Unidad 1 – Introducción al Arte y a la Historia del Arte

Presentación del tema: "Unidad 1 – Introducción al Arte y a la Historia del Arte"— Transcripción de la presentación:

1 Unidad 1 – Introducción al Arte y a la Historia del Arte
6º Arquitectura - Saint Brendan’s School Prof. Adriana Assandri

2 Temas a trabajar: 1) Qué es el arte? 2) Cómo estudiar historia del arte? 3) Reflexiones sobre “El arte y los artistas”

3 1 - Qué es el Arte? Es uno de los tipos de experiencia estética.
Qué significa “estética”? Origen: “aisthesis” (sensación, conocimiento obtenido a través de la experiencia sensible) La Estética: disciplina filosófica que se ocupa de analizar cosas relativas a la belleza y al arte en general (‘ciencia de lo bello’) Filosofía del arte: ámbito más limitado que la estética, se restringe a las obras de arte y excluyendo a la naturaleza como objeto de estudio. Toda experiencia estética puede vivirse desde: Recepción - público Creación - artista Crítica – individuo reflexivo

4 Definición de experiencia estética:
Es el estado emocional resultante de la contemplación desinteresada de ciertos objetos sensibles por parte de un sujeto. Si produce placer: “bello” Si produce desagrado: “feo” Componentes de la experiencia estética: Contemplación desinteresada : no importa su utilidad Los objetos sensibles: una entidad particular que es percibida sensorialmente Componente emocional subjetivo: no es objetivable Pretende objetividad: juicios que pretenden expresar cualidades del objeto.

5 Problema de la fundamentación del juicio estético: objetividad versus subjetividad.
Platón (s. V a.C.): la belleza tiene una realidad objetiva. “eros” = amor/deseo . Aspira a la belleza. Dónde la busca? Leer fragmento p. 296. Kant (s. XVIII): Superación de lo objetivo y subjetivo en la experiencia estética. El juicio estético (o del gusto): es un juicio reflexionante (no del conocimiento) acerca de cómo nos sentimos ante un objeto del mundo. Belleza produce placer al individuo (subjetivo) quien pretende que esa belleza tenga validez universal. Diferencia entre el placer sensible (producido por un estímulo de nuestros sentidos, es un placer interesado) y placer estético (se obtiene de la contemplación de la belleza, es desinteresado). Como el placer estético es desinteresado, no hay razón para que el juicio no sea aceptado por todos los hombres, nace de una constatación de la armonía de las facultades de conocer (que son las mismas en todos los hombres).

6 Problema de la relación de la experiencia estética con el arte
Experiencia estética: incluye la belleza y el arte, estética es más global, la filosofía del arte se limita al último. Qué es el arte? Antigüedad: “ars”(latín) = tékhne (griego) Por tanto, en el mundo griego y romano no hay distinción entre los productos artísticos y cualquier otro producto elaborado por el hombre. Edad Media: Distinción entre: 1) artes liberales (papel decisivo en el entendimiento) 2) artes serviles (para su elaboración es fundamental el trabajo manual). Época Moderna Nuevo concepto de arte diferenciado de otros tipos de actividades productivas. Definición: 1) un tipo de acción orientada a la producción de objetos que puedan suscitar una experiencia estética, 2) los objetos en sí mismo que logren ese efecto.

7 Cómo se entiende el arte?
Problema de la comprensión de la obra de arte: Como el arte suscita una experiencia estética, tiene los mismos componentes que cualquier experiencia estética. Requisito previo para que la obra de arte suscite una experiencia estética, a diferencia de la belleza natural: necesita ser comprendida. Problema: se puede comprender el arte?”Cómo? A través de la forma y/o el contenido. A) Contenido: la historia que nos cuenta, las emociones que suscita. B) Forma: estilo (el medio que utiliza para narrar la historia o generar emociones)

8 A) Contenido de la obra B) La forma de la obra
2 aspectos (tipos de análisis): La REPRESENTACIÓN - la obra de arte es un lenguaje, el artista debe decir algo con ella. - La obra debe funcionar como un sistema de símbolos - Los símbolos: representan (van en lugar de otra cosa, dicen algo acerca del mundo). B) La EXPRESIÓN - La obra no representa algo distinto de sí misma, es una manifestación en estado puro de ciertos sentimientos (que se captan a través de una intuición). B) La forma de la obra - Las teorías formalistas sostienen que lo que le da a la obra su carácter artístico (experiencia estética) es la forma. - El contenido de la obra (las emociones o ideas) son irrelevantes en la valorización artística de la obra.

9 Diferencia entre arte y técnica
Objeto artístico: producido por el hombre. Condiciones indispensables a ambos: Material: sobre el que se aplica un trabajo. Trabajo: en la base de cualquier producción humana. Técnica: nos permite adecuar los medios para obtener el mejor resultado en la producción, guía el trabajo. En la obra artística se suma: Imaginación y genio: el fin, la idea previa, que debe estar en la mente del artista. Genio: artista excepcionalmente dotado para la creación. Debe crear reglas propias al producir la obra. Imaginación: abre perspectivas nuevas para el arte y para nuestra propia manera de sentirnos en el mundo.

10 El valor del arte Platón: Aristóteles: Schopenhauer: Nietzsche:
Mímesis: capacidad de imitar los productos de la naturaleza. Es una copia de una copia, entonces lo desprecia. Aristóteles: Tiene su origen en la imitación, pero ayuda al conocimiento y a la catarsis y produce placer. Schopenhauer: Como calmante de la voluntad de vivir (como surge de una actitud desinteresada nos escapamos de las garras de la voluntad y nos permite una contemplación desinteresada de la auténtica realidad). Nietzsche: Como estimulante de la vida, es una forma de sabiduría y nos muestra el carácter esencial de la vida. Heidegger: Como modelo de desvelar el ser de las cosas. La obra de arte no es hecha para ser gastada, consumida, sino que a través del arte la realidad se nos muestra en toda su riqueza (verdad como desvelamiento).

11 2 – Cómo estudiar Historia del Arte?
Dijimos que para tener una experiencia estética frente a una obra de arte es necesario comprender, educar nuestra sensibilidad artística. Como en el caso de estudiar la historia, es necesario acudir a estudios que se han hecho. Cómo enfrentarnos a dichos estudios? Todos estos estudios no son inocentes, responden a diferentes teorías. Es la teoría pura, universal e imparcial? No. Toda teoría emerge en un lugar y tiempo particular, en respuesta a ciertos eventos. Entendiendo esto, nos preparamos para enfrentarnos a lo que los eruditos han dicho sobre obras de arte (la historiografía del arte) de manera crítica. Es decir, conscientes de que los escritos de arte no son una descripción, ya que forman parte de un proceso de interpretación a lo largo del tiempo. Cada vez que leemos algo que se haya dicho sobre una obra de arte debemos prestar atención a la teoría y a la metodología. Es FUNDAMENTAL tener consciencia metodológica.

12 Cuál es la diferencia entre teoría y metodología?
El proceso de formular preguntas de investigación. Lo que nos ayuda a encuadrar nuestras investigaciones y trazar una agenda de trabajo sobre temas, objetos u archivos particulares. METODOLOGÍA El proceso de intentar responder esas preguntas de investigación. Es el conjunto de procedimientos o formas de trabajo que caracterizan una disciplina. Por ej.: análisis de laboratorio, investigación de documentos históricos relacionados, entrevistas, etc.

13 Qué se ha dicho sobre arte
Qué se ha dicho sobre arte? Breve mención de la historiografía artística (el estudio de la historia de la historia del arte). Debate: Forma vs. Contenido Teorías del formalismo: El contexto o significado debe ser dejado de lado para prestar atención pura y directamente a la obra de arte. La obra de arte debe ser disfrutada por sus cualidades formales más que por su representación de una figura, historia, naturaleza o idea. Cualidades formales: Composición, Material Forma Línea Color Teorías iconográficas: Iconografía: el estudio de las imágenes Se preocupan por el estudio del tema (contenido) de la obra de arte y rechazan las teorías que veían a la forma como criterio básico de la especificidad artística.

14 Comienzos de la historiografía artística
GIORGIO VASARI ( ) Primera sistematización metodológica. Su método es utilizado hasta el siglo XIX. Obra: Vidas Metodología: Idea evolutiva y progresiva del arte. Compara el Arte con el cuerpo humano: florecimiento del arte antiguo, subdesarrollo y caída, renacimiento. Utiliza biografías (elementos anecdóticos, novelescos) e incluye algunas disposiciones de alto valor teórico. Siglo XVII: apogeo del género vasariano (método biográfico)

15 Historiografía positivista del siglo XIX
Positivismo: corriente filosófica que sentará las bases de la moderna Historia del Arte. Características: Metodología: Estudio directo de las obras Las relaciona unas con otras a través del concepto de ESCUELA Las estudia en relación con su lugar, su tiempo. Pero el contexto para ellos es material. Clasificación: escuelas regionales, géneros, escuelas individuales. Aparece el EXPERTO: Como producto de esta nueva relación que pretende ser objetiva y científica con la obra de arte. Aparece porque el auge del coleccionismo particular y museos demandan una catalogación científica. Su función: catalogar, discernir con la mayor precisión posible, las obras de los grandes maestros y sus discípulos (atribuciones, escuelas de pertenencia). Comparación formal de obras seguras de cualquier maestro con las que no lo son (seguidores y discípulos). Cómo? No a través de las características más típicas (sistema de composición, uso de los colores, técnicas), sino a través de la confrontación de pequeños detalles (orejas, manos, ropajes, paisajes, cabellos, ojos, nariz, boca, cráneo) porque no requieren excesivo esmero de ambos.

16 Metodologías formalistas
R. WÖLFFLIN ( ). Sus ideas influenciaron fines del siglo XIX y 2/3 del siglo XX. Era de auge de las ciencias que encontraban leyes naturales inmutables de la naturaleza y el comportamiento humano. Wölfflin arguyó que en el estilo artístico también hay un principio que lo gobierna: la repetición cíclica de las fases temprana, clásica y barroca. En su opinión, la manera de explorar esta dinámica era a través de un riguroso análisis formal, que se basaba en parejas de principios opuestos. Su preocupación no radicaba en lo que el arte dice sino COMO lo dice. Para él la FORMA es aquello que define cualquier momento 5 parejas de categorías formales: lineal-pictórico Plano-profundidad Forma cerrada- forma abierta Multiplicidad – unidad Claridad – oscuridad Las primeras responden a la obra del Renacimiento (Rafael, Miguel Ángel, Durero, Holbein) Las segundas responden a la obra del Barroco (Frans Hal, Velázquez, Bernini) HENRI FOCILLON ( ) Veía a las formas artísticas como entidades vivas que evolucionan y cambian a lo largo del tiempo (de acuerdo a la naturaleza de sus materiales y su emplazamiento espacial). Decía que lo importante para determinar una forma artística era la confrontación física del receptor frente a la obra. Las condiciones políticas, sociales y económicas eran irrelevantes.

17 Las formas simbólicas y el método iconológico
Estas teorías estudian el significado de las obras de arte: lo que ellas significan y cómo producen esos significados. Iconografía: el estudio de imágenes (básicamente identifican motivos e imágenes en la obra de arte: una mujer con una rueda en su mano representa a St. Catherine, una figura sentada de piernas cruzadas con el pelo en un rodete y lóbulos de las orejas largos representan a Buda). Este proceso de identificación no es simple: requiere un conocimiento extenso de una cultura y sus procesos de producción de imágenes. Iconología no es lo mismo que iconografía Iconografía: la identificación de una imagen (ej. Santa Catalina) Iconología: intenta explicar por qué y cómo esta imagen fue elegida (ej. por qué Santa Catalina fue representada en este particular lugar y espacio y por este artista).

18 ABY WARBURG ( ) desarrolla el método moderno porque rechaza el acercamiento formal al arte, sosteniendo que el arte de un periodo determinado se encuentra conectado de numerosas formas con su religión, filosofía, literatura, ciencia, política y vida social. E. PANOFSKY ( ) Continúa el desarrollo del método iconológico. Metodología: Hay tres niveles en el estudio de una obra de arte: 1-Descripción pre-iconográfica: el contenido temático primario, reconocer visualmente en forma natural sin referencia a fuentes externas. 2- Análisis iconográfico: el contenido temático secundario, identificar la imagen como una historia o personaje conocido. 3-Análisis iconológico: el significado artístico, descifrar el significado de la imagen, tomando en cuenta el tiempo y lugar en el que la imagen fue realizada, el estilo cultural predominante o el estilo del artista, los deseos del que encarga la obra, etc. Seguidores de Panofsky en el s. XX: Saxl, Wittkower, Gombrich, Bialostocki, entre otros.

19 Influencias del marxismo: la Crítica Social del Arte
Intentan superar las ideas formalistas, situando la explicación de las formas artísticas en su contexto material de producción. Ligan los fenómenos de la producción artística con los acontecimientos económicos y sociales de su momento. Estructura – Superestructura (ideología) El arte forma parte de la ideología (visión del mundo que trata de justificar un orden social existente, pertenece a la clase dominante) y es utilizado para expandir la ideología dominante. El arte no es algo producido por genios, sino que es otra forma de producción económica. La especialización artística es parte de la división capitalista del trabajo. A. HAUSER, VON MARTIN Explicó la historia del arte desde supuestos estrictamente sociologistas (interés por el estudio de los contenidos económicos y sociales de la historia). El arte aparece como corolario inmediato de la realidad social. No interesa lo formal ni el contenido. HAUSER (déc. 70) evolucionó: sostiene que si bien el arte está condicionado socialmente, no todo se puede definir socialmente, ya que unas mismas condiciones sociales pueden producir obras valiosas y otras que no lo sean.

20 3) Algunas reflexiones sobre “El arte y los artistas” (Gombrich).
“No existe realmente el arte. Tan sólo hay artistas” P. 15 No hay causas ilícitas para que nos guste una obra de arte, pero sí hay causas equivocadas para para que no nos guste una obra de arte (nos estaríamos privando de un placer). (Esta sección se encuentra tomada de: E. Gombrich, La Historia del Arte, Ed. Debate, Madrid, ª edición en 1950)

21 Cuál de estas obras es más bella?

22 Cuál de estas obras te gusta más?

23 Cuál de estas obras es mejor?

24 Motivos por los que puede gustar una obra de arte:
A) BELLEZA Inclinación por temas bonitos y atractivos (ver en los cuadros lo que nos gustaría ver en la realidad). Problema: esto puede convertirse en nocivo si nos conduce a rechazar obras que representan asuntos menos agradables. Pieter Paul Rubens, Retrato de su hijo Nicolás, h. 1620 Alberto Durero, Retrato de su madre, 1514 La belleza de un cuadro no reside realmente en la belleza e su tema. Varían mucho los gustos y criterios acerca de la belleza.

25 B) EXPRESIÓN A menudo la expresión de un personaje en el cuadro hace que éste nos guste o nos disguste. Pero para comprender el modo de sentir, lo que expresa el artista, debemos conocer primeramente su procedimiento. Cuando llegamos a comprender estos diferentes lenguajes, podemos preferir obras de arte cuya expresión es menos notoria. Disfrutar lo que queda por descubrir. Guido Reni, El Cristo coronado de espinas, h Maestro toscano, Cabeza del Cristo,

26 C) DIBUJO - A menudo se admira la corrección del dibujo, la destreza del artista al representar los objetos, que el cuadro aparezca “como si fuera de verdad”. Importancia a los detalles. Hay muchas quejas sobre las distorsiones de la naturaleza en el arte moderno. Prejuicios. Caso de dibujos de Walt Disney. Dos cosas a tener en cuenta antes de juzgar como incorrecto un cuadro: 1) si el artista no tuvo sus motivos para alterar la apariencia de lo que vio, 2) nunca debemos condenar una obra por estar incorrectamente dibujada (a menos que estemos completamente seguros de que es el pintor el que está equivocado). Alberto Durero, Liebre, 1502. Rembrandt van Rijn, Elefante, 1637.

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28 Errores aceptados: “las cosas no se representan así”
Propendemos a aceptar colores o formas convencionales como si fueran exactos. Viaje de descubrimiento de los artistas (nos enseñan a contemplar nuevos atractivos en la naturaleza). Mayor obstáculo para gozar de obras de arte: despojarnos de costumbres y prejuicios. Théodore Géricault, Carreras de caballos en Epsom, 1821. Eadweard Muybridge, Caballo al galope, (Secuencia fotográfica)

29 Representar un tema familiar de manera inesperada es condenado a menudo por la razón de no parecer exacto. Caravaggio, San Mateo, 1602. Caravaggio, San Mateo, 1602.

30 Los artistas se preocupan de si han acertado. Cómo
Los artistas se preocupan de si han acertado. Cómo? Intuyendo, hay leyes. Sir Joshua Reynolds, The Archers. Thomas Gainsborough, Blue Boy, 1770s.

31 “El antiguo refrán ‘Sobre gustos no hay nada escrito’ puede ser verdad, pero no debe negarse el hecho comprobado de que el gusto puede desarrollarse” p. 36. Los grandes maestros tienen derecho a pedirnos que tratemos de comprender lo que se propusieron realizar. Lo más importante con respecto al arte: tener una mente limpia y disfrutar ( descartar el esnobismo). UNO DE NUESTROS OBJETIVOS MÁS IMPORTANTES EN ESTE AÑO : EDUCAR LA SENSIBILIDAD ARTÍSTICA