ESTHER LÓPEZ ROMERO GRADO EN EDUCACIÓN PRIMARIA

ESTHER LÓPEZ ROMERO GRADO EN EDUCACIÓN PRIMARIA
40 PRINCIPALES ESTHER LÓPEZ ROMERO GRADO EN EDUCACIÓN PRIMARIA

PINTORES

LEONARDO DA VINCI Nació el 15 de abril de 1452 en el pueblo toscano de Vinci, próximo a Florencia. En sus primeros años recibió la más exquisita educación en Florencia. Hacia 1466 acudió a formarse al taller de Andrea del Verrocchio, figura principal de su época en el campo de la pintura y escultura. Tuvo la oportunidad de estudiar las bases de la química, de la metalurgia, el trabajo del cuero y del yeso, de la mecánica y de la carpintería, así como de diversas técnicas artísticas como el dibujo, la pintura y la escultura sobre mármol y bronce. En 1472 entró a formar parte del gremio de pintores de Florencia, pero siguió siendo ayudante de Verrocchio, en cuya obra Bautismo de Cristo pintó el ángel arrodillado de la izquierda y el paisaje de matices neblinosos. Uno de sus primeros trabajos conocidos es el Paisaje del valle del Arno o Paisaje de Santa Maria della neve (1473), un dibujo hecho con pluma y tinta. Así comenzó su carrera de pintor con obras ya destacables como La Anunciación ( ). Otras obras de su etapa juvenil son la Adoración de los Magos, Madonna Benois ,el retrato de Ginebra de Benci, y el inacabado San Jerónimo. También destacó como ingeniero. En 1478 se ofreció para levantar la iglesia octagonal de San Juan de Florencia, y fue cuando se alejó de lado de su maestro después de haberlo superado brillantemente en todas las disciplinas. En 1482 entró al servicio del duque de Milán como ingeniero de sus numerosas empresas militares y como arquitecto. Además, ayudó al matemático italiano Luca Pacioli en su célebre obra De Divina Proportione (1509) La obra más importante del periodo milanés son las dos versiones de la Virgen de las rocas, donde aplica un esquema compositivo triangular que encierra a la Virgen, el Niño, san Juan y el ángel, y por otro lado, utiliza por primera vez la técnica del sfumato. De 1495 a 1497 trabajó en su obra maestra La última cena, pintura mural para el refectorio del monasterio de Santa Maria delle Grazie, Milán. Su mayor encargo fue el monumento ecuestre en bronce a tamaño colosal de Francesco Sforza. En 1503 en Florencia, fue miembro de la comisión de artistas encargados de decidir sobre el adecuado emplazamiento del David de Miguel Ángel. Durante su segundo periodo florentino, Leonardo pintó varios retratos, pero el único que se ha conservado es el de La Gioconda, uno de los más famosos de toda la historia de la pintura, también conocido como Mona Lisa. En 1507 hace la segunda versión de la Virgen de las rocas y Santa Ana, la Virgen y el Niño. En 1516 se trasladó a Francia donde pasó sus últimos años en el castillo de Cloux, cerca de Amboise, en el que murió el 2 de mayo de 1519.

Algunas de sus obras son: Anciano pensativo La última cena
La Monalisa es una de las obras más importante de Da Vinci y además el retrato que más literatura ha generado a lo largo de toda la historia del arte; ha dado origen a cuentos, novelas, poemas y hasta óperas. Fue una obra famosa desde el momento de su creación. Su sonrisa ha hecho correr ríos de tinta. Se ha visto en ella crueldad y se le ha considerado la sonrisa despiadada de la mujer que esclaviza al hombre. Otros se han sentido deslumbrados por su encanto, por su dulzura. Es considerada como un retrato de Lisa Gherardini o, por el nombre de casada, Monna Lisa del Giocondo. Algunas de sus obras son: Anciano pensativo La última cena La dama del armiño LA MONALISA

ROBERTO MATTA Nació en Santiago de Chile el día 11 de noviembre de Cursó sus estudios universitarios en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica de Chile, complementando sus estudios con trabajos relacionados al arte, trabajó incluso en la Revista Topaze, en esa epóca pintó cuadros al óleo, casi todos extraviados, a excepción del dedicado a su "nana" Mercedes. Su elección por la arquitectura no fue casual, pues era la disciplina "tradicional" más cercana al arte. Asistía a clases vespertinas de dibujo a mano alzada en la Escuela de Bellas Artes. Ahí fue alumno de Hernán Gazmuri, quien venía llegando de Europa. En Europa conoció a Breton quien estimuló al artista chileno, valorando su trabajo e introduciéndolo en el círculo de los principales miembros del movimiento surrealista de París. Matta produjo ilustraciones y artículos para el periódico surrealista Minotaure. Durante este período trabó amistad con prominentes artistas contemporáneos europeos como Picasso y Marcel Duchamp. Un momento decisivo en su carrera artística se produce en 1938 cuando pasa del dibujo a la pintura en óleo, por la cual es muy famoso. Sus primeras pinturas, entre las que destaca Invasión nocturna, dieron una indicación de la ruta artística tomada por el pintor. El uso de patrones difusos de luz y gruesas líneas encima de un fondo particular se transformaría en uno de sus sellos característicos. Durante las décadas siguientes de los 40 y 50 su pintura reflejaría el perturbador estado de la política internacional, utilizando imágenes de máquinas eléctricas y personas atormentadas. Al agregar arcilla a sus obras desde los años 1960 en adelante, le agregó dimensión a su distorsión. Su trabajo agregó nuevas dimensiones a la pintura contemporánea, pese a su ruptura con el movimiento surrealista en Pese a que fue readmitido en 1959, su fama ganada es exclusivamente personal. Experimentó distintas formas de expresión artísticas, incluyendo producciones de videos como Système 88, la fotografía y otros medios de expresión. En 1990 recibió el Premio Nacional de Arte, en 1992 se le otorgó el Premio Príncipe de Asturias de las Artes y en 1995 obtuvo el Praemium Imperiale en la categoría de Pintura. Vivió regularmente desde la década de 1960 en la ciudad italiana de Civitavecchia, realizando viajes esporádicos a su país. Fallecio el 23 de noviembre de 2002.

- Otras de sus obras son: Morfología psicológicas(1938-1939)
El uso de patrones difusos de luz y gruesas líneas encima de un fondo particular se transformaría en uno de sus sellos característicos. Durante las décadas siguientes de los 40 y 50 su pintura reflejaría el perturbador estado de la política internacional, utilizando imágenes de máquinas eléctricas y personas atormentadas. Al agregar arcilla a sus obras desde los años 1960 en adelante, le agregó dimensión a su distorsión. Su trabajo agregó nuevas dimensiones a la pintura contemporánea, pese a su ruptura con el movimiento surrealista en Pese a que fue readmitido en 1959, su fama ganada es exclusivamente personal. Experimentó distintas formas de expresión artísticas, incluyendo producciones de videos como Système 88, la fotografía y otros medios de expresión. En 1990 recibió el Premio Nacional de Arte, en 1992 se le otorgó el Premio Príncipe de Asturias de las Artes y en 1995 obtuvo el Praemium Imperiale en la categoría de Pintura. Vivió regularmente desde la década de 1960 en la ciudad italiana de Civitavecchia, realizando viajes esporádicos a su país. Fallecio el 23 de noviembre de 2002. - Otras de sus obras son: Morfología psicológicas( ) El primer gol del pueblo chileno (1971) La vida Allende la muerte (1973)

SALVADOR DALÍ Nació el 11 de mayo de 1904 en la comarca catalana del Ampurdán, cerca de la frontera con Francia. Se alojó en la célebre Residencia de Estudiantes de Madrid para comenzar sus estudios en la Academia de San Fernando de Bellas Artes. Fueron sus pinturas, en las que Dalí tanteaba el cubismo, las que llamaron la atención de sus compañeros de residencia, entre los que se incluían futuras figuras del arte español, como Lorca, Pepín Bello o Buñuel. La maestría de sus recursos pictóricos se refleja en su impecablemente realista "Cesta de pan", pintada en Dalí absorbía las influencias de muchos estilos artísticos, desde el academicismo clásico a las vanguardias más rompedoras. Sus influencias clásicas pasaban por Rafael, Bronzino, Zurbarán, Vermeer, y Velázquez. Alternaba técnicas tradicionales con sistemas contemporáneos, a veces en una misma obra. Las exposiciones de su obra realizadas en Barcelona en aquella época atrajeron gran atención, en la que se mezclaban las alabanzas y los debates suscitados por una crítica dividida. Conoció a su futura esposa Gala, una inmigrante rusa, once años mayor que él. En 1931, Dalí pintó una de sus obras más célebres, "La persistencia de la memoria" (Los relojes blandos), obra en la que según algunas teorías ilustró su rechazo del tiempo como una entidad rígida o determinista. Esta idea se ve apoyada por otras imágenes de la obra, como el extenso paisaje, o algunos relojes de bolsillo devorados por insectos.28 Los insectos, por otra parte, formarían parte del imaginario daliniano como una entidad destructora natural. La exposición de algunas obras de Dalí levantó un enorme revuelo en Nueva York. En 1936 Dalí participó en una exposición surrealista, esta vez de índole internacional, celebrada en Londres. El mecenas de Dalí era el muy adinerado Edward James, que había colaborado generosamente al ascenso del artista comprándole numerosas obras y prestándole dinero durante dos años. Se convirtieron en buenos amigos, tanto es así que James aparece en la pintura de Dalí "Cisnes reflejando elefantes". Colaboraron igualmente en la creación de dos de los iconos más representativos del movimiento: el teléfono-langosta y el sofá de los labios de Mae West. La posguerra abrió para Dalí una nueva etapa artística, caracterizada por el virtuosismo técnico y el recurso a ilusiones ópticas. Su aproximación al catolicismo se fue haciendo más marcada, influida quizás por la conmoción causada por la bomba de Hiroshima y el amanecer de la era nuclear. Su intención parecía ser la síntesis de la iconografía cristiana con imágenes en descomposición relacionadas con la física nuclear, como se desprende de obras como "Crucifixión (Corpus Hypercubus)". Bajo la clasificación de "misticismo nuclear" se incluyen también "La gare de Perpignan"(1965) y "El torero alucinógeno"( ). En 1960, Dalí empezó a trabajar en un teatro y museo personal, levantados sobre su casa natal en Figueras.

Con 76 años, el estado de Dalí era lamentable, y su mano sufría constantes temblores que evidenciaban el progreso de la Enfermedad de Parkinson. Gala murió en 1982, y Dalí perdió su entusiasmo por vivir. En 1988, Dalí fue ingresado a raíz de un serio fallo cardíaco, y fue visitado por el Rey Juan Carlos I, quien le confesó que siempre había sido un fiel admirador de su obra. El 23 de enero de 1989 murió a causa de una parada cardiorrespiratoria en Figueras, con 84 años, y cerrando el círculo fue enterrado en la cripta de Figueras, situada en su casa-museo. Mural del Teatro en el Museo Dalí de Figueras

VINCENT VAN GOGH Nació en Zundert Brabante Septentrional, el 30 de marzo de En mayo de 1875 se fue a París, donde creció su amor por el arte. En 1873 se fue a Londres donde tuvo su primer enamoramiento pero la chica le rechazó. En 1876 le aumentó su fanatismo religioso, probablemente como un refugio a sus fracasos laborales y amorosos. Se inscribió en la Academia de Bellas Artes donde estudió dibujo y perspectiva. En esta época realizó esbozos y dibujos basados en las pinturas de Jean-François Millet, representando personajes de campesinos y mineros, modelos de la vida cotidiana, y pintándolos muy realistas y con tonalidades oscuras.En La Haya, su primo, pintor de acuarelas Anton Mauve, le dio buenos consejos y le insistió en la importancia del aprendizaje de la perspectiva y el dibujo. Vincent realizó las primeras acuarelas y naturalezas muertas, utilizando tonos apagados, como lo demuestra las dos acuarelas: Los pobres y el dinero (1882) y Naturaleza muerta con col y zuecos (1881). Recogió de la calle a Sien Hoornik, una prostituta alcohólica, embarazada y con una hija, con la que vivió durante un año; tanto la madre como la hija le sirvieron de modelo. Sien, por la falta de recursos económicos, había vuelto a ejercer la prostitución y esto, unido a la gran presión que padecía Van Gogh por parte de su familia, hizo que esto fracasara. Luego pintó temas paisajistas en pintura al óleo y como quería plasmar todos los detalles, realizó los óleos con trazos gruesos y pinceladas espesas. Coincidió con un amigo suyo Anthon van Rappard y los dos juntos pintaron a los tejedores rurales. En la pintura El tejedor en el telar, de 1884, expresa la dureza y el esfuerzo de este oficio, pero también la dignidad del personaje, aquí Van Gogh demuestra la solidaridad y su identificación con el protagonista. En 1884, surgió un nuevo enamoramiento, ahora con Margot Begemann, diez años mayor que Vincent, que le acompañaba en sus salidas pictóricas por el campo. Pensaron casarse pero la familia de ella se opuso y ella llegó a intentar suicidarse. Pintó una de sus grandes obras Los comedores de patatas. Hasta entonces sus esfuerzos se habían centrado siempre en la representación de una figura, en esta obra se encontró con la dificultad de tener que coordinar cinco personajes y conseguir relacionarlos. Para ello contrató modelos, y realizó diversos esbozos de dibujos de las figuras y estudios sobre detalles. Los colores empleados de tonos terrosos no contribuyeron a una fusión armoniosa con el fondo. El cuadro Naturaleza muerta con biblia, estuvo pintada antes de su partida hacia Amberes. Realizó tres retratos de Julien Tanguy, llamado por todos los artistas «Père Tanguy». También dibujo cuatro pinturas sobre girasoles: primero con tres flores, después con cinco, hasta llegar a la de los doce girasoles sobre un fondo azul, y otro con quince girasoles sobre fondo amarillo. Su amigo Gauguin y el pintaron juntos, además de pintarse mutuamente, Gauguin pintó de perfil a Van Gogh y éste pintó a Gauguin de espaldas.

Melocotonero en flor (1888) Mujer en el Café de Tambourin (1887)
Con el paso de las semanas, la convivencia de los dos artistas fue empeorando y en diciembre de 1888, Van Gogh y Gauguin tuvieron un altercado que dio origen a una de las explicaciones que se han dado acerca de la pérdida de parte de la oreja Vicent. Al regresar a su casa Van Gogh pintó el Autorretrato con oreja vendada, mostrando toda la parte derecha de la cabeza con una venda. Los últimos años fue recluido en sanatorios mentales de forma voluntaria. Uno de los primeros cuadros allí, fue Iris, donde muestra una gran vitalidad rítmica y una gran conjunción de colores. En esta época su pintura se caracteriza por la presencia de remolinos, como se puede observar en una de sus pinturas más conocidas, La noche estrellada. Durante los últimos treinta meses de vida llegó a realizar 500 obras y en sus últimos 69 días firmó hasta 79 cuadros. Su depresión empeoró y el 27 de julio de 1890, mientras paseaba por el campo, con un revólver se disparó un tiro en el pecho. No se dio cuenta de que su herida era mortal y volvió a la pensión Ravoux, donde murió dos días después. Otras de sus obras son: La casa amarilla (1888) Melocotonero en flor (1888) Mujer en el Café de Tambourin (1887) Acequia ( ), dibujo juvenil de Van Gogh (La Haya).

HENRI DE TOULOUSE-LAUTREC
Nació en el castillo de Albi en el seno de una familia de la nobleza. Su infancia fue feliz hasta que, como consecuencia de la consanguinidad de sus padres, Toulouse-Lautrec padeció una enfermedad que afectaba al desarrollo de los huesos y que comenzó a manifestarse en él en 1874, y que le impidío crecer más, alcanzando una altura de 1,52 m. Toulouse-Lautrec decidió ser pintor, y, con el apoyo de su tío Charles y unos pintores amigos de la familia, como Princetau, John Lewis Brown y Jean-Louis Forain. En París fue alumno de Léon Bonnat, que era un retratista de moda, y, cuando se cerró el taller de Bonnat en septiembre de 1882, tuvo que buscar un nuevo maestro, Fernand Cormon. En el estudio de Cormon se hizo amigo de Vincent van Gogh. Todo lo relacionado con la prostitución, constituyó uno de los temas principales en sus obras. En los bajos fondos de París pintaba a los actores, bailarines, burgueses y prostitutas. A éstas las pintaba mientras se cambiaban, cuando acababan cada servicio o cuando esperaban una inspección médica. Al contrario que los artistas impresionistas, apenas le interesó el género del paisaje, y prefirió ambientes cerrados, iluminados con luz artificial, que le permitían jugar con los colores y encuadres de forma subjetiva. Fue reconocido, si bien su popularidad radicó en sus ilustraciones para revistas y carteles publicitarios de locales más que en la pintura al óleo. Tuvo grandes amigos como la bailarina Jane Avril, a la cual dedicó varios cuadros, Valentín el descoyuntado, payasos y demás personajes de las fiestas y espectáculos por los suburbios. Este mundillo de vicio y extravagancia fue un refugio para Lautrec, quien se sentía rechazado por la nobleza a la que pertenecía por origen. Criticaba a todos aquellos que reflejaban paisajes en sus cuadros, ya que él opinaba que lo que verdaderamente valía la pena eran las personas, el pueblo. Se consideraba a sí mismo un cronista social y se mezcló, pintó y fue como el pueblo. En la década de los 90 viajó hasta Londres donde conoció y retrató a Oscar Wilde. El alcoholismo deterioró su salud. Y a partir de 1897 padeció manías, depresiones y neurosis, además de ataques de parálisis en las piernas y en un costado, hasta que en 1899 lo internaron en un sanatorio mental. Allí realizó una colección de pinturas sobre el circo. Le dejaron ir a casa de su madre en las posesiones de ésta cerca de Burdeos, y el 9 de septiembre de 1901 murió postrado en su cama.

Otras de sus obras son: El joven Routy en Céleyran (óleo sobre tela, 1882) La gorda Marie (óleo sobre tela, 1884) Retrato de Vincent van Gogh (pastel sobre cartón, 1887) Baile en el Moulin Rouge (óleo sobre tela, 1890)

EDVARD MUNCH Nació el 12 de diciembre de 1863 en Löten, Noruega. En el año 1879 comienza la carrera de ingeniería pero unos años mas tarde lo deja para empezar su carrera artística que le abrió el camino al desarrollo del expresionismo, hasta que en el año 1881 vende dos cuadros y pinta su primer autorretrato. Christian Krohg, una figura importante en la redacción de la constitución de 1814 fue un maestro esencial para Munch. Participó por primera vez en la exposición de otoño de Oslo donde estableció relaciones con el circulo de literatos y artistas de Cristiania. En 1885 participó en la Feria Mundial de Amberes. Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista comienza a pintar tres de sus obras capitales: El día siguiente, Pubertad y La niña enferma la cual causa un escándalo en la Exposición de Otoño de Oslo en el año 1886. No tardó en crear un estilo sumamente personal, basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color, y de ahí su clasificación como pintor simbolista. En su primera exposición individual con 110 cuadros en Oslo hizo que una parte del público lo aclamara con entusiasmo. En el año 1890 la influencia del Neoimpresionismo en sus obras fue muy notoria. Ese mismo año recibe su segunda beca estatal. Un año mas tarde comenzó a desarrollar los motivos del “Friso de la vida” ciclo pictórico que incluye muchas de sus obras más conocidas que en su conjunto pretenden dar una visión unitaria de la vida, dibuja ampliamente las memorias personales de Munch. Su exposición en Berlín tuvo que ser retirada por el escándalo que suscitó y que dio pie a la creación de la Secesión Berlinesa, asociación de artistas dirigida por el gobierno conservador de Berlín. En 1893 entabla relaciones con la tertulia del “Cochinillo negro” lugar frecuentado por los artistas de la época. Ese mismo año pinta El grito una de las obras más importantes de Munch, que refleja la enfermedad, la muerte y la obsesión religiosa que llenaron su infancia y su juventud como la gran mayoría de sus obras. Llega a un estilo completamente nuevo que Munch desarrollaría en el “Friso de la Vida” en que destacaríamos cuadros como Pubertad, que refleja por primera vez una asociación entre miedo y sexualidad; Melancolía, serie sobre la plenitud y el fin del amor al igual que Celos. Munch termina con estos ciclos del “Friso de la Vida” en el año 1900 y empieza a exponerlos en 1902 y en 1905 en Praga, intenta plasmar un terreno más tradicional. Retratos, paisajes y pinturas de estudio le preocupan cada vez más. En 1903 realiza su primera exposición en la Galería Cassirer en Berlín, un año mas tarde cede los derechos de venta en Alemania a Cassirer de grabados y a la Galería Cometer de Hamburgo de óleos con varias exposiciones y toma parte en el Salon des Indépendants. Este periodo de tiempo fue cuando Munch empezó a alcanzar su éxito como artista, realiza numerosas exposiciones como en Copenhague y en la Galería Cassirer, también La Academia de Bellas Artes de Weimar pone un estudio a su disposición. En 1918 publica un panfleto del “Friso de la vida” en el que incluye sus obras maestras.

Sus principales obras son: El Grito (1893)
Los siguientes años Munch decide retirarse un poco, recibe numerosos honores con ocasiones de su septuagésimo aniversario ya que una enfermedad de los ojos en el año 1930 le hace casi imposible trabajar. Tuvo una mala época como pintor ya que el gobierno nacionalsocialista confiscó 82 cuadros suyos de los museos alemanes. Sus pinturas fueron consideradas como degeneradas, ya que la mayoría plasmaban la muerte o temas que en aquella época resultaban muy polémicos. En 1940 con la invasión del régimen Nazi a Noruega le retiraron muchos de sus cuadros de las galerías de arte porque pensaban que escandalizaban a sus visitantes. Durante la segunda Guerra Mundial Munch se hace mundialmente conocido y expone por primera vez sus cuadros en los Estados Unidos de América. Con motivo de su 80 cumpleaños es objeto de grandes homenajes. El 23 de enero de 1944 muere en Noruega como había vivido: completamente solo. Sus principales obras son: El Grito (1893) Muchachas en el Muelle (1899) Pubertad ( ) Melancolía,

ÉDOUARD MANET Nació en París el 23 de enero de 1832, en una familia acomodada. Hacia 1850, decide dedicarse al arte y pasa casi seis años como alumno de Thomas Couture, del que aprendió que para ser un gran maestro hay que escuchar las enseñanzas de los que lo han sido en el pasado. Desde 1853 hasta 1856 Manet se dedicó a viajar por Italia, los Países Bajos, Alemania y Austria, copiando a los grandes maestros. El 28 de octubre de 1863 contrajo matrimonio con la pianista holandesa Suzanne Leenhoff. En agosto de 1865 emprendió un viaje por España, organizado por su amigo Zacharie Astruc, en el que descubrió la pintura barroca española, en particular a Velázquez, que tendrá una enorme influencia en su obra. En 1867 empezó a trabajar en una serie de pinturas de contenido político, que reflejaban la ejecución del emperador Maximiliano I de México, entre ellas una litografía que fue prohibida por la censura a causa de las ideas republicanas del pintor. Otra de las pinturas de esta serie fue presentada al Salón en 1869; a pesar de la negativa a exponer el cuadro, Manet, que continuaba buscando para su pintura el reconocimiento oficial, no retiró del certamen otra de sus obras, El balcón, que sí había sido admitida. Manet empezó a adoptar las técnicas impresionistas si bien rehusará participar en las exposiciones colectivas. En cambio, organiza una exposición de sus obras en su propio taller de la parisina calle de St. Petersboug, que gozó de bastante popularidad. Hacia 1880, su salud empezó a deteriorarse a causa de un problema circulatorio crónico, que no mejoró a pesar de someterse a tratamientos de hidroterapia en Bellevue. En esta época fue reconocido su talento con una medalla de segunda clase concedida por el Salón, y fue nombrado también Caballero de la Legión de Honor. El 20 de abril de 1883, a causa de su enfermedad, le fue amputada la pierna izquierda y diez días más tarde falleció a los 51 años de edad. En febrero de 1884 se pusieron a la venta todas las obras de su taller en el Hôtel Drouot; a la venta acudieron los pintores impresionistas, que adquirieron muchas de las obras; se vendieron 159 cuadros por un total de francos, quedando Olympia entre las obras que no fueron compradas.

Algunas de sus obras son: Olympia El pífano (Le Joueur de fifre)
Retrato de Émile Zola Le déjeuner sur l'herbe (El desayuno sobre la hierba), 1863

DIEGO VELÁZQUEZ Nació en Sevilla en Entre 1611 y 1617 trabajó como aprendiz en el taller del que sería su futuro suegro, Pacheco. Durante sus años de aprendizaje, Velázquez aprendió el naturalismo tenebrista imperante en su época, derivado del realismo italiano y del flamenco. Las obras más tempranas de Velázquez, realizadas entre los años 1617 y 1623, pueden dividirse en tres categorías: el bodegón, retratos y escenas religiosas. Muchas de sus primeras obras tienen un marcado acento naturalista, como La comida, que puede considerarse como la primera obra independiente del maestro. Fue también un pintor conocido en los círculos intelectuales de Sevilla, uno de los cuales, la Academia de Artes, fue dirigida de manera informal por Pacheco. Pintó un retrato del rey Felipe IV (1623) y el monarca le nombró su pintor de cámara. Este lienzo fue el primero de una serie de retratos soberbios y directos, no sólo del rey, sino también de la familia real y otros miembros de la corte, ya que, realmente, su principal ocupación en la corte era la de retratar, aunque también abordó temas mitológicos, como El triunfo de Baco, popularmente llamado Los borrachos ( ). Esta escena de bacanal en un paisaje abierto, en la que el dios del vino bebe junto a los borrachos, atestigua el interés del artista por el realismo. Estudió de cerca el arte del renacimiento y de la pintura italiana de su tiempo. Algunas de las obras realizadas durante sus viajes dan muestra de la asimilación de estos estilos; un ejemplo representativo es su La túnica de José (1639) y La fragua de Vulcano (1630), que combinan los efectos escultóricos miguelangelescos con el claroscuro de maestros italianos tales como Guercino y Giovanni Lanfranco. En 1634 llevó a cabo el programa decorativo del Salón de Reinos en el nuevo palacio del Buen Retiro. Constaba de 12 escenas de batallas, junto a retratos ecuestres en los que las tropas españolas habían resultado victoriosas y incluyó en este ciclo de batallas el cuadro titulado Las lanzas o La rendición de Breda (1634), que retrata al comandante genovés Spínola, después de sitiar las ciudades del norte en el año 1625, recibiendo las llaves de la ciudad de manos del gobernador. La delicadeza en la asombrosa manera de ejecución la convierte en una de las composiciones históricas más célebres del arte barroco español. Perteneciente a la década de los últimos años de 1630 y principios de 1640 son los famosos retratos de enanos de corte que reflejan el respeto y la simpatía con que eran tratados en palacio. Velázquez pintó pocos cuadros religiosos, entre ellos destacan el Crucificado, La coronación de la Virgen y San Antonio Abad y san Pablo primer ermitaño. Durante su estancia en Roma ( ) pintó el magnífico retrato de Juan de Pareja, así como el inquietante y profundo retrato del papa Inocencio X. Al poco tiempo fue admitido como miembro en la Academia de San Lucas de Roma. Su elegante Venus del espejo data probablemente de esta época.

Las obras clave de las dos últimas décadas de la vida de Velázquez son Las hilanderas o La fábula de Aracne, composición sofisticada de compleja simbología mitológica, y una de las obras maestras de la pintura española, Las Meninas o La familia de Felipe IV (1656) que constituye un imponente retrato de grupo de la familia real con el propio artista incluido en la escena. Velázquez continuó trabajando para el rey Felipe IV, como pintor, cortesano y fiel amigo hasta su muerte, acaecida en Madrid el 6 de agosto de Su obra fue conocida y ejerció una importante influencia en el siglo XIX, cuando el Museo del Prado la expuso en sus salas. El triunfo de Baco, conocida como los borrachos ( )

PABLO PICASSO Nació en Málaga el 25 de octubre de A los quince años aprobó con brillantez los exámenes de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, con su gran lienzo Ciencia y caridad, que representa, dentro aún de la corriente academicista, a un médico, una monja y un niño junto a la cama de una mujer enferma; ganó una medalla de oro. Los temas de la obra de Edgar Degas y Toulouse-Lautrec ejercieron una gran influencia sobre Picasso. El cuadro Habitación azul refleja el trabajo de ambos pintores y su evolución hacia el periodo azul, así llamado por el predominio de los tonos azules en las obras que realizó durante estos años. En ellas reflejará la miseria humana, con trabajadores extenuados, mendigos, alcohólicos y prostitutas, representados con cuerpos y formas ligeramente alargadas, recordando el estilo de El Greco. Conoce a su primera compañera, Fernande Olivier, y cambió su paleta hacia tonos rosas y rojos. Sus temas se centraron en el mundo del circo creando obras como Familia de acróbatas. En 1906, el célebre retrato de Gertrude Stein revela un tratamiento del rostro en forma de áscara. La obra clave de este periodo es Las señoritas de Avignon, tan radical en su estilo que no fue entendido por los críticos y pintores vanguardistas de aquel momento. Frente a la pintura tradicional, rompe en esta obra con la profundidad espacial y la forma de representación ideal del desnudo femenino, reestructurándolo por medio de líneas y planos cortantes y angulosos. Inspirados por el tratamiento volumétrico de las formas pictóricas de Cézanne, Picasso y Braque pintaron una serie de paisajes dentro de un estilo que un crítico describió después como si hubieran sido hechos a base de “pequeños cubos”, imponiéndose así el término cubismo. Los temas favoritos de Picasso fueron los instrumentos musicales, las naturalezas muertas y sus amigos, entre los que destaca el retrato de uno de sus marchantes. En 1912 realiza su primer collage, Naturaleza muerta con silla de paja, combinando pasta de papel y un trozo de hule sobre un lienzo pintado sólo en algunas zonas, que representa un vaso, un periódico, una pipa, una ostra y un limón. Dos obras de 1915 demuestran la simultaneidad de estilos que utilizó: Arlequín (1923) es un cuadro cubista sintético, mientras que un dibujo de su marchante, Vollard, está realizado dentro de lo que se conoce como estilo ingrista.. Durante la I Guerra Mundial conoció a la bailarina Olga Koklova, con la que se casó poco después. Dentro de un estilo realista, figurativo, en torno a 1917 Picasso la retrató en varias ocasiones, al igual que a su único hijo legítimo, Pablo y a sus numerosos amigos. A comienzos de la década de 1920 pintó una serie de cuadros con figuras robustas, pesadas, escultóricas, como por ejemplo Tres mujeres en la fuente y obras inspiradas en la mitología, como Las flautas de pan. Al mismo tiempo creó también extraños cuadros de bañistas inflados e informes, con cabezas muy pequeñas y grandes cuerpos, así como retratos de mujeres en actitudes violentas, convulsas, indicando a menudo con ellas sus propias tensiones vitales.

Algunas de sus obras son: Casagemas muerto (1901) Guernica
Aunque siempre declaró que no era surrealista, en muchos de sus cuadros se pueden apreciar cualidades y características propias de este movimiento artístico, como en Mujer durmiendo en un sillón y Bañista sentada. Varios cuadros cubistas de 1930 reflejan el placer y la pasión de Picasso por su nuevo amor, Marie Thérèse Walter, con la que tuvo a su hija Maya en Fue la modelo del famoso cuadro Muchacha ante el espejo. En 1935 Picasso llevó a cabo la serie de grabados Minotauromaquia, trabajo en el que mezcla los temas del minotauro y las corridas de toros; en esta obra, tanto la figura del toro como la del caballo destripado anuncian las imágenes del Guernica, el gran mural considerado por la mayoría como una de las obras artísticas individuales más importante del siglo XX. El estallido y posterior desarrollo de la II Guerra Mundial contribuyeron a que la paleta de Picasso se oscureciera y a que la muerte fuera el tema más frecuente en la mayor parte de sus obras, por ejemplo, en Bodegón con calavera de buey y en El osario. Conoce a la pintora Françoise Gilot, con la que tendrá dos hijos, Paloma y Claude; ambos aparecerán retratados en numerosas obras que recuperan los primeros estilos de Picasso. Su última compañera sentimental fue Jacqueline Roque, a la que conoció en 1953 y con la que se casó en También pintó su imagen en bastantes ocasiones, como en Jacqueline sentada. Desde entonces residió casi siempre en el sur de Francia. Muchos de los últimos cuadros de Picasso están basados en las obras de los grandes maestros del pasado como Velázquez, Courbet, Delacroix y Manet. Hizo también importantes esculturas: El hombre del carnero, un bronce a tamaño natural, y La cabra, también en bronce, obra de enorme fuerza. A lo largo de toda su vida la obra de Picasso se expuso en innumerables ocasiones. La más inusual de ellas fue la que le dedicó el Louvre en 1971 con motivo del 90 cumpleaños del artista; hasta entonces nunca se había expuesto en el museo parisino la obra de ningún artista vivo. Picasso murió el 3 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie. Autorretrato (1906) Algunas de sus obras son: Casagemas muerto (1901) Guernica Las señoritas de Avignon

BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO
Nació en 1617 en la ciudad de Sevilla. Se formó en el taller de su pariente Juan del Castillo, respetado artista en Sevilla, donde pronto comenzó a destacar de entre sus discípulos. A los 14 años de edad pintaba pequeños cuadros, o bien hacía dibujos para las comunidades religiosas. A los 22 años decidió establecer un taller de pintura barata que le permitía vender cuadros sobre todo en las ferias de los pueblos, pero a pesar de que se vendían bien, esto no terminaba de satisfacer al artista, tanto es así que tras conocer copias de Antoon van Dyck, traídas a Sevilla por Pedro Moya, surgió en él un fuerte deseo de perfeccionar su pintura. Conoció bien la pintura flamenca. Su pintura recogió asuntos de sentido social y de estética naturalista en sus grandes temas, como los niños mendigos o las escenas de la infancia de Cristo. También cultivó una pintura suave de gusto burgués y aristocrático, como demuestran sus obras religiosas. En 1645 pintó trece lienzos para el claustro de San Francisco el Grande de Sevilla. Se casó ese mismo año con Beatriz Cabrera, con la que tendrá nueve hijos. Empezará a especializarse en los dos temas que más fama le han proporcionado, las vírgenes con niño y las Inmaculadas. En 1660 intervino en la fundación de la Academia de Pintura, cuya dirección compartió con Herrera el Mozo. Recibió importantes encargos, como el retablo del Monasterio de San Agustín; los cuadros para Santa María la Blanca, concluidos en 1665; las pinturas para el retablo mayor y los altares de las capillas laterales de la Iglesia del Convento de Capuchinos de Sevilla, uno de sus más importantes conjuntos pictórico, y Santo Tomás de Villanueva repartiendo limosna también para los capuchinos de Sevilla; o los cuadros sobre las obras de misericordia para el Hospital de la Caridad. Murillo destacó también como creador de tipos femeninos e infantiles: del candor de La muchacha con flores al realismo vivo y directo de sus niños de la calle, pilluelos y mendigos, que constituyen un prodigioso estudio de la vida popular. Después de una serie dedicada a la Parábola del hijo pródigo, se le encomendó la decoración de la iglesia del convento de los capuchinos de Cádiz, de la que sólo concluyó los Desposorios de santa Catalina, ya que falleció mientras trabajaba en ella, a consecuencia de una grave caída desde un andamio, aunque no en el acto, ya que sobrevivió al accidente unos meses más. A petición del propio pintor, el día 4 de abril de 1682 (un día después de su muerte) fue enterrado en la primitiva Iglesia de Santa Cruz, iglesia que desapareció durante la ocupación francesa; y aunque más tarde volvería a ser levantada una nueva, el solar de la antigua es ocupado hoy día por la Plaza de Santa Cruz, bajo la cual, y en lugar ignorado, descansan los restos de Bartolomé Esteban Murillo.

Algunas de sus obras son: La Virgen del Rosario Mujeres en la ventana
La Anunciación El mendigo o Joven mendigo (1650)

CLAUDE MONET Nació en París el 14 de noviembre de 1840, aunque pasó la mayor parte de su niñez en El Havre, donde estudió dibujo en su adolescencia y pintó marinas al aire libre con Eugène Louis Boudin. Hacia 1859 había decidido comenzar su carrera de artista y para ello pasaba largas temporadas en París. En 1860 se le asoció con el pintor pre-impresionista Édouard Manet y con otros pintores franceses que más tarde formarían la escuela impresionista: Camille Pissarro, Pierre Auguste Renoir y Alfred Sisley. Pintaba, trabajando al aire libre, paisajes y escenas de la sociedad burguesa contemporánea, y así comenzó a tener éxito en las exposiciones oficiales. Pero a medida que su estilo evolucionaba, comenzó un proceso de trasgresión de los convencionalismos artísticos tradicionales en beneficio de una expresión artística más directa. Sus experimentos al aire libre se hacían cada vez más audaces, buscando plasmar la luz del día por medio de la aplicación libre de colores brillantes. De este modo, deliberadamente le dio la espalda a la posibilidad de una brillante carrera como pintor convencional en la línea del arte oficial. En 1874 Monet y sus colegas decidieron organizar sus propias exposiciones, denominandose a sí mismos independientes. Las composiciones de Monet de este periodo poseen una estructura bastante libre, aplicando el color con cortas y vigorosas pinceladas. Esta técnica viene determinada por la espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al aire libre a la hora de captar una impresión de la naturaleza. Para poder pintar sobre el agua, acondicionó su estudio sobre una barca, como constató Manet en el cuadro titulado Claude Monet en su estudio flotante. De esta forma realizó la magnífica serie de regatas en el Sena, que marcó su vocación definitiva de pintor de la luz y la atmósfera en sus aspectos más fugaces. A mediados de 1880 Monet, considerado el dirigente de la escuela impresionista, había alcanzado un reconocimiento importante y una buena posición económica. A pesar de la audacia de su colorido y de la extrema simplicidad de sus composiciones, se le valoró como un maestro de la observación meticulosa, un artista que no sacrificó ni las complejidades reales de la naturaleza ni la intensidad de sus propios sentimientos. En 1906 comenzó a pintar las series del estanque con nenúfares que están expuestas en la Orangerie de París, en el Instituto de Arte de Chicago y en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Durante estos años también trabajó en otras series de pinturas, grupos de obras que representan el mismo tema representando las diferentes luces de las horas del día o en las distintas estaciones del año. Monet afirmó en reiteradas ocasiones que estas series perdían por completo su significado si los lienzos que las componían se contemplaban por separado, y que era necesario admirar varias versiones, diversas y complementarias, de cada una de ellas.

Algunas de sus obras son: El Desayuno (1865/1866)
Monet continuó pintando, a pesar de que la vista le fallaba, casi hasta el momento de su muerte, ocurrida el 5 de diciembre de 1926 en Giverny. Las obras realizadas en sus últimos años supusieron una evolución peculiar de su arte, del que la serie titulada Ninfeas constituye la culminación. La figura humana es abandonada y la naturaleza se recrea con una visión distorsionada por la enfermedad, dando como resultado obras de gran formato con un estilo más suelto y un aspecto abstracto de extraordinaria intensidad pictórica. La obra de Claude Monet no sólo domina el impresionismo sino que se adelanta a las corrientes más vanguardistas de la primera mitad del siglo XX. Su importancia ha sido decisiva en el desarrollo de la abstracción lírica, y su influencia poderosa en artistas como Kandinsky o el francés Jean Fautrier. Algunas de sus obras son: El Desayuno (1865/1866) Mujeres en el jardín (1866) La playa de Trouville (1870) Camille con vestido verde (1866)

TIZIANO Nació en Pieve di Cadore, al norte de Venecia, en 1477.
Realiza en 1511 los frescos de los Milagros de san Antonio para la Scuola del Santo. Estas narraciones demuestran su capacidad para dotar a las figuras de un sentimiento de aflicción convincente, de vida impulsiva, al tiempo que ordena los hechos con realismo en el marco de paisajes de gran viveza. Tiziano poco a poco enriqueció el idílico estilo de Giorgione. Los cuerpos y los objetos adquieren progresivamente una sensual densidad y esplendor, los paisajes se vuelven más resonantes, la gama cromática gana en intensidad y profundidad pero también en armonía como se observa en Las tres edades del hombre y Amor divino y amor profano. El proceso culminó en las bacanales que Tiziano pintó para el duque Alfonso d´Este en una estancia de su palacio de Ferrara entre 1518 y Estas obras se consideran las más famosas e influyentes del renacimiento. Las dinámicas vibraciones de estas piezas tienen su paralelo en su obra de temática religiosa correspondiente al mismo periodo, una de las más importantes la Asunción de la Virgen ( ) sobre el altar de Santa María dei Frari en Venecia, que destaca por la maestría en la composición y movimientos de un nutrido número de personajes tratados con un sorprendente sentido de la monumentalidad. Destaca también su fuerte colorido y luz dorada. Al destaparse la obra causó una gran sensación. La misma tónica de monumentalidad se observa en la Virgen de Pésaro ( ) del mismo templo, donde Tiziano realiza un cambio crucial en el modelo renacentista de sacra conversazione, situando a la Virgen, tradicionalmente colocada en el centro de la composición, en la parte derecha del cuadro, y pintando tras ella dos enormes columnas en perspectiva que se elevan más allá del espacio pictórico. Este nuevo esquema abrió el camino del estilo barroco por su sentido de movimiento y de infinito. La más dinámica de las obras de Tiziano de este periodo fue la colosal Muerte de san Pedro mártir (1530, destruida), en donde la acción violenta encuentra eco en la convulsión de los árboles y del cielo. Sus obras de 1530 están traspasadas por una relativa serenidad, sutileza y refinamiento cromático, como se observa en su Venus de Urbino ( ). Un nuevo ímpetu de energía se plasma en La batalla de Cadore y en tres grandiosas pinturas de techos ( ), en las que escorzos violentos y figuras titánicas indican el conocimiento del estilo manierista por parte del pintor. Tiziano es un retratista de primera calidad. En 1516 había sido nombrado pintor oficial de la República veneciana, y trabajó después en las cortes de Ferrara y Mantua. En 1530 y 1540 viajó a Bolonia para realizar los retratos del emperador Carlos V y del papa Pablo III. Tiziano crea como retratista un tipo de descripción solemne y opulenta, realizando una síntesis entre la captación de la psicología y temperamento del personaje y la atención a los detalles de vestuario y al escenario, que definen a su vez la categoría social de la persona retratada.

La Asunción de la Virgen de Santa María dei Frari (1516-18)
Entre sus numerosos retratos cabe destacar el del Caballero del guante, el famoso Autorretrato ( ), Carlos V en la batalla de Mühlberg (1548), los dos de Felipe II, La emperatriz Isabel de Portugal (1548), y el del Marqués del Vasto arengando a sus tropas. A partir de 1550 su estilo cambia. Sus obras pierden de forma gradual solidez, diluyéndose parcialmente en vagas texturas y pinceladas vibrantes, a la vez que el color se hace más intenso, como en La ninfa con el pastor y El rapto de Europa. El punto culminante se alcanza en la violenta Muerte de Acteón, con su tonalidad broncínea y texturas espejeantes. De mayor profundidad es Marsias desollado. Dentro del capítulo de la fábula pagana llevada a sus máximos extremos de sensualidad y magnífica interpretación del desnudo femenino tenemos Danae recibiendo la lluvia de oro, uno de los más hermosos desnudos salidos de su pincel; Venus y Adonis, y Venus y la música, pintadas en la década de 1540 por encargo de Felipe II. Estas obras son contemporáneas de una serie de pinturas religiosas en las que se observa la misma disolución progresiva de las formas a través del color y la luz. En escenarios nocturnos, destacan La Anunciación ( ) y La coronación de espinas. Tiziano murió en Venecia en Su obra proporcionó una alternativa poderosa y atractiva. Por derecho propio, la obra de Tiziano se considera en la cima de los logros y éxitos en el campo de las artes visuales. La Asunción de la Virgen de Santa María dei Frari ( )

PAUL CÉZANNE Nació el 19 de enero de 1839 en la ciudad de Aix-en-Provence, en el sur de Francia. Su padre era un banquero acaudalado. Fue amigo de infancia de Zola y, al igual que éste, manifestó interés por el arte desde muy joven para disgusto de su padre. En 1862, después de una serie de encarnizadas discusiones familiares, el aspirante a artista recibió una pequeña asignación y fue enviado a estudiar arte a París, hacia donde ya había partido Zola. Cézanne se sintió de inmediato atraído por los elementos más radicales del mundo artístico parisino. Admiraba sobre todo al pintor romántico Delacroix y, entre los artistas más jóvenes, a Courbet y a Manet. Muchas de sus primeras obras estaban pintadas con pigmentos espesos y en tonos oscuros que recordaban al expresionismo romántico y melancólico de generaciones anteriores. Manifestó un interés progresivo por la representación de la vida contemporánea, quería pintar el mundo tal y como se presentaba ante sus ojos, sin preocuparse de idealizaciones temáticas o afectación en el estilo. La influencia más significativa en los comienzos de su madurez artística fue la de Pissarro que le enseñó a plasmar los efectos de la luz natural mediante una nueva técnica ideada por los impresionistas. Junto con Claude Monet, Auguste Renoir y unos pocos pintores más, Pissarro había desarrollado un estilo para trabajar al aire libre de forma rápida y a escala reducida, que consistía en utilizar pequeños toques de colores puros, sin recurrir a bocetos preliminares ni a dibujos, para atrapar los efectos lumínicos fugaces y su interpretación visual, también efímera, de la naturaleza. Cézanne pasó de los tonos oscuros a los colores brillantes y comenzó a concentrarse en escenas de la vida rural. Aunque parecía poseer menos dominio técnico que los otros impresionistas, Cézanne fue aceptado dentro del grupo y expuso con ellos en 1874 y En general los impresionistas contaban con un éxito comercial limitado, y las obras de Cézanne tuvieron la acogida más desfavorable por parte de la crítica. Se distanció de muchos de sus contactos parisinos a finales de 1870 y en 1880 pasó gran parte del tiempo en su Aix-en-Provence natal. A partir de 1882 dejó de trabajar en estrecha relación con Pissarro. En 1886 creyó ver referencias a sus fracasos en una novela de Zola y rompió sus relaciones con él. Ese mismo año heredó la fortuna de su padre y con 47 años, consiguió la independencia económica. El aislamiento y la concentración podrían ser los responsables de la increíble evolución que experimentó su estilo en 1880 y Fue simplificando de modo gradual la aplicación de la pintura hasta el punto de que parecía lograr expresar el volumen con sólo unas cuantas pinceladas de color yuxtapuestas. Más adelante los expertos llegarían a afirmar que Cézanne había descubierto un modo de representar tanto la luz como las formas de la naturaleza simplemente mediante el color. Parecía reintroducir una estructura formal que los impresionistas habían abandonado, sin sacrificar por ello la sensación y vivacidad lumínica lograda por ellos. Cézanne hablaba de modular el color en lugar de modelar el claroscuro de la pintura tradicional. Para el la solución a todos los problemas técnicos del impresionismo radicaba en utilizar el color de un modo más ordenado y expresivo que el de sus compañeros impresionistas.

Cézanne consideraba que nunca llegaba a alcanzar plenamente su objetivo, por lo que dejó la mayor parte de sus obras sin acabar y destruyó muchas otras. Se lamentaba de su fracaso a la hora de representar la figura humana y, efectivamente, las grandes obras con figuras humanas de sus últimos años, como Bañistas, revelan unas distorsiones curiosas que parecen dictadas por el rigor del sistema de modulación cromática que él mismo impuso sobre sus propias representaciones. La generación posterior de pintores llegó a aceptar prácticamente todas las rarezas de Cézanne. Dicha generación creía que ya se habían superado los objetivos naturalistas del impresionismo y que era necesario un estilo nuevo y original, sin reparar en la dificultad, para poder devolver al arte moderno sinceridad y compromiso. Durante muchos años la obra de Cézanne sólo fue conocida por sus antiguos colegas impresionistas y por unos cuantos artistas jóvenes radicales de la línea del postimpresionismo. Sin embargo, en 1895 Ambroise Vollard, ambicioso marchante parisino, organizó una exposición de sus obras y las promocionó con gran éxito durante los años siguientes. Hacia 1904, Cézanne alcanzó la consagración en uno de los grandes salones oficiales de pintura y cuando murió (en su ciudad natal, el 22 de octubre de 1906) había logrado un prestigio considerable. Muchos pintores jóvenes viajaron hasta Aix-en-Provence para verle trabajar y pedirle consejo durante los últimos años de su vida. Sin embargo, tanto su estilo como sus teorías continúan siendo misteriosas y crípticas, aunque todos están de acuerdo en que la intensidad de sus colores, unida al aparente rigor de la estructura compositiva, indican que, a pesar de la frecuente desesperación del propio artista, había sintetizado los elementos básicos de representación y expresividad de la pintura de un modo muy personal. Muchacha al piano (La obertura de Tannhäuser), h. 1869, en la que están representadas la hermana y la madre de Cézanne.

EDGAR DEGAS Nació el 19 de julio de 1834 en París, en el seno de una acaudalada familia de banqueros. Estudió en la Escuela de Bellas Artes con un discípulo del pintor neoclásico francés Jean Auguste Dominique Ingres; allí desarrolló la gran técnica como dibujante que se convertiría en una de las características más sobresalientes de su arte. A partir de 1865, influido por el movimiento impresionista abandonó los temas académicos para dedicarse a una temática contemporánea. Pero prefirió trabajar en su taller y no le interesó el estudio de la luz natural que tanto fascinó a aquéllos. A Degas le gustaban los temas del teatro, por lo que la mayor parte de su obra representa teatros, cafés, teatros de variedades o gabinetes y carreras de caballos. Degas fue un gran observador del ser humano y tanto en sus retratos como en sus estudios de bailarinas, sombrereras y lavanderas, cultivó una objetividad absoluta, intentando atrapar las posturas más naturales y espontáneas de sus modelos como las que podían registrarse en las fotografías. Su estudio de los grabados japoneses le llevó a experimentar con ángulos de enfoque inusitados y composiciones asimétricas. Sus obras suelen presentar los bordes cortados, como en Los bebedores de absenta (1876) o Ensayo de ballet (1876). En Mujer con crisantemos (1865), la figura femenina aparece desplazada en un rincón del cuadro por la presencia en el centro de un gran ramo de flores. En 1880, cuando comenzó a perder visión, Degas empezó a trabajar con dos medios nuevos que no requerían gran agudeza visual: la escultura y el pastel. En su escultura, al igual que en su pintura, intentó atrapar la acción del momento, y sus bailarinas de ballet y desnudos femeninos están representados en poses que evidencian los esfuerzos físicos de las modelos. Sus pasteles suelen ser composiciones simples con muy pocas figuras. Se vio forzado a recurrir a los colores brillantes y a los gestos de gran expresividad, prescindiendo de la línea precisa y el cuidado detalle pero, a pesar de esas limitaciones, sus últimas obras son de una elocuencia, expresividad y grandiosidad no alcanzadas por ninguna de sus obras anteriores, como puede verse en la excelente selección de su obra presente en el Museo de Orsay de París. Degas no gozó de gran fama en su época y su auténtica dimensión artística no habría de valorarse hasta después de su muerte, acaecida el 27 de septiembre de 1917 en París. Algunas de sus obras: La familia Bellelli (1860–1862) El ajenjo (1876) La estrella (1878) Clase de baile, 1875

GUSTAVE COURBET Nació en un pueblo próximo a Besançon, en el Doubs francés, cuyo paisaje refleja en sus cuadros. Estudió en Besançon y luego en París (1840). Sus padres deseaban que emprendiese la carrera de Derecho, pero al llegar a París se volcó en el arte. A partir de la revolución de 1848, Courbet fue etiquetado de «revolucionario peligroso». En 1855 expuso algunas de sus obras en el Palacio de las Artes de la Exposición Universal de París, pero al ver el rechazo del jurado hacia algunos de sus cuadros decidió inaugurar una exposición individual ubicada en las proximidades del campo de Marte, a la que bautizó con el nombre de "Pabellón del Realismo". Entre las obras que exhibió en dicho lugar cabe mencionar El taller del pintor, en el que retrataba a todas las personas que habían ejercido cierta influencia en su vida. Tuvo fama de arrogante y efectista. Algunos le achacaban que provocaba escándalos sólo para entretener a las clases bienpensantes y que su arte se mantenía fiel a cierta exquisitez formal. Otros como Delacroix lamentaban que Courbet malgastaba su habilidad, al elegir temas sin un contenido elevado. A pesar de sus polémicas, llegó a disfrutar de éxito. Se le otorgó la medalla de la Legión de Honor, pero la rechazó. De él, el filósofo Proudhon, «padre» del anarquismo, quiso hacer un pintor proletario. Creía que el arte podría subsanar las contradicciones sociales. Durante la Comuna se le encargó la administración de los museos de París. Tras caer dicho gobierno, el gobierno posterior le responsabilizó de la destrucción de la columna Vendôme dedicada a Napoleón Bonaparte. Un consejo de guerra lo condenó a seis meses de prisión y a pagar francos. Al salir de la cárcel escapó a Suiza (1873) para evitar que el Estado le obligara a pagar la multa; era tan alta que debía ser liquidada a lo largo de 30 años. Murió en La Tour du Peilz, localidad próxima a Vevey, víctima de una cirrosis producida por su consumo abusivo de alcohol. Algunas de sus obras: Autorretrato (1849) El hombre del perro negro (1842) Entierro en Ornans, (1850) El estudio, detalle, 1855

PIERRE-AUGUSTE RENOIR
Nació en Limoges en febrero de En 1845, Renoir y su familia se mudaron a París. Allí Pierre-Auguste continuó sus estudios hasta la edad de 13 años. Ya como adolescente, trabajó en el taller de los hermanos Lévy donde pintó figuras decorativas sobre porcelana hasta los 17 años. En 1858, Renoir realiza pintura sobre abanicos. En esa actividad adquirió el gusto por las piezas de gran luminosidad y de pinceladas rápidas. En 1862, Renoir, al captar atención por las pinturas que tuvo que hacer en unas misiones religiosas, postuló a la Escuela de Bellas Artes y entró al taller de Gleyre, donde conoció a Monet, Bazille y Sisley. Sus primeros cuadros de estilo clásico, romántico y realista no fueron inicialmente bien criticados. La primera obra que expone en la galería l’Esméralda en 1864 recibió una muy buena acogida, pero después de la exposición la destruyó. Pintó gran cantidad de paisajes y de cuerpos humanos, principalmente femeninos (sobre todo el de Lise Tréhot quien fue su amante). Esta joven tuvo una importancia vital en la obra del pintor, dado que al romperse la relación, hubo un cambio en el estilo del autor. La carrera de Renoir realmente se inicia en 1867 con la exposición de la Lise à l’ombrelle. El período impresionista de Renoir dura entre 1870 y Pinta gran cantidad de paisajes pero sus obras más características tiene por tema la vida social urbana. En todos sus temas el énfasis lo pone en la juventud y la vitalidad. Su más grande obra durante este período es Déjeuner des canotiers; la mujer que juega con el perrito en este cuadro será su esposa, Aline Charigot. De esta época data su Retrato de Madame Charpentier con sus hijos, aún impresionista. Le fue encargado por el editor Charpentier, quien le ayudó en años difíciles. Gracias a él, fue convocado a colaborar en las ilustraciones para un libro de Émile Zola. Entre 1883 y 1890, Renoir entra en su período ingresco. En busca de las fuentes clásicas de Ingres marcha a Italia y contempla la obra de Rafael in situ; decide revisar su estilo. Los contornos de sus personajes se vuelven más precisos. Dibuja las formas con gran precisión, los colores se vuelven más fríos. Al convertirse en padre por primera vez deja la pintura por un tiempo. Al regresar al trabajo realiza la más importante obra de este período Grandes baigneuses, cuadro que tardó tres años en completar. De 1890 a 1900, Renoir cambia nuevamente su estilo. Ahora es una mezcla de sus estilos impresionista e ingresco. Mantiene los temas Ingres pero con la fluidez en las pinceladas de su período impresionista. Su primera obra de este período Jeunes filles au piano, es adquirida por el estado francés para ser expuesta en el Museo de Luxemburgo. En 1894, Renoir es padre por segunda vez. La niñera de sus hijos, Gabrielle Renard, se convierte en uno de sus modelos preferidos. Entre 1900 y 1919, Renoir entra en su período de Cagnes. En esta época sufre graves crisis de reumatismo. Con el nacimiento de su tercer hijo en 1901 su pintura toma una nuevo matiz. En varias ocasiones pinta en compañía de la niñera, quien también se convertirá en modelo para sus obras. Al morir su esposa Aline en 1915, Renoir, ya en silla de ruedas, continúa pintando para ahogar su pena. Vuelto a Cagnes continuó pintando hasta terminar su composición "Descanso tras el baño", y una naturaleza con manzanas. Pierre-Auguste Renoir moriría el 3 de diciembre de 1919 luego de visitar por última vez el Louvre donde ya se exponían sus pinturas, recién pasada una fuerte pulmonía, y sería enterrado a los tres días en Essoyes junto a su esposa.

El almuerzo de los remeros. Óleo. 1881, Washington, Colección Phillips
El almuerzo de los remeros. Óleo. 1881, Washington, Colección Phillips. La mujer que juega con el perrito será su futura esposa, Aline Charigot.

PAUL GAUGUIN Nació en París el 7 de junio de 1848 en el seno de una familia liberal de clase media; su madre era hija de la célebre socialista y feminista Flora Tristán. Después de una juventud aventurera, que incluye una estancia de cuatro años en Perú con su familia y un empleo en la marina mercante francesa, se convirtió en un prestigioso agente de bolsa de París, llevando una confortable vida burguesa con su mujer, la danesa Mette-Sophie Gad, y sus cinco hijos. En 1874, después de conocer al pintor Camille Pissarro y ver la primera exposición de los impresionistas, se hizo coleccionista y pintor aficionado. Expuso con los impresionistas en 1876, 1880, 1881, 1882 y En 1882, debido a la quiebra de la Bolsa, decidió convertir su afición a la pintura en oficio. Un año después, sus hijos y su mujer se fueron a vivir con la familia de ésta a Dinamarca. A comienzos de 1884 él se trasladó a Ruán, donde vivía Pissarro. Hombre en la carretera (Ruán) pintado entonces, es una muestra típica del estilo paisajista de Gauguin, aún dominado por la influencia del impresionismo. Entre 1886 y 1891 Gauguin vivió principalmente en la Bretaña, donde era el centro de un pequeño grupo de pintores experimentales conocidos como la escuela de Pont-Aven. Bajo la influencia del pintor Émile Bernard, se alejó del impresionismo y adoptó un estilo menos naturalista, al que denominó sintetismo. Halló inspiración en el arte indígena, en los vitrales medievales y en los grabados japoneses; estos últimos los conoció a través de Vincent van Gogh en Tras el altercado en el que Van Gogh intentó matarle, abandonó la ciudad. Su nuevo estilo, marcado por la absorción de influencias del arte primitivo bretón, se caracterizó por la utilización de amplias zonas planas de colores encendidos, como en el Cristo amarillo (1889). En 1891, arruinado y endeudado, se embarcó hacia Tahití escapando de la civilización europea, una sociedad 'gobernada por el oro', y de todo lo que es artificial y convencional. A excepción de una visita a Francia entre 1893 y 1895, permaneció el resto de su vida en las Antillas, primero en Tahití y después en las islas Marquesas. Las características esenciales de su pintura experimentaron pocos cambios; mantuvo la expresividad cromática, el rechazo a la perspectiva y la utilización de formas amplias y planas. Sin embargo, influido por el ambiente tropical y la cultura polinesia, su obra fue cobrando fuerza expresiva a medida que el tema se fue haciendo más característico, la escala de sus cuadros mayor y sus composiciones más simples. Su temática abarcó desde escenas de la vida cotidiana, como Tahitianas o En la playa (1891), hasta inquietantes escenas de supersticiosa aprensión, como El espíritu de los muertos observa (1892). Su obra maestra es la inmensa alegoría, considerada su testamento pictórico, ¿De dónde venimos, qué somos, dónde vamos? (1897), pintado inmediatamente antes de su intento de suicidio. Una modesta pensión que le enviaba un marchante de arte de París le mantuvo hasta su muerte, el 9 de mayo de 1903, en el pueblo de Atuana, isla de Dominica (islas Marquesas). Sus experimentaciones atrevidas con el color constituyen el antecedente directo del fauvismo. La fuerza de sus formas pictóricas influyó en el pintor noruego Edvard Munch y en la posterior escuela expresionista.

Jinetes en la playa, (1902).

JOHANNES VERMEER Bautizado como protestante el 31 de octubre de 1632 bajo el nombre de Joannis en la Iglesia nueva de Delft, fue el segundo hijo, y único varón, de Reynier Jansz y Digna Baltens. Su padre, procedía originalmente de Amberes, y se trasladó en 1611 a Ámsterdam, trabajando de tejedor de seda. En 1615 se casó con Digna, trasladándose con el nombre de Vos a Delft, donde abrió una fonda. Además, Reynier Jansz trabajaba como tejedor y pertenecía oficialmente al gremio de San Lucas de Delft como marchante de arte. Allí Jansz conoció a pintores como Pieter Steenwyck, Balthasar van der Ast y Pieter Groenewegen. Sobre su formación como pintor no existe información segura. Se hizo miembro del gremio de San Lucas el 29 de diciembre de 1653 como pintor libre. A este hecho tuvo que precederle una amplia formación de seis años de aprendizaje, pues sólo como maestro se podía ser miembro del gremio. Es posible que Vermeer fuera alumno de Leonaert Bramer, hipótesis que no ha tenido mucho eco por las diferencias de estilo, a pesar de que está documentada una relación entre ambos. También se han demostrado contactos con Gerard ter Borch . Asimismo se ha especulado con que fuera alumno de Carel Fabritius, que a su vez había sido educado en el taller de Rembrandt. Esta hipótesis fue ampliamente aceptada desde que en el siglo XIX, William Thoré-Bürger la defendió y sigue estando muy extendida, pero en la actualidad los expertos dudan de su veracidad. En su lugar, se suele mencionar a Pieter de Hooch, que vivió en Delft entre 1652 y 1661, como una de las principales influencias de Vermeer, ya que se puede reconocer el estilo de Hooch, refinado y perfilado, en la pintura costumbrista de Vermeer. Johannes Vermeer se casó el 20 de abril de 1653 con Catharina Bolnes en Schipluy, un pueblo cerca de Delft. La madre de Catharina, María Thins, se opuso inicialmente al matrimonio. Una de las razones pudiera ser la confesión calvinista de Vermeer, mientras que Catharina Bolnes era católica. Sólo tras la recomendación del pintor católico Leonaert Bramer decidió María Thins aceptar el matrimonio. En 1660, Vermeer se trasladó con su mujer a casa de su suegra en el Oude Langendijk. Con Catharina Bolnes tuvo 15 hijos, de los que como mínimo 4 murieron siendo niños. Parece que Johannes Vermeer ganaba el suficiente dinero para poder alimentar a su numerosa familia. Debido a que pintaba un promedio de sólo dos cuadros al año, debía tener otras fuentes de financiación. Se sabe que ayudaba a su madre en la tasca Mechelen, en el Gran Mercado de Delft, que ésta había heredado a la muerte de su marido y en la que Vermeer muy probablemente tenía instalado su negocio de arte, una actividad muy extendida entre los pintores neerlandeses del siglo XVII. En los años 1662 y 1663, así como en 1670 y 1671, Vermeer fue decano del gremio de San Lucas. Como todos los artesanos del siglo XVII debía pertenecer a un gremio para poder realizar su actividad y éste a su vez fijaba las reglas con las que trabajaban sus miembros. La posición de decano era muy influyente, lo que demuestra que Vermeer era un personaje respetado en Delft.

Vermeer pudo ver en vida que sus cuadros alcanzaban altos precios
Vermeer pudo ver en vida que sus cuadros alcanzaban altos precios. Pintó pocos cuadros para el mercado libre del arte; sus cuadros eran en su mayoría para mecenas, como el panadero Hendrick van Buyten. Pero no se sabe si los mecenas encargaban al pintor los cuadros o si sólo tenían un derecho preferencial a la compra. Ya se ha mencionado que además de su actividad artística, Vermeer trabajaba como experto en arte. Así, por ejemplo, comprobó la autenticidad de una colección de cuadros venecianos y romanos que el tratante de arte Gerrit van Uylenburgh quería vender por florines al príncipe elector de Brandeburgo Federico Guillermo I. Viajó en 1672 a La Haya, donde examinó los cuadros junto con el pintor Hans Jordaens. Negó la autenticidad de los cuadros ante notario, declarando que el valor de los cuadros era como máximo un décimo del precio solicitado. En sus últimos años de vida empeoraron sus condiciones económicas, teniendo que pedir créditos. A causa de la Guerra Franco-Holandesa iniciada en 1672, no pudo vender más cuadros. Según una carta del 30 de abril de 1676 de Catharina Bolnes pidiendo el perdón de parte de sus deudas, comentaba que su marido tuvo que vender cuadros con los que comerciaba durante la Guerra a menor precio de su valor. En 1675, Vermeer enfermó y murió a los pocos días. El 15 de diciembre de 1675 fue enterrado en el sepulcro familiar de la Iglesia vieja en Delft. Su mujer tuvo que renunciar a su herencia para anular las deudas y sus bienes fueron a parar a los acreedores. Otras de sus obras: Dama con dos caballeros, hacia La lechera ( ) Cristo en casa de Marta y María, hacia La joven de la perla, hacia 1665

ANTHONY VAN DYCK Anthony van Dyck ( ), pintor flamenco que fue uno de los retratistas más importantes y prolíficos del siglo XVII, y uno de los más brillantes en el manejo del color. Nació el 22 de marzo de 1599 en Amberes, hijo de un rico comerciante en sedas. A la edad de 11 años después de mostrar un talento artístico precoz, empezó a trabajar como aprendiz del pintor flamenco de temas históricos Hendrik van Balen. En 1618, sin haber cumplido los 19 años, fue admitido en el gremio de pintores de Amberes. Durante los dos años siguientes trabajó en el taller de Petrus Paulus Rubens en esa misma ciudad. En ese periodo sigue el estilo exuberante y dinámico de Rubens, que se manifiesta en El Prendimiento (1618). De 1620 a 1627 Van Dyck residió en Italia, donde fue un retratista muy solicitado y alcanzó su madurez artística. La fuerza de la pintura flamenca de su primera época se fue suavizando hasta dar paso a un estilo más elegante y solemne. En sus retratos de aristócratas italianos creó figuras idealizadas, con posturas enhiestas y orgullosas, físicos delgados y manos delicadas famosas por su expresividad. Influenciado por los grandes maestros venecianos Tiziano y Paolo Veronese utilizó colores brillantes y de gran riqueza. Ningún pintor de la época superó a Van Dyck en los blancos tornasolados de los satenes, los azules suaves de las sedas o el carmesí de los terciopelos. Fue la quintaesencia de los pintores de la aristocracia y alcanzó especial fama en Génova, donde demostró una gran capacidad para plasmar a sus personajes con un parecido notable y desarrolló todo un repertorio de tipos de retratos que posteriormente le serían de gran utilidad en la corte de Carlos I de Inglaterra. Entre 1627 y 1632 regresó a Amberes, donde realizó retratos y cuadros religiosos. En 1632 se instaló en Londres como pintor de corte de Carlos I, que le nombró caballero poco después de su llegada. Retrató a gran parte de la aristocracia inglesa de la época y su estilo se tornó más suave y luminoso, con una pincelada menos cargada y mayor cantidad de toques de luz dorados y plateados. En algunos casos sus retratos muestran cierta rapidez y superficialidad en la realización, debido a la urgencia de ejecución para poder hacer frente al aluvión de encargos que recibía. En 1635 pintó su obra maestra, Carlos I como cazador (Louvre, París), en donde el monarca aparece de pie en una postura que realza su altiva elegancia. En el Museo del Prado se conserva una amplia muestra de sus obras, destacando los retratos de Sir Endimion Porter y Van Dyck, el del pintor Martin Ryckaert y un retrato ecuestre de Carlos I. Además de pintar, Anton abría su casa a la mejor nobleza y se entretenía con músicos y bufones; ofrecía banquetes, poseía siervos, carrozas y caballos. Uno de los más asiduos frecuentadores de la casa de Van Dyck era el mismo rey, que incluso mandó hacer modificaciones al jardín de la casa de su pintor para que pudiera llegar allí más fácilmente a través del río. En la casa de Van Dyck vivió también su amante, Margarey Lemon, retratada varias veces en representaciones alegóricas o mitológicas. Se dice que la mujer era tan celosa de Antoon que una vez intentó morderle un dedo de la mano para impedirle retratar señoras. En 1640 Anton decidió casarse y, ya con 40 años, se casó con una dama noble escocesa, Mary Ruthven, dama de compañía de la reina. Pero su única actividad en Londres era la de retratista, mientras él soñaba con un proyecto más grande, un ciclo pictórico de carácter histórico. Había iniciado la realización de una serie de tapices, dedicados a la exaltación de la antigua Orden de la Jarretera, que no concluyó.

El 1 de diciembre de 1641, lady Van Dyck dio a luz a su primera hija, Justiniana. Algunos días después Anton hizo testamento a favor de la hija, de la esposa, de las hermanas y de una hija natural que había tenido en Amberes. El 9 de diciembre Anton van Dyck murió en su casa de Blackfriars y fue sepultado en la presencia de la corte en la Catedral de San Pablo Van Dyck fue uno de los pintores más influyentes del siglo XVII. Renovó el estilo flamenco y fundó la escuela inglesa de pintura; Joshua Reynolds y Thomas Gainsborough, retratistas pertenecientes a dicha escuela, fueron sus herederos artísticos. Retrato de Carlos I con M. de Saint-Antoine, su maestro de equitación, 1633.

Giovanni Battista Tiepolo
Era hijo de un corredor de barcos. Su maestro fue Gregorio Lazzarini, pero aprendió aún más de la obra de los maestros que le precedieron: Tiziano, Tintoretto y, sobre todo, Veronés. Es el más grande decorador del siglo. En 1719 se casó con una hermana del vedutista Francesco Guardi, Maria Cecilia, de la que tuvo nueve hijos, dos de los cuales fueron también buenos pintores: Lorenzo y en especial Giovanni Domenico Tiepolo, que comenzó a colaborar con él en la década de 1740. Pintor fecundo e imaginativo, alcanzó enorme éxito, y recibió encargos de Venecia, Milán, Bérgamo y Vicenza. Fue asistido en Venecia por un experto en perspectiva, Gerolamo Mengozzi-Colonna. El éxito de estos frescos hizo que se le contratara en otros lugares de Europa, como la Residencia de Wurzburgo y, al final de su carrera, en Madrid. Partió a Madrid (donde fallecería), llamado por el rey Carlos III, a principios del año Su tarea principal fue decorar al fresco varios techos del Palacio Real de Madrid. Acudió con sus hijos Giandomenico y Lorenzo. Viudo de Maria Cecilia Guardi, le acompañó su nueva novia, mucho más joven que él y frecuente modelo de sus figuras femeninas. Sus principales trabajos en Madrid fueron los frescos del Palacio Real (a destacar los del Salón del Trono) y una serie de cuadros para el altar del Convento de San Pascual (Aranjuez). Cuando falleció, su estilo empezaba a ser cuestionado y este altar fue desmontado y mutilado, para ser sustituido por otras obras al gusto neoclásico que imponía Mengs. En una primera época siguió el estilo de Giovanni Battista Piazzetta, Federico Bencovich y Sebastiano Ricci. El claroscuro del barroco da paso en él a los colores claros. En Venecia desarrolla un nuevo género, las vedutte, esto es, vistas minuciosas de Venecia, muy estimadas por los viajeros extranjeros. Habiendo conocido un gran éxito por sus obras de Venecia y Bérgamo llegó a distanciarse del academicismo. Excelente pintor, influyó en Goya debido a una notable técnica que posteriormente alcanzaría un gran reconocimiento: la «iluminación» de partes precisas del cuadro. Los colores claros resaltan impresiones o ideas tales como la pureza o lo divino. Tenía una gran facilidad para el dibujo. Sus composiciones son etéreas, llenas de gracia. Sus techos pintados, de efecto ilusionista, engañan a la vista y parecen abiertos al cielo. Para sus temas bíblicos y mitológicos, introducía fondos arquitectónicos al estilo de Veronés. Su colorido es más claro y ligero que el de Tiziano o Rubens, con tonos nacarados, si bien maneja el pincel con soltura, sin buscar un efecto liso como Mengs y otros pintores neoclásicos posteriores. Su producción es en gran porcentaje religiosa, por encargos de iglesias y cofradías venecianas. Abunda en cuadros de apariciones, visiones celestiales y temas de martirio. Por exigencias decorativas, suelen ser composiciones verticales muy alargadas, dividiendo el espacio entre una zona celeste y otra terrenal. Inspiró a autores muy posteriores, como Jules Chéret (1836–1933), el primero de los grandes cartelistas que produjo sistemáticamente grandes carteles litográficos en color.

Sara y el arcángel (1726–1728; Palacio Arzobispal de Udine)

ESCULTORES

HENRY MOORE Nació en Castleford, Yorkshire, el 30 de julio de Entre 1919 y 1925 estudió en la Leeds School of Art y en el Royal College of Art de Londres. Sus primeros trabajos, realizados en la década de 1920, muestran influencias del arte precolombino, de la pintura de Masaccio y de Miguel Ángel, y de las formas aerodinámicas de Constantin Brancusi. Durante 1930 la obra de Picasso y de los artistas abstractos contemporáneos ejercieron una fuerte influencia tanto en los dibujos como en las esculturas suyas; muchas de sus obras están muy próximas a la abstracción; algunas son piezas redondeadas talladas en madera con numerosos cortes y huecos, y a menudo cubiertos por velos de fino alambre metálico. La principal y más permanente influencia la recibió de la naturaleza. En su etapa de madurez, iniciada con Figura reclinada (1936), empleó formas hinchadas, rotundas, onduladas, con huecos y perforaciones redondeadas que reflejan formas naturales. Sus temas predilectos incluyen madres con hijos, grupos familiares, guerreros caídos y la figura humana reclinada, que continuó representando a lo largo de toda su carrera, trabajando en madera, piedra y posteriormente en bronce y en mármol. Estas obras van desde el realismo, como en Figura reclinada vestida (1953) como en Formas internas y externas (1954), enorme y redondeada escultura en bronce perforada con un hueco interior que a su vez contiene una segunda forma abstracta de metal. Realizó también una serie de dibujos sobre los londinenses refugiándose en las estaciones de metro durante los bombardeos de la II Guerra Mundial. Estos dibujos expresan con gran agudeza el impacto de la guerra sobre los ciudadanos indefensos. Entre los encargos públicos más importantes se encuentran: Viento norte (1928), para la sede de las oficinas del Metro de Londres en Saint James; Virgen con el Niño (1949), para la iglesia de Claydon, en Suffolk; Figura reclinada (1951), para el festival de Bretaña, y otra Figura reclinada (1958) en la sede de la UNESCO en París.Recibió la Orden de los Compañeros de Honor en 1955 y la Orden de Mérito en También fue miembro de las juntas directivas de la Galería Nacional de Londres y de la Tate. Durante los años 1960 se propuso dedicar un ala de la Tate a las esculturas de Moore, lo cual provocó cierta molestia entre algunos artistas, aunque el proyecto nunca fue concretado. En 1975 se convirtió en el primer presidente de la Turner Society, la cual tenía el objetivo de crear un museo separado para el Turner Bequest (Legado Turner). Sin embargo, la Galería Nacional y la Tate evitaron que este proyecto se llevara a cabo. Henry Moore murió el 31 de agosto de 1986 en su hogar en Much Hadham (Hertfordshire) a los 88 años. Fue enterrado en la Artists' Corner (Esquina de los Artistas) en la Catedral de San Pablo de Londres.

West Wind (1928–29), la primera comisión pública de Moore

JEAN ARP Nació en Estrasburgo, durante el breve período siguiente a la guerra franco-prusiana, cuando la zona era conocida como Alsacia-Lorena, después de haber sido devuelta a Alemania por parte de Francia. Luego de que el territorio fuera reincorporado a Francia nuevamente, al término de la Primera Guerra Mundial, las leyes francesas determinaron que su nombre sería Jean y no Hans. En 1904, después de asistir a la Escuela de Artes y Oficios en Estrasburgo, fue a París, en donde publicó por primera vez sus poesías. Desde 1905 hasta 1907 estudió en la Kunstschule (Escuela de Arte) de Weimar, Alemania y en 1908 regresó a París en donde asistió a la Académie Julian En 1915 se mudó a Suiza, para aprovechar la neutralidad suiza. Fue miembro fundador del movimiento Dadá en Zúrich en En 1920, como Hans Arp, junto a Max Ernst, y el activista social Alfred Grünwald, estableció el grupo dadá de Colonia, pero en 1925 su obra apareció también en la primera exposición del grupo surrealista en la Galerie Pierre de París. De este mismo año es su libro, conjunto con El Lissitzky sobre «Los ismos en el arte». Arp combina las técnicas de automatismo y las oníricas en la misma obra desarrollando una iconografía de formas orgánicas que se ha dado en llamar escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad. Su poesía se incluye dentro del movimiento surrealista. En 1926, Arp se traslada al suburbio de Meudon en París. En 1931, rompe con el movimiento surrealista y funda la Abstracción-creación, trabajando con el grupo parisino Abstracción-creación y editando en la revista Transition. A partir de los años treinta y hasta su muerte, escribió y publicó ensayos y poesía. En 1942, huyó de su casa en Meudon escapando de la ocupación alemana y vivió en Zurich hasta el final de la guerra. Visitó la ciudad de Nueva York en 1949 para presentar una exposición individual en la Galería Buchholz. En 1950, se le ofreció el realizar un relieve para el Graduate Center de la Universidad de Harvard en Cambridge, Massachusetts y se le encargó el mural del edificio de la Unesco en París. En 1954 ganó el Gran Premio de escultura de la Bienal de Venecia. En 1958 se presentó una muestra retrospectiva de sus trabajos en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, a la que siguió una exposición en el Museo de Arte Moderno de París, en 1962. Murió en 1966nen Basilea, Suiza. El Musée d'Art moderne et contemporain de Estrasburgo, conserva muchas de sus pinturas y esculturas. Pastor de Nubes (1953)

EDUARDO RAMÍREZ VILLAMIZAR
Nació en Pamplona, Colombia, en 1923, y estudió arquitectura, arte y decoración en la Universidad Nacional de Colombia entre 1940 y Desde 1945 hasta 1958 su arte sigue una línea figurativa y expresionista. Trabajó con Negret en Entre 1950 y 1952 trabaja en París y viaja por Italia y España, volviendo a la capital francesa entre 1954 y En torno a 1950 empezó a trabajar con formas geométricas, cada vez con mayor abstracción, y a partir de 1960 inició un purismo que caracterizará su obra escultórica en la década siguiente, como puede observarse en su Construcción Modular de Cali, o en el complejo De Colombia a John Kennedy, en el Kennedy Center de Washington. En 1958 comienza sus primeros murales y a finales de la década de 1950 su estilo se caracteriza por los planos duros, los colores fuertes y el relieve monocromático, muy en la línea del arte concreto europeo. En Colombia realizó algunos murales entre 1964 y 1965: Serpiente precolombina (1964), Mural horizontal (1965). Para el Banco de Bogotá realizó otro mural interior de relieve en madera cubierto con lámina dorada: la obra armoniosamente integrada en la arquitectura ocupa dos pisos con casi m2. Su monumento a Bogotá, situado en una loma que domina la ciudad, es un canto escultórico a su estilo esquemático depurado de toda concesión ornamental. Durante la década de 1970, transformó el arte precolombino en obras geométricas propias del arte abstracto y minimalista (Hexágono, 1973). Tras vivir en Nueva York (de 1967 a 1973), en 1974 volvió a Colombia y construyo esculturas abstractas que exploran las formas geométricas de la naturaleza y la arquitectura precolombina: Dieciséis torres (1974), Nave espacial (1980), Acueducto (1985) y Templo (1987). Se caracterizó sobre todo por su exigencia y rigor espiritual, características que le definieron como una persona audaz pero tímida en lo personal. Sus trabajos constituyen un testimonio de asimilación y reacción al entorno que lo rodeaba, para posteriormente traducirlo en juicios de valor llevándolos a una solución utópica en un esfuerzo de ordenamiento estético. Sus cenizas reposan en el Museo de Arte Moderno Ramírez Villamizar de la ciudad de Pamplona desde el 24 de agosto de 2004. Cascada en Machu Picchu

JOAN MIRÓ I FERRÀ Nació en Barcelona el 20 de abril de Su padre fue Miquel Miró i Adzeries hijo de un herrero de Cornudella, se trasladó a Barcelona donde montó un taller de orfebrería y relojería en un pasaje cerca de la Plaza Real de Barcelona, allí conoció Miquel Miró a Dolors Ferrà i Oromí, hija de un ebanista mallorquín, se casaron y establecieron su residencia en el mismo pasaje de Crédito donde nacieron sus hijos Dolors y el futuro artista Joan Miró. Se casó Miró con Pilar Juncosa en Palma de Mallorca el 12 de octubre de 1929, y se instalaron en París en un apartamento con suficiente espacio para vivienda y taller del artista; el 17 de julio de 1931, la pareja tuvo su única hija, Dolors. Al quedar libre del contrato con su marchante Pierre Loeb, Miró decidió volver con la familia a Barcelona, realizando estancias intermitentes en Mallorca y en Mont-roig. Se encontraba en esta última población cuando estalló la guerra civil española de En noviembre tenía prevista una exposición en París, y una vez allí y en vista de las circunstancias adversas provocadas por la guerra, decidió quedarse cuando consiguió la llegada de su esposa Pilar y de su hija. En vísperas de la Segunda Guerra Mundial el ambiente en París era cada vez más tenso. Pasaron alguna temporada en una casa ofrecida por su amigo el arquitecto George Nelson en Varengeville-sur-Mer en la costa de Normandía; se encontró bien en la zona, pues le acercaba más a la naturaleza tal y como estaba acostumbrado en Mallorca o en Mont-roig, y terminó alquilando una casa. En la primavera de 1940, los amigos habían ido desapareciendo de Varengeville y junto con Pilar decidió volver a Cataluña y después de una pequeña temporada, la familia se trasladó a Mallorca, donde, según Miró, allí no era nada más que «el marido de la Pilar». En el año 1942 retornó a Barcelona. Falleció en Palma de Mallorca el 25 de diciembre de 1983 y fue enterrado en el Cementerio de Montjuïc, en Barcelona. Mujer botella situada en el Parque Cultural Viera y Clavijo de Santa Cruz de Tenerife. El 28 de enero de 2002 es declarada Bien de Interés Cultural con la categoría de Bien Mueble.

FRANÇOIS-AUGUSTE-RENÉ RODIN
Nació en París el 12 de noviembre de 1840; era hijo de un oficial de policía. Estudió arte en una escuela pública para artesanos y por su cuenta en el Museo del Louvre, ya que no fue admitido en la École des Beaux-Arts. Durante muchos años trabajó para otros escultores, incluido Ernest Carrier-Belleuse, ocupado sobre todo en la elaboración de ornamentos. Rodin colaboró, a principios de 1870, en la realización de una escultura arquitectónica para la Bolsa de Bruselas. En 1875, viajó a Italia, donde se sintió atraído por el tratamiento del movimiento y la acción muscular en las obras de los escultores del renacimiento Donatello y Miguel Ángel. La influencia de éste último será decisiva en su trabajo; a partir del estudio de sus obras consiguió liberarse del academicismo predominante en la época. Rodin produjo algunas esculturas importantes entre 1858 y 1875, incluyendo entre ellas especialmente Hombre con la nariz rota, que fue rechazada tres veces por la Academia de Arte, pero su reconocimiento llegó en 1877 con la exhibición en el Salón de su desnudo masculino La era de bronce. Este trabajo levantó controversia dado su extremado realismo y Rodin fue acusado de utilizar moldes de yeso a partir de modelos vivos. La exhibición en 1880 de su desnudo San Juan Bautista, que resaltaba las cualidades humanas del sujeto, acrecentó la reputación de Rodin. El mismo año comenzó a trabajar en Las puertas del infierno, una puerta de bronce esculpida para el Museo de Artes Decorativas de París. La puerta representaba principalmente escenas del infierno y estaba inspirada en obras tan diversas como la Divina Comedia de Dante, la Metamorfosis de Ovidio y Las flores del mal de Baudelaire. Aunque Rodin trabajó en esta obra durante toda su vida, nunca llegó a terminarla y fue fundida en bronce después de su muerte. No obstante, creó modelos y estudios de muchos de sus componentes escultóricos, siendo todos ellos aclamados como obras independientes. Entre estos trabajos se encuentran El beso, Ugolino, Adán y Eva y El pensador, probablemente la obra más famosa de Rodin, concebida originalmente para coronar Las puertas del infierno. En 1884 recibió el encargo oficial de realizar una obra que conmemorara el dramático sitio de Calais por los ingleses en Los burgueses de Calais es un monumental grupo en bronce en el que se representan personajes históricos con gran profundidad psicológica. Durante los diez años que necesitó para terminar la obra, Rodin no cesó de recibir violentas críticas pero el monumento de kilos de peso fue inaugurado en La obra se instaló directamente en el suelo y no sobre un zócalo. En 1887 fue nombrado Caballero de la Legión de Honor. Su taller en Meudon, una localidad cercana a París, se había convertido en una verdadera fábrica en la que trabajaban más de cincuenta personas, entre ellas la escultora Camille Claudel, con la que Rodin mantuvo una relación amorosa. Murió en Meudon el 17 de noviembre de Una parte de su obra puede contemplarse en el Museo Rodin, de París.

El Pensador

ALBERTO GIACOMETTI Alberto Giacometti ( ), pintor y escultor suizo nacido en Stampa. Después de estudiar en Génova y Roma (Italia), en 1922 se instaló en París. Allí se convirtió en uno de los principales escultores surrealistas de la década de 1930, con una obra llena de ingenio e imaginación. Su obra surrealista más sobresaliente quizá sea El palacio a las 4 de la madrugada ( , Museo de Arte Moderno, Nueva York, Estados Unidos): se trata de un esqueleto arquitectónico que sostiene figuras y objetos suspendidos, y expresa la subjetividad y fragilidad de los sentidos temporal y espacial en el ser humano. En 1948 expuso sus obras después de experimentar durante doce años en el campo de la escultura y de la pintura. A partir de estos trabajos desarrolló un estilo muy personal de figuras frágiles pero de una enorme expresividad. Impregnadas de melancolía, sus pinturas y esculturas reflejan un sentido débil de la existencia, como si sus personajes sufrieran una constante amenaza de destrucción por parte del espacio que los rodea. Hacia el final de su carrera, Giacometti, aclamado unánimemente como uno de los mayores escultores del siglo XX, luchó denodadamente para que se reconociera la importancia de su trabajo pictórico. A lo largo de su vida realizó más de 350 lienzos. Sus retratos tienen un fuerte aire icónico, como en el cuadro La madre del artista (1950, Museo de Arte Moderno), en el que la figura sentada parece estar a punto de desaparecer en medio de la maraña de líneas y trazos que recorren la sala con unos muebles levemente inquietantes, o el Retrato de mujer (1965, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, España), donde el artista representa a su ama de llaves. Reverso de un billete de 100 francos suizos con obras de Giacometti

CONSTANTIN BRÂNCUŞI Fue el más famoso escultor rumano, nacido en Hobiţa, cerca de la ciudad de Târgu Jiu, en Sus obras se encuentran en museos de Francia, Estados Unidos, Rumanía y Australia. Brancusi estudió en Craiova (Rumania) desde 1894 a Luego continuó sus estudios en la Escuela Nacional militar de Bellas Artes en Bucarest desde 1894 hasta Llegó a Paris en 1904 para perfeccionar sus estudios. Como estudiante de arte fue influido por Auguste Rodin y fue uno de los primeros artistas del arte moderno. Entabló amistad con Amedeo Modigliani, Erik Satie y Marcel Duchamp. Su obra evolucionó hacia una eliminación de los detalles que le condujo casi a la abstracción. Realizó una serie de esculturas en metal llamadas "Pájaro en el inframundo". En Targu Jiu hay un conjunto escultorico realizado por él de gran importancia. Estas obras se encuentran dispuestas en línea recta y son: La Mesa del Silencio La Puerta del Beso La Columna del Infinito Este conjunto escultórico simboliza la vida del ser humano. La Mesa del Silencio y La Puerta del Beso se encuentran en el parque principal de la ciudad; entre las mismas se encuentran sillas también hechas por Brancusi y siguiendo la imaginaria línea determinada por estas dos, se llega a una de las iglesias ortodoxas de la ciudad. Continuando aún más por esta línea, se llega a La Columna del Infinito (considerada su obra cumbre) ubicada también en un parque. Entre las obras de Brancusi se encuentran: Madre durmiente ( ), El beso (1908), La sabiduría (1909), Prometeo (1911), El comienzo del mundo (1924), El pájaro ( ), La columna del infinito (1933), El espíritu de Buda (1933) y La gallina (1941). Bracusi murió en París (Francia) en Se encuentra enterrado en el cementerio de Montparnasse, París. Una de sus obras fue vendida últimamente en 11.1 millones de dólares estadounidenses. El beso (1907)

EDGAR NEGRET Nació en Popayán en 1920 y estudió en la Escuela de Bellas Artes de Cali, especializándose en escultura. En la década de 1940 recibió la influencia del escultor español Jorge de Oteiza y desde 1948 a 1954 viajó por Francia, España y Estados Unidos, visitando Nueva York. En esta ciudad estudió en el Sculpture Center, donde aprendió nuevas técnicas como el ensamblaje de metales. En esos años realizó una escultura de tipo figurativo, que más tarde abandonó tras investigar las posibilidades expresivas de los volúmenes de inspiración organicista. Entre 1956 y 1963 se estableció en Nueva York, donde se sintió atraído por distintas formas mecánicas de origen industrial, que él mismo denominó ‘símbolos de nuestra era’. Ruedas, tuercas, tornillos o láminas curvadas se conjugan en suave armonía de formas y colores entre los que dominan el rojo, azul y negro; tubos y láminas metálicas afianzan el geometrismo de su obra. De esta etapa son las series Cliff Dwellings y Aparatos mágicos. Desde 1963 fijó su residencia en Bogotá, donde se le encargó dirigir el nuevo departamento de escultura de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de los Andes. De nuevo se volvió a interesar por los procedimientos manuales del proceso escultórico e, influido por la flora tropical, realizó esculturas exuberantes donde introduce láminas de aluminio onduladas. Algunas obras de esta época son Navegantes, Acoplamientos y Metamorfosis. En 1973 inauguró su propia galería Casa Negret, y a mediados de la década de los 1980 crea su propio museo en un edificio familiar de su ciudad natal. Entre sus obras, junto a las ya citadas, destacan: Navegante: homenaje a Cristóbal Colón, Sol, Luna, La casa de las serpientes y Reloj andino. Su personalidad se renueva en el juego de figuras geométricas, combinando en los últimos años el rojo de los metales con un tono amarillo. "El Sol" de Edgar Negret, Aeropuerto Internacional José María Córdova, Rionegro

FERNANDO BOTERO Nacido en Medellín en 1932, inicia su actividad artística en 1948 como ilustrador del periódico El Colombiano, al tiempo que participa en su primera exposición conjunta en la Exposición de Pintores Antioqueños en Medellín Tres años más tarde se traslada a Bogotá y celebra su primera exposición individual (Mujer llorando, 1949). En 1952 viaja a España y sigue estudios en la Academia de San Fernando de Madrid, al tiempo que asiste al Museo del Prado donde estudia y copia la obra de Velázquez y Goya. Entre 1953 y 1955 viaja a Francia, Italia y estudia en Florencia pintura al fresco. En 1957 visita Estados Unidos, donde celebra su primera exposición individual en la Pan-American Union de Washington. A los 26 años es nombrado profesor de pintura en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Bogotá; en 1960 se instala en Nueva York y en 1973 fija su residencia definitivamente en París. En principio sus obras revelan cierta admiración por el muralismo mexicano y la pintura del renacimiento italiano (Partida, 1954), pero más tarde estas influencias van desapareciendo en favor de un personalísimo estilo, en el que las figuras engordan y se deforman hasta cubrir en buena parte el lienzo (Prelado, 1959); esos cuadros denotan la influencia del surrealismo. La historia del arte (Autorretrato con Luis XIV visto por Rigaud, 1973), la vida burguesa (Escena familiar, 1969), la cultura colombiana (Baile en Colombia, 1980) y los personajes históricos (Luis XIV y María Antonieta en visita a Medellín, Colombia, 1990) constituyen a lo largo de su carrera las principales fuentes de inspiración, de una dilatada y variada producción en la que abundan paisajes, retratos y escenas costumbristas. Sus primeras pinturas muestran una pincelada suelta y concreta, pero poco a poco ésta se empasta, al tiempo que las perspectivas y las figuras se hacen arbitrarias en función de la importancia que tengan en la representación. Óleo, acuarela, pastel, sanguina o lápiz son manejados con gran destreza a lo largo de su obra. Botero emplea la gordura como base de una cariñosa burla para comentar ciertos aspectos de la vida (La alcoba nupcial, 1958). A partir de 1960, lleva a cabo una serie de obras en las que parece rendir tributo a los grandes maestros de la pintura universal como Mona Lisa a los doce años (1959), Rubens con su esposa (1965) o Autorretrato según Velázquez (1986). Su afición por los toros le lleva en la década de 1980 a dedicarse casi en exclusiva a este tema (La pica, 1984; El quite, 1988). La misma voluptuosidad e ingenuidad que caracteriza su pintura, se encuentra en la escultura cuya producción se inicia en París en 1973; se trata en su mayor parte de figuras y animales de tamaños grandiosos y desproporcionados de gran singularidad (Venus, 1977; Perro, 1981; Soldado romano, 1986; Mujer a caballo, 1991), realizados en bronce, mármol y resina fundida. En 1992 Montecarlo y los Campos Elíseos de París acogieron una Exposición de Escultura Monumental, y el Gran Palais (París) otra sobre toros, La Corrida. El tratamiento exagerado en sus proporciones de la figura humana es hoy una de las características inconfundibles de su obra, que ha sufrido pocas variaciones desde sus comienzos. En la actualidad vive entre París, Nueva York y Bogotá.

Caballo, Medellín

MIGUEL ÁNGEL Nació el 6 de marzo de 1475 en el pequeño pueblo de Caprese, cerca de Arezzo, aunque fue un florentino que mantuvo a lo largo de toda su vida unos profundos lazos con Florencia, su arte y su cultura. Pasó gran parte de su madurez en Roma trabajando en encargos de los sucesivos papas; pero siempre se preocupó de dejar instrucciones oportunas para ser enterrado en Florencia, como así fue; su cuerpo descansa en la iglesia de Santa Croce. El padre de Miguel Ángel, Ludovico Buonarroti, oficial florentino al servicio de la familia Médicis, colocó a su hijo, con 13 años, en el taller del pintor Domenico Ghirlandaio. Dos años después se sintió atraído por la escultura en el jardín de San Marcos, lugar al que acudía con frecuencia para estudiar las estatuas antiguas de la colección de los Médicis. Con 16 años ya había realizado al menos dos esculturas en relieve, el Combate de los lapitas y los centauros y la Virgen de la Escalera, con las que demostró que ya había alcanzado su personal estilo a tan temprana edad. En 1494 abandonó Florencia, en el momento en que los Médicis son expulsados por un tiempo de la ciudad por Carlos VIII. Durante una temporada se estableció en Bolonia, donde esculpió entre 1494 y 1495 tres estatuas de mármol para el Arca de Santo Domingo. Viajó a Roma, y poco después realizó su primera escultura a gran escala, el monumental Baco ( ). Esculpió también la Pietà ( ) para San Pedro del Vaticano, magnífica obra en mármol que aún se conserva en su emplazamiento original. La Pietà, una de las obras de arte más conocidas la terminó antes de los 25 años de edad, es además la única obra en la que aparece su firma. El punto culminante del estilo de juventud de Miguel Ángel viene marcado por la gigantesca (4,34 metros) escultura en mármol del David, realizada entre 1501 y 1504, después de su regreso a Florencia. Paralelamente a su trabajo como escultor, Miguel Ángel tuvo la oportunidad de demostrar su pericia y habilidad como pintor al encomendársele la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina en el Vaticano, en la que plasmó algunas de las más exquisitas imágenes de toda la historia del arte. Con anterioridad a la bóveda de la Sixtina, en 1505, Miguel Ángel había recibido el encargo del papa Julio II de realizar su tumba, planeada desde un primer momento como la más magnífica y grandiosa de toda la cristiandad. Pensada para ser emplazada en la nueva Basílica de San Pedro, entonces en construcción, Miguel Ángel inició con gran entusiasmo este nuevo desafío que incluía la talla de más de 40 figuras, pasando varios meses en las canteras de Carrara para obtener el mármol necesario. La escasez de dinero, sin embargo, llevó al Papa a ordenar a Miguel Ángel que abandonara el proyecto en favor de la decoración del techo de la Sixtina. Años después, retomó el trabajo de la tumba, la rediseñó a una escala mucho menor. Pero Miguel Ángel pudo terminar algunas de sus mejores esculturas con destino a la tumba de Julio II, entre las que destaca el Moisés. Su actividad como arquitecto no comenzó de hecho hasta 1519, cuando diseñó la fachada (nunca realizada) de la Iglesia de San Lorenzo en Florencia, ciudad a la que había regresado tras su estancia en Roma. Durante la década de 1520 diseñó también la Biblioteca Laurenciana. En Roma comenzó a trabajar en 1536 en el fresco del Juicio Final para decorar la pared situada tras el altar de la Capilla Sixtina, dando por concluidos los trabajos en En se iniciaron las obras de remodelación de los edificios en torno a la Plaza del Capitolio. La obra cumbre como arquitecto fue la Basílica de San Pedro, su cúpula se convirtió en modelo y paradigma para todo el mundo occidental.

FOTOGRAFOS

ANSEL ADAMS Nació el 20 de febrero de 1902 en San Francisco, California. Fue considerado fotógrafo y ecologista. Cuando Adams tan solo tenía 4 años, estuvo presente en el terremoto de San Francisco de 1906, donde sufrió una rotura de tabique nasal. Hijo único de Charles Hitchcock Adams y Olive Bray, creció en un ambiente Victoriano (social y conservador). Pese a ser inteligente, era muy tímido, lo que, unido a la dislexia que padecía, le causó ciertos problemas al intentar integrarse en la escuela. Ansel Adams luchó durante toda su vida por defender y proteger la naturaleza. Estudió piano durante varios años, lo que le dio disciplina y estructura. Se inició en la fotografía y se unió a un club donde conoció a su esposa, Virginia Best, con la que se casó en 1928, y tuvo dos hijos. En 1930, conoció al fotógrafo Paul Strand. Sus imágenes tuvieron un gran impacto en Adams, ayudándolo a alejarse del estilo pictorialista y a encaminarse hacia el estilo de “straight photography”, donde la claridad de la lente es lo más importante, y donde la fotografía ha de sufrir el menor número de ajustes y retoques posible. También conoció a Edward Weston, con quien entabló una gran amistad. Juntos, Adams, Strand, Cunningham y Weston formaron un grupo en 1932, que promovió y evolucionó “straight photography”. Adams fue destacando cada vez más por su energía y entusiasmo. Visitó por primera vez Nueva York en 1933 y conoció a Alfred Stieglitz, un fotógrafo al que siempre había admirado y que le ayudó a hacer su primera exposición. Comenzó a hacer fotografía comercial. No era algo que le encantase, puesto que creía que no lo dejaba explotar su creatividad, aunque le proporcionaba suficiente dinero para vivir. Trabajó para marcas como IBM, AT&T, Nacional Park Service y Kodak, y para revistas como Life y Fortune, además de ser fotógrafo asesor para Polaroid y Hasselblad. Este trabajo no sólo sirvió a Adams para el mencionado sustento financiero, sino que hizo de sus fotografías un icono de las bellezas naturales norteamericanas reconocidas en todas partes del mundo. Weston y Strand le comenzaron a pedir consejos técnicos. Adams desarrolló el famoso “sistema de zonas”, un método de medición y revelado que se utilizaba para dividir la graduación de luz de una escena en 11 zonas diferentes, del blanco al negro. Esto le permitía visualizar los diferentes niveles de gris en la fotografía final con gran precisión. En 1936 colaboró organizando la primera sección de fotografía en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.. Más tarde colaboraría con Dorotea Lange para un trabajo de la revista Life. Sus imágenes empezaron a volverse símbolos de América, muchas de ellas centradas en el parque Yosemite. Luchó por defender la naturaleza y a sus animales, siendo los paisajes el principal tema de sus fotografías. Precisamente por esto fue criticado a menudo, ya que raramente se podía ver a una persona en una fotografía suya. Recibió en 1981 el Premio internacional de la fundación Hasselblad. Algunos dicen que Adams fotografió lugares que ya ni existen, pero para otros ocurre lo contrario; algunos lugares siguen existiendo debido a Adams y su entusiasmo y esfuerzo por salvar estos lugares, a través de sus fotografías. Murió el 22 de abril de 1984, debido a un fallo en el corazón, posiblemente agravado por un cáncer pancreático.

Ansel Adams: Amanecer, Lago McDonald, Parque Nacional Glacier (1942)

BILL BRANDT Nació en Hamburgo el 3 de mayo de 1904, su padre era británico y su madre alemana. Comenzó muy pronto a estudiar dibujo con el arquitecto checo K. E. Ort, aunque gran parte de su educación se desarrolla en Viena. Durante su infancia se estuvo desarrollando la primera guerra mundial, por lo que al finalizar ésta adoptó la nacionalidad británica ya que existía desigualdad de oportunidades si se disponía de nacionalidad alemana. Se traslado a París, donde conocería, a través de su amigo Ezra Pound, a Man Ray, con quien estudiaría durante una corta temporada antes de viajar a Londres en Allí comenzó a registrar las diferentes capas de la sociedad británica en una época en la que el reportaje fotográfico era prácticamente desconocido en el Reino Unido. Su trabajo yuxtaponía hogares de aristócratas y profesionales con los de gente de la clase obrera y fue publicado en dos estudios sobre las tradiciones británicas: The English at Home (Los ingleses en casa, 1936) y A Night in London (Una noche en Londres, 1938). La fotografía de Brandt suele presentar un matiz surrealista, influido por Man Ray y por las películas surrealistas de la época. Trabajó principalmente por encargo y fue un constante colaborador de las revistas Weekly Illustrated, The Bystander, Lilliput, Picture Post y Harper’s Bazaar. Después de la guerra cambió de estilo y se dedicó a los retratos, paisajes y desnudos. Publicó un estudio sobre lugares literarios titulado de Literary Britain (La Gran Bretaña literaria, 1951) y un libro de desnudos titulado Perspective of Nudes (La perspectiva en los desnudos, 1961). Estas imágenes extraordinarias, de contrastes muy marcados, situadas normalmente en entornos extraños y de perspectivas distorsionadas, que tienen una calidad casi escultórica, se cuentan entre las mejores de su género. Los paisajes los realizaba en espacios privados al principio pero luego utilizó las playas de Normandía o de la bahía de Anges en Niza. Durante los últimos años de su vida estuvo dando clases en el Royal College of Art y exponiendo su trabajo; de ese modo participó en la exposición de The family of man invitado por Steichen y en 1979 fue premiado por la Royal Photographic Society y poco antes por la Royal Society of Arts. Murió el 20 de diciembre de 1983 a causa de complicaciones con la diabetes que arrastraba desde hacía más de cuarenta años. Su trabajo ejerció bastante influencia durante la segunda mitad del siglo XX. Su primera exposición monográfica en España tuvo lugar en 2008 en Photoespaña, aunque anteriormente pudieron verse algunas de sus obras en exposiciones colectivas, como Foco 86 en 1986 en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

AUGUSTE LUMIERE Y LOUIS LUMIERE
Auguste Marie Louis Nicolas Lumière (Besanzón, 19 de octubre de 1862 – Lyon, 10 de abril de 1954) y Louis Jean Lumière (Besançon, 5 de octubre de 1864 – Bandol, 6 de junio de 1948) fueron los inventores del proyector cinematográfico. Ambos nacieron en Besançon, Francia, pero crecieron en Lyon. Su padre, Antoine Lumière, tenía un taller fotográfico y ambos hermanos trabajaban con él, Louis como físico y Auguste como administrador. Louis hizo algunas mejoras en el proceso de fotografías estáticas. A partir de 1892 los hermanos empezaron a trabajar en la posibilidad de imágenes en movimiento. Patentaron un número significativo de procesos notables. Crearon un aparato que servía como cámara y como proyector: el cinematógrafo, que se basaba en la persistencia retiniana de imágenes en el ojo humano. Ellos cargaban las piezas de la cámara filmadora en un cajón para su traslado. El cinematógrafo fue patentado el 13 de febrero de Así, en el verano de 1894, los hermanos Louis y Auguste Lumière tenían a punto la cámara que servía tanto como tomavistas o como proyector, y con ella llevaron a cabo su primera filmación ese otoño. El 28 de marzo de 1895 fue mostrada en París en una sesión de la Société d'Encouragement à l'Industrie Nacional la conocida La sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon Monplaisir («Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir»), rodada tres días antes. Tras diversas presentaciones en sociedades científicas, en la Universidad de la Sorbona, en Bruselas y otros lugares, se procedió a su explotación en la primera sesión exhibida para un público comercial, como primer espectáculo de pago el 28 de diciembre de 1895 en París, en el Salon Indien del Grand Café, en el Boulevard des Capucines, donde se proyectaron varias cintas entre las que destacaban, aparte de la ya citada Salida de la fábrica Lumière, otras como Llegada de un tren a la estación de la Ciotat o El desayuno del bebé, e incluía la primera película de ficción: El regador regado. Así, con este catálogo, el cine comenzó su historia a modo de documental, como testigo objetivo de la vida cotidiana. Los hermanos pensaban que «el cine es una invención sin ningún futuro», utilizable sólo para el ámbito de la intimidad. No obstante, aprovecharon todo lo que el nuevo invento les ofreció para generar riqueza y montar un negocio rentable. Los Lumière enviaban un cinematógrafo y un operador allá donde era requerido, por ejemplo a la Coronación del zar Nicolás, etc. Con estas cintas rodadas en los lugares más exóticos del planeta surge el montaje. Su posición económica y el interés que mostraban hacia la ciencia les hizo menospreciar las posibilidades comerciales de su invento, por lo que finalmente abandonaron la producción cinematográfica. En 1903 patentaron un proceso para realizar fotografías en color, el Autochrome Lumière, lanzado al mercado en 1907. Actualmente su cámara esta en el museo de cine de Paris, con la de George Méliès.

HENRI CARTIER-BRESSON
Nació en Chanteloup el 22 de agosto de 1908 y se educó en el Liceo Condorcet de París. A partir de 1930 se dedicó a la fotografía, a pesar de que su primera pasión, que nunca abandonó por completo, había sido la pintura. Desde entonces, comenzó a viajar con frecuencia y sus fotografías aparecieron publicadas en periódicos, revistas y libros. También se expusieron en diferentes museos y galerías de arte. Una de las particularidades de su técnica fotográfica es que jamás recortaba los negativos, el positivo lo obtenía directamente de toda la imagen, sin encuadrar ni recortar nada. Sabía componer con rigor, observaba los gestos, las yuxtaposiciones de elementos y disparaba en el preciso momento en el que todo ello creaba un conjunto armonioso, lo que él definía como el ‘instante decisivo’. Durante la II Guerra Mundial el artista estuvo 35 meses encarcelado en los campos alemanes de prisioneros. Después de tres intentos de huida, escapó a París y trabajó para la resistencia francesa. Realizó fotos sobre la ocupación y retirada alemanas. En 1945 dirigió, para la oficina de información bélica de Estados Unidos, el documental Le retour (El retorno). Dos años después organizó una exhibición de sus fotos en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA). El mismo año fundó con Robert Capa y otros fotógrafos la agencia Magnum. Bajo los auspicios de ella, Cartier-Bresson empezó a viajar y a dedicarse al reportaje en diversos países: India, China, antigua Unión Soviética, Canadá, Cuba, México y España. En 1955, por invitación del Museo del Louvre de París, fue el primer fotógrafo que expuso su obra allí. Algunas de sus colecciones fotográficas publicadas son: The Decisive Moment (1952), The World of Henri Cartier-Bresson (1968) y Henri Cartier-Bresson (1980). En sus últimos años volvió a la práctica del dibujo. Falleció el 2 de agosto de 2004, en Francia.

DIBUJANTES

WALT DISNEY Nació en Chicago el 5 de diciembre de 1901 y abandonó la escuela a los 16 años. A partir de entonces estudió durante breves periodos de tiempo en escuelas de arte en su ciudad natal y en Kansas City, Missouri. En 1923 comenzó a producir dibujos animados en Hollywood, asociado con su hermano Roy O. Disney. De 1926 a 1928 hizo una serie de dibujos, Oswaldo el conejo, para Universal Pictures. Steamboat Willie (Willie el vapor, 1928), producida por su propia compañía, supuso la aparición de su primer personaje famoso, el ratón Mickey, y también el inicio del cine sonoro en los dibujos animados. Realizó a continuación su serie de Sinfonías tontas, iniciada con La danza del esqueleto (1929). En 1932 introdujo el color en Árboles y flores, en 1934 creó al pato Donald y en 1937 realizó el primer largometraje de dibujos animados de la historia, Blancanieves y los siete enanitos, al que siguieron Pinocho (1940), Fantasía (1941) y Bambi (1942). En las décadas de 1950 y 1960, Walt Disney Productions se convirtió en una de las mayores productoras cinematográficas, al tiempo que Disney intentaba mantener el mayor control artístico posible. La compañía abordó la publicación de literatura infantil y cómics, la mayoría de ellos protagonizados por el pato Donald y el perro Pluto. En 1955, Walt Disney Productions inauguró un parque gigantesco, Disneylandia, en Anaheim, California. Sus reconstrucciones de carácter histórico y sus espectaculares atracciones lo convirtieron en un foco turístico de primer orden. En la misma línea, en 1971, cinco años después del fallecimiento de Walt Disney, abrió sus puertas Disneyworld, cerca de la ciudad estadounidense de Orlando (Florida), y en 1992 Eurodisney, en las proximidades de París, Francia. Entretanto, la compañía abordó la producción de documentales, como El desierto vivo (1953) o Los secretos de la vida (1956), y también, a comienzos de la década de 1950, de películas de aventuras con actores reales, como La isla del tesoro (1950), Robin Hood (1951), El extraño caso de Wilby (1959), Un sabio en las nubes (1961) y Mary Poppins (1964). Las películas de dibujos animados más destacadas de este periodo fueron Peter Pan (1953) y Merlín el encantador (1963). También realizaron las series de televisión “Davy Crockett”, “El club Mickey” y “El maravilloso mundo de Disney”. La Disney también ha producido Aladdin (1992), El rey león (1994), Pocahontas (1995), Toy Story (1995) y El jorobado de Notre Dame (1996). En 1998 realizó Mulan, un filme basado en una leyenda popular china producido en la nueva sede de la factoría en Florida. Con Dinosaurio (2000), un grandioso espectáculo en el que se mezclan imágenes creadas por ordenador con paisajes reales, la Disney dio una nueva vuelta de tuerca a las películas de animación. El segundo filme rodado íntegramente en los estudios de Florida fue Lilo & Stitch (2002), con el que sus autores trataban de recuperar la estética de las películas clásicas con la utilización de la acuarela para los fondos, entre otros recursos.

OSAMU TEZUKA Osamu Tezuka (Osaka 3 de noviembre de de febrero de 1989) fue un dibujante de historietas y animador japonés, al que a menudo se le llama el "padre del manga" o incluso el dios del manga, debido a la calidad de su prolífica producción y a la influencia de sus técnicas, con el abandono de las historietas que apenas ocupaban unas viñetas por los story manga y el desarrollo del formato tankoubon, que actualmente triunfa en todo el mundo para la edición de manga. Tal fue el impacto de sus creaciones y de sus obras que a día de hoy la base de su estilo perdura en los nuevos autores japoneses y los personajes que él dio a luz con su pluma siguen viviendo en la cultura popular de Japón, donde se puede encontrar en las librerías la gran mayoría de sus obras. Además, sus historietas han sido traducidas a decenas de lenguas, entre ellas el español. La ternura y el profundo y sincero humanismo que imprimió a sus personajes han dejado una huella indeleble, haciendo de él un autor universal capaz de traspasar culturas. Incluso los ojos desproporcionadamente grandes que son tan característicos de la animación y la historieta japonesa constituyen un legado de Tezuka. Entusiasmado por el género de la animación a dibujar cuando aún era un niño. Los horrores de la Segunda Guerra Mundial también marcaron su sensibilidad y desde el primer momento procuró transmitir con sus dibujos mensajes optimistas y humanitarios. Su primer trabajo de importancia lo realizó a los 20 años. Se trata de la serie Shin Takarajima, pero hasta los años 50 no surgieron la mayor parte de sus grandes y famosos personajes, como Janguru Taitei, Tetsuwan Atom ("Astroboy") y el no menos famoso Ribbon No Kishi ("La princesa caballero"), considerado el primer manga del género shojo de la historia. El éxito continúa en las siguientes décadas, con series como Hi no Tori ("Fénix", 1954), Black Jack ( ), Buddha ( ) y Adolf (1983), dando un giro profundo con la culminación de la serie MW ( ), en la que abordó temas muy poco frecuentes en el manga de la época, como la homosexualidad, la corrupción política o las armas químicas. Falleció el 9 de febrero de 1989, dejando así inacabadas las obras a las que se dedicaba entonces, Ludwig B y Neo Faust. La considerada por muchos su obra maestra, Hi no Tori, la había acabado tan sólo un año antes de su muerte, más de 30 desde su inicio en 1954. Al poco tiempo de su muerte algunos de los periódicos japoneses más importantes pidieron que se le entregara el Premio Nobel de literatura, aunque fue rechazado. Nadie le discutió sin embargo su aclamación como "el dios del manga", perpetuando así su influencia en generaciones de lectores y autores, y en la historia y cultura de todo un país en su conjunto. Desde 1997 se celebra anualmente el Premio Cultural Tezuka Osamu, en honor al aporte de Tezuka al manga moderno, premio donde son galardonados aquellos mangaka que siguen la visión de Tezuka.

MATT GROENING Nació el 15 de febrero de 1954 en Portland, Oregon (Estados Unidos). Su infancia transcurrió en su ciudad natal y residió en un edificio situado en la calle Evergreen Terrace, nombre que le dio a la calle donde viven los personajes de su creacion, Los Simpsons. En 1977 se gradua del Evergreen State College de Olympia, Washington. Fue en ese año, cuando decidió trasladarse a Los Angeles para continuar con su carrera de escritor. Ademas, inicio su trabajo profesional como caricaturista al lanzar la tira comica "Life in Hell", en la cual el protagonista principal era Binky, acompañado de Sheba (su novia), Akbar y Jeff; en "Life in Hell" basicamente plasmaba sus vivencias cotidianas en la ciudad de Los Angeles. La tira comica alcanza su exito en 1980 al aparecer en el periodico "Los Angeles Reader", en donde Matt trabajaba como editor. La tira comica actualmente aparece en 250 periodicos de Canada y Estados Unidos y de ella ha publicado varios libros, como "El amor es un infierno", "El trabajo es un infierno", "El colegio es un infierno". En 1986 decide crear algo nuevo. Su creacion involucro a una simple familia, que con mucho humor lograrian hacer una critica social. El 8 de septiembre del mismo año, "Los Simpsons" debutan en el show de Tracey Ullman, en una corta escena de dos minutos. Logró un gran éxito, así que Matt Groening decidió darles su propio programa. En 1989 son todo un hit al ser lanzados en el Canal Fox como programa independiente. En 1993 fundó Bongo Comics, una empresa que en la actualidad ha editado cientos de comics y libros. Realizó una nueva serie animada llamada "Futurama". En 1997, Groening se asoció con David X. Cohen y creó Futurama, una serie animada sobre la vida en el año 3000, la cual se estrenó en Luego de cuatro años en el aire, el programa fue cancelado por Fox en 2003, pero Comedy Central encargó 16 episodios nuevos para realizar cuatro películas en DVD, las cuales fueron lanzadas a la venta en 2008. Groening ha ganado diez Premios Primetime Emmy, nueve por Los Simpson y uno por Futurama, además de un premio British Comedy en la categoría "Trabajo Destacado en Comedia" en En 2002, ganó el premio Reuben de la National Cartoonist Society por su trabajo en Life in Hell.

JEAN PLANTUREUX Jean Plantureux nació en una pequeña villa francesa, traumática y maloliente, como todas las ciudades de Francia, cosa de la que el pequeño Jean echaba la culpa al alcalde, un tal Jean Marie Le Pen. A los 11 años, tras aspirar accidentalmente el humo de un porro, descubrió un nuevo amigo, Plantine, la rata que fue musa de su inspiración, hasta su muerte por sobredosis en En 1970, a los 17 años, comienza a estudiar ciencia del dibujo, y en 1972 logra publicar su primera caricatura, en el diario gabacho La Monda. A partir de ese momento, Jean, comienza a adquirir una fama que nunca le fue bien sabida, ya que le llevó a un marginal mundo de adicción a las piruletas y sucedáneos. Tras años en vano, logra, en 1979, ser aceptado en la ARDM, la Republicane academie du dessines de merde. En 1987 muere Plantine, que fue encontrada en su piso de la calle Boujulais Sur-Merde, de Nueva York. Dos años después, ya recuperado del varapalo, recibe otro premio, el premio al humor sobre Negros, que resaltó sus a veces tendencias racistas (tachado de racista por Jean Marie Le Pen, su antiguo alcalde) y otros dos años después (de dos en dos y tiro porque me toca), en 1991, el Premio al documento raro, pero raro raro en el festival de una ciudad de nombre de merde. Como tributo a su extraña carrera, a finales de los 90, Plantu crea un sello barato hecho con restos de papel higiénico usado en el que aparece su único amor, Plantine.

SERGIO ARAGONÉS Nació en San Mateo, Castellón, España, 6 de septiembre de 1937 y dejó su país siendo un bebé, debido a la Guerra Civil Española, primero su familia se trasladó a Francia y con seis años se estableció en México, donde transcurrió casi toda su vida. Hizo sus primeras actividades profesionales en 1954, aunque continuó estudiando Arquitectura en la Universidad de México, actividad que combinaba con la pantomima (estudiando bajo la dirección del célebre director y mimo Alejandro Jodorowsky). En 1962, Aragonés se fue a Estados Unidos, donde reside hasta hoy. Aragonés siempre fue un apasionado del arte, desde su infancia temprana. Una anécdota cuenta que en una ocasión sus padres lo dejaron solo en un cuarto con una caja de lápices de pintar, y cuando éstos volvieron, Sergio había cubierto todas las paredes con cientos de dibujos. Él llegó a la ciudad de Nueva York sólo con $20 y su portafolio de dibujos. Luego de laborar en trabajos varios alrededor de la ciudad, Aragonés se dirigió a las oficinas de la Revista MAD en la Avenida Madison, esperando poder vender algo de su obra. Como no hablaba mucho inglés, preguntó por el único otro caricaturista de MAD que hablaba español, el cubano Antonio Prohias, creador de la famosa tira cómica Spy vs. Spy. Aragonés esperaba que Prohias le pudiera servir de traductor con los editores de la revista, pero Prohias hablaba todavía menos inglés que Aragonés. Sin embargo, Antonio recibió a Sergio de forma muy entusiasta, y lo presentó a los editores como "su hermano". El director de la revista, Bill Gaines, gustó de su trabajo, pero le rechazó, confesando que la revista estaba llena, el único espacio en blanco eran los márgenes. Sergio se retiró y dos horas después, que empleó dibujando, le volvió a mostrar a Gaines su trabajo adaptado a los márgenes de la revista. Sergio emplearía a partir de ese momento, el único espacio que quedaba disponible en la revista MAD; era 1963. Aragonés cobró importancia por sus "dramas dibujados" (que nunca incluyen diálogos), que se publican en los márgenes de las páginas de MAD. De acuerdo a Aragonés, los directores de la revista gustaban de su trabajo, pero no esperaban que Sergio se quedara durante más de uno o dos meses, pues no lo creían capaz de proveer el volumen de trabajo necesario para cada edición mensual de la revista. Aragonés ha participado en cada edición de MAD desde 1963 excepto una Es conocido como el dibujante de historietas más rápido del Mundo. Por lo que ha llegado a redibujar álbumes suyos enteros para reediciones al no encontrar los originales.

ESTHER LÓPEZ ROMERO GRADO EN EDUCACIÓN PRIMARIA

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