DEL DISCURSO CINEMATOGRÁFICO

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1 DEL DISCURSO CINEMATOGRÁFICO
1 LENGUAJE AUDIOVISUAL CONTEMPORÁNEO: EVOLUCIÓN Y CLAVES DEL DISCURSO CINEMATOGRÁFICO Grupo de Aplicación de Telecomunicaciones Visuales Departamento de Señales Sistemas y Radiocomunicaciones

2 Parte III. Divergencias y mutaciones históricas
2 Parte III. Divergencias y mutaciones históricas

3 De la Europa de entreguerras a la Nouvelle Vague
3 De la Europa de entreguerras a la Nouvelle Vague

4 Realismo poético francés
4 Realismo poético francés Contexto  Crisis años 30. Francia ocupada años 40 Influencia de expresionismo alemán y noir americano Lo impregna de una atmósfera lírica. Un estado de ánimo muy especial Lirismo surge de la realidad y no de su manipulación Punto de partida: melodrama Búsqueda belleza, fatalismo, ambientes lúgubres… Estilización de la realidad: halo irreal: importancia de los decorados Inspiración René Clair, integrado en el movimiento y, sobre todo, Jean Vigo Vigo: el Rimbaud del cine, solo 4 películas: L’Atalante (1933) Máximo exponente del realismo poético: Marcel Carné Colaboración con el poeta Jacques Prévert Actor fetiche: Jean Gabin Representantes del movimiento (además de Jean Vigo): Marcel Carné: El muelle de las brumas(38), La jour se leve (39), Les enfants du paradis (43) René Clair: Bajo los techos de París (30), Sucedió mañana (44) Jean Renoir: Budú salvado de las aguas (32), Toni (34), La gran ilusión (36) Julien Duvivir: Pepe le Moko (1937)

5 5 Jean Renoir Se identificó con el realismo poético, pero su influencia va mucho más allá. Camino independiente. Temas del siglo XIX, recoge tradición francesa. Ideología izquierdista (Frente Popular) Denuncia social Su intención no era contar una historia, sino retratar la vida, captar su esencia Naturalismo procedente de Zola. Retrato moral de la sociedad Padre de los movimientos europeos de vanguardia, neorrealismo italiano, Nouvelle Vague… Diferentes etapas, géneros, ambientes Todo tiene un toque personal Incursión en Hollywood; fracaso, pero obras importantes: Esta tierra es mía (43), Una mujer en la playa (46) Hitos de la historia del cine: La gran ilusión (36), La regla del juego(39), El río(50) Otras obras: La golfa (31), Toni (34), Una salida al campo (36), Los bajos fondos (36), La bestia humana (38), El crimen de Monsiur Lange (36), La carroza de oro (52), Elena y los hombres (56), El testamento del Dr Cordelier (59).

6 Realismo poético y Jean Renoir
6 Realismo poético y Jean Renoir Ejemplos de escenas. L'Atalante (Jean Vigo, 1934). Cine puramente poético Marcel Carné (Les enfants du paradis, 1945). Realismo poético Jean Renoir. La gran ilusión. Compañerismo, unión de los hombres Jean Renoir. Una jornada en el campo Renoir (Florey).mp4 Diferencia con escena columpio de Florey: Florey(Renoir).mp4 Influencias. Ejemplo: Apichatpong en Blissfully yours

7 Neorrealismo italiano
7 Neorrealismo italiano Movimiento más importante antes de la Nouvelle Vague Surge en Italia tras la II Guerra Mundial Fuerte compromiso social, profunda humanidad Rechazo a la falsedad de Hollywood, apariencia documental No vale entretener. Hay que enfrentar al público con su realidad Objetivo: provocar reflexión Filmación en ciudades, escenarios naturales, actores no profesionales El guionista Cesare Zavattini tuvo una importancia clave en la definición teórica. Obras básicas: Trilogía de Rossellini de la II Guerra Mundial: Roma, ciudad abierta (45), Paisá (46), Alemania, año 0 (48) Vittorio de Sica: Ladrón de bicicletas (48), Umberto D (51) Luchino Visconti: La terra trema (48) Primera etapa de Fellini: Los inútiles (51), La Strada (54) ¿Fueron traidores al movimiento Rossellini, Visconti o Fellini cuando su cine pasó a filmar a la burguesía? ¿Y Antonioni y la segunda etapa de Fellini?

8 Neorrealismo italiano
8 Neorrealismo italiano El problema de la definición del Neorrealismo italiano Teoría clásica (años 40): movimiento definido por sus temas Marcado por sus temas, compromiso social, realismo, humanismo… Teoría André Bazin (años 50): movimiento estético y formal Con el Neorrealismo ya no se representaba o reproducía lo real sino que «se apuntaba» a él. En vez de representar un real ya descifrado, el neorrealismo apuntaba a un real a descifrar, siempre ambiguo; de ahí que el plano-secuencia tendiera a reemplazar al montaje de representaciones. En ambas teorías, Neorrealismo ofrece un plus de realidad, formal o material. Teoría Gilles Deleuze (años 80): realidad “mental”, a nivel de pensamiento Consciencia de la realidad por parte del espectador Se rompe la causalidad del cine clásico de Hollywood Personaje transformado en espectador!! Lo importante es cómo los personajes asimilan e interpretan su realidad!!

9 Neorrealismo italiano
9 Neorrealismo italiano Cine de resistencia. Godard en Histoire(s) du cinema: Ejemplos clásico: Roma, ciudad abierta o Ladrón de bicicletas Ejemplo para explicar la teoría neorrealista de Deleuze ¿Qué quiere decir Zavattini cuando define el neorrealismo como un arte del encuentro, encuentros fragmentarios, efímeros, entrecortados, malogrados? Escena Pompeya Te querré siempre Escena joven criada de Umberto D

10 Roberto Rossellini Cineasta más influyente de la modernidad
10 Roberto Rossellini Cineasta más influyente de la modernidad Trilogía que inaugura el Neorrealismo: Roma, ciudad abierta (45), Paisá (46), Alemania año 0 (48) Época Ingrid Bergman (se fue de Hollywood por el impacto que le causó ver Roma, ciudad abierta. Stromboli (49), Francisco, juglar de Dios (50) (interludio sin I. Bergman), Europa 51 (51), La paura (54), Te querré siempre (Viaggio in Italia, 54) Innovación total del lenguaje Soledad, angustia ante el mundo contemporáneo, existencialismo, crisis moral, . El mundo en constante descubrimiento. Época didáctica: desengañado, solo quiere instruir Documentales TV Teorías clásicas clasifican su primera trilogía neorrealista, pero defienden que luego se aleja del movimiento. (Incluso cuestionan Alemania, año 0) Deleuze dice que su época de Ingrid Bergman perfecciona el Neorrealismo y lo lleva a su máxima expresión “Con Te querré siempre, todas las películas han envejecido 30 años de golpe”, dijo Jacques Rivette

11 Roberto Rossellini Ejemplos escenas. Análisis. Ecos y resonancias.
11 Roberto Rossellini Ejemplos escenas. Análisis. Ecos y resonancias. Te querré siempre -Un couple parfait y Copia certificada

12 12 Cine nórdico clásico Dos nombres fundamentales. La influencia del cine clásico nórdico se manifiesta casi íntegramente a través de ellos: Dinamarca: Carl Theodore Dreyer Suecia: Ingmar Bergman Semejanzas: metafísica. Importancia de la fe, de la existencia de Dios. Estilo muy personal de cada uno Dreyer empieza en el mudo. Otra obra importantes del mudo danés es Haxan (La brujería a través de los tiempos, 1922)

13 Carl Theodore Dreyer Estilo inimitable, metafísico, místico
13 Carl Theodore Dreyer Estilo inimitable, metafísico, místico Más allá del realismo o de la estilización Su carrera fue una evolución desde el mudo hacia la absoluta depuración La pasión de Juana de Arco (28) fue clave en el cine mudo por el uso expresivo del primer plano  1505 planos en 110 minutos (ASL=3,1) Solo rodó 4 películas sonoras: perfeccionismo y difícil financiación por la dificultad de sus obras y su mínimo impacto comercial Vampyr (31) Dies Irae (43) Sus dos últimas películas son sus grandes obras maestras, hitos de la historia del cine: Ordet (La palabra) (55) Gertrud (64)  83 planos en 116 minutos (ASL=82,4) Paul Schrader calificó su estilo, junto con el de Ozu y Bresson, como “estilo trascendental”

14 14 Ingmar Bergman Personalidad clave no solo del cine, sino de la cultura europea del siglo XX Bergman es más que un cineasta, un símbolo Durante mucho tiempo rechazado popularmente por hacer un cine difícil y de “arte y ensayo” Sin embargo, esa óptica ha cambiado. Su cine se ha vuelto más accesible con los años Carrera larguísima, caracterizada por diferentes etapas. Influencia del teatro de Ibsen y Strindberg Maestro del drama, del intimismo, de la definición de personajes femeninos, de la angustia existencial, del desgarro íntimo, de la magia, de la infancia, del cine, etc. Gran profundidad psicológica de los personajes y de los temas tratados Abrió algunas de las sendas inexploradas más importantes de la historia del cine. Poco a poco, algunas de ellas van siendo continuadas Combinó, según el propósito de cada película, un estilo más expresionista con estilo más realista o más postmoderno (metaficcional) Jugó con símbolos, pero no es lo más importante de su cine, aunque durante años se interpretara solo así su cine.

15 15 Ingmar Bergman Un verano con Mónica (52)  Primera obra de madurez, clave para Nouvelle V. Sonrisas de una noche de verano (55)  Farsa, comedia, sátira, obra maestra El séptimo sello (56)  La vida es una partida de ajedrez con la muerte. Mítica. Fresas salvajes (57)  Para algunos su obra maestra. Moral y sentido de la vida El rostro (58)  El mundo de la magia, lo oculto, y sus consecuencias íntimas El manantial de la doncella (59) Otra fábula medieval. Religión, mujer, injusticia La hora del lobo (61)  La película de terror más original y diferente de la historia Trilogía silencio de Dios: Como en un espejo (61), Los comulgantes (63), El silencio (63)  Ciclo sobre su crisis de fe, que lleva a la angustia existencial Persona (66) ¿Su gran obra maestra? Fundamental, aún enigmática, inquietante La vergüenza (68)  Visión apocalíptica de la guerra Pasión (69)  Relaciones de pareja, autoconsciencia del cine Gritos y susurros (72)  El dolor, el desgarro, la enfermedad Secretos de un matrimonio (73) Análisis fundamental sobre la pareja Fanny y Alexander (82)  Gran mosaico familiar. Infancia Infiel (Liv Ullman, 00)  Guión de Bergman, película autobiográfica Saraband (03)  Pensada para TV, se estrenó en salas. Su última obra maestra.

16 16 Dreyer y Bergman Dreyer. Evolución y depuración. La pasión de Juana de Arco: Fragmentos de La pasión de Juana de Arco y de Ordet Ordet: El séptimo sello. Simbología El silencio. Angustia existencial contemporánea Fresas salvajes (Bergman). Viaje mental a la infancia (principio y desde 5:13) Homenaje de Woody Allen (desde min 3) Secretos de un matrimonio

17 Bergman Ejemplo. Escena de Gritos y susurros
17 Bergman Ejemplo. Escena de Gritos y susurros “Película de cámara” Transmisión de angustia existencial a nivel emocional Uso enfático del color

18 18 Cine clásico español La historia del cine español sigue manteniendo el lastre del franquismo Un autor fundamental, gran maestro de la historia del cine, Luis Buñuel desarrolló casi toda su carrera fuera de España. Autores principales: Edgar Neville Gran retratista de Madrid y del casticismo hispano, artista total. Destacó en géneros como melodrama (La vida en un hilo, 45) o fantástico (La torre de los siete jorobados, 44) Juan Antonio Bardem  Tándem de Berlanga. Retrato social, hizo un gran retrato de la España rural profunda en Calle Mayor (56). Muerte de un ciclista (55) Luis García Berlanga  Comedia negra, sátira social, películas corales. Bienvenido Mr Marshall(53), Plácido(61), Calabuch(56), El verdugo(63). Tuvo muchos problemas con la censura, pero luego decadencia tras Franco. Fernando Fernán-Gómez Eclipsado por su faceta de actor, tiene algunas de los clásicos españoles más sorprendentes: El extraño viaje (64) y El mundo sigue (63) Val del Omar  Vanguardista, maldito. Tríptico elemental de España (55-61) J. A. Nieves Conde Cine social (Surcos, 51), policiaco (Los peces rojos, 55) Otros films clásicos: El cebo (L. Vajda, 58)

19 19 Luis Buñuel Empezó su carrera en España, se exilió a Francia, pasó a México (quizás su mejor etapa) y volvió a Europa (entre España y Francia) Sus películas se pueden dividir entre las surrealistas y las realistas (aunque todas suelen incluir algún elemento onírico) Características: Surrealismo, crítica social (a la burguesía), maestro en la descripción de obsesiones y corrupciones de la mente. Tenía la cultura española muy arraigada, y se deja notar en toda su obra. Muy influyente en autores actuales como Lynch, Cronenberg, etc. Filmografía básica: Entre España y Francia, surrealismo en El perro andaluz (29) y La edad de oro (30), documental con Las Hurdes (33), crudo y aún hoy polémico. Etapa mexicana: Los olvidados (50), crudo retrato de jóvenes de las clases más bajas; Él (52) y Ensayo de un crimen (55), retrato de los celos, la obsesión amorosa, el crimen; El ángel exterminador (62), surrealismo sofisticado; Simón del desierto (64), mediometraje bastante radical Vuelta a España con dos obras cumbre: Viridiana (61) y Tristana (70) Últimas, Francia: Belle de jour (67) El discreto encanto de la burguesía (72)

20 Luis Buñuel Ejemplos escenas. Análisis. Ecos y resonancias
20 Luis Buñuel Ejemplos escenas. Análisis. Ecos y resonancias Escena Viridiana: Simbología religiosa, transgresión Escena Él: Ojo Un perro andaluz: Influencias: Lynch, Cronenberg, etc Ej: Trailer Eraserhead (Lynch):

21 Centroeuropa y Max Ophüls
21 Centroeuropa y Max Ophüls Max Ophüls procede de la gran tradición cultural europea del Círculo de Viena: filosofía (Freud), literatura (Zweig y Schnitzler) etc. Es el gran estilista de la historia del cine. Estilo muy barroco. Nadie ha movido la cámara como él Maestro del melodrama y de la comedia sutil Se mueve en las clases altas y en un mundo anacrónico, del siglo XIX: Militares, aristócratas, bohemios… Valores del pasado, honor, duelos… Primera etapa europea Aprendizaje y asentamiento de temas y estilo. Múltiples obras muy interesantes y una obra maestra: Liebelei (Amoríos) (1932) Etapa en Hollywood Estilo más moderado. Adecuación a los géneros. Obra maestra del cine romántico, Carta de una desconocida (48) y dos buenas películas de cine negro, Atrapados (49) y Almas desnudas (49) Etapa final francesa Culminación de su estilo. Barroquismo total. 4 obras maestras: La ronda (50), El placer (52), Madame de… (53) y Lola Montes (55)

22 Centroeuropa y Max Ophüls
22 Centroeuropa y Max Ophüls Ejemplos estilo de Ophüls: Sobre Le plaisir: El cine como artificio. Autoconsciencia del espectador Belleza, goce estético Ironía

23 Francia. Pre-Nouvelle Vague
23 Francia. Pre-Nouvelle Vague Estancamiento realismo poético  Cine de qualité contra el que arremetió la NV Aun así, autores importantes: René Clement: Juegos prohibidos (51) y A pleno sol (60) H. G. Clouzot. El Hitchcock francés, hoy revalorizado. Tiene dos obras que hoy son clásicos absolutos: El salario del miedo (55) y Las diabólicas (53) Al margen de Jean Renoir, fueron admirados por la Nouvelle Vague: Jacques Becker Cine social, de ambientes y personajes. Su estilo se fue depurando con el tiempo París, bajos fondos (Casque d’Or, 52) Cine social sin maniqueismos Montparnasse 19 (57)  Biografía Modigliani, gran retrato parisino de época La evasión (59)  Fuga prisión. Humanismo. Máx depuración y minuciosidad Jean Pierre Melville: inventó el polar, noir francés Gran retrato de ambientes y personajes. Interés en el fondo de los temas. La historia y la verosimilitud de la trama son lo de menos, pero de una forma opuesta a Hitchcock Bob el jugador (56), El confidente (62), El silencio de un hombre (67), El ejército de las sombras (69), Círculo rojo (70), Crónica negra (72) Robert Bresson: caso único en la historia del cine. Fuera de época y tendencias

24 Robert Bresson 24 ¿Es Bresson influyente?
Su estilo es inimitable; todo intento de seguir sus huellas está condenado al fracaso. Sin embargo, algunas características de su cine se han convertido en claves del cine contemporáneo más vanguardista. Máxima depuración. Nada superfluo. Ninguna retórica Nunca actores profesionales, nunca ACTORES, solo MODELOS Bresson inventó el “cinematógrafo”, su estilo. El resto del cine es teatral Temas: crisis de fe, pesimismo, decadencia, apocalipsis del mundo… Estilo trascendental junto a Dreyer y Ozu (Paul Schrader) Sus dos primeras películas son “normales” (Les anges du peche, 1943 y Las damas del bosque de Bolonia, 44) Absorción de sus teorías: Diario de un cura rural (50), Un condenado a muerte se ha escapado (56), Pickpocket (59), El proceso de Juana de Arco (62), Al azar de Baltazhar (66), Mouchette (67), Una mujer dulce (69), Cuatro noches de un soñador (71), Lancelot du Lac (74), El diablo, probablemente (77), El dinero (83) Ej: Escena coches de choque Mouchette: Pickpocket: Un condenado a muerte se ha escapado: Kaurismaki (La chica de la fábrica de cerillas):

25 Robert Bresson Notas sobre el cinematógrafo 25
"Escarba en el mismo lugar. No te escurras fuera. Doble, triple fondo de las cosas." "Asegúrate de haber agotado todo lo que se comunica por medio de la inmovilidad y el silencio." "Tu imaginación apuntará menos a los acontecimientos que a los sentimientos, queriendo siempre que éstos sean lo más documentales posible." "Filmación. Colocarse en un estado de ignorancia y de curiosidad intensas, y no obstante ver las cosas antes." "Lo que ocurre en las junturas. Las grandes batallas, decía el general M. . ., se libran casi siempre en los puntos de intersección de los mapas de estado mayor." "Cuando un solo violín basta, no emplear dos." "Un conjunto de buenas imágenes puede ser detestable." "Nada de música de acompañamiento, de sostén o de refuerzo. Absolutamente nada de música." "Es preciso que los ruidos se conviertan en música.“ "Que los sentimientos causen los acontecimientos. No a la inversa." "La facultad de aprovechar bien mis recursos disminuye cuando su número aumenta." “Traducir el viento invisible mediante el agua que esculpe a su paso.“ "Dos simplicidades. La mala: simplicidad-punto de partida, buscada demasiado pronto. La buena: simplicidad-resultado, recompensa por años de esfuerzo." "Un sonido nunca debe acudir en auxilio de una imagen, ni una imagen en auxilio del sonido (...) La imagen y el sonido no tienen que prestarse ayuda, sino que han de trabajar cada uno a su vez por una suerte de relevo." "Es necesario que tu película despegue. La hinchazón y lo pintoresco le impiden levantar el vuelo." "Llamarás bella a la película que te dé una idea elevada del cinematógrafo."

26 26 Cine clásico oriental

27 27 Cine clásico japonés Japón tiene una de las cinematografías más sólidas e importantes de la historia. El cine mudo se alargó hasta mitad de los años 30 Películas de época (feudal) y contemporáneas (vida familiar, melodramas...) Cine de consumo interno hasta la década de los 50 Se perdieron muchas películas en los bombardeos de la II GM Occidente descubre Japón en los festivales de cine: 1950: Rashomon (A. Kurosawa) Se descubre a los grandes maestros: Kurosawa: más occidentalizado, mayor éxito en Europa y EEUU Ozu y Mizoguchi, más orientalizados. Claves en la historia del cine Se redescubre tardíamente a Naruse y otros directores Otros: Kobayashi: La condición humana (61), Harakiri (62), Kwaidan (64) DVD e Internet: explosión divulgativa de los clásicos japoneses 1960 supone una ruptura Clásicos como Ozu, Mizoguchi y Naruse ruedan sus últimas películas Surge la transgresora Nueva ola japonesa rompiendo con todo lo anterior

28 Yasujiro Ozu “Estilo trascendental” (Paul Schrader)
28 Yasujiro Ozu “Estilo trascendental” (Paul Schrader) Empezó en el mudo, su última película es de 1962 Sus películas son pequeñas variaciones acerca de los mismos temas. Relaciones familiares (padres e hijos especialmente), la occidentalización de los valores tradicionales japoneses, el paso del tiempo Combinatoria fascinante por su riqueza de matices Absoluta coherencia estilística y temática (especialmente de 1949 a 1962) Trabajo con el mismo equipo (técnico y artístico) Creación de los ‘Pillow shots’ Armonía absoluta en las composiciones (encuadres) El espacio y el tiempo son la base de su cine Descubrimiento tardío pero uso ejemplar del color Influencia de la filosofía zen Largos planos fijos y cámara a la altura de un hombre sentado Se le consideraba el más oriental de los cineastas japoneses En Japón se pensara que su cine no era exportable: no se entendería fuera del país Sorprende: muchos no cinéfilos aman el cine de Ozu, a diferencia de Bresson, p.e.

29 29 Yasujiro Ozu Deleuze potenció en sus investigaciones la importancia histórica de Ozu Materialidad del tiempo: opsignos y sonsignos  ruptura histórica Modernidad de la idea de director como demiurgo (posición de la cámara) Planitud y profundidad de campo: reencuadres aprovechan arquitectura japonesa Tiempos muertos. Fusión de lo trivial y lo extraordinario Por ej: la muerte no es algo extraordinario y se trata estilísticamente como tal. Pertenece al ciclo natural de la vida. Hay un tiempo para la vida y otro para la muerte, para los padres y para los hijos. El conflicto surge de trastornar estos tiempos. Espacios vacíos y espacios desconectados Filmografía básica: He nacido pero… (32), El hijo único (36), Hermanos y hermanas de la familia Toda (41), Había un padre (42), Primavera tardía (49), Las hermanas Munekata (50), Verano temprano (51), Cuentos de Tokio (53), Primavera temprana (56), El color del crepúsculo en Tokio (57), Flores de equinoccio (58), La hierba errante (59), Buenos días (59), Otoño tardío (60), El final del verano (61), El sabor del sake (62)

30 Yasujiro Ozu Ejemplos escenas. Estilo trascendental de Ozu
30 Yasujiro Ozu Ejemplos escenas. Estilo trascendental de Ozu Cuentos de Tokio Pillow shots: Ejemplo: uso trascendental del color en Otoño tardío

31 31 Kenji Mizoguchi El director japonés más importante de la historia junto con Ozu Gran compromiso entre ética y estética Gran crítica social. Especial preocupación por la situación de la mujer Caracterizado por largos planos secuencia, considerados de los más brillantes de la historia Combina películas situadas en la época feudal con dramas contemporáneos Es uno de los grandes maestros mundiales del melodrama y uno de los directores que mejor han retratado personajes femeninos. Rivette lo consideraba como prototipo de cineasta ético, por absoluto respecto con que sus ‘formas’ abordan cada situación. Su carrera se extiende desde el cine mudo hasta 1956 Filmografía básica: Historia del último crisantemo (39), Utamaro y sus cinco mujeres (46), La señorita Oyu (51), Vida de Oharu, mujer galante (52), Los músicos de Gion (53), Cuentos de la luna pálida de agosto (53), El intendente Shansho (54), Los amantes crucificados (54), La emperatriz Yang Kwei-Fei (55), La calle de la vergüenza (56)

32 Kenji Mizoguchi Ejemplos. Ugetsu;
32 Kenji Mizoguchi Ejemplos. Ugetsu; El intendente Sansho (desde 00:50)

33 33 Akira Kurosawa El más occidentalizado y el más conocido de los directores japoneses Abrió el cine japonés a occidente en 1950 con Rashomon. Adaptaciones de escritores clásicos europeos: Shakespeare, Dostoievski, Gorki. Suyas son las mejores adaptaciones de Shakespeare que ha dado el cine Famosas sus películas de samuráis de la época feudal Pero casi la mitad de su filmografía se sitúa en el Japón contemporáneo Caracterizado por el cine de aventuras y acción Y algunas cintas de cine negro influidas por el noir americano No obstante, también tiene algún drama intimista de gran calidad. Su cine tiene una gran fuerza visual y un gran cuidado de la estética Apadrinado por Scorsese, Coppola, Lucas, sobre los que tuvo gran influencia Filmografía básica: Películas feudales: Rashomon (50), Los siete samuráis (54), Trono de sangre (57), Yojimbo (61), Sanjuro (62), La fortaleza escondida (58), Ran (84). Películas contemporáneas: Duelo silencioso (49), El ángel ebrio (48), El perro rabioso (49), El idiota (51), Ikiru (52), Los canallas duermen en paz (60), El infierno del odio (63), Barbarroja (65), Dersu Uzala (75)

34 Akira Kurosawa Ejemplos escenas Rashomon:
34 Akira Kurosawa Ejemplos escenas Rashomon: La fortaleza escondida Vivir (Ikiru)

35 35 Mikio Naruse Descubierto recientemente en occidente, con la edición de su obra en DVD y el boom de Internet. Los temas tratados son similares a los del cine de Ozu Relaciones familiares Más crítica social que Ozu, más punzante Menos rigor formal pero también gran cuidado estético Estilo invisible Películas contemporáneas que tratan diversos temas Preocupado por la situación de la mujer Poética del detalle Filmografía básica: La voz de la montaña (54), Madre (52), Cuando una mujer sube las escaleras (60), Nubes flotantes (55), A woman’s life (63), Midareru (64), El extraño dentro de una mujer (66), Hit and run (66), Nubes dispersas (67) Ejemplo:

36 Cine indio. Satyajit Ray
36 Cine indio. Satyajit Ray Más allá de Bollywood, dos nombres importantes en el cine indio: Ritwik Ghatak. Lírico y muy personal autor indio de los años 50. Principal obra: The cloud capped star (60). Satyajit Ray. Gran embajador del cine indio. Satyajit Ray: Estilo lírico, preocupado por las clases bajas de la India Sencillez formal, encuentra la poesía en la sencillez. Humanista, experto en retratar pasiones humanas básicas y relaciones familiares Alguna de sus películas también trata el colonialismo Obra bastante prolija, desde 1955 hasta 1991. Es conocido en occidente fundamentalmente por la Trilogía de Apu Filmografía básica: Trilogía de Apu, formada por La canción del camino (55), Aparajito (57) y El mundo de Apu (59), El salón de música (58), La gran ciudad (63), Charulata (64), Un trueno lejano (73), Los jugadores de ajedrez (77).

37 Satyajit Ray Ejemplos escenas. Análisis. Ecos y resonancias
37 Satyajit Ray Ejemplos escenas. Análisis. Ecos y resonancias Pather Panchali

38 38 Nouvelle Vague

39 Nouvelle Vague: sociedad
39 Nouvelle Vague: sociedad Años 60  “La década prodigiosa” Hobsbawm amplía: Años de esperanza y fe en el cambio  una nueva sociedad Más cambio cultural, social, moral y de mentalidad que político Generación baby boom (nacidos en torno a 1947) se rebela Sexo  Popularización anticonceptivos Drogas Popularización LSD y otras sustancias Rock and roll  Beatles, Rolling Stones Feminismo Popularización píldora, leyes del aborto  mujer dueña de su cuerpo Moda  Mary Quant - minifalda Nueva actitud: Generación beat, Henry Miller… Contracultura. Pop-art On the road publicada en 1957 Hockney, Warhol, la Factory Black power, guerra de Vietnam… Eclosión en las revueltas estudiantiles del 68, Woodstock 69… Fuerte base filosófica y política: Marcuse, Althusser, Sartre y Simone de B.

40 Nouvelle Vague: origen
40 Nouvelle Vague: origen Más que un Movimiento. Nueva forma de ver y vivir el cine Surge de la primera generación cinéfila. CINEFILIA Cinemateca francesa Cine clubs Publicaciones: Cahiers du Cinema, Positif Nouvelle Vague surge de los críticos que escriben en Cahiers du Cinema en la década de los 50 Los denominados “jóvenes turcos” dan el salto a la dirección: Núcleo central de cinco miembros: Jean-Luc Godard, François Truffaut, Eric Rohmer, Jacques Rivette y Claude Chabrol. Son apadrinados por el crítico de Cahiers André Bazin Autor del fundamental libro “¿Qué es el cine?” Henri Langlois, director de la Cinemateca, tiene una influencia esencial Alexandre Astruc, artículo, define “la cámara estilográfica” (1948) El Movimiento eclosiona en 1959 con dos películas clave: Los cuatrocientos golpes (1959, François Truffaut) Al final de la escapada (1960, Jean Luc Godard) Los demás miembros también ruedan sus primeras películas

41 Nouvelle Vague: filosofía
41 Nouvelle Vague: filosofía Para los “cahiers” escribir sobre cine y dirigir películas era lo mismo: pensar el cine. Solo había una diferencia cuantitativa. Godard: “Me considero un ensayista, hago ensayos en forma novelas o novelas en forma de ensayos: simplemente, los filmo en vez escribirlos” Contra el cine de qualité que se hacía en Francia Artículo “Una cierta tendencia del cine francés”, de Truffaut Importaban los guionistas: era un cine muy literario y los directores eran herramientas eficaces de la industria. No había elemento artístico. Cine burgués y artificioso Godard: “No podemos perdonaros por no haber filmado nunca las chicas como nos gustan, por no haber filmado los chicos como los vemos cada día, los padres como los despreciamos o los admiramos, los niños como nos sorprenden o nos dejan indiferentes. En definitiva, las cosas tal y como son” Política de autores y puesta en escena Concepto de autor: director-artista-creador. Diferencia con los “artesanos” Puesta en escena según Bazin: “una organización de los seres y de las cosas que constituye en sí misma su sentido, y me refiero tanto al moral como al estético” Revalorización de autores de Hollywood hasta entonces despreciados por críticos

42 Nouvelle Vague: referentes
42 Nouvelle Vague: referentes Hithcock “El guión, para mí, es casi secundario. Hago el film antes de conocer la historia, y se me aparece como una forma, una impresión de conjunto. Sólo después busco el guión y lo ajusto a lo que tengo en la cabeza” Un verano con Mónica, de Bergman. La mirada de Harriet Andersson rompía 3 tabúes del cine: Puesta en escena  mirar a cámara Posición del espectador  particinar, no solo identificarse Moralidad  no juzgar a los personajes, desafío al espectador moralista Crítica de Godard en Cahiers: En efecto, Ingmar Bergman es el cineasta del instante. Todos sus films surgen de una reflexión de los personajes sobre el instante presente, reflexión profundizada por una especie de descuartizamiento de la duración, un poco a la manera de Proust, pero con mucha mayor fuerza, como si se multiplicara a Proust por Joyce y Rousseau, y se convierte finalmente en una gigantesca y desmesurada meditación a partir de lo instantáneo. Un film de Ingmar Bergman es, si se quiere, un veinticuatroavo de segundo que se transforma y prolonga durante hora y media. Es el mundo en el espacio que medía entre dos parpadeos, la tristeza entre dos latidos de corazón, la alegría de vivir entre dos aplausos.

43 Nouvelle Vague: generalidades
43 Nouvelle Vague: generalidades Ética y estética Sólida base intelectual: literaria, filosófica, artística, etc Referentes influyentes: Renoir, Hitchcock y Rossellini Concepto de AUTOR Cineastas admirados: Franceses: Bresson, Melville, Jacques Becker Otros: Hawks, Lang, N. Ray, Mizoguchi, Bergman, Ophüls, Murnau… Posibilidad del salto de los críticos de Cahiers a la dirección: Películas 3 veces más baratas Novedades tecnológicas: cámaras ligeras, magnetófonos (posible sonido directo) Subvenciones estatales Atracción del público joven Autoconsciencia fílmica  referencia y cita. Godard era el cerebro y Truffaut el corazón de la Nouvelle Vague Núcleo central: Godard, Truffaut, Rohmer, Rivette y Chabrol Rive Gauche: Resnais, Varda, Demy, Marker, Duras, Robbe-Grillet Otros afines: Louis Malle LA NOUVELLE VAGUE SUPONE EL NACIMIENTO DEL CINE MODERNO

44 Nouvelle Vague: rupturas del clasicismo
44 Nouvelle Vague: rupturas del clasicismo Ruptura de los flujos narrativos Estilización, asincronía, interpelaciones diversas Inscripción en el significante de los mecanismos discursivos Fragmentación y multiplicación de los relatos Intra e intertextualidad, ausencia de clausura narrativa, polisemia Participación del espectador en la elaboración interpretativa Desvelamiento de los procesos de ficcionalización Francisco Javier Gómez Tarín (Guía para ver y analizar Al final de la escapada. Valencia y Barcelona, Nau Llibres y Ediciones Octaedro, 2006, pp )

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46 46 Jean Luc Godard (I) El cerebro de la Nouvelle Vague, su principal teórico El cineasta más importante de la modernidad 1ª etapa clave en la historia del cine. Luego más marginal, pero sigue revolucionario Sigue siendo un adelantado a su tiempo. Poco a poco se va descubriendo Muy polémico, discutido, pero rupturista: su importancia ya asumida por todos Tiene grandes fans y grandes detractores Sus contradicciones lo han alimentado, aunque la base siempre ha sido coherente Gran amigo de Truffaut, pero acabaron muy reñidos por ideas sobre el cine Mucho más que un cineasta, es uno de los grandes pensadores del siglo XX Se le considera un artista total Su militancia política de izquierdas es clave en su obra Gran importancia en mayo del 68 Hoy día mantiene firme sus posturas éticas, políticas y artísticas Se distinguen varias etapas en su carrera: Etapa Nouvelle Vague ( ) Etapa política (maoísta), Grupo Dziga Vertov (1968-mitad de los 70) Vuelta a la autoría (mitad de los 70-finales de los 80) Etapa vídeo y digital (finales de los 80-actualidad)

47 47 Jean Luc Godard (II) "Para amar a Godard no basta con amar el cine. Es necesario osar pensarse a uno mismo como cineasta". J.L. Douin. Las películas de Godard tratan de ideas, en el sentido mejor, más puro y sofisticado, en que una obra de arte puede tratar «de ideas». Susan Sontag Godard es el Picasso del cine Gusto por las citas, la intertextualidad , el collage visual, la improvisación. Godard jugó con la subversión de los géneros de Hollywood en su primera etapa Y de los arquetipos, pero a su vez creó nuevos iconos Su cine, especialmente en la última etapa, tiene una gran densidad conceptual, filosófica, política, etc. Frases célebres y representativas de Godard: “El travelling es una cuestión de moral” “Solo hacen falta dos cosas para hacer una película: una chica y una pistola” “El cine no es una imagen después de otra, sino que es una imagen más otra que forma una tercera, y esta tercera la forma el espectador” “La fotografía es verdad. Y el cine es verdad 24 veces por segundo” (El soldadito) “La regla desea la muerte de la excepción” (Yo te saludo Sarajevo)

48 Jean Luc Godard: filmografía básica
48 Jean Luc Godard: filmografía básica Al final de la escapada (60)  Nace la modernidad. Clave de los nuevos cines Una mujer es una mujer (61)  Deconstrucción de los géneros. Musical. Anna Karina Vivir su vida (62)  Cine más austero, en la línea de Dreyer y Bresson El desprecio (63) Su película más “industrial” El soldadito (63)  Sobre la guerra de Argelia, prohibida en su época Banda aparte (64)  De las más populares, comedia muy homenajeada Una mujer casada (64)  Díptico con Vivir su vida Pierrot el loco (65)  De las más características, llena de citas, juegos Alphaville (65)  Su película más narrativa, ciencia ficción Masculin, féminin (66) Entre la sociología, la militancia y la experimentación Week-end (67)  El Godard más buñueliano y socarrón La chinoise (67)  Godard se pasa al cine militante Películas Grupo Dziga Vertov: Pravda, British Sounds, Viento del este… (68-76) Pasión (82)  Vuelta a un cine más convencional, pero formalmente radical Yo te saludo María (84) Histoire(s) du cinema (84-94)  La cumbre del ensayo fílmico y el pensamiento de imágenes Elogio del amor (01)  Última etapa, fusión de narración y ensayo fílmico Nuestra música (04)  Misma línea, Godard filósofo Film Socialisme (10)  La más lúcida reflexión sobre la naturaleza y el futuro de Europa

49 Jean Luc Godard Etapa Nouvelle Vague (59-67) Etapa política (68-76)
49 Jean Luc Godard Etapa Nouvelle Vague (59-67) Al final de la escapada: El soldadito: Vivir su vida: Banda aparte: El desprecio: Lemepris.mp4 y banda_aparte.mp4; La chinoise inicia el cambio Etapa convertida en icono pop (música, publicidad, etc) Anuncios: Música: Cine: Etapa política (68-76) Pravda: Etapa vídeo y digital (77-actualidad) Yo te saludo Sarajevo: Elogio del amor: $

50 François Truffaut El corazón de la Nouvelle Vague.
50 François Truffaut El corazón de la Nouvelle Vague. Era el más apasionado, como crítico y como cineasta Godard le criticó que se fue acercando al cine de qualité que ambos criticaban Su primera época es muy fiel, pero “se va acomodando” a partir de 1964 Sin embargo, siempre fue un autor indiscutible, con las mismas preocupaciones Uno de los grandes retratistas de la infancia Enfocado al retrato de la pasión amorosa en todas sus vertiente Sus dos grandes pasiones: el cine y las mujeres. La tercera, la literatura. Su cine siempre permaneció al nivel del público, no se intelectualizó A diferencia de Godard, nunca fue elitista intelectualmente. Muerte prematura, por lo que su carrera es breve, pero de importancia capital. Su objetivo era filmar la vida Gran exponente su ciclo de películas de Antoine Doinel Filmografía básica: Los cuatrocientos golpes (59), Tirad sobre el pianista (60), Jules y Jim (61), La piel suave (64), Fahrenheit 451 (66), Besos robados (68), La sirena del Mississippi (69), El pequeño salvaje (69), Las dos inglesas y el amor (71), La noche americana(73), La piel dura(76), El último metro(80), La mujer de al lado(81), Vivamente el domingo(83)

51 François Truffaut Ejemplos escenas
51 François Truffaut Ejemplos escenas Los 400 golpes: Gran influencia, ejemplo: homenaje Tsai Ming Liang: Besos robados: Jules et Jim: La noche americana:

52 52 Eric Rohmer Tras el fracaso de El signo de Leo (59) fue quien más tardó en despuntar Estilo muy personal y profundamente teórico, basado en instancias de lo real Sin embargo, sus películas pueden resultar muy accesibles!! Gusto por el diálogo, sus personajes hablan sin parar  RASGO CARACTERÍSTICO Naturalismo en los medios empleados Por ejemplo, nada de música extra diegética. Puesta en escena cartesiana, gran dominio del espacio fílmico Sus películas presentan mínimas variaciones en torno a los mismos temas Relaciones amorosas, juventud, naturaleza/ciudad… Su ciclo de películas históricas parece muy distinto (justificado teóricamente) Organiza la mayor parte de su filmografía en ciclos temáticos 6 Cuentos morales: La coleccionista (66), Mi noche con Maud (69), La rodilla de Clara (71), El amor después del mediodía (72) 6 Comedias y proverbios: La mujer del aviador (80), La buena boda (81), Pauline en la playa (82), Las noches de la luna llena (84), El rayo verde (86), 4 Cuentos de las cuatro estaciones Cuento de primavera (90), Cuento de invierno (92), Cuento de verano (96), Cuento de otoño (98), Ciclo histórico: Las marquesa de O (76), La inglesa y el duque (01)

53 53 Eric Rohmer Injusta frase de Arthur Penn en La noche se mueve, que ha hecho mucho daño a la fama de Rohmer: “Ver una película de Rohmer es como ver crecer la hierba”, o la versión original: “Ver una película de Rohmer es como ver una pintura secarse” “El empleo sistemático del plano fijo por parte de algunos realizadores como Orson Welles, Wyler o Hitchcock nos recuerda desde hace algún tiempo que el cine no se reduce a la mera técnica del cambio de plano y que, incluso hoy, el valor expresivo de las relaciones de tamaño o del desplazamiento de líneas en la superficie de la pantalla puede ser objeto de una atención rigurosa” Eric Rohmer: Cuentos morales: Mi noche con Maud: Comedias y proverbios: El rayo verde: Construir ficción sobre instancias de lo real (y no al revés, como en el MRI) Cuentos de las cuatro estaciones: Cuento de verano: Ciclo histórico

54 54 Jacques Rivette El más oculto de los cinco miembros del núcleo central de la NV El más respetado en la época como crítico Mítico artículo sobre la abyección en el travelling de Kapo Tradicionalmente su cine se ha considerado difícil y ha sido eclipsado por Godard, Truffaut, Rohmer o incluso Chabrol Su cine es muy teórico e intelectual, pero en un sentido distinto a Godard Extremadamente formalista El espacio, el tiempo, los cuerpos en movimiento… Gusto por el juego, la conspiración, el arte como divertimento, el teatro, los grupos de mujeres… Películas de larga (incluso larguísima) duración Juego y subversión de los géneros tradicionales Filmografía básica: París nos pertenece (60), El amor fou (68), Out 1: spectre (73), Celine y Julie van en barco (74), Le pont du nord (81), El amor por tierra (85), La banda de las cuatro (88), La bella mentirosa (91), Alto, bajo, frágil (95), Confidencial (97), Vete a saber (01), La historia de Marie y Julien (04), 36 vues du Pic Saint Loup (09)

55 55 Jacques Rivette Crítica: Obsérvese sin embargo en Kapo el plano en el que Riva se suicida abalanzándose sobre la alambrada eléctrica. Aquel que decide, en ese momento, hacer un travelling de aproximación para reencuadrar el cadáver en contrapicado, poniendo cuidado de inscribir exactamente la mano alzada en un ángulo de su encuadre final, ese individuo sólo merece el más profundo desprecio Travelling de Kapo: Celine y Julie van en barco: La banda de las cuatro: La bella mentirosa:

56 Claude Chabrol El más irregular de los 5 miembros
56 Claude Chabrol El más irregular de los 5 miembros También el más prolífico Experto en la disección de la burguesía y de la perversidad También trata temas como la política, la farsa o la lucha de clases Muy influenciado por Hitchcock Especializado en películas de intriga/suspense Excepto sus primeras obras Se consideran habitualmente dos épocas de esplendor: Finales de los 60 y mitad de los 90 Sin embargo, también hay grandes películas dispersas Gran dominio del medio, pero tiene algunas películas rutinarias, serie B. Filmografía básica: El bello Sergio (59), Los primos (59), Les bonnes femmes (60), L’oeil du mail (62), La mujer infiel (68), El carnicero (69), Accidente sin huella (69), La ruptura (70), Al anochecer (71), Violette Noziere (77), Un asunto de mujeres (88), El infierno (94), La ceremonia (95), En el corazón de la mentira (99), Gracias por el chocolate (01), Una chica cortada en dos (07)

57 Claude Chabrol 1ª etapa de esplendor: El carnicero:
57 Claude Chabrol 1ª etapa de esplendor: El carnicero: 2ª gran etapa: Gracias por el chocolate:

58 Cinema verité y Rieve Gauche
58 Cinema verité y Rieve Gauche Por la vertiente más documental y etnográfica surgió el cinema verité. Jean Rouch y Edgar Morin (Chronique d’un eté, 60; Yo, un negro, 58…) Otro grupo de cineastas compartieron preceptos de la Nouvelle Vague sin pertenecer estrictamente al grupo (no venían de Cahiers du cinema): Resnais, Marker, Vardá Se les conoce como la Rive Gauche Alain Resnais es el más popular, comenzó unos años antes Jacques Demy destacó en los musicales, con su tratamiento especial del color y los ritmos: Los paraguas de Cherburgo (64) y Las señoritas de Rochefort (67) Agnés Vardá es la dama de la Nouvelle Vague Casada con Demy, su obra se caracteriza por su feminismo, vitalidad, frescura de la Nouvelle Vague, ironía, e innovación en el género documental Un subgrupo de ellos procede de la Noveau Roman Escritores que empezaron como guionistas de Resnais y después pasaron a dirigir: Marguerite Duras y Alain Robbe Grillet Innovación absoluta del tiempo: se disuelve pasado, presente y futuro

59 59 Alain Resnais Precedió a la Nouvelle Vague, quienes lo consideraban un maestro Noche y niebla (55) era el modelo de documental a seguir Pero sus películas se adscribieron totalmente a la nueva ola Eclosionó con la Nouvelle Vague, en colaboración con los escritores de la N. Roman: Marguerite Duras fue guionista de Hiroshima mon amour (59), película que marcó nueva relación entre cine, literatura y poesía y un especial tratamiento de la memoria. Robbe-Grillet fue guionista de El año pasado en Marienbad (61), que supuso un hito por su tratamiento del tiempo. Hoy sigue siendo un film inquietante lleno de claves por descubrir. Una nueva forma de cripticismo que inspiró a D. Lynch, entre otros. Después su cine dejó de ser tan arriesgado pero siguió investigando el tratamiento del tiempo, la memoria y la historia a través del montaje Con los años, se ha rodeado de un equipo estable de actores y técnicos y nunca ha dejado de innovar. Otras películas: Muriel (63), Providence (77), Mi tío de América (80), El amor ha muerto (84), Smoking/No smoking (93), Asuntos privados en lugares públicos (06), Les herbes folles (09)

60 Alain Resnais El año pasado en Marienbad:
60 Alain Resnais El año pasado en Marienbad: Hiroshima mon amour Las malas hierbas

61 Chris Marker Padre del cine-ensayo, luego seguido también por Godard
61 Chris Marker Padre del cine-ensayo, luego seguido también por Godard Documental subjetivo Sans soleil (83), quizás su obra maestra Su consagración fue con un corto de ficción (su única ficción): fotonovela La jetee (62) Preocupación por el sentido del tiempo, como Resnais Siempre comprometido políticamente El fondo del aire es rojo (1977) Semillas de diciembre (2010) Crisis griega Siempre atento a las innovaciones tecnológicas Anticipó la tecnología, fue el primero en usar interactividad, Internet… Nivel cinco (1997) Tecnología + compromiso político: 2084 (1984): Documentales sobre cine y personalidades olvidadas: A.K. (85), Un día en la vida de Andrei Arsenevitch (2000), Recuerdos del Porvenir (2001)

62 Generación post-Nouvelle Vague
62 Generación post-Nouvelle Vague Asimiladas todas las innovaciones y la filosofía de la Nouvelle Vague. Desencanto  Mayo del 68 Fuerte componente autobiográfico Cine audaz, desesperado, pasional, pero también intelectual y formalista Escisión  Cineastas populares y cineastas alternativos Populares: Bertrand Tavernier, André Techiné, Claude Sautet Sautet hizo sus dos obras maestras al final de su carrera: Un corazón en invierno (92) y Nelly y el señor Arnaud (96) Alternativos: Jean Eustache, Philippe Garrel, Chantal Akerman, J. Doillon (La mujer que llora, 1979; La chica de quince años, 1988) Maurice Pialat se considera el cineasta bisagra, capaz de unir lo popular con un riguroso cine de autor Nosotros no envejeceremos juntos (72), A nuestros amores (83), Police (85), Bajo el sol de Satán (87), Van Gogh (91) Esta nueva generación convive con los pesos pesados de la Nouvelle Vague y crecen a su sombra, ocultos en el caso de los alternativos

63 63 Jean Eustache El emblema de la generación, “hijo adoptivo” de los cahiers Su temprana muerte lo convirtió en un mito  filmografía muy corta Hizo innovaciones decisivas en el documental (Número cero, 71) Tiene películas muy personales, arriesgadas y poco conocidas, como Mes petites amoreuses (74) o Une sale histoire (77), su última obra Pero su fama y relevancia en la historia del cine se debe a una sola película: La mamá y la puta (1973) Audaz, desesperada, pasional, personalísima, arriesgada, de casi 4 h de duración Refleja el desencanto de la generación de jóvenes que vivió el mayo del 68 El protagonista (Jean Pierre Leaud) se suele ver como un reflejo de su autor Cine muy dialogado Personajes límite, desengañados de la sociedad y de su tiempo  nihilistas Muestra las afecciones del amor, la dificultad de la vida en pareja y los problemas de integración en la sociedad Se suele considerar esta película como el acta de defunción de la Nouvelle Vague El fin de la ilusión y de la esperanza. A partir de aquí, cada autor tomará su propio camino

64 64 Jean Eustache La ecuación cine=vida alcanza su máxima expresión con Jean Eustache De los pocos autores malditos de la historia del cine Culmina, siguiendo a la Nouvelle Vague, una línea clave en el cine contemporáneo La mamá y la puta: Mes petites amoureuses:

65 Philippe Garrel Considerado sucesor de Jean Eustache
65 Philippe Garrel Considerado sucesor de Jean Eustache Comenzó con películas radicalmente experimentales, underground (con Nico): La cicatriz interior (72), Le revelateur (68), La lit de la vierge (69) Su vida ha influido decisivamente en su obra: Drogas, pareja de Nico, muerte de ésta… A partir de 1982, con L’enfant secret, su cine se hace más narrativo Pero sigue manteniendo un estilo muy personal Los temas de su vida son los temas de sus películas Drogas, suicidios, paternidad, cine, desencanto, mayo del 68, imposibilidad del amor… Destaca el uso de la fotografía en blanco y negro, el estudio de los rostros de los actores, el poder simbólico de las imágenes, la catarsis íntima, la obsesión… Otras obras destacadas: Elle a passé tant d’heures sous les sunlights (85), Les baisers de secours (89), J’entends plus la guitare (91), El nacimiento del amor (93), El corazón fantasma (96), El viento de la noche (99), Inocencia salvaje (01), Les amants reguliers (05), La frontera del alba (08), Un eté brulant (11) Oculto durante muchos años, director maldito, descubierto los últimos años

66 Philippe Garrel Le revelateur:
66 Philippe Garrel Le revelateur: Les amants reguliers: La frontera del alba:

67 67 Chantal Akerman Unida a la generación en espíritu, estrictamente no corresponde Belga, que se caracteriza por su cosmopolitismo y viajes por el mundo. Formalismo extremo, experimentación constante Desarrollo de un nuevo tipo de documental, a medio camino entre la autobiografía, el diario de viajes, etc Ha experimentado también con todos los géneros, subvirtiéndolos y ensayando variaciones Cineasta feminista y comprometida políticamente Silencios corpóreos, tiempo sentido Su gran tema es la necesidad de afecto y el aislamiento en el mundo contemporáneo, especialmente de la mujer Muestra la manera en que las rutinas mutan para afectar a lo más íntimo Una película decisiva en la historia del cine por su rigidez formal combinada con la potencia de las ideas y su puesta en escena geométrica: Jeanne Dielman, 23 Quai du commerce, 1080, Bruselas (76) Otras obras básicas: Yo, tú, él, ella (74), News from home (77), Las citas de Anna (78), Noche y día (91), D’est (93), La cautiva (01), La locura de Almayer (11)

68 Chantal Akerman Estructuralismo, geometría espacial: Las citas de Anna
68 Chantal Akerman Estructuralismo, geometría espacial: Las citas de Anna Geometría temporal: Jeanne Dielmann Documental: News from home, La bas, D’est… Ej. News from home:

69 69 Otras nuevas olas

70 70 Free cinema A rebufo de la Nouvelle Vague, pero contemporánea en el tiempo Importante en su tiempo, pero apagada con los años y acomodada Menos innovaciones formales que la NV francesa, más social Preocupación por personajes marginales y ambientes proletarios y decadentes Algunos autores siguieron carrera en Hollywood: Tony Richardson: Mirando hacia atrás con ira (58), Un sabor a miel (61), La soledad del corredor de fondo (62), Tom Jones (63) John Schlesinger: Darling (65), Lejos del mundanal ruido (67), Cowboy de medianoche (69), Marathon Man (76) Jack Clayton: Un lugar en la cumbre (59), Suspense (61) Karel Reisz: Sábado noche, domingo mañana (60), La mujer del teniente francés (81) Lindsay Anderson: El ingenuo salvaje (63), If… (68) Ejemplo. La soledad del corredor de fondo

71 Nuevos cines del este: Checoslovaquia
71 Nuevos cines del este: Checoslovaquia La Primavera de Praga fue muy influyente no solo para el cine checo Surgieron películas formalmente arriesgadas y muy subversivas en contenido Las margaritas (Vera Chtylova, 1966) “El mundo está corrompido…, nosotras también lo estaremos” Se siguió la tradición del cine de animación Trnka y Svenkmajer Ironía, gran sentido del humor. Imaginería visual También algunas películas blandas y con tics de la época Algunos se acomodaron después a Hollywood, como Milos Forman Autores principales: Milos Forman: Concurso (64), Los amores de una rubia (65), Horí, má Panenko (67), Alguien voló sobre el nido del cuco (75), Amadeus (84), Jiri Menzel: Trenes rigurosamente vigilados (66), Alondras en el alambre (90) Herz: El incinerador de cadáveres (69) Jan Nemec: Diamantes de la noche (64) Ivan Passer: Iluminación íntima (65) HUNGRÍA  M. Jancso: Los rojos y los blancos (67)

72 Nuevos cines del este: Polonia
72 Nuevos cines del este: Polonia Las nuevas olas europeas y el despertar de los países del este a raíz de la Primavera de Praga hicieron surgir importantes cineastas polacos. Roman Polanski El polaco más popular. Autor muy personal con gran tirada comercial Retrato de lo oculto, lo turbio, lo misterioso, y profunda ironía El cuchillo en el agua (62), Repulsión (65), La semilla del diablo (68), Chinatown (74), El quimérico inquilino (76), Frenético (88), Lunas de hiel (92), La muerte y la doncella (94), El pianista (02), El escritor (10) Andrej Wajda Cine social e histórico, muy ético y riguroso en fondo y forma Cenizas y diamantes (58), Danton (82), Katyn (07) Kristof Kiesloswki Posee una capacidad poética muy especial Gran simbolismo y belleza plástica combinado con crítica social. Extrae lirismo de la realidad más cruda. Su cine se estilizó con los años Decálogo (80’), La doble vida de Verónica (91), Azul (93), Blanco (94), Rojo (94) Otros: A. Munk (La pasajera, 63), W. Has (El manuscrito encontrado en Zaragoza, 65), Kawalerowicz (Faraón, 66), J. Skolimowski (Zona profunda, 70; La barrera, 66), Zanussi,

73 Nuevos cines del este Las margaritas (V. Chtylova, 1966)
73 Nuevos cines del este Las margaritas (V. Chtylova, 1966) El manuscrito encontrado en Zaragoza (W. Has, 1965) Repulsión (Polanski, 1965) Ejemplos escenas. Análisis. Ecos y resonancias La semilla del diablo (Polanski, 1968) Deep End (Skolimowski, 1970) Tres colores: rojo (Kieslowski, 1994)

74 Otros europeos: Antonioni
74 Otros europeos: Antonioni Conceptos clave del individuo del siglo XX: Incomunicación, alienación Uso de campos vacíos y tiempos muertos Empleo del silencio como elemento enfático El espacio se convierte en personaje, con entidad dramática Personajes sensibles (reales) al espacio, la luz, el color, cualquier estímulo Estética para una ruptura emocional Primera etapa de aprendizaje, heredera del neorrealismo: Las amigas (1955), El grito (1957) Trilogía de la incomunicación: La aventura (1960) marca el paso de la figuración a la abstracción La noche (1961) y El eclipse (1962) Decisiva en la historia del cine Cambia la percepción del espacio y el tiempo, que dejan de ser elementos contextuales Madurez, exilio y declive: Desierto rojo (1964), Blow up (1966), Zabriskie point (1970)… Ejemplos:

75 Otros europeos: Fellini
75 Otros europeos: Fellini Etapa neorrealista Mundo personal contenido Los inútiles (1953), La Strada (1954) Transición: Las noches de Cabiria (1957) Imaginación, magia, mundo onírico, aún dentro de un marco realista Etapa personal Desata sus obsesiones y mundo personal Gran barroquismo visual Pérdida de narratividad, deformación de la realidad Gusto por el exceso, los sueños, los traumas personales, la creatividad… La dolce vita (1960), Ocho y medio (1963), Amarcord (1973) Etapa de madurez y decadencia. Manierismo de sus propias propuestas Cine autocomplaciente, pero con destelles de genialidad Ejemplos: Amarcord: Ocho y medio:

76 Otros europeos: Tarkovsky
76 Otros europeos: Tarkovsky Ruso, introspectivo, continua búsqueda de la condición humana Preocupación filosófica y metafísica “Esculpir en el tiempo” Creador un ritmo muy lento, hipnótico Su estilo lo convierte en místico Estética muy pictórica, planos muy largos, muy poético, sensorial Presencia de símbolos, carga autobiográficas sensaciones muy personales Obra breve: sólo 7 largometrajes La infancia de Iván (1962) es su película más accesible Andrei Rublev (1966), Solaris (1972), El espejo (1975), Stalker (1979) Nostalgia (1983), Sacrificio (1986) Ejemplo: Stalker: Solaris:

77 Otros europeos: Pasolini
77 Otros europeos: Pasolini Siempre un outsider, artista total Escritos, cineasta, poeta, comunista, homosexual… Asesinato aún no aclarado Prolonga el neorrealismo y lo lleva lo más lejos posible: Accattone (1961) y Mamma Roma (1962) Rompe con el neorrealismo: estética personal, más austera Lectura marxista de la Biblia: El evangelio según San Mateo (1964) Provocador, desenmascara a la burguesía Parábolas izquierdistas, grandes retratos de la condición humana Pajaritos y pajarracos (1966), Edipo Rey (1967), Teorema (1967) El decamerón (1971), Cuentos de Canterbury (1972), Las mil y una noches (74) Cierra su carrera con una película devastadora sobre los peligros de los totalitarismos y el fascismo: Saló o los 120 días de Sodoma (1975) Ejemplo. Accattone: accattone.mp4 Ejemplo. Teorema: Ejemplo. Saló:

78 Nueva ola japonesa: generalidades
78 Nueva ola japonesa: generalidades Tradicionalmente eclipsada por la Nouvelle Vague, a la que siempre estuvo ligada en occidente En realidad, no surgió a su rebufo, sino en paralelo, o incluso antes Hoy se empieza a hacer justicia La ruptura radical con los clásicos Ozu, Mizoguchi, Kurosawa… A diferencia de la NV, huyeron de cualquier modelo de su país, pero mantuvieron un fondo profundamente japonés, pero sin convencionalismos Preocupación social y gran compromiso político Radicalidad y transgresión en todos los sentidos, formal y temático Temas recurrentes: la rebelión de la juventud, la represión moral de la sociedad japonesa, el sexo libre, el descontento político, levantamiento contra padres Formalmente también una gran transgresión especialmente Oshima. Yasuzo Masumura Fue el engarce de los clásicos y las productoras niponas con los nuevos Trabajó en géneros muy variados. Cine muy perturbador Seisaku’s wife (65), A wife confesses (61), Red angel (66), Manji (64), Blind Beast (69)

79 Nueva ola japonesa: miembros principales Nagisha Oshima
79 Nueva ola japonesa: miembros principales Nagisha Oshima El más importante y famoso del movimiento, también el más radical Su obras escandalizaban en todos los sentidos Su atrevimiento formal sigue sorprendiendo: uso de la elipsis, montaje, deconstrucción de personajes, collages visuales, uso enfático del color… Historias crueles de juventud (69), Noche y niebla en Japón (60), Diario de un ladrón de Shinjuku (68), Murió después de la guerra (70), La ceremonia (71), El imperio de los sentidos (76), Gohatto (99) Shohei Imamura El que alcanzó mayor popularidad en occidente, con premios en festivales La mujer insecto (63), Los pornógrafos (66), La venganza es mía (79), La balada de Narayama (83), Lluvia negra (89), La anguila (97) Y. Yoshida: anti-cine, anti-melodrama Estilo muy lírico y evocador, gran uso del blanco y negro y de la luz, encuadres Rebelión de la juventud y política, como Oshima Rokudenashi (60), La mujer del lago (66), The affair (67), Affair in the snow (68), Eros plus masacre (69), Purgatorio heroico (71), Mujeres en el espejo (02) Extremos: violencia y sexo: Suzuki y Wakamatsu

80 Nueva ola japonesa Historias crueles de juventud (Oshima, 1960)
80 Nueva ola japonesa Historias crueles de juventud (Oshima, 1960) Funeral parade of roses (Matsumoto, 1970) Blind beast (Masumura, 1969) Purgatorio heroico (Yoshida, 1970)

81 Brasil y el Cinema Novo Influencia Neorrealismo y Nouvelle Vague
81 Brasil y el Cinema Novo Influencia Neorrealismo y Nouvelle Vague Compromiso social y político: historia y presente Psicodelia y delirio, remodelación genérica Nelson Pereira Dos Santos Patriarca, gran compromiso social Vidas secas (63) Glauber Rocha El más importante y polémico del movimiento Dios y Diablo en la tierra del Sol (64), Terra em Transe (67) Otros: Joachim Pedro de Andrade y Ruy Guerra Influencia domesticada actual: Walter Salles y F. Meirelles

82 82 Nuevo cine alemán Surge tras el estancamiento del cine alemán de postguerra Manifiesto de Oberhausen Influencia Nouvelle Vague y filosofía de la Escuela de Frankfurt Preocupación por el devenir del país, fuerte crítica social Individualismo, importancia problemas de la juventud Fuerte estilización visual, entre teatralidad y naturalismo Planos largos, importancia de la interpretación W. Herzog: Aguirre (73), Fitzcarraldo (82), Grizzly Man (05) W. Wenders: Alicia en las ciudades (74), París, Texas (84) A. Kluge: Trabajo ocasional de una esclava (73) Straub/Huillet: Crónica de Anna Magdalena Bach (68) W. Schroeter: La muerte de María Malibrán (72) Syberberg: Hitler, una película sobre Alemania (77)

83 R. W. Fassbinder El más importante y popular del movimiento
83 R. W. Fassbinder El más importante y popular del movimiento Convertido él también en personaje, carismático y polémico Extremo, apasionado, homosexual, comunista Muy prolífico, influencia teatral, melodrama, Sirk, excesivo, gay Uso del color, barroquismo, fuerza intérpretes, pasión... Convertido en mito por su temprana muerte Gran influencia en directores actuales, como Almodóvar Figura femenina, relaciones de dominación, preocupación débiles Katzelmacher (69), Las amargas lágrimas de Petra von Kant (72), Todos nos llamamos Alí (73), Effie Briest (74), La ley del más fuerte (74), Un año con trece lunas (78), Berlín Alexanderplatz (80), La ansiedad de Veronica Voss (80), Querelle (80) Autorretato en Alemania en Otoño: Las amargas lágrimas de PvK: La ruleta china:

84 Underground neoyorquino y experimental
84 Underground neoyorquino y experimental Cine a contracorriente Provocación, reacción contra lo establecido Cine no narrativo, múltiples mutaciones y diversificaciones Muy bajo presupuesto, medios caseros, hacia el videoarte... Siguen estela de Maya Deren y John Cassavettes Nueva York: Jonas Mekas: diarios filmados. Walden (69) Andy Warhol: experimentación en los límites. Chelsea girls (68) Stan Brackage: abstracción, manipulación física del celuloide. Dog Star Man (62) Ken Jacobs, Michael Snow (Wavelength), etc. También producción underground en California (LA y SF): Kenneth Anger: Underground de Hollywood. Scorpio Rising (64) Wavelength (Snow): Text of light (Brackhage): Walden (Mekas):

85 85 Nueva ola taiwanesa Tardía, años 80, debido a situación política de Taiwán Nueva ola asiática más importante tras Nuberu Bagu Preocupación por la identidad taiwanesa, turbulencias históricas, occidentalización, intimismo, gran influencia cine autor europeo Hou Hsiao Hsien Clave en el cine contemporáneo, indagación en el pasado y costumbres sociales. City of sadness(89), Millenium Mambo(01) Ej: Summer at grandpa.mp4 ; Millenium Mambo: Edward Yang Lugar incómodo en su industria, preocupado por la actualidad, intimidad. Terrorizer(86), A Brighter Summer Day(91), Yi Yi(00) Yi Yi: Terrorizers: Tsai Ming Liang 2ª nueva ola taiwanesa, irrumpió en los 90. Más desenfadado e irónico. Tempo extremadamente lento. Vive l'amour (94), What time is it there (01), El sabor de la sandía (05) Ej. The hole:

86 Cine moderno americano
86 Cine moderno americano

87 Cine moderno americano
87 Cine moderno americano Nace de dos vías Generación de la TV, herederos de la narratividad de Hollywood Nuevas olas europeas y Escuela de Nueva York John Cassavetes es el padre del cine independiente Sam Peckinpah modernizó western, acción, violencia: Duelo en Alta Sierra (62), Grupo salvaje (69), Perros de paja (71), La huida (72) Confluye todo en la generación de los 70: Fin del sistema de estudios: nuevo Hollywood, que necesitaba regenerarse Preocupación por nuevos temas, mayor realismo, incorporación de conquistas de las vanguardias y nuevas olas a un cine más narrativo y comercial Hollywood se abre a los autores, les de libertad total Algunos se acabaron asimilando al mainstream Coppola, Scorsese, de Palma, Cimino, Friedkin, Spielberg, Lucas

88 John Cassavetes Padre del cine independiente americano
88 John Cassavetes Padre del cine independiente americano Formado en teatro, en el “método”, fue actor toda su carrera Actor en películas comerciales para “pagar” sus arriesgadas obras como director Cine de la improvisación: Shadows (59), su primera película Gena Rowlands, pareja y actriz fetiche. Ben Gazzara y Peter Falk también eran sus habituales La vida real se cuela en sus obras, de gran autenticidad y desgarro Angustia del mundo filmada con honestidad moral y cámara en mano. Característicos sus primeros planos Otras obras esenciales: Faces (68), Maridos (70), Así habla el amor (71), Una mujer bajo la influencia (74), El asesinato de un corredor de apuestas chino (76), Opening Night (77), Love Streams (84)... Ejemplos: Shadows: Una mujer bajo la influencia: Opening night:

89 Ejercicio práctico Propósito de John Cassavetes:
89 Ejercicio práctico Escena de Una mujer bajo la influencia, de John Cassavetes Una mujer bajo la influencia: Propósito de John Cassavetes: Transmitir el dolor de la protagonista sin manipulación emocional del espectador y sin coartadas sentimentales. Alternativa 1: Transmitir el dolor de la mujer emocionando a toda costa. Alternativa 2: Describir el hecho de manera objetiva. Alternativa 3: Transmitir el juicio moral de la sociedad sobre la madre Alternativa 4: Transmitir la injusticia social de que la madre haya estado separada de sus hijos.

90 La regeneración del cine americano (70’)
90 La regeneración del cine americano (70’) 3 grandes grupos de cineastas (clasificación de Mark Cousins): Satíricos Frank Tashlin Mike Nichols: Milos Forman Disidentes Robert Altman: Dennis Hopper: Easy Rider F. F. Coppola Scorsese: “Luchábamos por abrir la forma” Brian de Palma Woody Allen Asimilacionistas Bogdanovich Spielberg y Lucas ¿Malick? Clint Eastwood

91 91 Martin Scorsese Su carrera se desarrolló en los márgenes de Hollywood, pero nunca desligado del todo. Estilo personal, brillante, en ocasiones excesivo Grandes travellings, uso de la música, color psicologista Preocupación por la redención, la religión, el fracaso Temas ligados a Paul Schrader, su guionista de los 1os años Cineasta del individualismo, formación personal Actores fetiche, ¿alter ego? Robert de Niro, L. di Caprio Gran cinefilia, sobre todo clásicos de Hollywood e italianos Reformulación de los géneros de Hollywood, con una mayor preocupación psicológica en un primera etapa Malas calles (73), Taxi driver (76), Toro salvaje (80), Jo, qué noche (85), Uno de los nuestros (90), La edad de la inocencia (93), Casino (95), Al límite (99) Who’s knocking on my door: Malas calles: Taxi driver: Jo, qué noche: Su última etapa, más mercantilizada y nostálgica, inferior Gangs of NY (02), Infiltrados (06), Shutter Island (10), Hugo (11)

92 F. F. Coppola Director megalómano y personal
92 F. F. Coppola Director megalómano y personal Al revés que Scorsese, se ha ido alejando de Hollywood Ha alternado películas personales con otras comerciales Sus obras cumbre son El padrino (72), El padrino II (74) y Apocalipse now (79) El padrino: Su película más autoral, La conversación (74), influida por Antonioni Brillantez visual y escénica, puesta en escena operística, preocupación por lo oculto, el lado oscuro Grandes fracasos que quebraron su productora: Corazonada (82) Otras películas importantes: Llueve sobre mi corazón (69), Rebeldes (83), La ley de la calle (83), Cotton club (84), Drácula (92), Juventud sin juventud (07), Tetro (09).

93 Woody Allen La comedia moderna americana pasa por él
93 Woody Allen La comedia moderna americana pasa por él Empezó solo como cómico, luego ganó seriedad y madurez 2 polos de influencias: cine clásico de Hollywood y cine europeo: Bergman y Fellini Preocupaciones constantes: neurosis, judaísmo, psicoanálisis, relaciones de pareja, sexo, intelectualismo, culpa, azar 1ª etapa. Comedia sin pretensiones: Toma el dinero y corre (69), Bananas (71), La última noche de Boris Gruschenko (75)... (Sueños de seductor (72) ) 2ª etapa. Diane Keaton. Annie Hall (77), Interiores (78), Manhattan (79) Annie Hall: Manhattan: Tercera etapa. Mia Farrow: Zelig (83), La rosa púrpura de El Cairo (84), Hannah y sus hermanas (86), Días de radio (87), Septiembre (87), Otra mujer (88), Delitos y faltas (89), Alice (90), Maridos y mujeres (92) Otra mujer: Cuarta etapa. Reciclaje: Misterioso asesinato en Manhattan (93), Balas sobre Broadway (94), Desmontando a Harry (97), Acordes y desacuerdos (99), Match point (05), Vicky Cristina Barcelona (08), Midnight in Paris (11)

94 Brian de Palma y el cine postmoderno
94 Brian de Palma y el cine postmoderno Maestro del plano secuencia y las set-pieces, barroquismo en la puesta en escena y el movimiento de cámara Bases: Hitchcock, Godard y Polanski Voyeurismo, pantallas partidas, referencias cinéfilas constantes Puesta en duda del concepto de clasicismo: reciclaje Obras principales: El fantasma del paraíso (74), Fascinación (76), Carrie (76), Vestida para matar (80), Impacto (84), El precio del poder (83), Doble cuerpo (84), Los intocables (87), Atrapado por su pasado (93), Misión imposible (96), Femme fatale (02), La Dalia negra (06), Redacted (07) Vestida para matar: Ridley Scott: carrera errática, pero con dos obras maestras: Alien (77) y Blade Runner (82), cumbre del ciberpunk

95 95 Spielberg y Lucas Se convirtieron en la piedra angular del Nuevo Hollywood Incorporaron tecnología y recursos audiovisuales de la modernidad a una narrativa eminentemente clásica y literaria. Ambos productores y directores, muchas veces asociados Spielberg, “Rey Midas” de Hollywood Lucas como director tiene una carrera breve. Creador de la saga Star Wars. Consagración pre-mainstream: American Graffiti (73) Spielberg, siempre dentro de la máxima comercialidad Alterna películas sin pretensiones con otras que vuelcan sus preocupaciones Nunca ha dejado de ser un niño Duel (72), Tiburón (75), Encuentros en la 3ª fase (77), En busca del arca perdida (77), ET (82), El color púrpura (85), Parque Jurásico (93), La lista de Schindler (93), Salvar al soldado Ryan (98), AI (01), Minority Report (02), Munich (05)

96 Terrence Malick Perfeccionista, misántropo
96 Terrence Malick Perfeccionista, misántropo Panteísmo, naturaleza, creación Thoreau, paraíso perdido, búsqueda de los orígenes Walt Whitman Filosófico y poético, con un mundo muy personal 1) Primera etapa: celuloide Malas tierras (73) Días del cielo (78) La delgada línea roja (98) El Nuevo Mundo (05) 2) Segunda etapa: digital El árbol de la vida (11) y To the Wonder (12)

97 97 Clint Eastwood Último clásico de Hollywood (estilo eminentemente narrativo) Tras su éxito como actor con Leone y Siegel, pasa a la dirección Ha tocado casi todos los géneros Aparte de Leone y Siegel, gran influencia de John Ford y D. Lean Importancia de la música (jazz y country) Utiliza el estilo clásico de Hollywood para desmitificar clichés temáticos y genéricos Sin perdón (92) termina el trabajo de Ford en Liberty Valance (62) Otras obras principales: Escalofrío en la noche (71), Breezy (73), El fuera de la ley (76), El aventurero de medianoche (82), El jinete pálido (85), Bird (88), Cazador blanco, corazón negro (90), Un mundo perfecto (93), Los puentes de Madison (95), Deuda de sangre (02), Mystic River (03), Million Dollar Baby (04), Gran Torino (08), Más allá de la vida (10) Million Dollar Baby:

98 En aquel Imperio, el Arte de la Cartografía logró tal Perfección que el Mapa de una sola Provincia ocupaba toda una Ciudad, y el Mapa del Imperio, toda una Provincia. Con el tiempo, estos Mapas Desmesurados no satisficieron y los Colegios de Cartógrafos levantaron un Mapa del Imperio, que tenía el Tamaño del Imperio y coincidía puntualmente con él. Menos Adictas al Estudio de la Cartografía, las Generaciones Siguientes entendieron que ese dilatado Mapa era Inútil y no sin Impiedad lo entregaron a las Inclemencias del Sol y los Inviernos. En los Desiertos del Oeste perduran despedazadas Ruinas del Mapa, habitadas por Animales y por Mendigos; en todo el País no hay otra reliquia de las Disciplinas Geográficas. “Del rigor en la ciencia”. Jorge Luis Borges