Pintura gótica Pintura gótica.

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1 Pintura gótica Pintura gótica

2 Trecento italiano. S. XIV
INFLUENCIAS:  Basada en la pintura mural y de iconos bizantina del siglo XII, de la que toman el color y la línea. Pervivencia de la tradición clásica y nacimiento de una escultura copiada de los sarcófagos romano. Pintura y escultura gótica francesa con cánones alargados y expresión de sentimientos. En Italia, la arquitectura gótica se desarrolla de la mano de las ordenes mendicantes que no prescinden tanto del muro en sus construcciones, por lo que se desarrolla una pintura mural. Pintura gótica

3 Características Naturalismo inspirado en la religiosidad franciscana.
Representación del espacio tridimensional. Utilización de una escala de proporciones real. Estudio de la luz: con ella se busca el modelado (representación del volumen) en las figuras, así como resaltar las tonalidades para buscar la armonía cromática. El color, en ocasiones, tiene un carácter simbólico. Preocupación por la figura humana: proporciones y anatomía naturalista, estudio de actitudes y gestos con los que se consigue la expresión del sentimiento. Fondos dorados o bien con representación paisajística tanto rural como urbana. Temas: retrato, maestá , crucifijo, escenas religiosas y de la vida de los santos. Pintura esencialmente narrativa. Adquieren importancia los objetos que rodean al hombre. Se interesan por sus calidades y sus texturas. Gran lirismo. Son obras de autor. En general se trata de pintura mural. Crean alegorías. Pintura gótica

4 Giotto Llegó a ser el pintor más importante de Florencia, siendo un burgués acomodado dueño de telares y prestamista. Trabaja para los franciscanos y para grandes familias aristocráticas: para los papas en Roma y Avignon, los Visconti de Milán o los Anjou de Nápoles. Al final de su vida es nombrado arquitecto de la catedral de Florencia, y a él se debe el campanile. Pintura gótica

5 Giotto. Características
Copia del natural y tiene influencia del mundo clásico Sus figuras son monumentales, ocupan casi todo el espacio pictórico. Las representa con volumen mediante el modelado y el estudio de luces y sombras. Representa gestos y actitudes. Las expresiones de las caras denotan interés por representar sentimientos y estados de ánimo. Movimiento. Carnaciones tendentes al naturalismo, aunque los tonos son algo verdosos y se producen contrastes entre luces (palidez) y sombras demasiados oscuras. Las figuras están en relación unas con otras, con una concepción narrativa y se integran en un espacio, que se representa de un modo tridimensional mediante el paisaje rural o urbano e intenta la perspectiva por superposición de planos. En ellos tiene gran importancia el estudio de la luz. Coloca por primera vez a personajes dando la espalda al espectador, acabando así con la frontalidad. Composiciones simples y prescinde de todo elemento accesorio o anecdótico que pueda distraer al espectador de lo esencial de la narración. Pintura gótica

6 S.Francisco expulsa los demonios de Arezzo
HISTORIAS FRANCISCANAS basadas en la Leyenda de San Buenaventura y fueron concebidas como decoración de la basílica de Asís. El ciclo pictórico está constituido por 28 episodios. Se ha confirmado que la ciudad representada es Arezzo. El santo aparece arrodillado en primer plano rezando. En la zona superior, destaca la armonía cromática tica de los diablos sobre un fondo azul intenso. Pintura gótica

7 Giotto. Sermón a los pájaros
" Camino de Bevagna, el Beato Francisco predicó a los p pájaros, y ‚éstos exultantes, extendían los cuellos abrían los picos y le picoteaban la túnica; y mientras lo veían, los compañeros le esperaban en el camino". Pintura gótica

8 Frescos de la capilla Scrovegni de Padua
En 1303 realiza los frescos de la capilla de la Arena (así llamada porque ocupaba el lugar del anfiteatro romano) en Padua, por encargo de Enrico Scrovegni (hijo del famoso usurero a quien Dante sitúa en el Infierno), quien manda construir la capilla como expiación de las acciones de su padre. En esta capilla utiliza una técnica distinta a la de Asís, con más temple. Realiza 38 escenas evangélicas. Esta capilla es la obra donde se expresa mejor el arte de Giotto, con sus características de naturalismo y novedades técnicas en cuanto al estudio del espacio, la valoración de la luz, y la armonía cromática. Sin olvidar la fuerza expresiva de sus figuras, llegando a violentos dramatismos. Las figuras más importantes y de mayor dignidad presentan siempre una actitud majestuosa y una mirada concentrada y profunda, son figuras prestigiosas; pero a su lado hay personajes secundarios, cuya menor dignidad queda subrayada por su expresividad casi caricaturesca. Pintura gótica

9 Giotto. Beso de Judas. Capilla Scrovegni
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10 Beso de Judas La traición de Judas ocurre en el primer término de la composición. El resto de los personajes reflejan la confusión y el dramatismo de la escena. Judas rodea con su manto, de gran plasticidad a Jesús para delatarlo con su beso, mientras éste permanece estático. Las dos figuras se miran fijamente, convirtiéndose este hecho en el que más claramente ilustra el contenido del episodio. A la izquierda, se presenta Pedro cortándole la oreja a Malco, mientras que fariseos y soldados con sus armas comienzan el enfrentamiento al fondo y a la derecha. El dinamismo que presentan estos grupos, contrasta vivamente con el momento contenido de delante. Estas acciones no son más que un reflejo del dramatismo y tensión argumental del primer término. Pintura gótica

11 Giotto. Llanto por Cristo muerto
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12 Llanto por el Cristo muerto
Representa el entierro de Cristo: Jesús yacente, la Virgen, San Juan, María Magdalena y demás personajes evangélicos. Es una pintura al fresco. Figuras son monumentales y de anatomía rotunda. Utiliza como recursos efectistas dos personajes sentados de espaldas, as¡ el espectador siente las figuras más próximas a él. El paisaje es esquematizado y subordinado a la narración y no guarda proporción con las figuras humanas, pero ellas si son proporcionales entre sí. Gesto patético y dramático de las figuras. Composición simplificada para que nada distraiga al espectador. El eje principal es el cuerpo de Cristo, alrededor del cual se distribuyen las demás figuras. Pintura gótica

13 Escuela Sienesa Siena es la ciudad que representa la oposición a Florencia. El gobierno está en manos de los Noveschi que ejercen una dictadura sobre el pueblo. La peste de 1348 acaba con Siena, dejándola despoblada. Esta situación de crisis produce un sentimiento de evasión, que se refleja en un tipo de pintura burguesa, con carácter amable e idealista, con una preferencia por los temas marianos. Pintura gótica

14 Características Influida por el arte bizantino: Figuras alargadas, ojos almendrados, nariz larga y recta, boca pequeña. Colores aceitunados en la representación de las carnes. Tendencias naturalistas: Representación del volumen mediante el modelado. Expresión de sentimientos mediante gestos. Estudio de la luces y sombras. Individualización de los rostros. Representación del movimiento. Representación del espacio. La escuela se inicia con Duccio Bouninsegna (muerto en 1319). Permanece fiel a la tradición bizantina pero con tendencia al naturalismo por la individualización de los rostros, gestos, movimiento en la acción pero en un espacio de dimensiones irreales e intemporal; pero representa el paisaje. Gusto por la línea flexible y sinuosa, influencia de la escultura y miniaturas del gótico francés Pintura gótica

15 Duccio Buoninsegna: Maestá
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16 Simone Martini. Siena 1238-Avignon 1344
No es solo pintor al fresco y sobre madera, sino que ilustra manuscritos, decora estandartes, colorea estatuas, adorna cartones o pinta vidrieras. Es nombrado pintor de Siena. Desde 1336 su vida transcurre en Avignon donde conoce a Petrarca con el que le une una gran amistad, y allí muere. Sus características son: Dominio de la línea. Plasma la belleza espiritual muy idealizada. Es muy poético y cortesano. Se interesa por los detalles y por la minuciosa representación de telas y joyas con que viste a sus personajes. Predominio la línea curva y las figuras estilizadas. Pintó copiando del natural. Pintura gótica

17 Simone Martini. Maestá Siena.
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18 Simone Martini. Maestá. Detalle.
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19 Maestá del ayuntamiento de Siena
Representa a la Virgen en el trono con el niño bajo un palio que sostienen los ángeles y santos. Aunque la iconografía es religiosa, tiene un marcado carácter civil. La Virgen se identifica como protectora de la ciudad y con su carácter ciudadano, y se convierte en la expresión y portavoz del gobierno sienés. Las figuras se organizan mediante un esquema en el que predomina la línea curva. La escena está impregnada de melancolía y las figuras son estilizadas. Los personajes tienen un carácter cortesano, con rostros individualizados pero idealizados. Pintura gótica

20 Simone Martini. Retrato ecuestre.
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21 Simone Martini. Detalle de Guidoricio.
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22 RETRATO ECUESTRE DE GUIDORICCIO DA FOGLIANO (1330).
Fresco. Sala del Mapamundi del Palacio Público de Siena. El fresco representa a un caballero cabalgando ante un paisaje con un burgo amurallado, dos fortalezas una de Siena y otra de Florencia, y un campamento. Representa al capitán en el asedio al burgo de Montemassi. Rica ornamentación de la ropa, detallismo. Pintura gótica

23 Simone Martini. Anunciación. Ufizzi
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24 Anunciación. Ufizzi 1333 Témpera sobre madera. Procede del Duomo de Siena. El marco es neogótico de Trata la escena con gran minuciosidad. Tanto en la Virgen como en el ángel predomina la línea curva. En esta obra introduce la novedad iconográfica del ángel arrodillado. El tema está realzado por un gran contenido psicológico, y el fondo dorado contribuye a dar un carácter simbólico a la escena. El color, la sinuosidad de la línea y el movimiento de la virgen expresan la ternura y el idealismo característicos del pintor. Pintura gótica

25 Pintura italo-gótica española
Seguidores de la escuela Sienesa. Sus características son: Armonía cromática. Predomina el azul y el oro. Grandes matices Modelado de las figuras y gran cuidado en las carnaciones. Ausencia de paisajes. Aún fondos dorados de carácter bizantino. No existe la perspectiva. Predominio de la línea. Representación de las sombras. Estilo lírico e idealista. Pintura catana: Ferrer Bassa, Ramon Destorrents y Pedro y Jaime Serra. Pintura gótica

26 Ferrer Bassa. S. XIV Pintó para los reyes de Aragón. Influencia de la escuela sienesa y de Giotto. Pintura gótica

27 Ramón Destorrents. S. XIV
Influido por la escuela sienesa. Sucesor de Ferrer Bassa como pintor de la Corte de Aragón. Santa Ana y la Virgen niña Pintura gótica

28 Jaume Serra. Pintura gótica

29 Pintura Flamenca s. XV Influencia de las miniaturas: predominio de la línea, gran minuciosidad y colores brillantes. Y de la escultura: realismo burgués y en el aspecto pétreo y acartonado de los pliegues de los ropajes. Utilización de nuevas técnicas: la pintura al óleo sobre madera de roble, y pequeño formato sobre caballete. Gusto por la realidad y el detalle. El tema principal está rodeado por un montón de objetos muy bien representados en cuanto a calidades y texturas, con una carga simbólica. La pintura mantiene su carácter religioso con una religiosidad muy humanizada. Las escenas religiosas son tratadas como si fueran escenas de la vida cotidiana burguesa. Se generaliza el retrato de personajes burgueses tratados de un modo realista. Fisonomía flamenca: cabellos y barbas onduladas. Representación de las emociones y sentimientos. Movimiento, pérdida total de frontalidad. Estudio de la luz. Representación del espacio a través de la perspectiva caballera. Representación detallista del paisaje. Pliegues ampulosos y acartonados. Pintura gótica

30 Los Van Eyck Los hermanos Hubert y Jan van Eyck aparecen como pintores hacia El primero murió en 1426, por tanto, la mayor parte de la obra se debe a Jan. Originario de la ciudad de Maeseyck (Lieja). Sus primeros trabajos fueron como miniaturista. En 1420 es citado como pintor de Juan de Baviera, pasando 6 años después a la corte de Felipe el Bueno de Borgoña. Con ocasión del matrimonio de éste con Isabel de Portugal viaja a la Península Ibérica. Fijó su residencia en Brujas. Fue gran conocedor de anatomía, astronomía y teología. Murió en Brujas en 1441. Pintura gótica

31 Jan Van Eyck. Políptico del Cordero Místico
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32 Políptico del Cordero Místico 1432
Realizado para la iglesia de San Bavón de Gante. Cerrado se divide en dos cuerpos en los que se representa la Anunciación y el retrato de los donantes Jodocus Vydt y su esposa Isabel Vorluut. La Anunciación se produce en un interior burgués en el que la Virgen escucha sumisa, rodeada de objetos de uso cotidiano. Entre los dos personajes, una doble ventana permite la contemplación de un paisaje urbano minucioso. La escena aparece rematada en la parte superior con los profetas Zacarías, Miqueas y las Sibilas de Cumas y Eritrea, como personajes que anunciaron la llegada del Mesías. En el cuerpo inferior, las imágenes genes de los Juanes (bautista y evangelista), pintadas en grisalla como homenaje a la escultura. Las características son: Deseo de veracidad en la representación de los personajes, la individualización de cada uno de ellos, la referencia constante a valores escultóricos por los volúmenes duros de los ropajes o por la misma introducción de escultura pintada. Pintura gótica

33 Jan Van Eyck. Políptico abierto.
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34 Jan Van Eyck. Políptico tabla central.
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35 Políptico del Cordero místico
El retablo abierto tiene dos cuerpos. En el superior está representada una Deesis: Dios Padre rodeado de la Virgen y San Juan, ángeles músicos y cantores, y los desnudos de Adán y Eva. El pintor se recrea en la representación minuciosa de las telas, orlas y joyas, insistiendo en los brillos y reflejo de luz en cada objeto y realiza unos estudios anatómicos de gran veracidad. En el cuerpo inferior aparece el tema principal de la adoración del Cordero en el jardín místico por parte de profetas, santos/as y patriarcas y por la alegoría de las virtudes: los jueces de la Justicia, los caballeros de Cristo de la Fortaleza, los peregrinos de la prudencia y los eremitas de la templanza. Esta gran composición equilibrada por grupos siguiendo estrictas reglas de simetría, se desarrolla en un amplio paisaje exuberante y variada vegetación, cuyo color va difuminándose en función de la distancia. Pintura gótica

36 Matrimonio Arnolfini. Pintado en 1434. Galería Nacional de Londres.
El retrato fue encargado por el financiero italiano Giovanni Arnolfini y su esposa Giovanna Cenami. Es la representación simbólica del matrimonio y la fidelidad conyugal: la vela encendida, el perro, las zapatillas, la fruta. Los personajes se sitúan en una alcoba iluminada por la luz de la ventana. La visión óptica del espacio se ve duplicada gracias a un espejo convexo que refleja a los personajes de espaldas. Pintura gótica

37 Pintura gótica

38 Jan Van Eyck. Retrato hombre de turbante rojo.
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39 Roger Van der Weyden En 1435 se establece en Bruselas, siendo pintor de la ciudad. En 1450 hace una peregrinación a Roma y entra en contacto con la pintura italiana cuyas composiciones integra en su obra. Trabajó para los Medicis en Florencia. Influye en los pintores renacentistas italianos A su vuelta se instala de nuevo en Bruselas, donde muere en 1464. Se caracteriza por dar importancia a los valores escultóricos, centrando su atención en la corporeidad de sus personajes. Estéticamente su pintura supone un retorno a los valores del gótico internacional: utiliza la línea ondulante y las figuras estilizadas. Su mayor valor es la composición: distribuye rítmica y equilibradamente los personajes en el espacio pictórico. Pintura gótica

40 Roger Van der Weyden: descendimiento.
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41 Descendimiento. Museo del Prado 1437
Esta obra pasó gracias a María de Hungría a la colección de Felipe II. Renuncia al paisaje para atraer la atención hacia los personajes que viven la tragedia de la muerte de Cristo expresando de modo diferente sus sentimientos: la Virgen desmayada de dolor, es asistida por San Juan n y María Salomé, que tragan sus lágrimas, ante María Jacob‚ que llora amargamente; mientras que el cuerpo inerme de Cristo es llevado por Nicodemo, perfecta expresión del dolor contenido y José‚ de Arimatea que gime como un niño ante María Magdalena desesperada. El equilibrio de la composición es perfecto: ante la verticalidad central de la cruz y de Nicodemo, se despliegan los cuerpos ondulantes y paralelos de Cristo y la Virgen. Con este paralelismo se quiere expresar la identificación de las vidas de la Madre y el Hijo. A los lados se distribuyen dos grupos de tres figuras, en los que destacan Juan y Magdalena, cuyos cuerpos, a modo de paréntesis, cierran el esquema compositivo del cuadro. Los valores plásticos de las telas, la calidad minuciosa de los detalles, las magnificas veladuras, hacen de esta obra una de las más destacadas del siglo XV.  Pintura gótica

42 Van der Weyden. Retrato de mujer.
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43 Hans Memling. Juicio final.
Se establece en Brujas en 1465, donde vive hasta su muerte en Es un seguidor fiel de Van Eyck y Van der Weyden pero con un sentimiento poético que hace que sus obras resulten amaneradas y almibaradas. Intenta una pintura "bella" en la que los personajes refinados y elegantes se mueven pausadamente. En la capilla Real de Granada se conservan varios cuadros suyos. Pintura gótica

44 Gerard David. Natividad.
Continuador de Memling en la escuela de Brujas. formación en Haarlem, se estableció en 1484 en Brujas, donde murió en Sus composiciones, un tanto rígidas, están dominadas por líneas horizontales y verticales y sus figuras se caracterizan por una suavidad melancólica. A veces utiliza elementos decorativos del Renacimiento italiano como guirnaldas y amorcillos. Tiene una gran obsesión por el paisaje y por el estudio de la luz. Pintura gótica

45 Jerónimo Van Aecken el Bosco
Nació en la ciudad holandesa de Hertogensboch hacia Hijo y nieto de pintores, su actividad se desarrolló en su ciudad natal. Poco se sabe de su vida, excepto la fecha de su muerte en El Bosco es un pintor sumamente original, dotado de una fantasía sin límites. El protagonista de sus obras es el hombre, rodeado de todo tipo de vicios y pasiones. Expresa su mensaje filosófico pesimista a través de la sátira macabra y la burla mordaz, en originales alegoría de fondo moralizante. Crea una iconografía propia, basada en elementos de tradición medieval y se le ha considerado el precursor lejano del surrealismo. Sus tablas se convierten en una acumulación de pequeños personajes desmaterializados, colocados en universos fantásticos. Gran parte de su obra se encuentra en España debido a la gran admiración que por ella sintió Felipe II. Pintura gótica

46 El Bosco Siete pecados capitales. El Prado
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47 Los siete pecados capitales 1475
Distribuye siete escenas alegóricas de los siete pecados capitales como una córnea de ojo humano que rodea un iris, donde aparece Cristo resucitado con las palabras "Cave, Cave, Deus videt" (cuidado, cuidado, Dios ve). Cada una de estas composiciones es una burla que el Bosco hace de los vicios humanos. En los ángulos de la tabla, cuatro medallones con las postrimerías: la muerte, el juicio, el paraíso y el infierno. Pintura gótica

48 El carro de Heno. El Escorial
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49 El Bosco. Jardín de las delicias. El Prado
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50 Jardín de las Delicias. Realizado hacia Conservado en el Museo del Prado. Tríptico, cuyas tablas laterales representan versiones del Paraíso y del Infierno. En la tabla central aparece el jardín de la vida poblado por multitud de grupos humanos de toda raza y condición, entregados a los más variados vicios, en un paisaje surrealista poblado de construcciones fantásticos formadas por elementos del mundo vegetal, mineral y animal. El paisaje está repleto de frutas como la fresa, la cereza y el madroño, símbolos de la lujuria. El Paraíso y el Infierno constituyen una antítesis: a la luminosidad di diáfana, el equilibrio de formas y el orden de aquel, se oponen las tinieblas, el desorden y el desequilibrio de este. Pintura gótica

51 Pintura gótica

52 Pintura gótica

53 Pintura hispano-Flamenca s. XV
Naturalismo: rigor lineal de la forma y detallismo. Generalización de la pintura al óleo. Perspectiva geométrica‚ y plasmación de luces y sombras representación del espacio. JAIME HUGUET: Nació en Por influencia de Luis Dalmau y pinta al modo flamenco. Mezcla este estilo con el gusto italiano y se termina haciendo más decorativo con un predominio del dibujo. BARTOLOMÉ BERMEJO Se formó en Flandes. Tiene un gran conocimiento de la técnica del óleo. Su pintura tiene una gran influencia escultórica. Relaciona la figura con el ambiente que crea alrededor. Sus retratos son hiperrreales y sus paisajes naturalistas y detallistas. Iluminan sus cuadros con un foco único poderoso y distante, cuyos rayos paralelos inciden en ángulo de 45 grados.  Pintura gótica

54 Jaume Huguet. santos Abdón y Senén. Tarrasa
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55 Bartolomé Bermejo. Santo Domingo de Silos. Museo del Prado
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56 Fernando Gallego. Museo del Prado
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57 Fernando Gallego. Santa Catalina. Museo de Salamanca.
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