ruptura en el arte con los estilos anteriores. LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS DEL SIGLO XX

12 Ruptura con la tradición Rechazo del naturalismo en el arte Lenguaje plástico original Espíritu libertario Espíritu de provocación Introducción del humor y del sarcasmo Proclamación de la autonomía del lenguaje plástico Justificación por medio de manifiestos Carácter conceptual Influencia del arte no occidental Breve duración CARACTERÍSTICAS DE lAS VANGUARDIAS

13 En el siglo XIX Europa se movía en un escenario de transformación y tensiones políticas, económicas y sociales derivadas de la revolución industrial, el capitalismo, el imperialismo, el nacionalismo, la masificación de la sociedad y la secularización. Junto a esto, la invención de la fotografía y, más tarde, del cine, supuso un golpe para las artes. Si hasta entonces el arte occidental se dedicaba a la imitación de la naturaleza, ¿a qué se dedicaría en la “era de la reproductibilidad técnica de la imagen”? Para los artistas de finales del XIX crecía la necesidad de encontrar un nuevo sentido al arte, así como la voluntad diferenciadora de estilo. Esto se expresó en el impresionismo, el postimpresionismo, el expresionismo y el fauvismo. Pero, a pesar de sus innovaciones, estos movimientos aún estaban atados a ciertas prerrogativas del arte tradicional. Contexto histórico de las vanguardias artísticas

14 LÍNEA DE TIEMPO Fauvismo (1905-1907) Expresionismo (1905-1913) Cubismo (1907-1914) Futurismo (1909-1914) Dadaísmo (1915-1922) Surrealismo (1924-1939) Abstraccion (1917) Pop Art (1954) Op Art (1965) Land Art (1968) Segundas vanguardias

15 FAUVISMO Movimiento pictórico que surge en Francia. La denominación deriva de la palabra "fauves" (fieras), término con el que el crítico Louis Vauxcelles denominó a un grupo de pintores, encabezado por Henri Matisse, por su técnica violenta en el uso de colores.Henri Matisse Preponderancia del color sobre el dibujo Desaparición de los focos de luz y la profundidad Tendencia al plano único Arte Subjetivo Eliminación de la perspectiva espacial Temas siempre suaves, nada agresivos. Los colores no corresponden a la realidad

16 1869-1954. Influencias del Impresionismo, de Van Gogh, Cezanne y del neoimpresionismo. El color se organiza en campos independientes y delimitados buscando, mediante la estridencia, nuevas armonías y sensaciones. La organización del espacio a base de planos de color sugiere las distancias físicas, los movimientos y los afectos. HENRI MATISSE

17 Armonía en rojo.

18 La danza.

19 Odalisca roja.

20 La música.

21 Retrato de la raya verde

22 1875-1947. Soluciones más tradicionales que las de Matisse: utiliza grandes masas cromáticas y pocas pinceladas para sugerir paisajes y escenas. ALBERT MARQUET Matisse pintando.

23 1880-1954. Puntos de vista elevados. Colores arbitrarios, pero formando armonías y disonancias bien coordinadas. ANDRE DERAIN Puente de Hungerford desde Charing Cross

24 Retrato de Matisse.

25 1876-1958. Cuadros apasionados, ejecutados con pinceladas cortas vibrantes. -Admirador de Van Gogh. Después de 1908 se vio influido por Cezanne y por el realismo expresivo de los pintores nórdicos. MAURICE DE VLAMINCK Restaurante en Rennes-le Roy.

26 Ribera.

27 EXPRESIONISMO Movimiento Artístico que surge en Alemania. Toda obra que expresa el sentimiento íntimo, el estado de ánimo de su autor, es antecedente del movimiento expresionista, como las pinturas negras de Goya o la obra de Van Gogh. Su principal exponente es Edvard Munch.Edvard Munch. Primacía de la expresión subjetiva del pintor. Manierismo formal que lleva a la deformación, a la exageración, a la distorsión. Colores intensos y estridentes, como con colores oscuros, pardos o grises. Pincelada violenta, empastada, agresiva. La temática tiende hacia lo prohibido, lo morboso, lo pervertido, lo sexual, lo agobiante Consideran que la sociedad está enferma y corrompida, agresivo.

28 1863-1944 Noruego. Patriarca del expresionismo. Estilo: curvas sinuosas, colorido arbitrario, sensación opresiva. Obsesionado por la enfermedad y la muerte. Otros temas: deseo sexual, visión problemática de la mujer. Reflejó como ningún otro pintor la angustia y la desesperación. EDVARD MUNCH

29 El grito (Edvard Munch)

30 El baile de la vida

31 La cama del difunto (Edvard Munch)

32 60-1949. Belga, heredero de la tradición pictórica flamenca: gusto por lo anecdótico y lo burlesco. Especializado en lo absurdo y lo brutal. Significados enigmáticos o irreverentes. JAMES ENSOR La intriga

33 La entrada de Cristo en Bruselas

34 Esqueletos disputándose un ahorcado

35 1871-1958 Preocupaciones religiosas y morales. Colorido oscuro. Formación como vidriero: gruesas líneas de enmarque. Caricaturas. GEORGE ROUAULT Mujer desnuda

36 1867-1956 Pintura religiosa brillante. Color anti naturalista. Distorsión formal. EMIL NOLDE Crucifixión

37 La última cena

38 CUBISMO Esencia geométrica, olvidando emociones y sentimientos. Reduce formas y volúmenes a sus esquemas geométricos básicos. Descompone objetos y vuelve a componerlos de manera diferente Recupera la línea y los planos y elimina la perspectiva renunciando al espacio y al modelado. En un primer momento simplifican el color en una visión casi monocroma, de tonos neutros castaños, grises y pardos. Movimiento artístico que surge en Francia Encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.Pablo PicassoGeorges Braque Juan Gris

39 1907-1912: Cubismo analítico. 1912 en adelante: Cubismo sintético: las formas y colores se transforman en el objeto. Se invierte el proceso anterior. Ruptura con el espacio tridimensional del Renacimiento y de la sensación volumétrica: Búsqueda de la bidimensionalidad del cuadro, que es un plano. Ruptura con la representación de la naturaleza: el cuadro tiene sus propias leyes y se justifica por sí mismo. Ruptura con la visión estática y el punto de vista único: visión simultánea del objeto: Incorporación de la 4ª dimensión: el tiempo. Sacrificio de la luz y el color en beneficio de la ordenación racionalista del cuadro. Utilización, a partir de 1912, de nuevos materiales: collages. Creación de una realidad pictórica autónoma. La geometría es sólo un instrumento para buscar la esencia misma de las cosas, no es un fin en sí mismo. CUBISMO

40 Analítico La pintura es casi monocroma en gris y ocre. Los colores en este momento no interesaban pues lo importante eran los diferentes puntos de vista y la geometrización, no el cromatismo. Sintético Son más sencillas de entender en cuanto a que son más figurativas, se ve claramente lo que se pretende representar. Los objetos ya no se reducen a volúmenes y planos expuestos en diversas perspectivas hasta ser irreconocibles, sino que se reducen a sus atributos esenciales, a aquello que los caracteriza de manera inequívoca sin lo cual no serían lo que son. Hermético Algunas obras parecen casi abstractas. El color no ayudaba, al ser prácticamente monocromos y muchas veces convencionales, no relacionados con el auténtico color del objeto. La imagen representada, en definitiva, era ilegible, casi imposible de ver.

41 CUBISMO ANALÍTICO Casas de Horta de Pablo Picasso (1909) Mujer con mandolina de Georges Braque (1910)

42 El hombre de la pipa (Pablo Picasso) CUBISMO SINTÉTICO Bodegón con botella de Burdeos (1919) - Juan Gris

43 Las diferencias entre cubismo analítico y cubismo sintético Para resumir, podemos ver claramente algunas diferencias claras entre cubismo analítico y cubismo sintético: El cubismo analítico y el cubismo sintético son dos etapas consecutivas dentro del movimiento cubista. El segundo se considera una evolución del primero. En el cubismo analítico se desarman las figuras minuciosamente al punto de que no se entiende lo que se representa. En el cubismo sintético, en cambio, el artista descompone los objetos en sus partes representativas, siendo así más simple y más figurativo que el anterior. En el cubismo analítico los colores pasan a un segundo plano ya que no se preocupan por ellos. Son apagados y en muchos casos monocromías. En el cubismo sintético los colores son más brillantes y están determinados por los materiales que contenga la técnica principal de collage. En el cubismo analítico se pintaban las obras principalmente con óleo en lienzo. En el cubismo sintético además de pintura al óleo se usan papeles, telas, madera, cartón, entre muchos otros materiales.

44 CUBISMO HERMÉTICO Mandolina y guitarra (Pablo Picasso)

45 1881-1973 Primera etapa de aprendizaje: hasta 1900. Formación en Barcelona y en París. Domina el dibujo y el color. Preocupación por el mundo humilde. PABLO PICASSO Primera Comunión

46 Autorretrato

47 Tocador de mandolina

48 Chica con mandolina

49 Hombre con clarinete

50 Cabeza de hombre

51 Guitarra

52 Botella

53 Los tres músicos

54 En 1900 viaja a parís para completar su formación. Desde 1906 evoluciona desde su primer impresionismo hacia el brillante colorido fauve. En 1907 conoce a Picasso y descubre, en los bodegones de Cezanne, que era posible controlar el espacio y la luz. Desde 1909 Picasso y Braque trabajan juntos hasta 1914. Tema principal: la naturaleza muerta. GEORGES BRAQUE 1882-1963

55 Bodegón

56 Hombre con guitarra

57 Naturaleza muerta

58 Mujer con mandolina

59 Nacido en Madrid. Eliminó la luminosidad de los colores: la pintura se aplica como superficie mate que refuerza la sensación de estructura arquitectónica, al propio tiempo que reafirma su propia naturaleza como pintura. JUAN GRIS Guitarra y clarinete

60 Retrato de Picasso

61 Agua, botella y frutero

62 El fumadorMujer sentada

63 Nace en Italia con la publicación del “Manifiesto futurista de Marinetti y finalizó al acabar la I Guerra Mundial (1918). Principal exponente Filippo Tomasso MarinettiFilippo Tomasso Marinetti FUTURISMO Se rebeló contra el arte convencional existente. Pretende destruir la obsesión por lo antiguo. Exaltación de todo lo joven y lo nuevo. Desprecio por la vulgaridad y la mediocridad. Ninguna figura es estable: aparece y desaparece rápidamente. El ser humano deja de ser el centro de todas las cosas. Empleo de colores muy brillantes. Cuadros muy luminosos.

64 GIACOMO BALLA 1871-1958 Automóvil+velocidad+luz

65 Manifestación patriótica

66 Dinamismo de un perro (Giacomo Balla)

67 GINO SEVERINI 1883-1966 Expansión de la luz, centrífuga y centrípeta

68 Bailarina

69 UMBERTO BOCCIONI 1882-1916 Dinamismo de un partido de fútbol

70 Carga de lanceros

71 Elasticidad

72 Surgió como reacción intelectual ante los destrozos producidos por la I Guerra Mundial. Fundado por Tristán Tzara que le dará el nombre de una alocución infantil como afirmaciónTristán Tzara de lo absurdo de la situación. DADAISMO Empleaba formas artísticas aunque pretendía ser un movimiento antiartístico y antiliterario. Reacción desesperada, inconformista y nihilista que explotaba el absurdo recurriendo al mal gusto y a la provocación. Utilizaban cualquier técnica y tema para escandalizar al espectador. Escritura y pintura automática para alejarse de ideas preconcebidas. Autores: Duchamp, Schwitters.

73 Desarrollada entre 1916 y 1922. Surgió como reacción intelectual ante los destrozos producidos por la I Guerra Mundial. Fundado por Tristan Tzara que le dará el nombre de una alocución infantil como afirmación de lo absurdo de la situación. Empleaba formas artísticas aunque pretendía ser un movimiento antiartístico y antiliterario. Reacción desesperada, inconformista y nihilista que explotaba el absurdo recurriendo al mal gusto y a la provocación. Utilizaban cualquier técnica y tema para escandalizar al espectador. Escritura y pintura automática para alejarse de ideas preconcebidas. Autores: Duchamp, Schwitters. DADAISMO

74 MARCEL DUCHAMP 1887-1968 Paso de virgen a esposa Creador de los “ready-made”: objetos realizados con elementos de la vida cotidiana.

75 Fuente (Marcel Duchamp).

76 Botellero

77 Desnudo

78 Rueda de bicicleta

79 Gran cristal

80 KURT SCHWITTERS 1887-1948 Construcción para señoritas Creó una forma de composición que él denominaba “Merz”, uniendo, como un collage, objetos cotidianos.

81 El psiquiatra (Kurt Schwitters)

82 MAN RAY 1890-1976 Un regalo Utilizó, sobre todo, la fotografía como forma artística.

83 Violón d’Ingres (Man Ray)

84 Surge de la mano de André Breton y la revista “Litterature” con Aragon, y Elouard.André Breton SURREALISMO Aplicación del sistema de Freud al arte: psicoanálisis y pintura automática. Intento de plasmar el mundo de los sueños. Del inconsciente: Animación de lo inanimado. Metamorfosis. Aislamiento de fragmentos anatómicos. Máquinas fantásticas. Erotismo y sexualidad. Dos corrientes: surrealismo figurativo y surrealismo abstracto

85 La I Guerra Mundial tambalea los supuestos sobre los que se ha edificado la civilización europea. Surge de la mano de André Breton y la revista “Litterature” con Aragon, y Elouard. Intento de dar mayor envergadura al movimiento Dadá: Necesidad de investigar en la creación de un nuevo arte para un hombre nuevo. Aplicación del sistema de Freud al arte: psicoanálisis y pintura automática. Intento de plasmar el mundo de los sueños. Del inconsciente: Encuentro del sueño y la realidad en un estado superior: el surrealismo. Precedentes plásticos: El Bosco, Brueghel, “Los Caprichos” de Goya. Características comunes, a pesar del automatismo: Animación de lo inanimado. Metamorfosis. Aislamiento de fragmentos anatómicos. Máquinas fantásticas. Confrontación de objetos incongruentes. Perspectivas vacías. Evocación del caos. Erotismo y sexualidad. Ruptura con las convenciones sociales. Autores: Dalí, Miró, Magritte, Delvaux, Tanguy, Ernst. Dos corrientes: surrealismo figurativo y surrealismo abstracto. SURREALISMO

86 SALVADOR DALÍ 1904-1989 Nació en Figueras, Gerona. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Madrid. Se instala en París en 1929: ingresa en el grupo surrealista. Elabora las bases de su pintura “crítico- paranoica”. –Técnica muy precisa. –Colorido brillante y muy luminoso. –Representación de objetos, paisajes y personas con un realismo casi fotográfico. –Asociaciones insólitas entre los elementos del cuadro, en la atmósfera onírica y delirante de sus obras: gran diferencia con la tradición. Desde 1945 Dalí comercializó su obra repitiendo sus viejas fórmulas estéticas.

87 Figurativo: Es una tendencia pictórica y escultórica dentro del surrealismo, caracterizada el uso de formas reconocibles características del arte figurativo, incluso con detallismo fotográfico, pero para dar lugar a escenas oníricas, absurdas, monstruosas o vinculadas al subconsciente, totalmente alejadas de la pintura tradicional. Sus principales representantes son Salvador Dalí, René Magritte, Max Ernst, Paul Delvaux, Estéfano Viu, entre otros. Salvador Dalí Abstracto: Tendencia pictórica dentro del surrealismo, caracterizada por aplicar el «automatismo» puro, de manera que sepierde toda representación figurativa y, en lugar de ello, los artistas inventan universos figurativos propios. Principal Exponente: Joan Miró

88 El gran masturbador (Salvador Dalí)

89 Crucifixión

90 Persistencia de la memoria

91 El hombre invisible

92 Construcción blanda con judías

93 Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes del despertar

94 Muchacha en la ventana (Salvador Dalí)

95 RENÉ MAGRITTE 1898-1967 Tendencia surrealista belga. Influencia hacia 1926 de la pintura metafísica. Combinación de modo extraño de lo insólito y lo cotidiano, lo erótico y lo macabro. Estilo propio conseguido mediante la violación sistemática de los límites entre la realidad y la apariencia. Pintura de un gran efecto inquietante. ¿Qué es el surrealismo?

96 La giganta

97 La llave del campo

98 Esto no es una pipa

99 Los amantes(René Magritte)

100 El hijo del hombre(René Magritte)

101 JOAN MIRÓ 1893-1983 En sus comienzo, influencia del fauvismo, de Cezanne y de Van Gogh. Desde 1919 combina el cubismo sintético con el sentido del humor. Paso decisivo en 1923-24: cuadros llenos de elementos figurativos personales, líricos y emotivos. Elementos reconocibles mezclados con lo fantástico. Tras 1945 su lenguaje se hace más abstracto, más denso. Recuerdo figurativo en la línea del horizonte que va desapareciendo a lo largo de sus obras. Desarrolla su mundo personal de estrellas, lunas, ojos y espirales.

102 La masía

103 Carnaval de arlequín

104 Paisaje catalán

105 Campesino catalán con guitarra

106 El pájaro relámpago cegado por el fuego de la luna

107 Las vanguardias evolucionaron hacia la pérdida de la figuración en su camino de experimentación. La fotografía suplío suficientemente la imitación de la realidad. Era necesario encontrar nuevas formas plásticas desligadas de las leyes tradicionales de la figuración y el espacio. A partir de estas investigaciones van a surgir dos vías diferentes: Abstracción geométrica: Neoplasticismo y Constructivismo. Abstracción lírica. ABSTRACCIÓN

108 Nace a través de la revista holandesa “De Stijl” (El Estilo), en 1917. Se caracteriza por la exigencia de combatir el individualismo en nombre de una común necesidad de claridad, certidumbre y orden. Basado en una rigurosa urdimbre ortogonal. Utilización de colores planos y elementales (rojo, amarillo y azul) y de los no colores (blanco y negro). Autores: Mondrian y Van Doesburg. NacidoenRusia como fermento social previo a la revolución de 1917.impulsor del Constructivismo fue TatlinTatlin.Propugnaban la abolición del arte en cuanto que representaba la estética burguesa. Incitaban a los artistas a dedicarse a una actividad útil, de ahí la funcionalidad constructivismo del en arquitecturao escultura.Fueron pioneros en lo que hoy llamaríamos diseño industrial. Corrientepictóricaque llegaala abstracción, pero no renuncia a expresar sentimientos a través del color y de las formas. Cada artista combina,de forma personal, los distintos elementos que aparecen en la pintura. Existe un universo pictórico por cada artista, pero todos coinciden en haber roto conla figuración tradicional.Autores: Kandinsky, Delaunay, Klee. NEOPLATICISMOCONSTRUCTIVISMOABSTRACCIÓN LÍRICA

109 PIET MONDRIAN 1872-1944 Composición

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113 KASIMIR MALEVICH 1878-1935 Suprema pintura

114 Cuadrado negro sobre blanco

115 EL LISSITSKY 1890-1941 Proun 1 C

116 Proun

117 WASSILY KANDINSKY 1866-1944 Improvisación 31

118 Improvisación 7

119 Pintura con tres manchas

120 ROBERT DELAUNA Y 1885-1947 Mujer con sombrilla. La Parisina

121 Improvisación 7

122 Unavez terminadalaruptura conel arte tradicional durante la primera mitad de siglo, a partir de 1945 el arte sigue su camino de experimentación técnica y estética a través de las llamadas Segundas Vanguardias.

123 POP ART El arte pop es un movimiento artístico que nace en 1954 cuando Lawrence Alloway utiliza por primera vez el término pop art. Con esta abreviatura Alloway se refería al arte popular que estaba creando la publicidad de masas, y que tenía como objeto principal los intereses colectivos del pueblo, aunque éste no fuera su destinatario.Lawrence Alloway Uno de los mejores representantes del movimiento del arte pop es Andy Warhol, que trabajaba a partir de variaciones fotográficas de un mismo tema mítico. “Maryilin Monroe”, “Elvis Presley”, o “200 latas de sopa Campbell’s” son algunas de sus obras maestras.Andy Warhol

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125 08727084

126 OP ART El op- art es una corriente artística difundida en EEUU pero precedida en Europa por numerosas experiencias sobre la percepción retiniana de imágenes fijas o en movimiento. Principal exponente: Antonio Lizarazu BaluéAntonio Lizarazu Balué

127 LAND ART Intenta unir la naturaleza y el arte, interviniendo sobre los paisajes. Los primeros en darse a conocer en este ámbito fueron Robert Smithson y Michael Heizer, quienes emplearon materiales de la naturaleza para el desarrollo de sus obras artísticas.Robert Smithson Michael Heizer

128 BODY ART Consiste en el uso del cuerpo humano como vía de expresión. Principales exponentes: Yves Klein, Bruce Nauman, Vito Acconci y Youri Messen- Jaschin. Principales exponentes: Yves Klein, Bruce Nauman, Vito Acconci y Youri Messen- Jaschin.

129 HIPERREALISMO Conocido también como Superrealismo, Realismo Fotográfico y Fotorrealismo, es un movimiento pictórico surgido en la década de los '60, cuyas técnicas aspiran a una precisión casi fotográfica. El Hiperrealismo busca mantener en la pintura la conexión con la visión fotográfica del encuadre y la traducción fiel de la escena. Principales exponentes: Chuck Close y Richard EstesChuck Close Richard Estes

130 ARTE POVERA Huyedelacomercializaciónporlotantosus creadoresutilizanmateriales “pobres”, de fácil obtención como: la madera, rocas, hojas, etc. Sus principales exponentes son: Mario Merz y Jannis Kounellis.Mario Merz Jannis Kounellis

131 Consiste Salpicar la superficie de la tela (“diping”) mezclando caóticamente manchas monocromas. Lo verdaderamente importante es la acción creativa del artista más que la obra en sí Principales exponentes: Jackson Pollock y Arshile GorkyJackson Pollock Arshile Gorky ACTION PAINTING

132 ARTE MINIMALISTA Arte abstracto que intenta expresar el máximo con las formas más sencillas posibles Principales exponentes: Ellsworth Kelly y Agnes Martin.Ellsworth Kelly Agnes Martin