UNIDAD DIDÁCTICA 5 EL ARTE CLÁSICO: GRECIA (2)

UNIDAD DIDÁCTICA 5 EL ARTE CLÁSICO: GRECIA (2)

LA ESCULTURA GRIEGA Características generales Evolución cronológica y principales ejemplos

LA ESCULTURA GRIEGA La escultura griega tuvo una evolución considerable en pocos siglos, entre los períodos arcaico y helenístico, en función de los cambios socioeconómicos, políticos y culturales del mundo griego. En esto contrasta con el inmovilismo de la sociedad egipcia, cuyo arte apenas varió con el paso del tiempo. Hasta los albores del siglo VII a. C., no encontramos en Grecia restos de escultura, solo restos de cerámica con decoración geométrica, la cual se corresponde con una sociedad agraria y cerrada. El desarrollo de las colonizaciones y del comercio en el Mediterráneo oriental provocó un mayor dinamismo económico, una afluencia de riquezas y una diversificación artística desconocida hasta entonces. La aristocracia terrateniente empezó a volcarse en las actividades urbanas al tiempo que surgió una poderosa burguesía enriquecida con el comercio y la producción artesanal. De una sociedad aristocrática con una escultura llena de convencionalismos tomados del arte egipcio y oriental (periodo arcaico) pasamos, tras una etapa de regímenes autoritarios (tiranías), a una sociedad más democrática, donde el gusto de la burguesía urbana impuso una escultura más naturalista aunque idealizada (periodo clásico), y un aumento del coleccionismo privado de arte. Con la expansión territorial del Imperio de Alejandro Magno, la cultura griega se extendió por Oriente; tras su muerte (323 a. C.) sus sucesores. Los diádocos, crearon los reinos helenísticos. La escultura se hizo más naturalista. Al tiempo que en las cortes helenísticas el arte tendió al recargamiento y la grandiosidad, por influencia del arte oriental. Este periodo terminó en el 30 a. C., cuando Roma, tras ocupar Grecia en el 146 (batalla de Corinto), conquistó Egipto, último reino helenístico que quedaba.

Características generales:
Dominio de materiales y técnicas. Fundamentalmente dos: mármol, bronce a la cera perdida. También esculturas crisoelefantinas Las obras estaban policromadas, lo que acentuaba su realismo Tipologías: bulto redondo, relieve (diversos grados) Canon: armonía de las proporciones, en ellos consiste la belleza. Pero hay diferentes cánones, basados en un módulo que suele ser la cabeza (Policleto: 7 cabezas, Lisipo: 8 cabezas) Representación del cuerpo humano en la plenitud de su belleza física. Realismo idealizado Representación del cuerpo desnudo (en el caso de las mujeres sólo en el helenismo) Han llegado a nosotros mediante copias romanas Se hacían por encargo, se firmaban. Los escultores tenían prestigio, considerados por encima de otros artistas Temas: religiosos. Representaciones de dioses y héroes. Pero también atletas Gran relevancia posterior: influyen en la escultura romana, renacentista, manierista, barroca, neoclásica

El periodo arcaico (siglo VII-480 a.C.)
La escultura representa los ideales estéticos de la aristocracia terrateniente: manifiesta gran influencia oriental, sobre todo egipcia, debida a los intercambios comerciales y culturales con estas culturas. Se caracteriza por los siguientes rasgos: • La figura humana se representa de tamaño natural o superior al natural. • La influencia de la escultura egipcia y oriental es evidente: ello se manifiesta en el uso de convencionalismos tales como frontalidad, hieratismo, inexpresividad, anatomías de formas cúbicas y geométricas, simetría del cuerpo, desproporciones anatómicas, adelantamiento de una pierna para darle movimiento a la figura, empleo de la sonrisa arcaica (mueca) en el rostro para aportarle expresividad, etc. • La representación de figuras de animales fantásticos; característica esta de influencia oriental.

Periodo arcaico, siglo VII-480 a. C.
Las esculturas más antiguas, llamadas Xoanas, no se han conservado. Eran de madera forrada con planchas metálicas Dos tipos: kuroi y korai (kurós y koré en singular) Piedra caliza o mármol Carácter religioso Influencia de la plástica egipcia (contactos comerciales, colonia griega Naucratis en el delta del Nilo): frontalidad, rigidez o hieratismo, falta de expresión, simetría Muestran arquetipos, no retratan a personas individuales Kuroi Esculturas votivas, representarían atletas. Desnudos, cierto interés por anatomía, mejor modelado (AVANCES) Rostro poco expresivo, estereotipado: ojos almendrados, “sonrisa arcaica”, cabellos recogidos en trenzas Korai Probablemente representan sacerdotisas Vestidas a la manera ática o doria (chitón, túnica ceñida, y peplos, chal corto) o jónica (himatión, manto ancho) Iguales valores formales que los kuroi

Kuroi Esculturas votivas, representarían atletas. Desnudos, cierto interés por anatomía, mejor modelado (AVANCES) Rostro poco expresivo, estereotipado: ojos almendrados, “sonrisa arcaica”, cabellos recogidos en trenzas Rasgos en común: Tríada de Micerinos Kurós de Sunion

Cleobis y Bitón Escuela del Peloponeso

Jinete o caballero Rampin, mediados siglo VI a. C Moscóforo, mediados siglo VI a. C. Escuela cicládica

Korai Probablemente representan sacerdotisas Vestidas a la manera ática o doria (chitón, túnica ceñida, y peplos, chal corto) o jónica (himatión, manto ancho) Iguales valores formales que los kuroi Hera de Samos Escuela Jónica Dama de Auxerre Original y reconstrucción de la policromía Escuela de Creta

Periodo severo o de transición (480-450 a.C.)
Desde el siglo VI a.C. las polis griegas vivieron una etapa de cambios económicos y sociales, debido al fenómeno de las colonizaciones. La economía agraria de la etapa arcaica se transformó en otra urbana y comercial, al tiempo que una nueva dase social de ricos comerciantes y financieros rivalizaron con la aristocracia por el poder político. De los viejos gobiernos aristocráticos pasamos a los gobiernos autoritarios impuestos por legisladores y tiranos, que con el apoyo de la burguesía urbana disputaron el poder a la aristocracia. Este proceso culminó en algunas polis, como Atenas, con la instauración de sistemas políticos democráticos en el siglo y a.C. La lucha contra los persas (guerras médicas) y el triunfo de los griegos sirvió de motivo de inspiración y propaganda a los artistas.

Las características de la escultura de este periodo son:
• Pervivencia de convencionalismos arcaicos (frontalidad, hieratismo, falta de expresividad, simetría, geometrización, etc.), pero con tendencia a anatomías menos geométricas, más curvilíneas y naturalistas, a plasmar un movimiento contenido en las figuras mediante el uso del contrapposto (o contraposición armónica de las distintas partes del cuerpo y ruptura de la simetría, representando unas partes del cuerpo en movimiento y sus simétricas en reposo) y el escorzo (representación de una figura o parte de ella en posición oblicua o perpendicular al plano). Con estos recursos se pretendía que las esculturas no fuesen tan estáticas y frontales. • Creación de un nuevo modelo de figura idealizada masculina que sustituye a los kuroi arcaicos: el efebo. Es un joven en la plenitud física, de cabello corto y rizado, sin barba, de rasgos regulares y anatomía musculosa y proporcionada, inexpresivo -pues la expresión de los sentimientos y pasiones humanas era contradictoria con la calma y la reflexión- y en actitud serena y armónica, que representa el ideal de perfección y belleza griego. Con este modelo se realizaban dioses, héroes, personajes mitológicos y atletas vencedores. Como los escultores no tenían interés por los personajes individualizados, siempre esculpían modelos ideales, independientemente de su edad. Por ello adolescentes, jóvenes y viejos, poseen anatomías musculosas y proporcionadas.

Hacia el clasicismo: Periodo Severo, 480-450 a. C.
Auriga de Delfos, 474 a. C., atrib. a Pitágoras de Samos Escultura estática y rígida del joven auriga de una cuádriga desaparecida, fundido en bronce, con el brazo adelantado sujetando las riendas (en escorzo) y detalles naturalistas en los pliegues de la túnica (que se asemejan a las estrías de una columna); su rostro de efebo es bello e inexpresivo.

Los Tiranicidas, héroes de la democracia, atrib. a Critias y Nesiote Los dos tiranicidas, convertidos posteriormente en héroes de la libertad, aparecen en movimiento, adelantando al unísono un brazo y una pierna en el momento de apuñalar a su víctima. Ambos están en escorzo, rompiendo la frontalidad. Sus anatomías están idealizadas, aunque el segundo aparece con barba pues era un individuo maduro.

Avances sustanciales: Se trata de romper con la ley de la frontalidad Se conquista el espacio circundante Cierta sensación de movimiento Mayor dominio anatómico Poseidón o Zeus del Cabo Artemisa Figura de bronce que representa al dios de los mares y océanos, con pelo rizado y barba como corresponde a su edad madura, aunque con musculatura poderosa y proporcionada; está en escorzo: sus piernas abiertas y sus brazos, lanzando el tridente, están despegados del tronco para darle movimiento. ¿Dónde apreciamos estas características?

• Los guerreros de Riace, son dos figuras de bronce originales cuyo significado se desconoce, pero posiblemente sean dioses o héroes. Ambos tienen una posición similar, en contrapposto, aunque se cree sean obras de distintos autores y fechas. Seguramente fuesen armados con lanza, escudo y casco, que se han perdido.

Se basa en la guerra de Troya, utilizando como fuente la Ilíada de Homero. Representa escenas de lucha entre griegos y troyanos, con escenas dinámicas y naturalistas. Los personajes conservan la sonrisa arcaica, pero sus anatomías son más correctas y proporcionadas. Destaca la variedad de posturas para adaptarse al marco triangular del tímpano (ley del marco), así como la ruptura de la frontalidad en algunas figuras, vistas de perfil. Los relieves solían policromarse para dar una mayor sensación de realismo. Frontones del templo de Afaya en Egina, 490 a. C. Narra un episodio de la guerra de Troya: Atenea protege a los habitantes de la isla de Egina. Existe una unidad narrativa Figuras con iguales proporciones, la manera de disponerlas se adapta al espacio triangular (guerreros heridos, arqueros) Glypoteca de Múnich

Frontones del templo de Afaya en Egina, 490 a. C.

Frontones y metopas del Templo de Zeus en Olimpia, a. C. Representa la lucha de lapitas contra centauros (se trata de una centauromaquia), donde predomina el dinamismo y desaparece la frontalidad en algunas figuras. El dios Apolo, esculpido según el modelo de efebo, es la figura principal y está en el centro del tímpano. Con su brazo extendido da la victoria a los lapitas. Los centauros son más dinámicos y naturalistas que los humanos, pues, como seres que representan las bajas pasiones, no son dignos de idealización. Frontón oeste: lucha entre centauros y lapitas, Apolo pone orden Metopas: los 12 trabajos de Herakles

Frontones y metopas del Templo de Zeus en Olimpia, a. C. Frontón oeste: lucha entre centauros y lapitas, Apolo pone orden Metopas: los 12 trabajos de Herakles

Periodo clásico, a. C. Tras la victoria sobre los persas y la consolidación de los sistemas democráticos en distintas polis griegas, Atenas desempeñó un papel predominante en el ámbito griego. Su hegemonía coincidió con el gobierno de Pericles, que como hemos señalado, emprendió un vasto programa de construcción de edificios en la Acrópolis, al tiempo que favoreció la creación de todo tipo de obras artísticas. El clasicismo supuso la plenitud de la escultura griega, tras las innovaciones de la etapa anterior. Las guerras del Peloponeso y la derrota de Atenas a finales del siglo y a.C. provocaron una profunda crisis en las polis griegas.

Periodo clásico, a. C. Lo que define el clasicismo es la síntesis entre naturalismo e idealización en la escultura. Los artistas profundizaron en la representación naturalista de los personajes restringiendo la frontalidad, plasmando el movimiento -aunque nunca violento, sino contenido-, esculpiendo el cuerpo humano de forma más correcta y detallada, menos geométrica. Pero al mismo tiempo los personajes se idealizaban embelleciendo sus rasgos físicos, buscando la proporción y armonía de las partes, la regularidad y suavidad de los contornos, la simetría de los volúmenes, etc., la virtud moral y la gracia divina. Esta idea está presente en la filosofía de Platón (según podemos ver en su diálogo Fedro). Por ello las figuras nunca pierden la compostura, la elegancia y la armonía ni trasmiten las emociones humanas, consideradas vulgares. • La profundización en los principios estéticos del periodo severo y el interés por la representación del cuerpo humano, a través de temas mitológicos y atléticos. • La pervivencia del modelo masculino de belleza idealizada de la etapa anterior (el efebo); el aumento del naturalismo y del movimiento, mediante el contrapposto y el escorzo y la utilización de la perspectiva en los relieves, recurso ilusionista que sirve para producir la sensación de profundidad. Los principales escultores de esta etapa son Mirón, Policleto y Fidias.

Periodo clásico, a. C. Mirón Cultivó la escultura en bronce, conocemos copias romanas Captar el movimiento, la actitud Estudio anatómico Expresión no del todo conseguida, arcaizante ¿Cuáles de estas características observamos en el Discóbolo? Discóbolo

Periodo clásico, a. C. Mirón Cultivó la escultura en bronce, conocemos copias romanas Captar el movimiento, la actitud Estudio anatómico Expresión no del todo conseguida, arcaizante Atenea y Marsias

Refleja en sus esculturas sus idea de la belleza basada en el número
Diadumenos Doríforo Periodo clásico, a. C. Policleto Además de escultor, fue teórico. Escribió un tratado titulado Canon (perdido) Busca la proporción entre unas partes del cuerpo con otras y con el conjunto de la obra Refleja en sus esculturas sus idea de la belleza basada en el número Contrapposto en el Doríforo: rompe frontalidad presentando la pierna derecha en tensión mientras que la izquierda queda retrasada, relajada, flexionada y apoyada en la parte delantera del pie. Opone a ello la tensión en el brazo izquierdo, que porta la lanza. El Diadumenos conquista del espacio. Mayor realismo en cabellos

Periodo clásico, a. C. Fidias, “el escultor de los dioses” Máximo representante de la escultura clásica griega Equilibrio físico y espiritual, belleza serena Idealiza los modelos que ofrece la naturaleza Magníficos estudios anatómicos Dominio en la representación de calidades, sobre todo domina la técnica de los paños mojados Temática: sobre todo dioses, a los que dota de majestuosidad. Esculpió algunas de las obras más significativas de los templos más importantes Pocos datos conocidos pero tendría un gran taller su obra marcó a muchos escultores Estrecha relación con Pericles, cuando éste cayó en desgracia Fidias dejó Atenas para ir a trabajar a Olimpia Dos tipologías: escultura exenta y relieves

Rostro sereno, “belleza clásica” ¿qué es?
Periodo clásico, a. C. Fidias Entre 460 y 430 a. C. realizó tres representaciones de Atenea destinadas a la Acrópolis: Atenea Promakos (bronce), Atenea Lemnia (bronce) y Atenea Parthenos (oro y marfil, escultura crisoelefantina). Ninguna conservada, sólo algunos restos y recreaciones. Realizó una escultura crisoelefantina de Zeus para su templo en Olimpia, perdida Copia de la cabeza de Atenea Lemnia, Museo de Bolonia (Italia) Rostro sereno, “belleza clásica” ¿qué es? Contraste entre texturas, ¿dónde lo vemos? Logros del periodo procedente que vemos aquí desarrollados: Recreación de Atenea Lemnia

Periodo clásico, a. C. Fidias Descripción de Pausanias: “la estatua en sí está hecha de marfil y oro. En el centro de su casco hay una figura parecida a la Esfinge... y a cada lado del yelmo hay grifos en relieve. ... La estatua de Atenea es de pie, con una túnica hasta los pies, y sobre su pecho la cabeza de Medusa está tallada en marfil. Sostiene una Victoria de aproximadamente cuatro codos y en la otra mano una lanza; a sus pies yace un escudo y cerca de la lanza hay una serpiente. Esta serpiente podría ser Erictonio. Sobre el pedestal está el nacimiento de Pandora en relieve” ¿Por qué estos atributos? Recreación de Atenea Parthenos Escultura crisoelefantina Se hicieron muchas copias de ella en tamaños medianos y pequeños

Periodo clásico, a. C. Fidias A finales del siglo IV fue trasladada a Constantinopla (actualmente Estambul) donde fue destruida por un incendio Majestuosa, imponente Medía 12 m.

Periodo clásico, a. C. Fidias Relieves: frontones, metopas y friso interior en el Partenón. Ayudado por discípulos Se conservan los originales en el British Museum (Londres) y en el Museo de la Acrópolis (Atenas) Temas Frontones: nacimiento de Atenea de la cabeza de Zeus y disputa con Poseidón por el dominio del Ática Las 92 metopas: Gigantomaquia, Amazonomaquia, Centauromaquia y Guerra de Troya Friso interior: desfile de las Panateneas Exquisita armonía Equilibrio compositivo Tratamiento proporcionado de los cuerpos Tratamiento psicológico de los personajes Magnífico tratamiento de los ropajes, técnica de los “paños mojados”

Periodo clásico, a. C. Frontones, reconstrucción. Frontón oriental: el nacimiento de Atenea. Frontón occidental: disputa por la posesión del Ática

Periodo clásico, a. C. Frontón oriental, detalle de las Parcas Pliegues muy finos, traslucen anatomías Suavidad de las formas Elegancia Adaptación, no forzada pero eficaz, al espacio arquitectónico

Periodo clásico, a. C. Fidias: friso de las Panateneas Jóvenes vírgenes que en la fiesta de la diosa encabezan la procesión al templo de Atenea para ofrecerle un rico peplum tejido por ellas Disposición rítmica y armónica Diferentes grados de relieve que sugieren profundidad Individualización de los personajes por sus ropajes Diversidad de actitudes

Periodo clásico, a. C. Metopa, una de las escenas de la centauromaquia Características Composición: Modelado: Tratamiento anatómico: Movimiento: Expresión de los cuerpos: Otros:

El segundo clasicismo (primera mitad siglo IV-323 a. C
El segundo clasicismo (primera mitad siglo IV-323 a.C.) La crisis que afectó a las polis tras la guerra del Peloponeso y la formación del Imperio de Alejandro Magno, provocó una serie de cambios que se reflejan en la estatuaria griega. Este periodo se caracterizó por una serie de rasgos que vamos a enumerar: • Un avance del naturalismo, que se plasma en la representación más realista y menos contenida del movimiento, la humanización de los personajes, la expresión del dramatismo, la ruptura de la visión frontal del cuerpo humano, que se esculpe para ser visto desde cualquier lado. • Una nueva visión del modelo de belleza ideal masculina más sensual y gracioso, menos solemne y heroico. Las figuras de dioses y atletas tienen formas más redondeadas y sensuales, anatomías más esbeltas y menos robustas y se representan muchas veces en actitudes cotidianas. • La valoración de la belleza del cuerpo femenino desnudo y la creación de un modelo ideal de formas redondeadas y sensuales (estatuas de Afrodita). Hasta entonces apenas se representaban mujeres desnudas, pues sus cuerpos no se consideraban bellos ni se las creía dotadas de cualidades espirituales comparables a los hombres. • Mayor interés por lo individual y subjetivo. Ello explica el tratamiento de nuevos temas como el retrato y las escenas de la vida cotidiana, junto a los tradicionales temas mitológicos y atléticos. Se realizan los primeros retratos realistas, que enlazan con los helenísticos. Destacan: Praxíteles Skopas Lisipo Leocares

Segundo clasicismo, siglo IV a. C. Praxíteles
Trabajó en Atenas entre 380 y 330 a. C. Escultor de la gracia, el refinamiento y la delicadeza tanto en figuras femeninas como masculinas Representación más blanda de las anatomías, menos geométricas Perfiles sinuosos, curva praxiteliana. Necesidad de un apoyo Plasticidad, contraste lumínico Hermes y Dionisos Afrodita de Cnido Simboliza la paz entre Arcadia (Hermes era su dios protector) y la Elide (Dionisos)

Segundo clasicismo, siglo IV a. C.
Praxíteles Comparar Composición de la figura: Modelado y tratamiento anatómico: Conquista del espacio: Expresión del rostro: Otros elementos o rasgos que observamos: Doríforo, Policleto Dos copias de Apolo Sauróctono

Skopas Dramatismo, logrado a través de la torsión de los cuerpos y las expresiones de los rostros Penetración psicológica Sensualidad más evidente, sobre todo en personajes femeninos Ruptura del equilibrio clásico Meleagro Ménade furiosa o furibunda

Lisipo Teórico, preocupado por las proporciones como Policleto un siglo antes. Pero proporciones diferentes: canon de ocho cabezas, traducido en una mayor esbeltez. Multiplicación de los puntos de vista: estereotomía (antes: visión óptima sólo frontal) Creación de espacio interior Mayor naturalismo. Carnes más blandas Escultor de cabecera de Alejandro Magno, varios retratos Apoxiomenos

Lisipo Dos representaciones de Alejandro Magno Ares Ludovisi

Leocares Movimiento en acción. No en potencia sino en hecho Discípulo de Praxíteles Refinamiento Expresión Estudio de calidades Apolo Belvedere

Periodo helenístico, 323 a. C. (muerte de Alejandro Magno) – 30 a. C.
No es arte helénico sino helenístico El Imperio macedonio puso fin al sistema autárquico de las polis griegas y creó una gran estructura político-económica donde se fundieron la cultura griega y oriental. El resultado de esa mezcla de culturas fue la cultura helenística, que se desarrolló entre la muerte de Alejandro Magno y la conquista romana. Monarcas y clases dirigentes, enriquecidos por el comercio entre los reinos, impulsaron el mecenazgo como propaganda de su poder, al tiempo que decayeron los encargos públicos. La diversificación de la clientela privada favoreció la coexistencia de diversas corrientes estilísticas: por una lado los encargos cortesanos, recargados y monumentales, por otro los de la aristocracia griega, apegados al clasicismo y la idealización, finalmente los de la burguesía, más naturalistas y desenfadados. Esta última comente fue la más significativa y novedosa, pues supuso la superación de la estética idealista del arte griego teorizada por Platón, y el interés por una estética naturalista. El principal defensor de estas nuevas ideas fue el filósofo Aristóteles, que en su Poética afirmó que el arte debía imitar la naturaleza. Esta evolución ya se aprecia, como vimos, en las obras del siglo IV a.C.

Las características principales de la escultura helenística son:
• El predominio de las obras naturalistas, que coexisten con otras idealizadas de influencia clasicista. • El interés por nuevos temas apenas tratados anteriormente, como las escenas de la vida cotidiana, la niñez y la vejez, lo feo y lo deforme, escenas sensuales y amorosas, la diosa Afrodita, etc. • Los retratos son naturalistas y reproducen fielmente los rasgos físicos y la psicología del retratado, sin ennoblecerlos. Hay muchos ejemplos, como el Homero ciego o el Pseudoséneca. Influyeron en el retrato romano. • La representación del dramatismo, el movimiento y la búsqueda de la expresividad. En los relieves se emplea la perspectiva, tallando los distintos personajes en planos de distinto volumen para sugerir la tercera dimensión. Las principales escuelas del periodo helenístico son las de Pérgamo, Rodas, Alejandría y Atenas.

Periodo helenístico, 323 a. C.– 30 a. C.
Escuela de Pérgamo (Asia Menor) Galo moribundo Altar de Zeus en Pérgamo

Periodo helenístico, 323 a. C. – 30 a. C.
Escuela de Rodas Victoria de Samotracia (Museo del Louvre) Pitókritos de Rodas, hacia 195 a. C. Seguramente eran un mascarón de proa, otras interpretaciones: exvoto Virtuosismo técnico, “paños mojados” por el agua y movidos por la brisa

Periodo helenístico, 323 a. C. – 30 a. C.
Escuela de Rodas Laocoonte y sus hijos (Museos Vaticanos) Hagesandros, Polidoros y Atanodoros de Rodas, hacia 50 a. C. Dramatismo y patetismo, dolor físico y moral Sobredimensión del torso del sacerdote troyano Descubierto en 1506, causó conmoción entre los escultores del renacimiento, sobre todo en Miguel Ángel. Alonso Berruguete también dejó notar su influencia así como los posteriores escultores barrocos

Escuela neoática Su centro es Atenas, se inspira en el pasado, cierta nostalgia Tanto temática mitológica como temática cotidiana Niño de la Oca El espinario Venus de Milo

Escuela de Alejandría Alegoría del Nilo

Glosario: contrapposto, curva praxiteliana, estereotomía

2.4. Pintura y cerámica No hay restos de la pintura griega y solo a través de las fuentes literarias, la cerámica o las copias romanas podemos hacernos una idea de lo que fue; su influencia en la pintura romana es considerable. Existió tanto pintura de caballete como mural, y se usaron distintas técnicas como el fresco, el temple o la encáustica (pintura en que los colores se disuelven en cera fundida). Del siglo V a.C. destacó Polignoto, con expresivas pinturas murales como la Conquista de Troya o la Visita al Hades, ambas en el santuario de Delfos. Se cree que este autor ya utilizaba el claroscuro en sus composiciones. Otros pintores de este siglo fueron Parrasio y Zeuxis, con temas dramáticos y uso del esfumado o difuminado de los contornos. Del siglo IV a.C. son Demetrio, pintor de paisajes y bodegones y Apeles, cuya obra Alejandro vencedor de Darío conocemos gracias a un mosaico romano. La cerámica fue una de las artes aplicadas más importantes en el mundo griego, y se difundió por todo el Mediterráneo gracias al comercio. Su tipología era variada: cráteras para mezclar agua y vino, oinochoe para servir el vino, kylix, rhyton, skyphos, y ka nt ha ros para beber, hydrias para contener agua, stamnos para conservar el vino, ánforas para conservar sólidos y líquidos, alabastron para contener perfumes, pyxis o joyeros, lekythos para contener aceites y pomadas de uso funerario, etc. Los temas decorativos eran variados y se pintaban sobre la arcilla; abundan los motivos geométricos, figuras de animales reales y fantásticos, escenas mitológicas, literarias, cotidianas, deportivas, etc.

Existieron distintos estilos en la decoración cerámica:
• Estilo protogeomótrico ( a.C.), de influencia micénica, a base de círculos concéntricos, semicírculos y otras formas geométricas, líneas rectas y onduladas, etc., pintadas de color oscuro sobre la arcilla. • Estilo geométrico ( a.C.), caracterizado por su decoración de motivos geométricos, animales y figuras humanas esquemáticas, distribuidos en bandas horizontales. Tiene influencia oriental, con motivos de color oscuro sobre fondo claro. Destaca la cerámica de Dypilon (Atenas)

• Estilo orientalizante (750-600 a. C
• Estilo orientalizante ( a.C.), en el que destaca la cerámica de Corinto, decorada con animales fantásticos y motivos vegetales en bandas horizontales. Se pintaba con varios colores (negro, rojo, blanco) sobre fondo claro. Están muy recargadas (honor vacui) y se inspiran en las telas orientales. Posteriormente también se pintaron motivos mitológicos. • Estilos áticos ( a.C.); se caracterizan por sus tema narrativos, generalmente mitológicos, y por la tendencia a pintar pocas figuras de gran tamaño, dejando el fondo libre. Entre los años 675 y 500 a.C. floreció la cerámica de figuras negras sobre fondo rojo y entre los años 530 y 400 a.C. la de figuras rojas sobre fondo negro, donde se aprecia un mayor naturalismo. Tras la guerra del Peloponeso, Atenas perdió su hegemonía comercial y fueron las colonias del sur de Italia las que inundaron el mercado con sus vasos. Durante los reinos helenísticos la influencia oriental aumentó, y aparecieron junto a los temas mitológicos, cotidianos, galantes, etc., otros motivos vegetales y florales.

Presencia del arte griego en la Península Ibérica

Arte griego en la Península Ibérica
Llegado a través de los contactos comerciales o realizado a partir de sus influencias Colonias de los marineros focenses (Focea: ciudad jonia de la actual Turquía) desde el siglo VII a. C. Influencia en la población íbera: alfabeto, trabajo de los metales, cultura, arte Los griegos traían a la Península cerámicas de lujo, perfumes, vino y aceite y exportaban metales, sal, esparto y lino Principales colonias: Rhode (Rosas), Emporion (Ampurias), Sagunto Restos artísticos escasos (sucesos históricos)

Emporion Restos del templo de Asklepios o Asklepeion, dios de la medicina Plano de Emporion

Crátera griega. Representa un episodio del ciclo dionisíaco.
Hallada en la necrópolis de Los Nietos, Cartagena Escultura de Asklepios, dios de la medicina (s. III a. C.) Hallada en Ampurias

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